Simon Boccanegra, Festival Verdi, Teatro Regio di Parma, Setembro 2022

(Review in English below)

Assisti à ópera Simão Boccanegra numa encenação de Valentina Carrasco, sob a direcção musical de Riccardo Frizza.

Não sendo uma daquelas noitonas operáticas, foi especial e interessante. Em parte e ilusoriamente, senti-me como que a assistir à estreia de uma nova ópera de Verdi. O que foi levado a palco neste Festival foi a versão original de 1857 e não a que Verdi reviu em 1881 e que é a que hoje em dia conhecemos e que vai a cena em todo o lado. Os 2º e 3º actos foram pouco alterados em 1881 e, tirando algumas variações das linhas melódicas, e pareceu-me que também do texto, é quase tudo igual. No prólogo e no 1º acto é que as coisas são mais contrastantes. A “abertura” é diferente mas com alguns motivos “conhecidos” e que depois aparecem durante a ópera, ária de Fiesco é muito parecida, a da Amélia só no início, o dueto entre Simão e Amélia diria 1/4 igual, a cena do Concílio não existe e aqui é mudada para uma festa do povo. A sensação que dá a quem ouve isto pela primeira vez como me aconteceu é que esta versão de 1857 é dramática e melodicamente mais fraca que a de 1881 e esta ideia não é só porque já tenho entranhada a de 1881, mas sim porque realmente as opções melódicas não são por vezes tão felizes, harmoniosas e unificadoras da acção.

A encenação, na minha opinião, foi muito bem conseguida. A encenadora transpôs a acção para o século XX (talvez anos 50) para o Porto de Génova, com o povo a ser os trabalhadores desse mesmo porto, principalmente no negócio das carnes. Paolo (Devid Cecconi) é caracterizado como pseudo-chefe de armazém, mafioso-like, (e aqui o cantor tem o físico excelente para o efeito) 

ajudado por um Pietro (Adriano Gramigni) mais franzino mas com aspecto similar. 

No final do prólogo aparecem fotos projectadas de uma espécie de movimento revolucionário de trabalhadores, com aqueles cartazes de mão, em pau de madeira, quando na obra se exulta Simão a Doge. Aqui neste tempo, a sensação que dá é que o contexto da encenação é mais restrito, mais familiar, e que seria mais para uma espécie de líder sindical do que propriamente para uma figura de relevo político mais abrangente. A Amélia é uma florista, Gabriele Adorno talvez um dos trabalhadores (roupa pouco indicadora). A cena do Concílio não existe e é, na versão de 1857, uma festa popular. Aqui foi feita a encenação de um arraial, tipo Santos Populares, com bandeirinhas triangulares, bancas, assadores e tudo. Achei coerente. O 2º acto e 3º actos passam-se não no palácio do Doge da versão de 1881, mas sim dentro de um matadouro no Porto de Génova. Triste ver as pessoas do publico logo com “boos” antes da música começar porque vêm umas metades de vacas penduradas em cabides e trabalhadores nesses preparos. Na bancada, antes da música começar, Paolo dava ordens a uns dos trabalhadores que punham em cima da bancada um corpo humano tapado que depois sai de cena - acho que aqui uma alusão ao carácter mafioso de Paolo. Todo o 2º e 3º actos lidam com a morte (envenenamento e morte de Simão) ou desejo de morte (tentativa de assassinato de Simão por Gabriele Adorno) e por isso, no ambiente geral escolhido pela encenadora, fazer esta acção num matadouro parece-me extremamente coerente. A cena final entre Fiesco e Simão, com ambos a passarem por entre as carcaças das vacas, é genial porque, como sabe, Simão pensa que Fiesco está morto e chega a dizer “Fia ver? Risorgon dalle tombe i morti?” e Fiesco diz, seguindo a ideia, “Simone, i morti ti salutano”. Ali estão eles, no matadouro, no meio da morte. Por isso, só posso dizer que o “boo” fácil desta malta que vem para aqui passear vestidos e manias, sem perceberem nada da ópera ou de encenações, é tão triste que até dói na alma, tanta é a estupidez e a iliteracia…

No final, com tudo o que antecede a morte de Simão, os ganchos com as carcaças sobem do palco até desaparecerem e surge no fundo do mesmo, uma foto de um céu em crepúsculo, com uns holofotes colocados a meia luz simbolizando, a meu ver, as duas possibilidades de crepúsculo - um nascer de um novo dia, uma nova vida, para Amelia e Gabriele Adorno porque se acabaram de casar (aparecem ambos vestidos de branco, roupa muito simples) ao mesmo tempo que cresce no chão trigo, sinal também de vida, de alimento, de força; e um final de dia, final de vida, para Simão que agora morre. O corpo de Simão é coberto por espigas de trigo, colocadas por homens e mulheres vestidas de branco, simbolizando possivelmente a ascensão ao céu de Simão tal como o dia da espiga o é para os cristãos na ascensão de Jesus; e uma dessas mulheres com uma ovelha/cordeiro vivo ao colo, penso que também aqui com uma alusão ao seu simbolismo católico transposto para esta cena final.

Do ponto de vista dos principais cantores estiveram todos num grande momento. Piero Pretti, que ouvi ao vivo pela primeira vez, esteve fenomenal, bastante expressivo, muito emotivo, a voz muito bonita e perfeita para o papel. 

A sua interacção/química com Roberta Mantegna foi muito natural tendo esta também cantado com grande segurança e dramatismo. 

Riccardo Zanellato foi um Fiesco colossal a todos os níveis. 

Vladimir Stoyanov, embora vocalmente bastante bem, por vezes faltou-lhe alguma credibilidade cénica. Contudo, arrasou completamente no final, do ponto de vista dramático.

Foi pena que os aplausos do público tivessem sido tão contidos. Vi alguma desilusão, por isso, na cara de Stoyanov e Pretti nos agradecimentos. Não se ouviu a melhor versão do Simão Boccanegra, é certo (a de 1881 bate a original em tudo) mas foi uma grande produção, com cantores, maestro, orquestra e encenadora que mereciam muito mais reconhecimento do público no final.

(Texto de Wagner_fanatic)

Simon Boccanegra, Festival Verdi, Teatro Regio di Parma, September 2022

I watched the opera Simon Boccanegra produced by Valentina Carrasco, under the musical direction of Riccardo Frizza.

Not being one of those operatic nights, it was special and interesting. In part and delusionally, I felt as if I were attending the premiere of a new Verdi opera. What was put on stage at this Festival was the original version from 1857 and not the one that Verdi revised in 1881 and which is the one we know today and which is on stage everywhere. The 2nd and 3rd acts were little changed in 1881 and, apart from some variations in the melodic lines it seems to me that the text is almost the same. In the prologue and in the 1st act, things are more contrasting. The “opening” is different but with some “known” motifs that later appear during the opera, Fiesco’s aria is very similar, Amélia’s only at the beginning, the duet between Simon and Amelia would say 1/4 the same, the scene of the Council does not exist and here it is changed to a people's party. The feeling it gives to those who hear this for the first time as it happened to me is that this 1857 version is dramatically and melodically weaker than the 1881 one and this idea is not just because I already have the 1881 version ingrained, but because really the melodic options are sometimes not so happy, harmonious and unifying of the action.

The staging, in my opinion, was very well done. The director transposed the action to the 20th century (perhaps the 50s) to the Port of Genoa, with the people being the workers of that same port, mainly in the meat business. Paolo (Devid Cecconi) is characterized as a mobster-like, pseudo-warehouse boss (and here the singer has the excellent physique for the purpose) helped by a thinner Pietro (Adriano Gragnini) with a similar appearance.

At the end of the prologue, there are projected photos of a kind of revolutionary movement of workers, with those hand-held posters, on wooden sticks, when Simon and the Doge are exulted in the work. Here at this time, the feeling it gives is that the context of the staging is more restricted, more familiar, and that it would be more for a kind of union leader than for a figure of broader political importance. Amelia is a florist, Gabriele Adorno perhaps one of the workers (clothing not very indicative). The Council scene does not exist and is, in the 1857 version, a popular festival. Here, a staging of a village was made with triangular flags, stalls, roasters and everything. I found it coherent. The 2nd and 3rd acts take place not in the Doge's palace of the 1881 version, but inside a slaughterhouse in the Port of Genoa. Sad to see people in the audience with “boos” right before the music starts because there are halves of cows hanging on hangers and workers in these preparations. On the bench, before the music started, Paolo would give orders to one of the workers who would place a covered human body on top of the bench that later leaves the scene - I think here an allusion to Paolo's mafia character. All the 2nd and 3rd acts deal with death (poisoning and death of Simon) or death wish (attempted murder of Simon by Gabriele Adorno) and therefore, in the general environment chosen by the director, doing this action in a slaughterhouse seems to me extremely coherent. The final scene between Fiesco and Simon, with both passing between the carcasses of the cows, is brilliant because Simon thinks Fiesco is dead and even says “Fia ver? Risorgon dalle tombe i morti?” and Fiesco says, following the idea, “Simone, i morti ti salutano”. There they are, in the slaughterhouse, in the midst of death. Therefore, I can only say that the easy “boo” of these people who come here to walk around dressed and quirky, without understanding anything about the opera or staging, is so sad that it even hurts the soul, so much is the stupidity and illiteracy...

In the end, with everything that precedes Simon's death, the hooks with the carcasses go up from the stage until they disappear and a photo of a twilight sky appears at the back of the stage, with spotlights placed in half light, symbolizing the two possibilities of twilight - a dawning of a new day, a new life, for Amelia and Gabriele Adorno because they have just got married (they are both dressed in white, very simple clothes) at the same time that wheat grows on the ground, a sign also of life, of strength; and an end of day, end of life, for Simon who is now dying. Simon's body is covered with ears of wheat, placed by men and women dressed in white, possibly symbolizing Simon's ascension to heaven as the day of the ear is for Christians in the ascension of Jesus; and one of those women with a live lamb on her lap, I think also here with an allusion to her Catholic symbolism transposed to this final scene.

From the point of view of the main singers, they were all of top quality. Piero Pretti, who I heard live for the first time, was phenomenal, very expressive, very emotional, his voice very beautiful and perfect for the role.His interaction / chemistry with Roberta Mantegna was very natural and she also sang with great confidence and drama. Riccardo Zanellato was a colossal Fiesco on every level. Vladimir Stoyanov, although vocally quite good, sometimes lacked some stage credibility. However, he completely rocked it in the end, from a dramatic point of view.

It was a pity that the audience's applause had been so restrained. I saw some disappointment on the faces of Stoyanov and Pretti. The best version of Simon Boccanegra was not heard, it is true (the 1881 version beats the original in everything) but it was a great production, with singers, conductor, orchestra and director that deserved much more recognition from the public at the end.

(Text by Wagner_fanatic)

LA TRAVIATA – Royal Opera House, Londres / London, Abril / April 2022

 

(review in English below)

A Royal Opera de Londres mantém em cena a sumptuosa produção de Richard Eyre da ópera La Traviata de G. Verdi, talvez a minha preferida de entre as muitas que já vi.

Assisti a duas récitas no mesmo dia, com elencos distintos. Os maestros foram Giacomo Sagripanti, que imprimiu um ritmo por vezes excessivamente rápido e Renato Balsadonna, mais a meu gosto. 

Como Violetta duas sopranos verdadeiramente excepcionais. A sul-africana Pretty Yende, que já ouvi várias vezes. É uma das minhas cantoras favoritas da actualidade e voltou a demonstrá-lo. Tem uma voz magnífica, timbre de uma beleza invulgar e interpreta as personagens de forma irrepreensível. A arménia Hrachuhí Bassénz, que nunca tinha visto e ouvido, também me deslumbrou com as suas qualidades interpretativas, vocais e cénicas.

O Alfredo foi interpretado pelos tenores Stephen Costello e Egor Zhuravskii (do programa Jette Parker) que substituiu Dmytro Popov. Costello esteve aceitável, mas não impressionou, a voz fica aquém do que se esperaria para um espectáculo neste teatro. O jovem Zhuravskii cantou muito bem, mas esteve sempre muito estático e algo nervoso, o que se compreende, dado que foi uma substituição de última hora.

Dos barítonos que interpretaram Giorgio Germont, Dimitri Platanias foi excelente. O cantor tem uma voz expressiva, bonita e poderosa. Vladimir Stoyanov também esteve bem, mas a interpretação foi inferior ao Platanias.

Nas personagens secundarias tivemos Angela Simkin (Flora nas 2 récitas), Germán Alcantara e Yuriy Yurchuk (Barão Duphol), Davis Shipley e Blaise Malaba do programa Jette Parker (Dr Grenvil) e Kseniia Nikolaieva do programa Jette Parker e Gaynor Keeble (Annina). De todos eles, saliento a interpretação vocal fabulosa de Kseniia Nikolaieva, uma voz fabulosa que ouviremos no futuro em personagens mais relevantes.

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LA TRAVIATA – Royal Opera House, London, April 2022

The Royal Opera in London keeps on stage Richard Eyre's sumptuous production of the opera La Traviata by G. Verdi, perhaps my favorite of the many I've seen.

I attended two performances on the same day, with different casts. The conductors were Giacomo Sagripanti, who set a sometimes excessively fast pace, and Renato Balsadonna, more to my liking.

As Violetta two truly exceptional sopranos. The South African Pretty Yende, which I've heard several times. She's one of my favorite singers right now and she's shown it again. She has a magnificent voice, an unusually beautiful timbre and plays the characters irreproachably. The Armenian Hrachuhí Bassénz, who I had never seen or heard, also dazzled me with her interpretive, vocal and scenic qualities.

Alfredo was played by tenors Stephen Costello and Egor Zhuravskii (from the Jette Parker program) who replaced Dmytro Popov. Costello was acceptable, but not impressed, the voice falls short of what one would expect for a show in this theater. The young Zhuravskii sang very well, but he was always very static and a little nervous, which is understandable given that he was a last-minute substitution.

Of the baritones who played Giorgio Germont, Dimitri Platanias was excellent. The singer has an expressive, beautiful and powerful voice. Vladimir Stoyanov was also well, but the interpretation was inferior to Platanias.

In the secondary characters we had Angela Simkin (Flora in the 2 performances), Germán Alcantara and Yuriy Yurchuk (Baron Duphol), Davis Shipley and Blaise Malaba from the Jette Parker program (Dr Grenvil) and Kseniia Nikolaieva from the Jette Parker program and Gaynor Keeble (Annina). Of all of them, I distinguish the fabulous vocal interpretation of Kseniia Nikolaieva, a fabulous voice that we will hear in the future in more relevant characters.

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I DUE FOSCARI, Teatro Regio di Parma, Outubro 2019

(review in English below)

Texto de wagner_fanatic

Récita excelente! A par com a Luisa Miller, I due Foscari é uma das minhas descobertas verdianas de 2018 e hoje foi a 1ª vez ao vivo. É mesmo uma obra potente, pouco exibida não sei porquê.

Para mim, a grande estrela da noite foi Stefan Pop como Jacopo Foscari. Conheço-o bem, apesar de ao vivo só Nemorino na ROH há uns anos e foi o Duque no Rigoletto aqui em Parma no ano passado. Os agudos ocasionalmente perdem beleza de timbre talvez por roçarem o limite da tessitura, ou talvez pela técnica, mas tirando isto, hoje foi de uma qualidade brutal, ainda mais para quem está a estrear o papel. O papel assenta-lhe que nem uma luva e a interpretação cénica e as nuances emotivas na voz foram irrepreensíveis.

Maria Katzarava esteve igualmente em alto nível como Lucrezia Contarini, com uma voz muito bonita, emotivamente plástica, grande técnica e agudos sem gritos num papel de extrema exigência para a soprano. Procurei imagens dela na net e o que é que aconteceu a esta mulher?!  O Pop está gordo, e sempre foi, mas mesmo aqui disfarça bem... Ela não. Talvez daí tenham vindo alguns dos boos do final.

Giacomo Prestia é um baixo italiano com a grande consistência vocal que se conhece e cumpriu muito bem o papel de Jacopo Loredano.

Vladimir Stoyanov era outra estreia ao vivo para mim. Boa impressão de muitos videos do youtube e das poucas gravações que tem e não desiludiu como Francesco Foscari. Bem... não completamente... Defendeu-se um pouco no início mas em crescendo até a um final de grande nível vocal e interpretativo. Também ele a estrear-se no papel falta-lhe alguma maturação do mesmo mas promete. Falta-lhe fazer tudo ainda mais como os últimos 2 minutos, sair das garras quadradas da escrita musical e colocar-lhe ainda mais naturalidade. Faltam-lhe os anos (tem 50) para o papel sair ainda melhor porque fazer-se de velho é difícil. A caracterização ajuda mas não se consegue maquilhar a voz. Falta-lhe isto... falta(-lhe) Nucci...

Orquestra Filarmonica Arturo Toscanini excelente, sob a direcção do maestro Paolo Arrivabeni. 

Encenação de Leo Muscato, simples mas de bom gosto e eficaz no suporte da acção. Viva Verdi!!! (e isto vindo de um Wagneriano... a entranhar-se a pouco e pouco, o “Bussetiano”...).

I DUE FOSCARI, Teatro Regio di Parma, October 2019

Text by Wagner_fanatic

Excellent performance! Alongside Luisa Miller, I due Foscari is one of my 2018 Verdean discoveries and today was the first time live. It really is a powerful work, few times on stage I don't know why.

For me, the great star of the night was Stefan Pop as Jacopo Foscari. I know him well, although I have only seen him as Nemorino at the ROH a few years ago and was Duke in Rigoletto here in Parma last year. The top register occasionally loses his beauty of tone perhaps because he touches the boundary of the texture, or perhaps the technique, but aside from that, today was of a top quality, especially for those who are debuting the role. The role fits him like a glove and the scenic interpretation and the emotional nuances in the voice were excellent.

Maria Katzarava was also at the highest level as Lucrezia Contarini, with a very beautiful voice, emotionally plastic, great technique and high-pitched top register in an extremely demanding role for the soprano. I searched for her images on the net and what happened to this woman?! Pop is fat, and always has been, but even here he disguises well ... She doesn't. Maybe from theis came some of the boos at the end.

Giacomo Prestia is an Italian bass with the great vocal consistency that is known and fulfilled the role of Jacopo Loredano very well.

Vladimir Stoyanov was another live debut for me. Good impression of many youtube videos and the few recordings available. He has not disappointed as Francesco Foscari. Well ... not completely ... He defended himself a little at first but growing up to a high vocal and interpretive final level. He, too, making his debut on the role lacks some maturation but promises. He still has to do everything even more like the last 2 minutes, get out of the square clutches of musical writing and make it even more natural. He has the years (50s) left for the role to go even better because being old is hard. Characterization helps but you cannot make up your voice. Missing you ... Missing you Nucci ...

Excellent Arturo Toscanini Philharmonic Orchestra, under the direction of maestro Paolo Arrivabeni. Production by Leo Muscato, simple but pleasant and effective in supporting the action. Long live Verdi !!! (And this coming from a Wagnerian ... gradually becoming entrenched, the "Bussetian" ...).

A DAMA DE ESPADAS / THE QUEEN OF SPADES, Royal Opera House, Londres / London, Janeiro / January 2019

(review in English below)

A ópera A Dama de Espadas de Pyotr I. Tchaikovsky com libreto dos irmãos Modest I. Tchaikovsky e Pyotr I. Tchaikovsky esteve em cena na Royal Opera House de Londres.

O jovem oficial Gherman fica obcecado por Liza, a noiva do seu amigo Príncipe Yeletsky. A Condessa, avó de Liza, conhece uma formula secreta de 3 cartas que garantem sucesso ao jogador. Gherman decide descobrir o segredo, enriquecer e ficar com a Liza. Esta, ao vê-lo, apaixona-se e dá-lhe a chave do quarto da Condessa, através do qual terá acesso ao seu. Combinam um encontro à noite. Gherman confronta a Condessa no quarto, pedindo-lhe o segredo das cartas. Ela morre de medo quando ele lhe aponta uma pistola. Liza chega e fica horrorizada com o que vê. Gherman é assombrado pelo fantasma da Condessa que lhe revela o segredo das 3 cartas e ordena-lhe que case com a Liza. Contudo, a sua obsessão pelas cartas leva Liza ao suicídio. No jogo, Gherman tem duas grandes vitórias e é desafiado pelo Príncipe para um terceiro jogo. Perde porque a carta ganhadora não é o esperado ás, mas sim a Dama de Espadas. Aterrorizado com a visão da Condessa, Gherman suicida-se.

A encenação de Stefan Herheim (já apresentada na Opera de Amsterdão) é vistosa mas muito estranha. A parte positiva é a sala clássica, atraente, com um grande lustre de cristal, onde tudo se passa. A movimentação dos cenários é eficaz e silenciosa. E o guarda roupa é muito bonito, rico e vistoso.

Tudo o resto é bizarro. Logo no início aparece um texto referindo o impacto da homossexualidade na vida do compositor. O próprio Tchaikovsky esteve sempre presente, do início ao fim, bem como um piano onde compunha ou de onde tentava conduzir o desenrolar da acção. Revê-se no príncipe Yeletsky (é o mesmo cantor que faz os dois papéis). O Coro masculino representa a sua imagem replicada por muitos. Até a água contaminada com cólera que bebeu e com que se suicidou aparece nas mãos de todos os seus “clones” do coro.

A ópera começa com uma cena de sexo com um homem (encarnado por Gherman) e a rejeição de um anjo negro da morte, feminino, (Liza). A meio da ópera há uma cena lésbica entre Liza e Paulina e, no final do 2º acto, quando o coro canta na plateia, aparece Catarina a Grande que é ...Gherman vestido de drag queen!! Mais um exemplo do eurotrash num teatro onde, habitualmente, não se vê!

Mas nem tudo foi mau. A direcção musical de Antonio Pappano foi de grande nível, como é habitual, e a orquestra esteve muito bem.

O papel principal de Gherman foi interpretado pelo tenor russo Sergey Polyakov, em substituição do Antonenko. Para mim uma boa notícia pois não suporto o timbre nasalado e agreste do substituído. Mas Polyakov não foi melhor, má técnica, emissão irregular e frequentemente agreste.

Eva-Maria Westbroek fez uma Liza discreta, pouco emotiva em palco, mas vocalmente interessante e sempre bem audível, embora com dificuldades no registo agudo.

Os restantes foram melhores. O barítono búlgaro Vladimir Stoyanov no duplo papel de Tchaikovsky e Príncipe Yeletsky canta pouco mas a sua aria foi lindíssima e interpretada de forma superior. Como Tchaikovsky roçou o ridículo, mas a culpa não foi sua.

A Condessa foi também uma interpretação interessante de Felicity Palmer, já septuagenária mas ainda cantando e interpretando em grande estilo.

O melhor foi John Lundgren como Conde Tomsky. Tem uma voz belíssima com um registo grave marcante e uma boa presença cénica.

Merece também um registo de muito apreço a bela interpretação de Anna Goryachova como Paulina.

Um espectáculo muito vistoso mas desinteressante na Royal Opera.

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THE QUEEN OF SPADES, Royal Opera House, London, January 2019

The opera The Queen of Spades by Pyotr I. Tchaikovsky with libretto by the brothers Modest I. Tchaikovsky and Pyotr I. Tchaikovsky was on scene at the Royal Opera House in London.

The young officer Gherman is obsessed by Liza, the bride of his friend Prince Yeletsky. The Countess, Liza's grandmother, knows a secret formula of 3 cards that guarantee success to the gambler. Gherman decides to discover the secret, to become rich and stay with Liza. When she sees him, she falls in love, and gives him the key to the Countess's room, through which he will have access to her room. They make a date at night. Gherman confronts the Countess in the bedroom, asking her the secret of the cards. She is scared to death when he points a gun at her. Liza arrives and is horrified by what she sees. Gherman is haunted by the Countess's ghost who reveals the secret of the three cards and orders him to marry Liza. However, his obsession with the cards leads Liza to suicide. At the game, Gherman has two big wins and is challenged by the Prince for a third game. He loses because the winning card is not the expected ace, but the Queen of Spades. Terrified at the Countess's vision, Gherman commits suicide.

The direction of Stefan Herheim (already presented at the Amsterdam Opera) is showy but very strange. The nice component is the classic, attractive room with a large crystal chandelier, where everything happens. The movement of the scenarios is effective and silent. And the dresses are very beautiful and rich.

But everything else is bizarre. At the beginning, a text referring to the impact of homosexuality on the composer's life appears. Tchaikovsky himself was always present, from beginning to end, as well as a piano where he composed or from where he tried to conduct the course of action. He is projected in Prince Yeletsky (it is the same singer who does both roles). The male choir represents his image replicated by many. Even the water contaminated with cholera who he drank to commit suicide appears in the hands of all his "clones" of the choir.

The opera begins with a sex scene with a male (incarnated by Gherman) and the rejection of a black angel of death, female (Liza). In the middle of the opera there is a lesbian scene between Liza and Paulina and, at the end of the 2nd act, when the choir sings in the audience, Catherine the Great appears ...as Gherman dressed as a drag queen!! Another example of a Eurotrash in a theater where it has not been common to see!

But everything was not bad. The musical direction of Antonio Pappano was great, as usual, and the orchestra was very good.

Gherman's lead role was played by Russian tenor Sergey Polyakov, replacing Antonenko. For me good news because I can not stand the nasal and harsh tone of the replaced. But Ployakov was not better, he had a bad technic, the voice was irregular and sometimes harsh.

Eva-Maria Westbroek was a discreet, unemotional Liza on stage, but vocally interesting and always well audible, though with difficulties in the top register.

The rest of the cast members were better. Bulgarian baritone Vladimir Stoyanov in the double role of Tchaikovsky and Prince Yeletsky sings little but his aria was beautiful and interpreted in a superior way. As Tchaikovsky brushed the ridiculous, but it was not his fault.

The Countess was also an interesting interpretation of Felicity Palmer, already septuagenarian but still singing and interpreting in style.

The best was John Lundgren as Count Tomsky. He has a beautiful voice with an impressive low register and a good stage presence.

Also worthy of note was the beautiful interpretation of Anna Goryachova as Paulina.

A very beautiful performance to the eyes but not interesting as the opera at the Royal Opera.

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