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LIVE AT SAN JAVIER 25th ANIVERSARY

XIMO TÉBAR & THE CHAMPS, The Jazz Guitar Trio, vol. 5
XIMO TÉBAR BRAZILIAN JAZZ PROJECT, Começar de novo 
(Omix Records, 2024) 
El valenciano Ximo Tébar es, sin duda, uno de los pioneros de la guitarra de jazz en España. Su nombre y su música sonaron en Jazz entre amigos y deberían sonar con otros legendarios de la escena ibérica como los de Kiko Aguado o Sean Levitt, por su virtuosismo y su longevidad Este año pasado amplió su veintena de discos como líder con dos álbumes grabados en directo en el Festival de San Javier, uno a trío con el organista Pat Bianchi y el baterista Byron "Wookie" Landham, lleno de blues, y otro con un formato más amplio que ha llamado Brazilian Jazz Project, con músicos como Josvi Muñoz (saxos y flautas), Will Martz (piano y teclados), Juan San Martín (bajo) y Fernando García (percusión), contando con el cantante y guitarrista Gradston Galliza como estrella invitada, y con las colaboraciones de los citados Pat Bianchi y Byron Landham. 

The Jazz Guitar Trío vol. 5 continúa con las exploraciones de Ximo en este formato de trío de órgano y guitarra, que ya probó con Joey de Francesco, entre otros. El virtuosismo de los tres músicos y los patrones rítmicos de este tipo de trío hacen que agradezcamos que esté grabado en directo, lleno de energía, con temazos con "Idris" (un clásico en el repertorio, aquí con un guiño a "Salt Peanuts") o momentos sublimes como ese toque de blues convertido en sutileza de "Willow Weep For Me".

Começar de novo, en cambio, es otro nivel, más polirrítmico y donde los virtuosismos se diluyen en la abundancia de músicos para dejarnos apreciar lo que es la fiesta del crossover jazz/Brasil, con cantantes, baladas, funk, ese groove indolente de la bossa sincopada... y un homenaje final a Paco de Lucía y a Chick Corea. Momentos álgidos donde conversan guitarra y voz ("Fascinio") bastarían para recomendar este álbum. 

* Más info: ximotebarjazz.wordpress.com

REFERENCIAS CRUZADAS

MANEL FORTIÀ LIBÉRICA, Alé. Iberian Chants 
(Microscopi, 2025)

Dicen que la nostalgia es uno de los sentimientos más fuertes del ser humano, y puede que la nostalgia vivida por el contrabajista Manel Fortià durante su exilio musical en Nueva York sea uno de los detonantes de su proyecto Libérica, donde experimentaba con una fusión de canciones tradicionales catalanas, estética flamenca y jazz contemporáneo, proyecto que, tras su Arrels (2021) tiene su continuación en un nuevo volumen publicado en 2025: Alé. Iberian Chants, donde juega con una formación cambiante que incluye a más músicos, aparentemente tan alejados como Antonio Lizana (voz y saxo), Alba Careta (voz y trompeta), Aina López (saxo alto), Max Villavecchia (piano), Oriol Roca y Raphäel Pannier (batería) y Manel Fortià al contrabajo y como responsable de los arreglos.

Tanto folklore (no solo flamenco) puede ser una dura escucha para oídos puristas, pero la habilidad melódica de Fortià como contrabajista y sus inteligentes arreglos convierten estas fusiones imposibles en temas muy escuchables y tan llenos de referencias cruzadas (folk, jazz, free...) que resulta enciclopédico, ya que resalta las profundas conexiones musicales que enlazan el norte, el este y el sur de España, música popular generalmente surgida de una manera natural de las actividades cotidianas como la agricultura (cantos de batir), el cuidado de los hijos (canciones de cuna catalanas), las fiestas populares (malagueñas, granaínas)... que aquí se funden con otra música de raíz (transoceánica) como es el jazz, dando como resultado híbridos tan excitantes como una canción tradicional catalana convertida en soleá ("Rossinyol") o en fandango ("Cançó del lladre"). Y lo mejor es que todo se engarza con una naturalidad estremecedora. 

Un disco único, donde músicas y músicos aparentemente divergentes convergen en una fusión brillante. Recomendable tanto para aficionados como para musicólogos.



* Más info: manelfortia.com

* Fotografía de Antonio Porcar (aporcar.com)

VIRTUOSO Y ECLÉCTICO

AVISHAI COHEN, Brigh Light (Naïve Records, 2024)

Escuchamos el solo de contrabajo del primer tema ("Courage"), tan cantabile, mientras el piano se convierte en parte de la sección rítmica dejando al bajo el protagonismo, y repetimos una vez más que nos gustan los bajistas que hacen "cantar" a su instrumento. Melódico y muy, muy sólido como instrumentista, Avishai Cohen es también un compositor ecléctico, capaz de mezclar influencias folk y jazz en composiciones complejas y, sin embargo, accesibles. Su nuevo disco, que hace ya el número 21 de sus grabaciones como líder, es Brighlight, once temas en su línea habitual: bellos, descriptivos y, por encima de todo, emocionales.

En su nuevo disco viene rodeado de una impresionante nómina de jóvenes músicos. Alrededor de sus compañeros de trío habitual (el pianista Guy Moskovich y la baterista Roni Kaspi), ha reunido a músicos emergentes como Eden Giat (piano), Yuval Drabkin (saxofón), Ben Tovim (guitarra), Lars Nilsson (trompeta), Hilel Salem (fliscorno), Jakob Sollerman (trombón), Ilan Salem (flautas), Jenny Nilsson (voz) y el baterista Noam David, quien, junto con Kaspi, son capaces de domar los ritmos inquietos que las composiciones de Cohen exigen. Destacable "The Ever And Ever Evolving Etude" y también "Roni's Swing", tema que Cohen ha compuesto inspirándose en la capacidad y energía de esta baterista que, con tan solo 23 años, fue nombrada Best Jazz Drummer of The Year en 2023.

Virtuoso y ecléctico, Avishai Cohen lleva muchos años convenciendo a audiencias de todo el mundo. Su estética tiene un marcado acento de fusión que es el producto de absorber muchas influencias, un trabajo intelectual y compositivo que, sin embargo, suena siempre fresco, y no podemos evitar recordar su paso por Origin, la formación de Chick Corea (también en su New Trio) cuando le oímos improvisar. 


Con ritmos que desafían cualquier cosa que hayamos escuchado antes en jazz, mezcla de rock, pop, folk de Oriente Próximo... la escucha de  Brighlight se convierte en un tour de force para el oyente, que va a encontrar una repertorio en el que Cohen es fiel a sí mismo, intimista a pesar del ritmo, con solos de Cohen y de los pianistas que se alejan de lo habitual, en fin, nada que un oyente de Avishai Cohen no haya captado ya en sus anteriores discos, pero con el placer de disfrutar de nuevas y excitantes composiciones originales, un repertorio que remata con una curiosidad ("Liebstraum nr3", un tema de Franz Liszt arreglado por Moskovich) y dos temas clásicos ("Summertime" y "Polka Dots And Moonbeams"). 




* Web oficial: avishaicohen.com

* Para escuchar el disco: https://avishaicohen.bfan.link/brightlight

UNA BÚSQUEDA Y UN HALLAZGO

PEDRO MOLINA, À procura (Porta-Jazz, 2024)

 

El contrabajista Pedro Molina es un músico murciano afincado en Oporto, donde se licenció en la ESMAE. Con una percepción personal del jazz como caleidoscopio, mezcla los ritmos negros con el rock, el pop y el free en su disco À procura, grabado el 28 de agosto de 2023 en el Centro de Alto Rendimiento Artístico de Matosinhos (Portugal) como fruto de un proyecto escénico que lleva paseando desde 2022 por los festivales de Loulé, Murcia, Criajazz, Out Jazz, Seixal Jazz o Guimarães Jazz. El cuarteto, premiado en 2023 como ‘Mejor banda’ en el 3º Concurso Internacional de Jazz de la Universidad de Aveiro, está formado por músicos emergentes de la escena portuguesa: Miguel Meirinhos (piano), Filipe Dias (guitarra) y Gonçalo Ribeiro (batería). 

Siete composiciones originales y muy personales donde Pedro Molina explora los caminos del jazz a partir de su propia percepción musical, guiándose por las direcciones que toman los temas con el interplay del cuarteto; composiciones que ha creado, como buen artista, de su observación del arte y del mundo, de los lugares y de las emociones, 

Crea un lenguaje propio, mestizo, donde fusiona sus influencias con sus objetivos, y su música con la personalidad de sus músicos, que se perciben libres en las continuas improvisaciones colectivas, encontramos temas que van de la fusión sin etiquetas a la especulación más libre. En el primer tema ("Reflexiones tardías") ya nos anuncia que, aunque sobrepasando las fronteras, su intención es emocionar. Su delicioso solo al contrabajo, introspectivo, casi poético, que desemboca en un momento intenso con todo el cuarteto, es perfecto. Él lleva la introducción del siguiente tema ("F(...)F"), plagado de solos especulativos (piano, guitarra...). 

Esta es la tónica del disco: la de un músico que ha encontrado su propia voz y, que, como compositor, consigue hacer brillar y poner en valor a un instrumento tan raramente protagonista como es el contrabajo. Además, sabe dar espacio a su cuarteto para improvisar y expresarse, tanto en los temas más rítmicos ("A salto de mata") como en los momentos más libres y disonantes ("Calma") o en los más líricos ("Não Há Nada a Fazer?").

Un disco recomendable y un músico que esperamos ver pronto en directo por España.


BABEL

WORLD CITIZEN BAND, Antares (KDK Music, 2023)

Aparte del sentimiento, la fusión de estéticas, tradiciones e intenciones es la base esencial del jazz. Todo lo demás es teoría y papel. Esto queda patente de una manera muy estimulante para el oyente en el disco de World Citizen Band. El nombre de la banda es toda una declaración de intenciones, título que engloba a un quinteto formado por el saxofonista Uri Gurvich (israelí residente en Nueva York), el guitarrista Ramiro Olaciregui (argentino residente en Berlín), el pianista Marcos Merino (Madrid, España), el contrabajista Kenneth Dahl Knudsen (Aalborg, Dinamarca) y el baterista Rodolfo Zuniga (costarricense afincado en Los Angeles), músicos nómadas con orígenes muy diferentes y lenguajes (musicales) en apariencia opuestos. Sin embargo, oyendo su disco Antares, uno percibe que, al contrario que en el relato bíblico, se produce el milagro de que cada músico habla un idioma distinto y todos se entienden a la perfección. 

La World Citizen Band estará en España en octubre presentando su álbum en Valencia (día 5, Jimmy Glass), Madrid (día 6, Club Matador), Málaga (día 7, Clarence Club) y en Barcelona (día 10, Jamboree), para continuar su gira europea por Francia, Dinamarca, Lituania y Alemania, donde comenzó todo (según cuenta su página web), con una colaboración entre el guitarrista Ramiro Olaciregui y el bajista Kenneth Dahl Knudsen, que habían llegado a Berlín buscando nuevos horizontes musicales y que ya formaban parte de la escena jazzística local. La banda completa se formó con el objetivo primario de participar en el Festival de Jazz de Ecuador. 

Foto: Lucas Illanes

El disco está formado por un crisol de composiciones de los miembros del grupo, a las que cada uno de ellos aporta su visión personal en improvisaciones muy libres. Interplay y virtuosismo podrían ser dos buenas palabras para definir este segundo álbum de la banda. La sección rítmica dirige literalmente los temas, con un complejo trabajo de Zuniga a la batería y un continuo tour de force de Kenneth Dahl Knudsen al contrabajo. Como solistas, brillan Gurvich y Merino, destacando los elaborados discursos de Olaciregui. 

Músicos inquietos, exploradores, melodías originales, a veces alejadas del jazz estándar y otras con claras reminiscencias del jazz tradicional (se definen descendientes de McCoy Tyner, Melhdau, Jazz Messengers...) y armonías atrevidas discurren por el álbum escondiendo momentos y sorpresas, desde ritmos de samba ("Samba Pra Kuki"), referencias blues ("CM's Blues"), jazz rock ("Antares"), solos inspirados ("Verás Mijín")... El disco incluye de todo menos autocomplacencia. 





* Más info: worldcitizenbandmu.wixsite.com

EL JAZZ DE JÚPITER

GORKA GARAY, Third Moon of Jupiter (Microscopi, 2023)

Podríamos definirlo como "un tenor sereno". El músico, compositor y educador Gorka Garay (Barcelona, 1978) tiene ese raro don de hacer un jazz sin prisas y sin estruendos y emocionar al mismo tiempo. Su tercer álbum se titula Third Moon of Jupiter, y culmina un camino tan complejo como sus composiciones, un camino que comenzó de niño en la Escuela Municipal de Música de Molins de Rei, que continuó en el Conservatorio del Liceo, con música clásica, y se perfeccionó con un título de grado superior en ESMUC; un camino que le ha llevado a grabar con músicos de todos tipo (El cazador de luz, Outer space, Sidonie, Gerona Jazz Project, Cuarteto de saxos...) y a tocar en directo con muchos otros (Big Band de Terrassa, GJP con Guillermo Klein, Bob Mintzer, Maria Schneider, Tim Garland, Bob Sands...) para acabar en el libro The Spanish Real Book con dos de sus composiciones. 

Currículum aparte, la música de Garay en Third Moon of Jupiter recrea atmósferas sofisticadas que envuelven al oyente como historias, con un saxo tenor que habla un idioma claro y convincente, que suena a muchas influencias pero a ninguna en concreto. Ambientes enigmáticos, grooves hipnóticos y tensión contenida y bien resuelta definen unos temas que llevan el jazz a un terreno cinematográfico, creando ambientes y desarrollando historias (más nítidamente en el último tema, con la siniestra narración de ("Sota la nit carmesí (Beneath the Crimson Night)"), de mensaje apocalítico. Para crear este ambiente cinematográfico se apoya Garay en una formación inusual, con un cuarteto de jazz (saxo, piano, bajo y batería) amplificado con un cuarteto de cuerda que no desentona dentro de la estética jazzística del disco.


El álbum comienza con una línea de bajo ("Imaginary Enemies") que desemboca en un tema muy funk, con un solo de piano que nos arrastra al de saxo de una manera irresistible. Las cuerdas apoyan el chorus con contundencia, haciendo el papel de los vientos. En "Happiness Flows Through Ears" comienzan a aparecer armonías africanas, que luego escucharemos en "If I Was A Bird" y "Aehaa Aehoo", y que aportan un brillo exótico a un tema de estructura pop. Ascendemos verticalmente hasta "Thrid Moon of Jupiter" con improvisaciones modales para crear un ambiente espacial. Garay demuestra aquí una firmeza muy personal en su solo, aportando al mismo tiempo algún giro africano. En "Soul Opens A Path" el uso del cuarteto de cuerda como elemento de jazz es tan sutil como brillante. Garay vuelve a demostrar su estilo fraseando. El discurso inicial del saxo en "Travelling to the Unknown" tiene, a pesar del título, que suena a ciencia-ficción, un melancólico toque Michel Legrand que crece hasta la apoteosis final, donde el saxofonista lo da todo para consolidar el clímax que su narración merece.

La sensación final es la de que el de Gorka Garay es un disco lleno de armonías sofisticadas, ambientes originales y buenos arreglos. No es la primera vez que escuchamos a un cuarteto de cuerda clásico junto a un combo de jazz, pero sí la primera vez que nos suena tan integrado. En resumen, un jazz que asciende muy alto, con Júpiter en el punto de mira.



* Fotos: Júlia Cortés

* Web de Gorka Garay: https://gorkagaray.com

EL RITMO QUE MUEVE EL MUNDO

MACHINA MUNDI, Machina Mundi (Animal Music, 2022)

Pongamos una base jazzística intrincada y moderna, un saxofonista inspirado y un toque de electrónica en el Fender Rhodes y tenemos un cóctel sugestivo e hipnotizante que nos lleva (por momentos) a aquellos años de la eclosión de Weather Report y todo lo que el grupo de Zawinul trajo detrás. La diferencia es un toque se modernidad y una serenidad alejada de aquellos días de rebeldía y rupturismo, una serenidad que redunda en elegancia. El disco que estamos escuchando es Machina Mundi, un título y una banda, porque no hay diferencia, que supone el nuevo proyecto del saxofonista Luboš Soukup, a quien escuchábamos hace unas semanas en otro proyecto de 2022, el disco a dúo Levitas.

Foto: Hedvig Larsson

En este nuevo proyecto, el saxofonista checo, que lleva años viviendo en Copenhague, ha creado Machina Mundi con colegas del Rhytmic Music Conervatory (los suecos William Larsson, en los teclados, y Daniel Johansson, en la batería, y el contrabajista canadiense Graig Earle). Fraseos líricos, meditativos, en contraste con el lenguaje polirrítmico de la percusión, el groove del Rhodes y los efectos de los teclados electrónicos, el disco juega con un concepto casi filosófico. Las improvisaciones se convierten en disgresiones musicales (arreglos complejos, texturas novedosas, sonidos envolventes) e intelectuales (enfocando el mensaje de los temas hacia la energía perpetua que mueve el mundo, reflejado en los ritmos y el uso de reverbs, que aportan una sensación espacial de magnitud, de todo). 

En consonancia, los títulos sugieren al oyente mitos del imaginario colectivo, recurriendo a imágenes de la Biblia ("Out of the Garden of Eden"), la suerte ("The Wheel of Fortune") o el tarot ("Black and White Sphinxes"), convirtiendo cada tema (todos compuestos por Soukup) en un momento inspirador, con cierto toque narrativo cinematográfico que engancha al oyente.



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* Web de Luboš Soukup: lubossoukup.com

* Animal Music: https://animalmusic.cz

MÁS ACÁ DEL JAZZ

Folkores caribeños, herederos de las músicas española y francesa, fueron algunas de las semillas que dieron a luz el jazz. El flamenco, las músicas judías, bálticas, orientales... se han fusionado con aquellos ritmos hasta configurar un universo del jazz en expansión que hoy nos trae, precisamente, a España. Hemos hecho un viaje (una escucha/viaje) por la fronteras del jazz. Sí, el jazz vive siempre y solo en las fronteras, pero hoy estamos transitando fronteras tan cercanas como poco transitadas.

TERRA MUSICAL ENSEMBLE

En esos límites está la música que desarrolla Terra Musical Ensemble, un combo que se define como "orgánico" y que es cambiante (trío, cuarteto, quinteto...). Sus músicos vienen de formación clásica y jazzística y, gracias a esta mezcla, en sus conciertos funde la música popular, la clásica y la improvisación libre con un resultado realmente original y conmovedor. Su repertorio incluye versiones de Mompou (precursor de la improvisación) y de otros músicos menos a la vanguardia, como Falla, Turina... actualizándolos en lo que pensamos que es una metamorfosis lógica ya que, al igual que el jazz asumió los folkores africanos y del Caribe hace cien años (y luego en España el flamenco), creemos justo que los músicos de jazz españoles miren hacia su propia tradición (ya sea popular o culta) a la hora de buscar inspiración para crear nuestro propio songbook


Las distintas formaciones de Terra Musical Ensemble están compuestas por el saxofonista tenor Daniel Juárez (The Machetazo, Jerry González), el pianista Mario Fierro (Voro García, Pedro Iturralde, Federico Nathan), el contrabajista Miquel Álvarez (Jim Rotondi Quintet, Vince Benedetti), el baterista Rodrigo Ballesteros (Román Filiu, Antonio Lizana), Pablo Kirschner, violín clásico, e Ismael Campanero, contrabajo clásico. A estos músicos jóvenes pero con un gran bagaje detrás se suma la voz de Carmen Lancho (Carmen sings Nancy, Manuel Borraz Quintet). 

Ya con una interesante trayectoria en festivales como el Clásicos en Verano de la CAM o Moncloa a Ritmo de Jazz, estarán el 17 de febrero en el Festival Jazz A Escena, que, en su tercera edición, deja atrás el Teatro Español para celebrarse en el Café Berlín, templo del jazz fusión por excelencia en Madrid. 



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* Festival Jazzaescena: jazzaescena.com


VÍCTOR CORREA, Movimiento (2022)

El trombonista y compositor Víctor Correa es un músico inquieto y versátil al que hemos escuchado tanto tocando hot jazz en la calle como en discos muy distintos, proyectos muy creativos e inusuales, que son, al fin y al cabo, los que excitan el oído del aficionado. En este proyecto de 2022 llamado Movimiento fusiona poesía, danza y música, explorando las tradiciones de su tierra y aportando su concepción del ritmo y la experiencia jazzística de su instrumento, todo ello en un trabajo sorprendente, personal, que lleva a los escenarios la universalidad de lo local.

De origen castellano (Segovia, 1977), formado en Madrid y afincado en la Sierra de Gredos, Correa lleva años formando parte esencial del panorama jazzístico madrileño. Con esta obra, vuelve a los orígenes indagando en la tierra. Versos de Machado, folkore, improvisación y muy buenos músicos (en directo también danza) conforman esta declaración de intenciones. Nanas ("Tormes-Gredos"), saetas con un toque de blues, canciones de segadores con aire cubano... Todo nos ofrece una mirada nueva a una tierra sin edad, donde el tiempo parece no transcurrir, dicho esto en una época de velocidad donde las modas son tan fugaces que el tiempo casi carece de sentido. En este orden de cosas, la mirada de Correa reafirma el valor (tanto musical como etnológico) de las tradiciones y, consecuentemente, de la esencia de lo humano. 

En Movimiento, Correa toca, compone, toca trombón, pandero, pandereta y canta. Junto a el, Victor Antón (guitarra, piano y voces), Violeta Díez (voz, violín, mandolina y percusiones), Javier Moreno (contrabajo), Adal Pumarabín (batería, percusiones y audio), Sergio López (gaita gallega y percusiones) y Pau Arnal (movimiento). Esperamos tener la oportunidad de verlo en directo.



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* Más info: victorcorrea.info/project/movimiento/

* Otras reseñas de Víctor Correa en el blog en este enlace.

ROCK Y DUENDE, DOS ESTÉTICAS DE LA FUSIÓN

No es la fusión mi parte preferida del jazz. Si me dan a elegir, prefiero el hot jazz y el hardbop por lo que tienen de música negra. De la misma manera, prefiero Birth of the Cool pero termino siempre escuchando los discos de Miles de finales de los 60 o de su periodo eléctrico. ¿Por qué? Sus fusiones siguen siendo un gran misterio después de cada escucha. Quizás por eso la complejidad de la fusión me engancha y me hace volver una y otra vez a escucharlo.  

Hoy les propongo dos discos. Son dos músicos que acabo de descubrir y que practican dos tipos de fusión bien distintas. Mientras que Beledo fusiona rock e improvisación en largos fraseos que rozan la sicodelia; Yann Aravit improvisa funk sobre ritmos flamencos. Elijan ustedes. O no.

BELEDO, Seriously Deep (Moonjune Records, 2021)

Beledo es un pianista y guitarrista uruguayo afincado en Nueva York que creció en Montevideo participando en grupos de rock y blues (Días de Blues) y de jazz-rock (Maytreya, Siddhartha) influenciado por el jazz fusión de aquel momento, donde gente como Chick Corea o Weather Report estaban revolucionando el panorama del jazz mundial. Después de una gira por Europa con un tributo a The Beatles en el que participaban Tito Puente, Celia Cruz y una larga lista de estrellas del latin jazz, se instaló en Nueva York. Ha grabado con Randy Brecker, Dewa Budjana, Gary Husband...

El tema que abre el álbum y le da título es un arreglo de una composición de Eberhard Weber, 14 minutos de meditación donde, salvando las distancias, la guitarra de Beledo "habla" con una poética muy cercana a la de Metheny, con frases largas y atmosféricas. El resto de los temas estás escritos casi todos por Beledo, con excepción de dos que están firmados por el trío, que completan Tony Levin (The Levin Brothers) al bajo y Kenny Grohowsky a la batería. Estos dos temas ("Knocking Waves", "Into the Spiral") son improvisaciones de ambiente místico y con momentos muy potentes. 


Entre las fusiones, hay un tema cantado ("Mama D"), con la voz de la cantante de Bostwana Kearoma Rantao, donde habla sobre el Apartheid y donde podemos escuchar un intenso solo de guitarra. El otro tema cantado es una canción sin palabras, con un delicado tono agridulce, que protagoniza la voz del italiano Boris Savoldelli

Un disco para cerrar los ojos y hacer un viaje interior con la ayuda de la inspiración y los (a veces) extraños paisajes sonoros que no propone el trío de Beledo. 


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* Web: beledo.com


YANN ARAVIT, In Full Bloom (2021)

El bajista Yann Aravit nació en Francia en una familia de músicos. Se formó en el Instituto de Bajo Francis Darizcuren de París. Sus primeros escarceos con la música latina le llevaron a participar en una orquesta de timba y luego a Cuba, donde estudió con Feliciano y Eugenio Arango e investigó sobre la música folclórica cubana. Después se intaló en Madrid, donde una master class de Carles Benavent despertó su curiosidad por el papel del bajo en el flamenco. Ha tocado con Ray Brown Jr. (hijo de Ray Brown y Ella Fitzgerald) y con Jorge Pardo. 

Su primer disco como líder es un complejo mapa de experimentación donde se mueve del funk al flamenco utilizando todos los recursos absorbidos en las experiencias de las que hemos hablado antes. Grooves potentes, juguetones en algunos momentos, raciales (si se puede usar esta palabra en un profano), aflamencados o descaradamente funk... El repertorio es completamente heterogéneo. Escuchamos, por ejemplo, "Fylgia" y estamos frente a un tema tan americano que podría ser una versión. Aravit despliega ahí todas las técnicas posibles para hacer funk, incluso acercándose al slap de Stanley Jordan. No me gusta hacer comparaciones y el trabajo que presenta Yann Aravit es tan original como inclasificable.

Intentando ponerle etiquetas para expresar en palabras lo escuchado, In Full Bloom tiene momentos de potencia e inspiración casi Pastorius (no sé cómo poner un adjetivo que recuerde a este grande) mezclados con flamenco ("Funky Duende"), temas tocados con la delicadeza de una guitarra, como la balada "Pleiades", pasajes funk extenuantes como "Sweet Dream", grooves intensos ("Love At First Sight") y arranques flamencos como los punteos de "Honey Eyes".

Es un disco complejo y estimulante donde, con el bajo de cuatro, cinco cuerdas o sin trastes, Yann Aravit ha intentado que no queda nada por decir.



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JAZZ QUE VIENE DEL NORTE

Hoy recomendamos algunos discos del sello Errabal Jazz que hemos escuchado recientemente. Diversidad de estilos y estéticas en formaciones nuevas o con músicos consagrados, pero todas con esa honestidad que caracteriza a los músicos auténticos. 

JUAN DE DIEGO 4et, Grebalariak (Errabal Jazz, 2021)

El nuevo disco de Juan de Diego, trompetista y compositor vasco afincado en Barcelona, se titula Grebakariak y es un álbum con pretensiones de jazz comprometido, ya que algunos de sus temas rinden justo homenaje a los huelguistas (de ahí el título) y otros luchadores que pelearon antes que nosotros por los derechos que hoy en día pueden considerarse habituales.


Lo último que habíamos escuchado de Juan de Diego (DeDiego Brothers, Big Acoustic Band) fue Uda labur hori—Aquel corto verano (Errabal, 2016) con el guitarrista Dani Pérez y el baterista Joe Smith. Grebalariak ha sido grabado en formato cuarteto, con el pianista Toni Vaquer, el contrabajista Pere Loewe y el baterista Ramón Prats, y se mueve en una estética muy moderna que ronda el bebop. 

En general, es un disco heterogéneo, con diez temas originales de Juan de Diego que tienen en común una visión evolucionada del bebop donde los ritmos templados permiten al oyente apreciar la complejidad de las melodías. Los cambios de ritmo y de color, la versatilidad de Juan de Diego a la trompeta, la precisión al piano de Toni Vaquer y la originalidad de casi todos los temas hacen que la escucha valga la pena. 



NUCLI TRIO, Nucli Trio (Errabal Jazz, 2021)

Nucli Trio es un trío de guitarra en el que participan  jóvenes músicos formados en Barcelona: el guitarrista Guillem Plana (Funkystep & The Sey sisters, Guillem Roma & Camping Band Orquestra, Gorg Trio, The Gramophone Allstars Big band), el contrabajista Aleix Forts (Monk Electric Band) y el baterista David Viñolas (Marc Miralta, Jo Krause, Jeff Ballard). Con un enfoque desenfadado y sin inhibiciones, hacen una jazz fusionado, muy libre en estética, un jazz donde la melodía es lo más importante y que se aproxima por momentos al blues o a la balada de rock. 

El disco de Nucli Trío es el resultado de la maduración de los temas en giras y conciertos, de ahí la complicidad que se percibe en la música, tan frágil en los tríos de guitarra. Melodías pausadas, no exentas de tensión, donde los músicos tienen que mantener el tipo, son la tonica general del álbum. A los temas originales se suman versiones con las que el trío rinde culto a sus influencias (Sam Rivers, Marco Mezquida, Carla Bley). Otro disco inusual que recomiendo para escuchar con tranquilidad y olvidando las tensiones. 

En el vídeo, uno de sus directos mensuales en la Jazz Cava de Vic, donde suelen invitar siempre a un músico local distinto y donde cambian de repertorio según el invitado. 


ALDAPEKO BASQUE LATIN JAZZ, Iri Barrenetik
(Errabal Jazz, 2021)

Para el final, he dejado la propuesta más interesante. Si bien no es ningún secreto que el jazz nació de la fusión de distintos ritmos y folkores y que se mezcla con nuevas músicas étnicas de una manera natural, nunca nos habíamos imaginado una fusión del folkore vasco ¡con jazz latino! Algo así y con solvencia es lo que hacen Aldapeko Basque Latin Jazz, una formación de ocho músicos liderado por el pianista y trombonista Imanol Iribarren (Reunion Big Band, Flan de Mono, Gonzalo Tejada), cuyos arreglos han transformado las rígidas melodías tradicionales de su tierra en sones, rumbas y chachachás cercanas al jazz latino, una estética nada usual en el País Vasco.

Acordes de jazz y percusiones caribeñas conviven en estos temas con el txistu y la dulzaina. La idea nació en el Conservatorio de Codarts, University Of Arts en Rotterdam, donde Imanol Iribarren redactó una tesis para su examen de final de Máster en torno a la relación entre las melodías vascas ancestrales y los ritmos latinos, a partir del cual creó el proyecto Aldapeko Basque Latin Jazz en 2017 con los músicos Peio Irigoien (txistu, dulzaina y trompeta), Asier Ardaiz (trompeta), Alvaro Jarauta e Iñigo Corao (trombón), Patricia Mancheño (bajo eléctrico), Eva Catalá (congas y percusión) y Manu Pinzón (batería), además de su propia participación al piano.

El resultado no puede ser más excitante: sin perder la esencia melódica tradicional, los ritmos latinos y la filosofía del jazz aportan una nueva vida, más moderna, a estos temas y los pone al alcance de cualquier escenario.



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Más info: www.hotsak.com

¡GUITARRAS, GUITARRAS!

DEWA BUDJANA, Naurora (Moonjune Records, 2021)

El guitarrista y compositor indonesio Dewa Budjana es propietario de una extensa discografía como solista. Aparte de los 25 años en su grupo Gigi, ha grabado una docena de discos de los cuales los últimos 7 han aparecido en el sello Moonjune. Ha tocado con músicos de la talla de Antonio Sanchez, John McLaughlin, Peter Erskine... Su ecléctico estilo se mueve entre el rock progresivo y la improvisación más sicodélica. 

Para ello ha sabido rodearse de buenos músicos y su proyección internacional le permite, por ejemplo, contar en su nuevo álbum Naurora con Joey Alexander al piano, Gary Husband al piano y sintetizador, Mateus Asato a la guitarra, el saxofonista soprano Paul McCandless, los bajistas Jimmy JohnsonBen Williams y Carlitos del Puerto, los bateristas Dave Weckl (Chick Corea Elektric Band) y Simon Philips, y la vocalista Imee Ooi; una formación cambiante que da como resultado un disco caleidoscópico donde las sicodelias instrumentales de Dewa Budjana alcanzan un momento único en su carrera.


Los fraseos de la guitarra de Budjana exploran atmósferas místicas de una manera continua, con repeticiones y riffs que van de lo meramente especulativo a lo grandioso ("Kmalasana"). La expresividad crece arropada por una banda casi siempre numerosa en la que sintetizadores conforman paisajes y atmósferas donde la guitarra se puede mover con libertad y que enlazan con la tradición de la sicodelia de la que nació el jazz rock. Sin embargo, la visión es más electrónica, más del siglo XXI. 

Los teclados (Gary Husband) son, quizás, el mayor respaldo a las guitarras de Dewa Budjana. Hacen que sus solos se eleven a un plano astral donde todo el sonido parece flotar sobre nuestras cabezas sin olvidar que estamos ante un disco de jazz (escuchen, por ejemplo, el solo de Carlitos del Puerto en "Blue Mansion") aunque el sonido sea tan potente y, por momentos, tan electrónico que nos haga pensar en un macroconcierto de rock. Pero no deja de ser una nueva ruta del jazz porque, ¿quién sabe hacia dónde va exactamente el jazz actual?


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* Más info: dewabudjana.com

ETNOFUSIÓN

VASKO ATANASOVSKI ADRABESA QUARTET, Phoenix 
(Moonjune Records, 2020)

Nos llega desde Eslovenia Phoenix, el disco de un potente cuarteto liderado por el saxofonista Vasko Atanasovski, que ha trabajado con músicos de jazz y world music de todo el mundo. Con una colección de temas propios, nos propone una estética valiente que lleva al folkore al campo de la improvisación y la experimentación, logrando texturas y atmósferas musicales que trascienden lo que entendemos por jazz rock o jazz fusión. 

Desde que comienza el disco, con el sonido del acordeón, el oyente sabe que está ante un disco de jazz mestizo, influenciado por los folklores balcánicos y mediterráneos, pero también por estructura de música clásica y de improvisación. 

Vasko Atanasovski es un saxofonista alto y soprano. También toca la flauta. En su haber, más de una docena de discos favorecidos por la crítica. Esto ha propiciado que haya tocado en numerosos escenarios de Europa y Asia, donde ha colaborado con otros músicos de jazz y world music. Personalmente, mantiene en activo varios proyectos y formaciones (Melem, Vasko3, Fire & Ice). Escuchando Phoenix, uno percibe enseguida su versatilidad como instrumentista y su gusto por que lo complejo suene fácil y placentero. Como compositor, crea atmósferas musicales llenas de texturas y colores, y muestra una visión amplia de los temas, con espacio para la creatividad de todos los músicos, con lo que el disco gana en calidad y profundidad.

Foto: Matjaz Vrecko

Adrabesa Quartet presenta una formación peculiar que mira, de alguna manera, a las raíces del jazz, cuando la tuba aún tenía el papel que ahora tiene el contrabajo, con violín y una variada percusión. Y todo esto con un cuarteto internacional que incluye, además del esloveno Atasanovski, otros tres músicos europeos. En el acordeón está el italiano Simone Zanchini, co-fundador del Adrabesa Quartet junto con Vasko en 2005 y ganador del premio Orpheus como Álbum del Año en 2016; en la tuba escuchamos al francés Michel Godard, (Kenny Wheeler, Ray Anderson, Michel Portal, Enrico Rava...). El cuarto miembro es Bodek Janke, encargado de la percusión y la tabla india, premiado en Alemania (Jazzpreis Baden-Württemberg y Preis der Deutschen Schallplattenkritik), por su trabajo en Westwind de Olivia Trummer y nombrado Mejor Solista del Año en el concurso Neuer Deutscher Jazzpreis de 2010. Al cuarteto se suma el chelista Ariel Vei Atanasovski, hijo de Vasko. Todos demuestran solvencia en sus instrumentos y su carácter internacional contribuye a que el sonido del proyecto suene como un crisol imposible de clasificar y que solo se puede calificar por el virtuosismo de sus músicos y la emoción que provocan. 


Phoenix es heredero de las muchas y variadas culturas que circundan el Mediterráneo, incluyendo el klezmer y las distintas estéticas del jazz que se han visto felizmente contaminadas por los folklores locales, desde la música árabe (tan cercana al flamenco) hasta las armonías balcánicas. Conmueven, especialmente, temas como "Liberation", que comienza con una clara influencia de la música clásica, pero que fluye hacia una catarsis donde la melodía se deconstruye y evoluciona, lentamente, con un dramatismo cinematográfico, hasta liberarse, llegando a una apoteosis rítmica y folkórica, festiva, en la que Vasko brilla con la flauta. Toda una experiencia que arrastra al oyente durante sus 11 minutos. 

Pero quizás el tema más excitante sea, desde el punto de vista jazzístico, "The Partisan Song", donde Zanchini saca todo el swing a su acordeón en el solo. Otros temas, dominados por la percusión como "Thornica" mezclan interesantes polirritmias que arrastran a todos los instrumentos. También es digno de mención el solo de tuba en "Balet".

Fresco, brillante por momentos, original, el sonido de Phoenix es tan evocador como fácil de escuchar. Nos recuerda que el jazz es una música versátil que acepta casi todos los mestizajes cuando se hacen con honestidad. 

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* Web oficial: www.vaskoatanasovski.com



EL SONIDO DEL HAMMOND B3, EN VINILO

TXEMA RIERA TRIO + 1, Allegoria (Underpool, 2020)

El organista Txema Riera presenta en Allegoria una versión moderna del trío de guitarra y Hammond con un combo de lujo (Dani Pérez a la guitarra y Roger Gutiérrez a la batería), al que se suma el enorme Santi de la Rubia, dando el saxo tenor una nueva vuelta de tuerca al concepto, alejado del estándar Montomery-Smith y más cercano al jazz moderno. Un lujo.


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Después de su apasionante (e inquietante) trabajo de debut que fue Terror (Underpool, 2016), Txema Riera nos trae en Allegoria un jazz más moderno y sereno, con una visión pausada y, por momentos, bella ("Olivia") del mundo que le rodea, en el que parece inspirarse y que nos trae sonidos inusuales y eclécticos. No escuchamos el clásico vibrato del Hammond B3 hasta el tema 4 ("Petra"), donde el tempo se acelera por primera vez y el swing obliga. En este tema los solos suenan más clásicos (qué placer escuchar a este ritmo la guitarra de Dani Pérez), pero, en general, los temas buscan lo especulativo y la modernidad. Salvo los temas que abren y cierran el álbum ("La Mirada I" y "La Mirada II"), más introspectivos, todo el álbum tiene un aire progresivo, de fusión controlada, donde guitarra eléctrica y Hammond se funden y fluyen de una manera muy plástica, dejando el protagonismo por momentos al saxo tenor.


De los músicos, destacar los solos de Dani Pérez a la guitarra, especialmente el de "Everest", un hardbop con un tempo fabuloso, con un Riera brillante dando la réplica en el Hammond. Santi de la Rubia, inconmensurable como siempre, tiene el don de hacer fluir los temas con un aire entre clásico y moderno, pero siempre expresivo. Roger Gutiérrez va de todoterreno, aportando precisión donde la versatilidad de los temas exige. El disco ha sido producido y mezclado por Sergi Felipe en los estudios de Underpool y masterizado en Nueva York por Elvind Opsvik. Entre todos, consiguen un sonido limpio, delicado cuando suena contemplativo y dinámico cuando el ritmo lo pide.

Con este álbum, el sello Underpool comienza una serie en vinilo y no se nos ocurre sonido más apropiado para sonar en vinilo que un trío de Hammond. Además, el lanzamiento de este vinilo ofrece un paralelismo muy nostálgico con el álbum de Silver Geishas que publicó el sello hace poco en cassette, un paralelismo que nos retrotrae a otras épocas donde el sonido en nuestros equipos caseros dependía del estado de las agujas o de los rodillos del cassette pero que, en el fondo, tenía algo más de transgresor que la limpieza del CD. El vinilo es el medio perfecto para disfrutar de esta Allegoria llena de temas especulativos, improvisaciones intensas y, sobre todo, el sonido personal de Txema Riera.


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* Web: www.underpool.org/releases/allegoria-txema-riera

UNA ESCUCHA SOSEGADA DE DJANGO

REZ ABBASI, Django-shift (Whirlwind Recordings, 2020)

He comentado muchas veces con placer lo alargada que es la sombra de Django Reinhardt,, pero nunca pensé que pudiera adoptar formas como las que adopta en las versiones que el guitarrista Rez Abbasi nos propone en su último trabajo titulado Django-shift, un cambio de punto de vista, una nueva mirada a la obra de Django a través de un trío que suena a blues por momentos, progresivo siempre, nada clásico y mucho menos manouche; todo ello con trío de guitarra (Abbasi), órgano (Neil Alexander) y batería (Michael Sarin). ¿Están preparados para un Django diferente?

Rez Abbasi, de origen paquistaní, creció en Los Angeles,  donde estudió guitarra antes de perfeccionarse en Nueva York y de mudarse a la India para estudiar tabla. esto podría definir su estilo heterodoxo de enfocar el jazz. Durante algún tiempo colaboró con el saxofonista  Rudresh Mahanthappa en dos de sus grupos (Indo-Pak Coalition y Dakshani), pero también ha trabajado con Dave Liebman, Gary Versace, Kenny Werner... 

Lo más reseñable aquí es que Abbasi no toca swing. Uno puede quedarse prendado de su heterodoxia y de su erudición, pero su música resulta muy alejada de la filosofía original de Django, opuesta incluso, y puede herir sensibilidades "puristas", aunque, después de escuchar su anterior A Throw of Dice, uno se da cuenta de que a Abbasi no le gusta lo simple. En algunos temas ("Hungaria", por ejemplo) sigue presente un cierto swing, pero otros son más complicados de entender, como "Swing 42", donde solo perviven algunas armonías y restos de las melodías originales, o "Django's Castle", convertido aquí en una delicada balada donde pervive la melodía, tocada en single line con una delicadeza que las baquetas redondean con mesura y elegancia.

Michael Sarin, Rez Abbasi y Neil Alexander

Un experimento soberbio pero rompedor, razón de ser del jazz, que puede molestar a muchos amantes de Django pero que gustará a los amantes de lo progresivo, a los inconformistas y a los que entren en estos temas sin prejuicios¿Avant-garde? ¿Fusión? Etiquetas inútiles aparte, Django-shift resulta un disco recomendable para que los que no aman el swing escuchen a Django.




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* Web: www.reztone.com

* Fotos: Kiran Ahluwalia.

MINAR LAS ESTRUCTURAS MUSICALES

DR. BOBÔ, Dr. Bobô (Karonte, 2019)

Dr. Bobô es un proyecto del flautista Juan Saiz, un proyecto inconformista que escapa a todas las etiquetas posibles y que muestra, como explica Antonio Casares en las notas del álbum, "una voluntad inalienable, casi mística, de minar -y airear con la frescura de su propuesta- las anquilosadas estructuras musicales que nos fosilizan espiritualmente". Con 8 temas originales (todos de Saiz excepto uno de Terán), han plasmado estas ideas con contundencia, desde una estética rock abierta a la improvisación.

Tras dos discos como líder (Pindio en cuarteto y The Sound of Caves en solitario), el cántabro Juan Saiz (habitual de Iva Bittovà, Baldo Martínez, David Mengual, Marco Mezquida...) reúne esta formación a trío con Pedro Terán (Tu Es Petrus) en las percusiones y el brasileño Antony da Cruz al bajo eléctrico. La suma de estos tres músicos genera una potente fusión, mucha energía improvisando y ambientes inesperados.

Quizás el enfoque rítmico sea el más rompedor, el aspecto más inconformista del álbum (pero no el único), con un gran derroche de energía creativa capaz de pasar de la potencia a la sutileza de manera lógica, mientras que, en el papel solista, Saiz muestra en la flauta una capacidad inagotable para sorprender, con fraseos elocuentes, improvisaciones cambiantes y recursos arriesgados. Como uno de los instrumentos más antiguos que se conocen, de la flauta emergen sonoridades de pasados árabes ("Bebé"), flamencos, balcánicos... que rompen con cualquier expectativa de jazz o fusión, pero que enlazan con tantas influencias que resultan familiares (escuchen ese otro proyecto que es Nu2 con Baldo Martínez).

Foto: Bernardo Mato
Ajenos a las ataduras de las etiquetas, como decía más arriba, fluyen a través de estos sonidos con la libertad de unir música académica, improvisación, jazz o sonidos étnicos con solvencia. Incluso hay un momento free: el tema "No me dejéis solo", donde ruido, improvisación libre y atonalidad son los protagonistas, un falso experimento que nos acerca al Juan Saiz de o Arctor, el álbum de improvisación libre que Saiz grabó con el percusionista Samuel Hall para el sello de free jazz Alina Records.

Un disco de esos donde los músicos lo dan todo, cuya abundancia de referencias y recursos puede apabullar al oyente en una primera escucha, pero que apetece poner una y otra vez (quizás por su corta duración, apenas 34 minutos) y donde siempre se puede descubrir algo nuevo en cada nueva escucha. ¿No es esto lo que más nos asombra del jazz?


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* Web: www.drbobo.es