Mostrando entradas con la etiqueta Latin jazz. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Latin jazz. Mostrar todas las entradas

EL SAN FRANCISCO DE MIGUEL ZENON

MIGUEL ZENÓN, Golden City (Miel Records,2024)

Hoy escuchamos el nuevo proyecto del compositor y saxofonista ganador del Grammy Miguel Zenón. Innovador constante, revisionista incansable del jazz latino, nos sorprende en este álbum con una suite donde hace un homenaje al Área de la Bahía (de San Francisco, naturalmente), proyecto encargado por la SFJAZZ (Zenón lleva 15 años colaborando con el SFJAZZ Collective) y la Fundación Hewlett, suponemos que no pudo resistirse a un proyecto que requería una cuidada investigación: el repertorio hace un repaso poliédrico a la historia de San Francisco, desde la era precolonial hasta la actualidad, para lo cual se documentó a través de más de 50 entrevistas.

Desde la intro elegíaca de "Sacred Land", con su solo, hasta el tema que cierra el álbum ("Golden"), que comienza muy mingusiano y deriva en una explosión de ritmos portorriqueños inspirados en estéticas como las de Rubén Blades o Willie Colon, Zenón construye melodías alrededor de hechos como la Fiebre del Oro, la prohibición de inmigración de ciudadanos chinos o los distritos culturales, siempre con su propia filosofía, desafiando cánones armónicos y estéticos.

Foto: Herminio
Con un grupo bien ensamblado donde tiene un gran protagonismo el guitarrista Miles Okazaki, Zenón incluye al pianista Matt Mitchell y al baterista Dan Weiss, habituales de su trío, además de al bajista Chris Tordini, que a veces amplía ese trío a cuarteto. El paso adelante es el percusionista de Puerto Rico Daniel Díaz, que aporta un toque exótico y callejero al combo. Junto a ellos Zenón crea esos ambientes musicales inspirados en la plena portorriqueña sobre los que puede improvisar sin cortapisas, con un sonido envolvente, seductor y rico en texturas gracias a la adición de más instrumentos de viento de lo esperado (Diego Urcola, trompeta y trombón de válvulas; Alan Ferber, trombón; Jacob Garchik, tuba y trombón).

El álbum, en conjunto, resulta épico, no solo por la intención histórica y el sonido, caleidoscópico, abrumador, sino porque Zenón, como instrumentista, está aquí deslumbrante.

La presentación oficial del álbum será el próximo 14 de noviembre en el Miller Theatre de la Universidad de Columbia, Nueva York.


* Web oficial: miguelzenon.com


NINE, NINE, NINE

RAÚL SAINZ DE ROZAS, 999 (Errabal Jazz, 2024)

Raúl Sainz de Rozas es uno de esos guitarristas inagotables cuya carrera viene expandiéndose de lejos. Pionero del jazz en el País Vasco desde los años 80 con grupos como Pork Pie Hat o Infussion y fundador de Funk Collective, lo escuchamos por última vez con Organizing, un cuarteto de guitarra y Hammond con saxo. Formado en guitarra clásica en el Conservatorio “Juan Crisóstomo de Arriaga” de Bilbao, estudió posteriormente con profesores de la talla de Joe Pass, Carlos Gonçalvez y Kurt Rosenwinkle. Con esta feliz dualidad, ha sido docente de guitarra clásica y de jazz en la Escuela de Música “Andrés Isasi” de Getxo y en el Conservatorio Superior “Musikene” de San Sebastián. Fruto de toda esta experiencia es su nuevo disco, titulado 999 (Nine, Nine, Nine), primero a su nombre, un ejercicio de heterogeneidad donde une estas dos sensibilidades estéticas, resultando un disco de un eclecticismo lleno de elegancia. 


Andrej Olejniczak (saxo), Juan Luis Castaño (batería), Javier Mayor (contrabajo), César Giner (bajo eléctrico) y Nika Bitchiashvili (violín) le acompañan en estas grabaciones, donde podemos escuchar estéticas muy diversas. El disco comienza, por ejemplo, con un tema a guitarra sola ("Diciembre"), a caballo entre guitarra clásica, notas de blues y buscando una estética contemplativa a lo Pat Metheny... También hay temas funk ("Mic Mic", con un fantástico solo lleno de distorsiones), dos composiciones originales que rinden homenaje a quien fue su profesor, Joe Pass ("Lord Castle", lleno de citas, y "Olga decir") o a otro maestro más moderno como es Steve Swallow (interpretando su "Falling Grace" sin acompañamiento), referencias clásicas ("Variaciones sobre Alice in Wonderland", "Vals de las nubes calladas"), ritmos brasileños ("Samba do Lidia") donde tanto sus acordes de acompañamiento como su solo sincopado justifican la escucha, malabarismos manouche ("Al Faro"), incluso free jazz: el tema que da título al álbum ("999") es un contrafact de aquel inquietante collage de The Beatles que se llamó "Revolution 9", acercando aquel tema experimental al free jazz (porque aquí sí suenan instrumentos).

Un repertorio escurridizo pero matizado con el estilo personal de Sainz de Rozas, contemporáneo sin renunciar a la tradición, sofisticado por la complejidad, buscando siempre la armonía que sorprende, el acorde inesperado, el equilibrio en la dificultad... No es un disco fácil de escuchar, en especial porque es muy heterogéneo, pero contiene tantas influencias y tanto virtuosismo que engancha.



* Más info: raulsainzderozas.es

VIBRANTE

DANIEL GARCÍA TRÍO, Wonderland (ACT, 2024)

Este vibrante Wonderland es el tercer álbum del pianista Daniel García en el sello alemán ACT, o, mejor dicho, de su trío, completado por el bajista Reinier Elizarde 'El Negrón' (ganador de dos Latin Grammys) y el baterista Michael Olivera, dos músicos cubanos que se afincaron en España y que hoy son imprescindibles en la escena musical española, a la que han aportado su acento. Juntos profundizan en la filosofía mestiza de Daniel García y en este álbum no solo "hablan" con acento flamenco sino que introducen términos musicales caribeños y del este de Europa. El guitarrista israelí Gilad Hekselman participa en uno de los temas ("Wonderland") con un solo muy acertado.

Daniel García (Salamanca, 1983) es un músico que comenzó estudiando piano clásico en el Conservatorio de Castilla y León para después formarse en la Berklee College of Music de Boston, donde tuvo como profesor y mentor al panameño Danilo Pérez, quien claramente le legó esa visión ecléctica del jazz que muestra en su trío. En 2011 recibió el premio a la mejor interpretación de jazz en Berklee y comenzó una carrera que le ha llevado a tocar junto a grandes nombres del panorama jazzístico actual, como Arturo Sandoval, Greg Osby, Perico Sambeat... 

A lo largo del álbum se percibe que Daniel García es un pianista que no reniega de las influencias. Con la técnica perfeccionista de la música clásica, sus composiciones sorprenden con aristas cambiantes que nos aproximan a armonías orientales o caribeñas según el caso, juegando con cadencias, giros, improvisaciones... todo ello con la libertad de la experiencia y con la complicidad de un trío que lleva muchos años funcionando y donde la interacción se percibe orgánica, fluida, natural y llena de energía. 


Con sonidos clásicos y armonías inesperadas, nos sorprende con "Paz", un tema lento y lírico donde, sin embargo, subyace una cierta tensión. Es la intro perfecta para entender toda la amalgama musical de la que hablábamos. Los ritmos caribeños están presentes en "Witness the Smile" o "Gates to the Land of Wonders", por ejemplo, tema donde la velocidad y el ostinato convierten la composición en un desafío exigente y lleno de fuerza que se rompe por fases para dar lugar a momentos líricos, algo que predomina en todo el álbum y que permite a Daniel García moverse en registros emocionales ("Mi Bolita", "You and Me", "A Little Inmensity"...). En "Wonderland" responde a esta poética el guitarrista Gilad Hekselman con un solo que acerca al trío al jazz rock mientras que sección rítmica y piano aportan un toque folk que recuerda más a las fusiones en grupos de folk-rock de los 70.

Jugando con timbres y ritmos, el disco evoluciona por complejos mapas estéticos donde nada es seguro pero todo es cierto, porque la magia de estas fusiones está en que nace de manera natural de los miembros del trío, y termina redondeando una obra personal y distinta, tan compleja como placentera de escuchar. Daniel García ha sabido traer todas sus influencias musicales e instalarlas en el contexto siempre receptivo (pero no fácil) del jazz. Y lo hace con solvencia. 

No disponemos de ningún vídeo del nuevo álbum, pero les dejamos uno de su particpación en Jazzahead! 2022 con temas de su segundo álbum, Vía de la Plata (ACT, 2021). Que lo disfruten.



* Web de Daniel García: www.danielgarciadiego.com




JAZZ MITOLÓGICO

XABI OLKOZ 4et, Eguzkilore (Errabal Jazz, 2024)

No nos cansamos de afirmar que el jazz, que nació de la mezcla de folkores africanos y españoles, ambos importados a la América caribeña y luego a la del norte  (la evolución es mucho más compleja, pero valga el resumen) se fusiona sin complejos con cualquier música tradicional de cualquier parte del mundo (flamenco, klezmer, tango... la lista es interminable). El baterista y compositor Xabi Olkoz lo sabe y juega con esta premisa en su primer trabajo como líder, Eguzkilore, donde "escenifica" historias de la mitología navarra a ritmo de un jazz con elementos de música tradicional, zorcicos y una estructura narrativa.

Xabi Olkoz es un músico navarro nacido en Tafalla que lleva tiempo sobre los escenarios, trabajando a la sombra de músicos de jazz (David Pastor) y pop. En este álbum le acompañan el pianista Bernardo San Martin, el saxofonista Jon Zufiaurre (Iseo & Dodosound, Tafajazz) y el contrabajista Jorge Sánchez (Alana Sweetwater, Jason Kipe). Con estos músicos, Olkoz se inspira en la flor eguzkilore, una planta perenne que se considera protectora del hogar, ya que, según la leyenda, los espíritus malignos no pueden entrar hasta contar el número de sus incontables hojas...

Desde el arranque del primer tema del álbum, con ese piano dramático y misterioso, notamos que estamos ante un disco que cuenta una historia. A lo largo de los 7 temas vamos conociendo a 7 seres mitológicos que, como en todas las leyendas, conformar el mundo. "Gaueko", personificación de los númenes y espíritus malignos nocturnos, es presentado con un tema oscuro, con un discurso especulativo del saxo y los instrumentos rítmicos. "Mari", la diosa protectora, nos llega a través del saxo con una melodía tradicional que se transforma en jazz en el solo de piano. Después aparece "Ilargi", personificación de la luna, que aporta cierta luz en un tema a tempo medio marcado por una batería inquieta, optimista, y momentos líricos como el solo de contrabajo. 



También encontramos temas llenos de energía como "Ekhi", un tema sobre la hija de Mari que creó la luz y el día, lo que se traduce en un tema vertiginoso con la sección rítmica al 100% acompañando a un saxo absolutamente adictivo que deja paso a un solo de piano y, finalmente, a un vibrante solo de batería; jazz en estado puro que es una excepción en este disco lleno de fusiones. "Amalur", la Madre Tierra, cuenta su historia con una melodía de aires latinos, con una percusión juguetona y seductora, un saxo que hace el tema cantable y un solo de piano energético (aunque nos ha seducido más el de "Eguzkilore", con sus cambios de ritmo y su juego durante el solo de batería). Como toda mitología, el disco termina con un final feliz: el mundo tal como lo conocemos, con la vida separada entre día y noche, final narrado por el saxo de Zufiaurre con un discurso de inspiración folk que dialoga con el contrabajo, que tiene un solo lírico, profundo, casi de guitarra, contestado por el piano... para terminar en una explosión rítmica donde la batería lleva al cuarteto a un final festivo.

Resumiendo, Xabi Olkoz ha grabado en su primer trabajo como líder un disco singular, lleno de matices y significados, donde podemos escuchar a un cuarteto de jazz bien armado, composiciones con buenos momentos y musicalmente brillantes. No se puede pedir mejor carta de presentación.





 Más info: https://hotsak.eus/es/artistas/xabi-olkoz-4et/

CALEIDOSCOPIO

FELIPE SALLES INTERCONNECTIONS ENSEMBLE,
Home Is Here (Tapestry, 2023)

Tras su The New Inmigrant Experience, publicado en 2020, Felipe Salles sigue incidiendo como compositor en la inmigración como leitmotiv de su obra y como base de su música, tan mestiza como el jazz en sí. Su Interconnections Ensemble, inaugurado con The Lullaby Project (2018) reúne a 19 músicos de diferentes orígenes y un punto de vista tan heterogéneo que se adapta perfectamente a la sincrética filosofía musical de Salles. 

Nacido en São Paulo, Felipe Salles es, desde 2010, profesor asistente de Jazz and African-American Music Studies en la University of Massachusetts Amherst. Desde que comenzó a tocar en 1995, se ha subido a los escenarios con gente de la talla de Randy Brecker, David Liebman, Melissa Aldana, Lionel Loueke, Jerry Bergonzi... y ha girado por Europa, India, Australia y toda América como líder y como sideman. Home is Here es el tercer álbum de su Interconnections Ensemble. 


Foto: Jeff Schneider

Los ocho temas que presenta en su nuevo disco comienzan con el singular sonido del clarinete de Paquito D'Rivera, mezcla de jazz y música clásica, con una reinvención ("Re-Invention") de un tema de Bach, que se mueve por momentos a ritmo de tango, de chorinho brasileño o de sones cubanos. Entre esa reinvención y el final, una tensa melodía donde el elocuente saxo tenor de Melissa Aldana nos arrastra como un hábil narrador de historias, hay media docena de temas en los que confluyen folkores, polirritmias y tantos sabores como cabría esperar. Un caleidoscopio, en definitiva, como los que suele dibujar en sus partituras Felipe Salles, adornado con los colores de invitados como cantantes como Magos Herrera, la argentina Sofia Rei, el saxofonista francés (de Guadaloupe) Jacques Schwarz-Bart, la fliscornista australiana Nadje Noordhuis, el saxofonista y percusionista cubano Yosvany Terry y el guitarrista brasileño Chico Pinheiro, amigo de Salles desde la infancia. 




Además de los solistas e invitados, estos son los músicos que Salles dirige en su Interconnections Ensemble: 

Viento madera:
Jonathan Ball, saxos alto y soprano, flauta y piccolo
John Mastroianni, saxos alto y soprano, flauta y clarinete
Mike Caudill, saxos tenor y soprano, flauta y clarinete
Carl Clements, saxos tenor y soprano, flauta y flauta alta
Tyler Burchfield, saxo barítono y clarinete bajo

Trompetas y fliscornos:
Don Clough
Jeff Holmes
Seth Bailey
Bill Fanning
Jerry Sabatini

Trombones:
Clayton DeWalt
Randy Pingrey
Bob Pilkington
Angel Subero


Sección rítmica:
Kevin Grudecki
, guitarra
Luke Giavanovits, vibráfono
Nando Michelin, piano
Keala Kaumeheiwa, bajo
Bertram Lehmann, batería y percusión

* Más info: www.sallesjazz.com

TRÍO DE FLAUTA Y HAMMOND

ISABELLE BODENSEH, Flowing Mind (GLM Records, 2023)

El trío de Hammond (órgano, guitarra y batería) tiene habitualmente como invitado al saxo tenor, pero este álbum enfrenta a dos instrumentos de tímbrica peculiar, el Hammond y la flauta. Y vale la pena escucharlo no solo por lo inusual sino por el resultado. La flautista Isabelle Bodenseh nos ofrece en Flowing Mind ese contraste moviéndose en todos los rangos del instrumento (también en la flauta baja) con soltura, expresividad y un swing fabuloso. El disco llega tras el obligado parón de la pandemia y después de más de 30 colaboraciones, dos discos de su grupo Jazz à la Flute y uno a dúo con el guitarrista Lorenzo Petrocca.

Isabelle Bodenseh, mitad francesa mitad alemana, se formó en la música clásica pero entendió pronto que ahí no encontraría la expresión que buscaba. Estudió jazz con James Newton en Los Angeles, buscando en la improvisación su propia voz. Luego fue a Cuba, de donde se ha traído ideas que aparecen en este álbum y que su flauta combina de manera muy inteligente con el trío de órgano formado por Lorenzo Petrocca a la guitarra, Thomas Bauser al órgano Hammond y Lars Binder a la batería . 

Foto: Renée van der Voorden
La guitarra, cuyo lenguaje contrasta tan bien con la cadencia del Hammond, toma la iniciativa en algunas ocasiones con mucha frescura y crea una simbiosis muy interesante con la tímbrica de la flauta, un diálogo que nos trae al recuerdo inevitablemente a aquella colaboración de George Benson con el músico de Return to Forever Joe Farrell (Benson & Farrell, CTI, 1976). Bodenseh, sin embargo, busca una vitalidad distinta en los temas, dejándoles fluir con fuerza. Los aires latinos de algunos temas ("Dog Rose", "ASAP") recuerdan mucho la virtuosa síncopa de Jorge Pardo cuando su flamenco se acerca a aires latinos. Bodenseh tiene, como el español, ese gusto especial por los discursos largos y bien armados. También es capaz de hacer esto mismo con delicadeza en temas más nostálgicos como "Mediterranean Bossa". Hay mommentos fabulosos e intensos como, por destacar alguno, el solo de Bodenseh en "Molecular Cooking" o todo el tema "Chilly Chally", donde sopla con una garra fabulosa, no exenta de funk, un elemento que está presente en casi todo el álbum.

La anécdota cuenta que Isabelle Bodenseh perdió la capacidad de soplar (y respirar) a causa del virus, pero que las ganas de volver a tocar le dieron las fuerzas necesarias para volver y la inspiración para el tema que da título al álbum, ""Flowind Mind".
.

VIPASSANA

RS FAKTOR BASQUE, Equanimity (Errabal Jazz, 2022)

Este es el tercer álbum de RS Faktor, el grupo liderado por el trompetista Rubén Salvador, una formación cambiante que en este álbum se denomina RS Faktor Basque porque todos sus componentes han sido estudiantes del Centro Superior de Música del País Vasco “Musikene”. Esto, ya de por sí, es un marchamo de calidad y, en efecto, en Equanimity escuchamos a un quinteto sólido y de perspectivas muy modernas en el que lo acompañan el saxo tenor Julen Izarra, el pianista Satxa Soriazu (a quien habíamos escuchado en propuestas tan dispares como el cuarteto eléctrico de Kike Arza o el lírico debut de Ennio Pinillos), el contrabajista Aritz Luzuriaga y el batería Hilario Rodeiro

Rubén Salvador (foto: Gustavo Paredes)

Rubén Salvador es un trompetista, fliscornita y docente con una amplia experiencia. Ha grabado y tocado con grandes como Bob Sands, Miguel "Latino" Blanco, Iñaki Salvador... Pero deberíamos empezar diciendo que es un álbum conceptual. En las notas del disco, el propio Rubén Salvador afirma que la inspiración del álbum nace de su descubrimiento de la meditación Vipassana, una de las más antiguas técnicas de meditación de la India que nos ayuda a ver las cosas como son, tratando todos los hechos de la vida (negativos o positivos) por igual, con ecuanimidad. En este sentido, se percibe en el disco una voluntad de meditación, con temas especulativos, pausados, pero también en los temas con más fuerza, donde el tiempo parece detenerse, como el acompañamiento del piano al inicio de "Equanimity" o "Adhitthana".

Paradójicamente, las influencias latinas en las armonías de la trompeta y en los patrones afrobeat utilizados por la sección rítmica contrastan con los títulos de los temas, inspirados en las filosofías hindúes ("Anapana", "Dhamma", "Sankhara"...), lo que provoca un efecto caleidoscópico y multicultural inspirador. 

Un experimento que consolida la formación de Rubén Salvador y que resulta recomendable para todos los oídos.


_____________________________________________
* Más info: www.rsfaktor.com

UN HOMENAJE A MILTON NASCIMENTO

CLARICE ASSAD, Window to the World (Vectordisc, 2022)

Desde que Stan Getz introdujo en el universo del jazz los sones de Brasil, convenciendo a los puristas de cuántos puntos en común tenían la música de Nueva Orleáns y la brasileña, la bossa nova se convirtió en una rama más del jazz. En el disco que estamos escuchando esta noche, las melodías escritas por Milton Nascimento ponen de manifiesto esta relación gracias a los arreglos de la pianista brasileña Clarice Assad y su cuarteto (Franceso Calì, acordeón; Jesper Bodilsen, bajo; Johan Dynnesen, batería). El álbum se llama Window to the World: A Tribute to Milton Nascimento y ha sido grabado entre Copenhague y Rio de Janeiro.

Clarice Assad es una compositora, arreglista, cantante y (más que pianista) multiinstrumentista nacida en Campo Grande (Rio de Janeiro) en 1978 de una familia de músicos (Sergio Assad, Odair Assad, Badi Assad). Formada entre otros lugares en París y Chicago, tiene a sus espaldas una extensa carrera que abarca música de cámara, orquestal, pop. jazz y world music, habiendo sido nominada al Grammy dos veces. En este álbum, canta y toca el piano rindiendo tributo a Milton Nascimento, lo que le proporciona un repertorio de 9 temas en los que puede desarrollar su versatilidad como pianista y arreglista al tiempo que nos permite disfrutar de su voz profunda y caleidoscópica (en algunos temas a dúo con su hermano Rodrigo y con Muato), que incluye recursos que (casi) podríamos llamar scat ("Milagre dos Peixes") y entonaciones dulces (casi pop), como en "Nada será como antes".


El disco comienza con un medley, como si cualquier elección dentro del repertorio de Nascimento fuera insuficiente para mostrar todo lo que Assad quiere mostrar en este álbum. También incluye clásicos como "Clube Da Esquina nº 2", compuesta por Nascimento con su amigo Lô Borges y Marcio Borges, dentro del colectivo que se llamó Clube Da Esquina, que incluía a músicos como  Beto Guedes, Toninho Horta y Flávio Venturini, entre otros, un grupo de músicos y compositores brasileños influenciados por The Beatles y otros grupos de la época, que mezclaban rock and roll, rock progresivo y jazz. 

Nuestro momento preferido del álbum es esta "Cancao do Sal".



___________________________
* Web oficial: clariceassad.com

Advertisement

LA MALDICIÓN DEL RITMO

TELMO FERNÁNDEZ & THE LATIN SOUL BEAT, 
El Maldecido (Color Red, 2022)
Suelo escuchar pocos discos de música latina por un tema pasional que me hace mirar hacia Nueva Orleans (aun siendo del sur) y porque pocos discos de ritmo latino me han enganchado como el que hoy estoy escuchando. El guitarrista gallego Telmo Fernández ha compuesto en El Maldecido una serie de temas cargados de sentimiento y ritmo (¿qué otra cosa es la música latina?) que mezcla en este inesperado repertorio con temas tradicionales. Digo inesperado porque solo conocía a Telmo de discos de jazz y soul grabados con otros músicos. Aquí, cambiando The Soul Jazz Beat por The Latin Soul Beat y manteniendo la misma filosofía de poner en el álbum todo lo que se puede aportar, nos ofrece un discazo de música latina con tantas lecturas como oyentes pueda tener.

Maldecido por el ritmo, Telmo Fernández es un explorador incansable, como se puede escuchar si lo seguís en redes o en las grabaciones que hace con otros artistas. Lo que no sabíamos era que componía y ha elegido un terreno tan alejado del jazz (y tan cercano) como estos aires caribeños que mueven El Maldecido. Porque Telmo ha compuesto y ha escrito letras con un sabor auténtico, llenas de sentimiento y mensaje, y además de la guitara toca el tres macho y hasta hace coros. Todo un cubano (y no hablamos del puro).

Lo mejor del disco son los arreglos. Ahí Telmo se ha dejado la piel. El disco está lleno de referencias, arreglos cambiantes, de los que no aburren y sorprenden a cada nueva estrofa. Suena a bolero, a rumba, a guajira, pero también a a jazz, a funk y a hiphop ("Mis Hermanos Latinoamericanos")... con una sutileza y una solvencia que parece que hubiera nacido al otro lado del Atlántico en lugar de Galicia. La influencia africana suena nítidamente en "Asojano (Arará)", que refleja la persistencia de la tradición africana en los ararás cubanos, o el tema "La Palma", un homenaje a la que es quizás la conexión más clara entre nuestro país y Cuba, de ida y vuelta: África - Cuba - Canarias... 

El guitarrista y educador Rodney Jones alaba la complejidad compositiva y armónica de Telmo Fernández con estas palabras:

His compositions has the modern harmonic sense of a Herbie Hancock with the soulfulness of Stanley Turrentine. A rare combination indeed.
El disco necesita muchas escuchas para captar en profundidad su valor. Del chachachá a los temas más festivos, Telmo Fernández confirma que, dentro de las músicas improvisadas, las músicas latinas tienen mucho que decir (¡qué solos los de "Nereida, La Facultosa" y el bolero "Tierras de Bibijagua"!). Y aplaudimos su creatividad. 

Además de Telmo Fernández, aparecen en el disco los cantantes Yuvisney Aguilar (que también toca timbal y batá), Orisbely Laugart, Piter Carri “El Carri”, Kirenia Martínez y Yadira Ferrer; el trompetista Jorge Vistel; Alejandro Escalera, flauta; Escandaloso Xpósito al saxo alto; Arnaud Desprez al saxo tenor; el trombonista G.B “Mandela” Bell; Ton Risco en el vibráfono; Angelito Herrera a los bongos; Juan Viera a la conga; el pianista Harold Rey; el bajista Yarel Hernandez y Christian Delgado en la batería. 

Un disco muy recomendable al que solo podemos añadir que merece la pena escuchar el tumbao con el que viene Telmo Fernández esta temporada.

AUTÉNTICO SONIDO DE CLUB

CARAMELO DE CUBA, Berlín Live Sessions #1 (2022)

Hace tiempo que no voy al Café Berlín, que cumple 10 años en la Costanilla de los Ángeles, donde se ha consolidado como un referente del jazz en la capital. Este es un hecho que nadie duda y que se afianza día a día, pero el lanzamiento de una serie de discos grabados en vivo en el mismo club lo eleva a otra dimensión, a esa de los locales míticos que aparecen en los títulos de Coltrane, Evans, Rollins... Si ya sonaba excitante leer en una portada Live at Village Vanguard o Live at Ronnie Scott's, respiren hondo porque llega la versión española con Café Berlín Live Sessions. Casi nada.

El artífice de este proyecto es Antonio Sánchez, técnico de la sala que hace aquí las veces de productor y de ingeniero de sonido. Hemos podido escuchar el primer vinilo de la serie, protagonizado por Javier Gutiérrez Masó "Caramelo de Cuba" y es una maravilla. Antonio Sánchez ha conseguido un documento brillante y nítido del concierto realizado por Caramelo de Cuba el 2 de julio de 2021, con una calidad de estudio y, al mismo tiempo, con el calor del directo. 

El Café Berlín es un club con una seña de identidad clara, la fusión, fusión sin miedo a las etiquetas. Por su extensa programación pasa mucha gente interesante del jazz flamenco, latin jazz, world music y otras músicas tan eclécticas que a menudo cuesta trabajo etiquetar. El disco de Caramelo es una prueba patente de esto, y hay en él un tema tema (llamado precisamente "Caramelo de Cuba") en el que el pianista, acompañado por la voz de Rafita de Madrid (y un combo espectacular), lleva el flamenco a los ritmos latinos con una naturalidad apasionante. Con su habitual don para hacer de la síncopa sentimiento, Caramelo de Cuba está arropado en este tema por una sección de percusión brutal que reúne sonidos y percusionistas de distintos orígenes (Georvis Pico, Nasrine Rahmani y Ramón González "El León"). El guitarrista Josemi Carmona aparece en "Tangroove", tema escrito por el guitarrista y que es otra síntesis de estilos donde sobresale el piano como aglutinador y voz cantante

El disco repasa, con el virtuosismo de Caramelo, todas las estéticas por las que se mueve, con temazos de gran fuerza ("Juntos en un nuevo amanecer" con un fantástico Miron Rafajlovic a la trompeta), temas llenos de nostalgia latina como "Fusión", con la voz de Alana Sinkey, y "Cartas de amor que se queman", con la voz de Amanda Gaviria, y un espectacular final ("Tremendo Chekendengue"), en el que participa Diego Guerrero y donde fusiona flamenco, música cubana, un solo brillante y frenético, y un final rumbero apoteósico lleno de percusión y coros repetitivos, como debe ser, alrededor del piano de Caramelo, intenso, festivo, poderoso.

El primer vinilo se presentará el próximo 25 de marzo como parte de una programación especial por el décimo aniversario del club con invitados especiales. Esperamos que la colección continúe con grabaciones de esta calidad. 



_______________________

Más info: berlincafe.es

JAZZ QUE VIENE DEL NORTE

Hoy recomendamos algunos discos del sello Errabal Jazz que hemos escuchado recientemente. Diversidad de estilos y estéticas en formaciones nuevas o con músicos consagrados, pero todas con esa honestidad que caracteriza a los músicos auténticos. 

JUAN DE DIEGO 4et, Grebalariak (Errabal Jazz, 2021)

El nuevo disco de Juan de Diego, trompetista y compositor vasco afincado en Barcelona, se titula Grebakariak y es un álbum con pretensiones de jazz comprometido, ya que algunos de sus temas rinden justo homenaje a los huelguistas (de ahí el título) y otros luchadores que pelearon antes que nosotros por los derechos que hoy en día pueden considerarse habituales.


Lo último que habíamos escuchado de Juan de Diego (DeDiego Brothers, Big Acoustic Band) fue Uda labur hori—Aquel corto verano (Errabal, 2016) con el guitarrista Dani Pérez y el baterista Joe Smith. Grebalariak ha sido grabado en formato cuarteto, con el pianista Toni Vaquer, el contrabajista Pere Loewe y el baterista Ramón Prats, y se mueve en una estética muy moderna que ronda el bebop. 

En general, es un disco heterogéneo, con diez temas originales de Juan de Diego que tienen en común una visión evolucionada del bebop donde los ritmos templados permiten al oyente apreciar la complejidad de las melodías. Los cambios de ritmo y de color, la versatilidad de Juan de Diego a la trompeta, la precisión al piano de Toni Vaquer y la originalidad de casi todos los temas hacen que la escucha valga la pena. 



NUCLI TRIO, Nucli Trio (Errabal Jazz, 2021)

Nucli Trio es un trío de guitarra en el que participan  jóvenes músicos formados en Barcelona: el guitarrista Guillem Plana (Funkystep & The Sey sisters, Guillem Roma & Camping Band Orquestra, Gorg Trio, The Gramophone Allstars Big band), el contrabajista Aleix Forts (Monk Electric Band) y el baterista David Viñolas (Marc Miralta, Jo Krause, Jeff Ballard). Con un enfoque desenfadado y sin inhibiciones, hacen una jazz fusionado, muy libre en estética, un jazz donde la melodía es lo más importante y que se aproxima por momentos al blues o a la balada de rock. 

El disco de Nucli Trío es el resultado de la maduración de los temas en giras y conciertos, de ahí la complicidad que se percibe en la música, tan frágil en los tríos de guitarra. Melodías pausadas, no exentas de tensión, donde los músicos tienen que mantener el tipo, son la tonica general del álbum. A los temas originales se suman versiones con las que el trío rinde culto a sus influencias (Sam Rivers, Marco Mezquida, Carla Bley). Otro disco inusual que recomiendo para escuchar con tranquilidad y olvidando las tensiones. 

En el vídeo, uno de sus directos mensuales en la Jazz Cava de Vic, donde suelen invitar siempre a un músico local distinto y donde cambian de repertorio según el invitado. 


ALDAPEKO BASQUE LATIN JAZZ, Iri Barrenetik
(Errabal Jazz, 2021)

Para el final, he dejado la propuesta más interesante. Si bien no es ningún secreto que el jazz nació de la fusión de distintos ritmos y folkores y que se mezcla con nuevas músicas étnicas de una manera natural, nunca nos habíamos imaginado una fusión del folkore vasco ¡con jazz latino! Algo así y con solvencia es lo que hacen Aldapeko Basque Latin Jazz, una formación de ocho músicos liderado por el pianista y trombonista Imanol Iribarren (Reunion Big Band, Flan de Mono, Gonzalo Tejada), cuyos arreglos han transformado las rígidas melodías tradicionales de su tierra en sones, rumbas y chachachás cercanas al jazz latino, una estética nada usual en el País Vasco.

Acordes de jazz y percusiones caribeñas conviven en estos temas con el txistu y la dulzaina. La idea nació en el Conservatorio de Codarts, University Of Arts en Rotterdam, donde Imanol Iribarren redactó una tesis para su examen de final de Máster en torno a la relación entre las melodías vascas ancestrales y los ritmos latinos, a partir del cual creó el proyecto Aldapeko Basque Latin Jazz en 2017 con los músicos Peio Irigoien (txistu, dulzaina y trompeta), Asier Ardaiz (trompeta), Alvaro Jarauta e Iñigo Corao (trombón), Patricia Mancheño (bajo eléctrico), Eva Catalá (congas y percusión) y Manu Pinzón (batería), además de su propia participación al piano.

El resultado no puede ser más excitante: sin perder la esencia melódica tradicional, los ritmos latinos y la filosofía del jazz aportan una nueva vida, más moderna, a estos temas y los pone al alcance de cualquier escenario.



___________________

Más info: www.hotsak.com

CLÁSICOS QUE SUENAN LATINOS

CLARE FOSTER, Kumbhaka (2021)

Si la voz es el instrumento más complicado (según dicen) la inglesa Clare Foster es dueña de la complejidad. Escuchando su nuevo álbum Kumbhaka, certificamos su versatilidad, tanto en estilos como en el dominio del fraseo, del ritmo, de la síncopa. Y lo hace con un estilo muy personal y que, sin embargo, recuerda a tantas cantantes clásicas... También es compositora, letrista y educadora, pero en este álbum nos ofrece una colección de standards en adaptaciones sorprendentes.

Nacida en Inglaterra, Clare Foster se mudó a Nueva York con 20 años con la idea de formarse. Asistió a clases con Barry Harris y la vocalista Judy Niemack, y consiguió subirse a los escenarios neoyorquinos y a los de Nueva Orleans, su siguiente parada. De vuelta a Londres, se diplomó en la Guildhall School of Music y se convirtió en habitual de la escena en vivo de Londres y también de Amsterdam, donde grabó su primer álbum titulado Clare Foster Sings Wayne Shorter (Groove, 1993). Después trabajó en Canadá con músicos locales y en 1998 el guitarrista de Elvin Jones Ryo Kawasaki la invitó a participar en su disco Cosmic Rhythm y la llevó de gira a Nueva York. Su carrera la ha llevado a diversos escenarios de América del Norte, Europa, Asia y Brasil, de donde ha adoptado un gusto especial por la bossa nova y los ritmos latinos más delicados y expresivos, como demuestra en algunos temas de este álbum, que hace algo así como el número 14 en su discografía.

En Kumbhaka hay varias interesantes revisiones deL American Songbook a través de ritmos y estéticas traídas de Latinoamérica. Por ejemplo, "Just One of Those Things" (Cole Porter) suena nuevo y fresco al ritmo de la bomba, un estilo autóctono de Puerto Rico, mientras que "I'll Remember April" se mueve a ritmo de candombe, "Singin' In The Rain" se convierte en bossa nova, el delicioso "What Are You Doing The Rest Of Your Life" de Michel Legrand suena a milonga... y todo ello con honestidad, frescura y una voz versátil que se adapta a todo. El disco se completa con varios temas originales, de los que destacaremos "Quem Canta Os Males Espanta", escrita por Clare Foster con Sue Jarvis, una seductora samba cantada en inglés y portugués.

En resumen, Kumbhaka contiene una buena colección de canciones para conocer a una cantante que posee experiencia y una manera muy original de traer los temas a su propio estilo, un estilo innovador y a la vez clásico y adecuado para cualquier oído purista.




____________________________________
* Web oficial: www.clarefostermusic.com

* Álbum digital disponible en: clarefoster.bandcamp.com

JAZZ DESDE AGUAS INTERNACIONALES

EMILIO SOLLA TANGO JAZZ ORCHESTRA,
Puertos: Music from International Waters (Avantango, 2019)

Estos días está tocando en España el pianista argentino Emilio Solla, ganador hace unas semanas del Grammy Latino al Mejor Álbum de Jazz con su Tango Jazz Orchestra, compitiendo con nominados como Chick Corea, David Sánchez, Afro Peruvian Jazz Orchestra y Miguel Zenón. Solla no es solo un heredero de la fusión étnica iniciada por Piazzolla sino que lleva años desarrollando una investigación personal en las fronteras de aguas tan internacionales como el jazz, el tango, la fusión... a través de múltiples proyectos en España y Nueva York (Emilio Solla & The Tango Jazz Insiders, donde estaban Chris Cheek, Juanjo Mosalini, Edward Perez y David Xirgu; Tributango, NY Tango Project, Jazz Sinfonica + Edmar Castañeda...). 

Su disco ganador, Puertos, es una metáfora de las migraciones de la música, con tintes autobiográficos de un músico afincado en Nueva York, donde ha acompañado a gigantes de la talla de Paquito D'Rivera, Wynton Marsalis... Y lo ha compuesto a ritmo de tango, jazz, con la potencia de una big band y con invitados tan especiales como Arturo O'Farrill (en "LLegará, llegará, llegará").

El resultado es una mezcla de influencias que fluye de una manera sorprendentemente (o no tan sorprendentemente) natural. Cada tema está está escrito en honor a un puerto que ha sido fundamental en el desarrollo del jazz y del tango o de la música de Solla: La Habana, Montevideo, Benguela, Buenos Aires, Nueva York, Cartagena, Cádiz y Nueva Orleans.

Esta semana está en Canarias para inaugurar el IV Festival Internacional El mundo en un piano junto a los pianistas Federico Lechner y Constanza Lechner.

Y un vídeo más, en homenaje al fallecido Lee Konitz, la noche que tocó con la Tango Jazz Orchestra de Emilio Solla en el Dizzy's de Nueva York el 22 de octubre de 2018. ¡Fascinante cómo el tema nace y crece con estos músicos!


__________________________________

* Más info: www.emiliosolla.com 

UN TRIBUTO A DIZZY

JOHN BAILEY, Can You Imagine? (Freedom Road, 2019)

En 1964, Dizzy Gillespie se presentó como candidato a la presidencia de los Estados Unidos. Lo que empezó con una broma de su departamento de marketing, que hizo unas chapas en las que se leía Dizzy For President, continuó con una campaña real a la presidencia y terminó en un concierto memorable en el Festival de Jazz de Monterrey. Hay un disco que recoge aquel concierto y que se llama, precisamente Dizzy For President (Knits Classics, 2004, reeditado). En este disco podemos escuchar la canción "Salt Peanuts" rebautizada como "Vote Dizzy" con una letra que decía así: 

Your politics ought to be a groovier thing.
Vote Dizzy! Vote Dizzy!

So get a good president who’s willing to swing.

Vote Dizzy! Vote Dizzy!

El trompetista John Bailey, "hijo" musical de Dizzy, lleva en su coche la matrícula DIZ4PREZ. Si esto no les sirve de pista, escuchen su nuevo disco, un homenaje en toda regla a aquella campaña medio en serio medio en broma de Dizzy para presidente. El álbum se llama Can You Imagine? (Freedom Road Records, 2019) y reúne en este álbum una serie de temas inspirados por ella, desde temas originales como "The Blues House" (sí, Dizzy quería rebautizar la Casa Blanca con este nombre), un blues que termina con un brillante juego de llamada y respuesta; "Peebles in the Pocket" o una suite titulada "President Gillespie Suite" que juega con los eslóganes de aquel momento y es, a la vez, homenaje a lo que podría haber sido ("The Humanitarian Candidate") y una broma por lo que en otros ámbitos fue ("President Gillespie's Birthday Song"). Esta suite está llena de nostalgia, notas tristes y también un sinfín de guiños musicales a Dizzy, tanto en el uso de esos acordes que le hacían distinguible como en citas explícitas y muy reconocibles de sus temas más conocidos. 

Foto: Matt Dine
En lo estrictamente jazzístico, hay que reconocer que John Bailey es un trompetista desconocido en nuestro país pero que merece la pena conocer y escuchar con atención. Tiene esa desfachatez de Dizzy al improvisar, explosiva y, a la vez, limpia, natural. Su sentido del ritmo está patente en todo el proyecto, con un swing incansable que está lleno de bebop, latin, soul..., más elocuente incluso cuando toca el fliscorno. Con una gran experiencia como músico y docente a sus espaldas, este trompetista de Nueva York formó parte de la banda de Buddy Rich cuando aún estaba estudiando, y ha trabajado y grabado con artistas como James Moody, Kenny Burrell, Dr. Lonnie Smith... hasta en 75 álbumes de jazz, entre los que se cuentan dos discos ganadores del Grammy: The Offense of the Drum (2014) y Cuba - The Conversation Continues (2015), dos discos de Arturo O'Farrill. La influencia latina está patente en dos temas de este disco ("Valsa Rancho" de Chico Buarque y "Ballad For Oro, Incienso y Mirra" de Chico O'Farrill), una afinidad electiva heredada, claramente, de Diz.


Su sexteto está formado por Stacy Dillard (saxos soprano y tenor), Stafford Hunter (trombón), Edsel Gomez (piano), Mike Karn (contrabajo) y Victor Lewis (percusión), a los que se suman, en algunos temas, Janet Axelrod  (flauta) y Earl McIntyre (trombón bajo y tuba). Entre todos construyen un disco de bebop, cubop y músicas cercanas con elegancia y un sonido limpio y bien trabajado que redunda en un disco recomendable para descubrir a un veterano trompetista desconocido en España, un disco en el que hay muy buen jazz y una buena cantidad de homenaje sonoro a Dizzy pero, sobre todo, intelectual, a su forma de pensar, de enfocar el mundo y, por supuesto, el jazz; un homenaje que nos hace pensar en lo imposible (¿un trompetista presidente?), pensar que podríamos estar gobernados por gente más humana, más digna y con más sentido del humor. En todo caso, ¿se imaginan que Dizzy Gillespie hubiera ocupado la Casa Blanca en 1965? Can you imagine?


_______________________________
* Web oficial: www.johnbailey.com

DE LA TRADICIÓN A LA VANGUARDIA

MIGUEL ZENÓN, Sonero (Miel Records, 2019)

A finales de los 50 fueron muchos los músicos de jazz americanos que comenzaron a buscar inspiración en sus raíces más lejanas (África). Lo hicieron desde pianistas como Randy Weston hasta percusionistas como Max Roach o Art Blakey ("Obirin African"). Y, aunque se podría asegurar que este interés venía desde Duke Ellington (desde su "Black and Tan Fantasy"), su importancia dentro de la Historia del Jazz está ligada a la lucha por los derechos civiles. En España costó un poco más que los músicos de jazz perdieran sus complejos y miraran hacia dentro, hacia el flamenco y hacia las raíces árabes de esta música. La reinvención de las músicas populares según las reglas del jazz forma parte de su esencia. Todo artista auténtico encuentra su inspiración primera en su propio pasado. El saxofonista Miguel Zenón lleva años investigando alrededor de la música de su Puerto Rico natal, pero no solo del folklore sino también de toda la tradición musical popular del último siglo. En su nuevo trabajo, Sonero, se centra en Ismael Rivera, cuya música, como toda la de Puerto Rico, tiene también raíces africanas. 

Miguel Zenón es uno de los saxofonistas altos más personales del panorama actual. Aclamado habitualmente por la crítica, Zenón ha publicado una docena de discos como líder, además de tocar en infinidad de grabaciones y conciertos con músicos como Fred Hersch, Danilo Pérez, The Village Vanguard Orchestra, Jerry Gonzalez & The Fort Apache Band, Ray Barreto, Charlie Haden, The Mingus Big Band... Pero, volviendo a Puerto Rico, el saxofonista mantiene un proyecto llamado Caravana Cultural que lleva el jazz a las zonas más apartadas de su país para ofrecerles la posibilidad inédita de conocer y sentir el jazz. También organiza jam sessions en la zona de San Juan con el propósito de fomentar la estabilidad de la escena jazzística local. 

Miguel Zenón
Si en su trabajo anterior, Yo soy la tradición (2018), se alejaba de alguna manera del jazz trabajando con un cuarteto de cuerda para investigar (e improvisar) sobre las músicas tradicionales y religiosas de su país, en este flamante Sonero realiza una revisión del canciones de Ismael Rivera, conocido como Maelo, un cantante portorriqueño popular desde los años 50 hasta su muerte en los años 80, un cantante que inspiró a Zenón cuando era niño, quizás porque Ismael Rivera fue un auténtico sonero, concepto que implica no solo cantar e interpretar sino la capacidad para improvisar, jugar con el ritmo y 'no perder la clave'.

Ismael Rivera 'Maelo'
Aunque Maelo fue un cantante de salsa, el jazz que presenta Zenón en su disco es una vuelta de tuerca al concepto. Saltando a un lado y a otro de las fronteras del llamado latin jazz, el saxofonista revisa, reescribe y revive los temas de Maelo con su habitual sensibilidad para los arreglos, convirtiendo estas canciones en sólidos temas de jazz en los que sigue presente el mensaje original de las letras pero en los que la improvisación y la síncopa aportan una nueva dimensión, más profunda, quizás más espiritual, de la obra del Sonero Mayor de Puerto Rico, temas que allí son standards y que, para la mayoría de nosotros, son desconocidos, por lo que tenemos la posibilidad de descubrirlos en una forma especialmente excitante, a través del jazz progresivo y personal de Zenón, que aprovecha las peculiaridades rítmicas de las canciones para sumarles la sofisticación armónica de sus arreglos, siempre originales y arriesgados, con su habitual rebeldía hacia lo concreto y lo predecible. El disco contiene constantes momentos de especulación, libertad y otros donde recrea los ritmos populares portorriqueños con audacia y esa libertad que caracteriza toda la carrera de Zenón, música arriesgada pero asequible. 

Naturalmente, con su  lo hace con su cuarteto habitual: el pianista Luis Perdomo, el bajista Hans Glawischnig y Henry Cole en la batería.



__________________________
* Web oficial: miguelzenon.com