RIGOLETTO de Giuseppe Verdi no Teatro Nacional de São Carlos — 5.05.2013

(Review in English bellow)

A ópera Rigoletto de Giuseppe Verdi (1813-1901) foi estreada em 1851 no Teatro La Fenice em Veneza. O libreto resulta da estreita colaboração entre o compositor e o libretista italiano Francesco Maria Piave e baseia-se na peça Le Roi s’amuse do escritor francês Victor Hugo escrita em 1832. 

A peça foi alvo da censura francesa e não se pôde apresentar durante dezenas de anos, mas suscitou o interesse de Verdi que procurava uma história marcante e com personagens de carácter forte para a sua nova ópera. A sua escolha também foi alvo da censura austríaca, à época potência dominante no norte de Itália. Esta considerou o texto de “uma moralidade repugnante e obscena trivialidade”. Depois de várias alterações, a ópera inicialmente intitulada La Maledizione passar-se-ia a chamar Rigoletto e a sua acção deslocar-se-ia para o reino de Mântua que pertencia à família Gonzaga, entretanto extinta, o que permitia não ofender qualquer susceptibilidade. A sua recepção foi apoteótica e, desde então, Rigoletto é uma das óperas iconográficas de Verdi e uma das mais representadas em todo o mundo, tendo sido, segundo o site Operabase, a 10.ª ópera mais representada mundialmente entre 2006 e 2010. Tem, pois, um lugar cativo e altamente meritório na história da ópera!

A história desenrola-se, habitualmente, em torno do triângulo Rigoletto (corcunda e bobo da corte), o Duque de Mântua (aristocrata galanteador) e Gilda (filha de Rigoletto e apaixonada pelo Duque), sempre com o pano de fundo trágico relacionado com a maldição lançada por Monterone a Rigoletto e que se viria a concretizar.

A encenação de Francesco Esposito baseou-se, uma vez mais, em estruturas metálicas que, com a personalização por painéis, se foram adaptando a todas as óperas da triologia de Verdi do TNSC. Esta opção percebe-se muito bem tendo em conta o baixo orçamento disponível. Na senda da modernização, da qual até sou adepto, Esposito colocou a acção nos tempos actuais, sem a transportar, todavia, para algum período concreto. O primeiro acto inicia-se com uma festa orgiástica com travestis e “coelhinhas” ao estilo da Playboy. A segunda cena do 1.º acto passa-se no salão vazio até que, transportando Rigoletto para a frente do palco, fazem descer um pano negro, enquanto o cenário se transforma ruidosamente. É de tal modo que o Pari siamo de Rigoletto mal se ouvia ou foi muito perturbado. Continuo sem perceber porque é que Esposito insiste nisto: já o fizera na Traviata e com muito mau resultado. Opta por não encenar durante um período e acrescenta ruído: muito ruído! A segunda cena faz de Rigoletto um mecânico: veste-o com um fato de macaco e chega de scooter. Uma opção duvidosa: Rigoletto mecânico?! Então, surge a cândida Gilda no meu de mecânicos de mau aspecto e barris de óleo... O segundo acto passa-se novamente, no salão do primeiro acto. Mas há um pormenor muito importante e que foi péssimo: quando na ária Cortigiani Rigoletto se dirige a Marulo este afasta-se para o fundo do palco, desaparecendo. Ora Marulo e Rigoletto têm uma cena que implica, claramente, contacto visual e até físico. Tudo isto não se percebe tendo em conta o desespero do corcunda e o texto. Aliás, o Rigoletto aqui não é nem deformado nem tem mau aspecto. O terceiro acto já opta por opções mais discutíveis. As estruturas metálicas são despidas e, nos diversos andares, prostitutas de rua vendem-se de modo lascivo e sujo a troco de umas notas oferecidas por mecânicos. Uma opção de muito mau gosto! E a irmã de Sparafucile — Maddalena — tem uma figura assombrosa... E muito mais naqueles trajes: um horror! Já a opção de fazer chuva com bolinhas de esferovite foi muito gira e resultou muito bem.

Martin André. Tem, indubitavelmente, um ego que enche o palco. Adora finais “em grande” para receber o respectivo aplauso entusiástico antes da música terminar... Penso que poderá rever esta postura no futuro, o mesmo se podendo dizer aos rugidos que vai dando ao longo da récita: ou será que Verdi os incluiu em exclusivo na sua partitura?... E a sua direcção deixa muito a desejar: desencontros muito frequentes com os cantores. Ora vai à frente, ora vai atrás. Tem uma irregularidade no tempo tremenda: começou o primeiro acto com grandes pausas e, depois, acelera os finais do 1.º e 3.º actos de modo a retirar qualquer intensidade dramática. E os sopros foram muito fracos... Não gostei!

Piero Terranova. Rigoletto apresentou-se com uma voz agradável, afinado e regular ao longo de toda a récita. A projecção nem sempre foi a melhor, mas, embora sem encantar, foi convincente vocal e cenicamente.

Alessandro Liberatore. O Duque de Mântua era, entre os principais cantores, aquele que tinha o timbre mais bonito e interpretou bem cenicamente. Mas a sua projecção era fraca, com uma coluna de som muitas vezes irregular. Não foi extraordinário, mas foi um Duque eficaz. Aliás, comparado com o Alfredo da Traviata, qualquer um é um Pavarotti.

Romina Casucci. Gilda foi, dos três cantores principais, a que denotou mais dificuldades. A sua voz não é bonita, nem cheia, e tem uma técnica não muito apurada, o que ficou bem patente na sua interpretação da exigentíssima ária Caro nome. Aliás, mesmo cenicamente não foi muito expressiva. Enfim, esteve longe de se apresentar ao nível que o papel exige.

Giovanni Furlanetto. Sparafucile esteve regular. A voz não tem muita potência, nem a projecção é a melhor. Mas tem um grave profundo.

Agostina Smimmero. Maddalena foi interpretada pela italiana que foi Azucena em Il Trovatore. Hoje esteve pior. Dificilmente se ouvia. E a sua figura: peço desculpa, mas quando ela diz ao Duque que é feia tem toda a razão. Um horror de ver...

Os papéis secundários — como sempre! — foram para os portuguesinhos... (é assim que são tratados no TNSC!). João Merino foi um óptimo Marulo: é sempre muito expressivo vocal e cenicamente, com uma óptima presença em palco (é um actor!) e tem uma voz bonita, bem projectada e sempre audível. Luís Rodrigues foi Ceprano e esteve impecável (em grande estilo!). Mário Redondo foi Monterone: esteve bem, embora hoje com a voz áspera. Mas são portugueses. Sugiro que mudem de nomes. Por exemplo: Juan Merino, Louis Rodriguez e Mario Redondo. Assim, de certeza que eram mais respeitados!

Mas Rigoletto, das três óperas a que assisti, foi a mais regular dentro de uma qualidade bastante baixa e que se lamenta. Ainda assim, quando há orçamentos baixos, há que privilegiar a prata da casa...

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(Review in English)

The opera Rigoletto by Giuseppe Verdi (1813-1901) was premiered in 1851 at the Teatro La Fenice in Venice. The libretto results of close collaboration between the composer and Italian librettist Francesco Maria Piave and is based on the play Le Roi s'amuse by French writer Victor Hugo written in 1832. The piece was targeted of French censorship and could not be present for decades, but has attracted Verdi who was looking for a story with striking and strong characters for his new commissioned opera. His choice was also targeted of Austrian censorship, at that time dominant potency in northern Italy. They considered the text of "a repugnant morality and obscene triviality." After several changes, the opera first entitled La Maledizione would be Rigoletto and its action would move into the realm of Mantua who belonged to the Gonzaga family, though extinct, which allowed not offending any susceptibility. Rigoletto’s reception was climactic and, since then, is one of Verdi's iconographic operas and one of the most represented throughout the world, having been, according to the site Operabase, 10th most represented opera worldwide between 2006 and 2010. It therefore has a special and highly meritorious place in the opera history!

The story takes place usually around the triangle Rigoletto (an humpbacked jester), the Duke of Mantua (aristocrat dangler) and Gilda (Rigoletto's daughter who was in love with the Duke), always with the tragic backdrop related to a curse laid by Monterone that will finally happen. You can read a detailed summary here.

The staging of Francesco Esposito was based, again, on metal structures that, with the customization of panels, were adapted to all the operas of Verdi’s trilogy of TNSC. This option is perceived very well given the available low budget. In the wake of modernization, which I'm an adept, Esposito put the action in the present times, without carry it, however, to one specific period. The first act begins with an orgiastic party with transvestites and orgiastic "bunnies" in the style of Playboy. The second scene of the first act is set in the empty hall until, carrying Rigoletto for the front of the stage, a soft black curtian down while the scenery is transformed behind it loudly. It is such loud that on Pari siamo Rigoletto is barely audible was very distraught. I still do not understand why Esposito insists on it: he had done it in Traviata and with very bad results. He chooses not to enact during a period and adds noise! In the second scene Rigoletto is a mechanic and he arrives on scooter. One option dubious: Rigoletto as a mechanic?! Then comes the candid Gilda in the middle of mechanics of bad aspect and barrels of oil ... The second act goes up again in the hall of the first act. But there is one very important detail that was bad: when Rigoletto sing the aria Cortigiani and addresses Marulo, Marulo deviates to the bottom of the stage, disappearing. Marulo and Rigoletto have a scene in which clearly implies a visual and even physical contact. All this is not perceived taking account Rigoletto’s despair and, of course, the libretto. Incidentally, the Rigoletto here is neither deformed nor have bad aspect. The third act has options more debatable. The metallic structures are naked, and on the various floors, street prostitutes sell themselves so lewd and dirty in exchange for some notes offered by mechanics. An option of very bad taste! And the sister of Sparafucile - Maddalena - has a stunning figure ... And much more in those costumes: a horror! The option to make rain with styrofoam balls was very cute and it worked well.

André Martin. He has undoubtedly an ego that fills the stage. He loves doing finales "a la grande" to receive enthusiastic applauses before the music ends... I think he may revise this posture in the future, and the same can be said to roars that he gives along the recitation: or Verdi included them exclusively in André’s score? ... And his direction has big faults: very frequent tempo disagreements with the singers. Here ahead them, there after them. He has a tremendous irregularity in time: the first act began with large pauses and then he accelerates in the end of first and final acts so as to remove any dramatic intensity. And the winds were very weak ... I did not like!

Piero Terranova. Rigoletto presented himself with a pleasant voice, tuned and regular throughout the recitation. The projection was not always the best but, although not delighting, he was convincing vocal and scenically.

Alessandro Liberatore. The Duke of Mantua was, among the leading singers, the one who had the most beautiful timbre and scenically was very well. But his projection was weak and often irregular. He was not extraordinary, but it was an effective Duke. Moreover, compared with Alfredo from La Traviata, anyone is a Pavarotti.

Romina Casucci. Gilda, of the three leading singers was the one who denoted more difficulties. Her voice is not beautiful, nor full, and has a technique not very accurate, which has been evident in her interpretation of the aria Caro nome. Moreover, even scenically was not very expressive. Anyway, she was far from perform to the level that the role requires.

Giovanni Furlanetto. Sparafucile was regular. The voice does not have much power, nor the projection is the best. But he has a deep bass.

Agostina Smimmero. Maddalena was interpreted by Italian mezzo which was Azucena in Il Trovatore. Today she was worse. Hardly she was heard. And her figure: I apologize, but when she tells the Duke that she is ugly she is absolutely right. A horror to see...

The supporting roles - as always! - went to the little Portugueses... (This is how they are treated in TNSC!). João Merino was a great Marulo: he is always very expressive vocal and scenically, with a great stage presence (he is really an actor!) and has a beautiful voice, well projected and always audible. Luís Rodrigues was Ceprano and was immaculate (in great style!). Mário Redondo was Monterone: he was good, although today with a harsh voice. But are Portuguese. I suggest they change their names. For example: Juan Merino, Louis Rodriguez and Mario Redondo. If so, I'm sure they were more respected!

But Rigoletto, of the three operas I attended, was the most regular in a very low quality level. Still, when there is low budgets and I think that TNSC should give priority to the nationals… 

IL TROVATORE de Giuseppe Verdi no Teatro Nacional de São Carlos, 14.04.2013

(Review in English below)

A ópera Il Trovatore de Giuseppe Verdi foi estreada a 19 de Janeiro de 1853 no Teatro Apollo em Roma. O libretista foi o italiano Salvador Cammarano que se baseou na peça El trovador do espanhol Antonio García Gutiérez. É uma das mais famosas óperas de Verdi e foi a 21.ª ópera mais representada entre 2007 e 2012.

A encenação ficou a cargo de Francesco Esposito. Decidiu modernizar a ópera que se passa no século XV. O problema maior é que o texto está cheio de referências a situações e coisas não transponíveis para os tempos de hoje: guerras de condes, espadas, cercos a castelos, etc. Utilizou estruturas metálicas com painéis para fazer edifícios de betão. Transformou os homens do Conde em guerreiros com metralhadoras. O castelo numa camarata militar com beliches. Azucena é uma cigana com medalhas militares alcoólica temida pelos militares. Em suma, pode dizer-se que, apesar de a história se seguir, a encenação estava totalmente desadequada ao século XV e não houve esforço de uma real adaptação aos tempos de hoje.

A Orquestra Sinfónica Portuguesa não estiveram em grande plano. Martin André teve uma interpretação muito irregular no tempo, com desencontros frequentes com os solistas, muito pouco clara no som e com alguns naipes a falhar (os sopros no famoso coro que abre o 2.º acto) e a apostar em finais demasiado... apoteóticos...

Os solistas também não foram brilhantes.

O soprano italiano Rachele Stanisci foi Leonora. A voz tem um timbre ligeiramente sujo e não é especialmente belo. Teve uma interpretação cénica aceitável, embora a direcção de actores a tenha feito ser histérica: sempre a apontar-se uma arma à cabeça. Mas a interpretação vocal esteve longe de ser magnífica com muitas estridências nos agudos.

O mezzo-soprano italiano Agostina Smimmero foi Azucena. Cenicamente esteve em bom plano, conseguindo transmitir os sentimentos trágicos da ópera, nomeadamente quando conta a Manrico a morte da mãe e do seu filho. Vocalmente, apesar de não ter a voz potente e timbre escuro em toda a amplitude vocal típica dos mezzo verdianos, foi regular e teve a interpretação mais conseguida da récita.

O tenor sérvio Ivan Momirov foi Manrico. Apesar de após o intervalo do 2.º acto ter sido anunciado que o tenor estava indisposto e que, ainda assim, iria continuar, teve uma interpretação vocal sofrível. É verdade que tem potência vocal e que foi sempre audível, mas o timbre da voz não é agradável, esteve sempre em esforço para atingir as notas agudas e tem um tom lamurioso.

O barítono letão Valdis Jansons foi Il Conte di Luna. Cenicamente teve uma postura um pouco estática e, vocalmente foi regular, apesar de alguma dificuldade na projecção ao início.

O baixo italiano Giovanni Furlanetto foi Ferrando. Teve uma interpretação cénica eficaz e vocalmente, embora regular, não encantou.

Os restantes elementos têm papéis demasiado menores para se fazer uma avaliação.

Assim, pode afirmar-se que se assistiu a uma récita homogénea, mas pautada pela diminuta qualidade vocal e orquestral com uma encenação pouco adequada ao texto. Tendo em conta a escassez de recursos, continua a não ser compreensível o porquê de se apostar em cantores estrangeiros e não nos portugueses que nem oportunidade para se mostrar têm, o mesmo se aplicando aos encenadores. Porque não ir buscar aos caixotes do TNSC uma encenação das antigas?

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(Review in English)

The opera Il Trovatore of Guiseppe Verdi had its premiere in January 19, 1853 at the Teatro Apollo in Rome. The Italian Salvador Cammarano wrote the libretto that was based on the Spanish play El trobador by Antonio García Gutierez. It is one of the most famous operas of Verdi and was 21st most represented opera between 2007 and 2012.

Francesco Esposito did the staging decided to modernize the opera that takes place in the fifteenth century. The bigger problem is that the text is full of references to situations and things do not translated to modern times: wars between counts, swords, castles sieges, etc. Metal structures were used to make concrete buildings. Cout’s men were turned men into warriors with lot of guns. The castle was transformed in a military dormitory with bunk beds. Gypsy Azucena is an alcoholic with military medals feared by the military. In short, it can be said that although the storyline is followed, the scenario was totally inadequate to the fifteenth century and there was no real effort to adapt it to modern times.

The Portuguese Symphony Orchestra was not in good plan. Martin André had an interpretation very irregular in tempo, with frequent clashes with the soloists and bet on apotheotic finales…

The soloists were not brilliant.

The Italian soprano Rachele Stanisci was Leonora. The voice has a timbre slightly dirty and not especially beautiful. She had an acceptable scenic interpretation, although the direction of the actors has done her to be hysterical: always pointing a gun up to her head. But the vocal interpretation was far from the shrillness, shouting pitch notes a lot.

The Italian mezzo-soprano Agostina Smimmero was Azucena. Scenically she was in good plan, managing to convey the feelings of the tragic opera, particularly when tells Manrico her mother and son deaths. Vocally, despite not having a powerful voice and dark tone throughout the vocal range of typical Verdian mezzo, she was regular.

The tenor Manrico was Serbian Ivan Momirov. Although after the 2^nd intermission has been announced that the tenor was unwell and that he still will continue, he had an insufficient vocal interpretation. He has vocal power and was always audible, but his timbre is not pleasant, he was always in effort to reach the high notes and has a plaintive tone.

The Latvian baritone Valdis Jansons was Il Conte di Luna. Scenically he was slightly static and vocally was regular, although with some difficulties in vocal projection at the beginning.

The Italian bass Giovanni Furlanetto was Ferrando. Scenically he had an effective interpretation and vocally, although regular, he did not charmed.

The remaining elements have roles too minor to make an assessment.

Thus, it can be said that there has been a regular performance uniform, but guided by faulty quality at orchestral and vocal levels with a staging not adapted to text. Given the scarcity of resources, it is still not understandable why to invest in foreign singers and not the Portuguese who neither have the opportunity to show them. The same applies to directors. Why not pick up on TNSC’s archives an old good stage?