AS BODAS DE FIGARO / LE NOZZE DI FIGARO, Teatro Schiller, Berlim, Abril 2014.

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O wagner_fanatic assistiu às Bodas de Fígaro no Teatro Schiller, Berlim. Ópera de WA Mozart, com libretto de Lorenzo da Ponte, foi interpretada sob a direcção musical de Christopher Moulds, numa encenação de Thomas Langhoff. Foram solistas Roman Treke como Counde de Almaviva, Dorothea Röschmann como Coundessa de Almaviva, Anna Prohaska como Susanna, Adam Plachetka como Fígaro, Anna Bonitatibus como Cherubino e Katharina Kammerloher como Marcelina.

Umas Bodas de Fígaro espectaculares!!! Conjugação de excelentes vozes com a direcção de actores mais perfeita e ao meu gosto que já vi. O que foi mais espectacular foi ter aquilo que eu procuro sempre quando vou assistir a um espectáculo de ópera e que é encontrar a perfeita sintonia entre a música e o teatro. Só em algumas vezes senti que assisti a algo praticamente sem falhas e ao meu gosto neste sentido holístico que é a Ópera.

O modo como as pessoas cantam, a sintonia entre elas e aquilo que de mágico conseguem transmitir varia e embora eu reconheça qualidade em muitas coisas que tenho visto, algo só me marca completamente quando transmite aquilo que foi pensado para aquela ópera. Quando falamos em Mozart, este não trabalhou para um lado e o da Ponte para outro e depois misturaram música e texto e as Bodas, o Don Giovanni e o Cosi fan tutte saíram como são. A música tem ideias que apoiam o texto, o texto tem ideias que acompanham a música e os cantores e encenadores tem de conhecer bem o que estão a dizer, conhecer para onde a música os leva, e saber transmitir isso a quem está a ver. Se isso não acontecer, não temos ópera.

Houve homogeneidade em todos os solistas mas verdadeiramente excelente foi Adam Plachetka!

The Marriage of Figaro / Le Nozze Di Figaro, Schiller Theater, Berlin, April 2014.

Wagner_fanatic attended The Marriage of Figaro at the Schiller Theatre, Berlin. An opera by WA Mozart with libretto by Lorenzo da Ponte, was performed under the musical direction of Christopher Moulds. The stage director was Thomas Langhoff. Soloists were Roman Treke as Count Almaviva, Dorothea Röschmann as Countess Almaviva, Anna Prohaska as Susanna, Adam Plachetka as Figaro, Anna Katharina Bonitatibus as Cherubino and Katharina Kammerloher as Marcelina.

A spectacular Marriage of Figaro! Combination of excellent voices to perfect actor and singers direction I've ever seen. What was most amazing was having what I always look for when I watch an opera performance and that is to find the perfect harmony between music and play. Only a few times I felt that I saw something almost flawless in my holistic perception of what is the Opera.

The way people sing, the line between them and what is magic that they can transmit varies, and although I recognize quality in many things I have seen before, something only touches me totally when transmitting what was thought to that opera. When we talk about Mozart, he did not work for one side, and da Ponte for another, and then they mixed music and text, and Le Nozze, Don Giovanni, and Cosi fan tutte just came as they are. Music has ideas that support the text, the text has ideas that accompany the music and the singers and directors have to know well what they are performing, to know where the music takes them, and to transmit it to who is watching. If not, we do not have opera.

There was homogeneity in all singer soloists but truly excellent was Adam Plachetka!

DON GIOVANNI – Schiller Theater, Berlim – 6 Julho 2012

    

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Inicialmente anunciada como a mesma produção da abertura da Temporada do Scala de Milão, cedo se percebeu que Robert Carsen a adaptara excessivamente a este Teatro e que não funcionaria no Teatro Schiller em Berlim. E ainda bem porque a alternativa foi a excelente produção de Claus Guth de Salzburgo. 

A acção do Don Giovanni passa-se aqui numa floresta, com um Don que acaba por ser ferido com uma arma de fogo na luta com o Comendador e que vai desfalecendo ao longo da ópera, morrendo em choque hemorrágico no final da mesma, caíndo numa cova sepulcra cavada pelo fantasma do Comendador. Pelo meio, um Leporello com aspecto de dependência tóxica, uma paragem de autocarro à antiga, um automóvel, muitas latas de cerveja, numa encenação que nos envolve com uma noção de continuidade cénica que é dada pelo esquema rotativo do palco. É claro que algumas coisas funcionam menos bem e não se enquadram totalmente no texto mas são poucas e facilmente esquecidas quando tudo o resto é realmente inovador e concepcionalmente diferente do habitual – a marca de Guth.

Christopher Maltman foi um Don exímio. Vocalmente perfeito conseguiu também caracterizar, sem excessos, a evolução clínica da personagem até ao momento final da sua morte. Ficou patente a vasta experiência que tem nesta encenação. Apenas se esqueceu do início da letra no “Meta di voi qua vadano”.

Erwin Schrott faz um Leporello magnífico. Naturalidade cómica associada a uma plasticidade vocal impressionante são o que o melhor o define. Talvez pudesse ter dado um ar de maior pavor na cena do diálogo com a estátua do Comendador e no “Ah padron ciam tutti morti”, mas a estátua, feita de ramos finos e árvore, e a própria aparência natural do Comendador também não transmitiam muito temor...

Dorothea Roschmann foi sublime como Donna Elvira. Eu, pessoalmente, adoro a voz desta alta especialista mozartiana e derreto-me facilmente ao seu timbre.

Maria Bengtsson substituiu uma Anna Netrebko cansada e a desejar mais tempo útil com o filho Thiago. Compreende-se e aceita-se quando quem a substitui interpreta Donna Anna do modo como Bengtsson a interpretou. A voz é de uma beleza que se enquadra com a aparência física e a interpretação é fluente e expressiva, não faltando as nuances melosas exigidas nas suas arias.

Anna Prohaska, na sua aparente fragilidade física, tem vindo a afirmar-se como uma excelente nova revelação operática. Esteve muito bem como Zerlina e a sua voz é perfeita para Mozart.

Stefan Kocan foi também excelente como Masseto, com timbre agradável e muito rigoroso em termos interpretativos.

Guiseppe Filianoti tem tido maus períodos desde que me cativou na produção de Laurent Pelly do Elixir do Amor, em Londres e Paris. O seu Duque no Rigoletto do MET da temporada passada foi horrível, com marcadas falhas nos agudos. Neste Don voltou a ganhar o meu respeito, estando ao nível do que de ele se espera. Sem falhas, as árias “Dalla sua pace” e “Il mio tesoro” foram sublimes, de grande beleza.

Alexander Tsymbalyuk tem uma voz profunda e por isso perfeita para o papel de Comendador mas deixa transparecer um leve vibrato que me incomoda ligeiramente.

Daniel Barenboim esteve fantástico, esboçando sorrisos à interpretação de Schrott na ária do catálogo, conduzindo a orquestra com alegria. O som produzido foi terrífico, transmitindo certamente um deleite extrassensorial a todos, como a mim me proporcionou. Aponto-lhe só o mesmo que achei na transmissão televisiva do Don do Scala em Dezembro: o “Non ti fidar o misera” foi muito lento...

Um pormenor importante, e a primeira vez que vi acontecer, foi a ópera terminar com a morte de Don Giovanni, sem o componente moralizador final.

Esta récita é o exemplo clássico de como em Ópera tudo conta e uma encenação conceptualmente inovadora mas coerente pode, com vozes de grande nível (não necessariamente estrelas conhecidíssimas como aqui) podem tornar a Ópera num fascínio mesmo para aqueles que ainda não cederam a esta paixão.

DON GIOVANNI - Schiller Theater, Berlin - July 6, 2012

Initially billed as the same production that opened the season at La Scala in Milan, it quickly became apparent that Robert Carsen excessively adapted ideas to this opera house would not work in the Schiller Theater in Berlin. And thank goodness because the alternative was the excellent production from Salzburg by Claus Guth. 

The action of Don Giovanni is set in a forest, with a Don injured with a firearm in the fight with the Commendatore and will faint along the opera, dying in hemorrhagic shock at the end of it, falling in a grave dug by the ghost of the Commendatore. In between, a Leporello with toxic dependency, an old bus stop, a car, many cans of beer, a scenario that involves us with a sense of continuity which is given by scenic rotational stage. Of course, some things work less well and do not fit completely in the text but they are few and easily forgotten when everything else is really innovative and conceptionally different from the usual - the signature of Guth.

Christopher Maltman’s Don was superb. Vocally perfect, he was also capable of showing, without excesses, the clinical evolution of the character until the final moment of his death. It was shown that he has extensive experience in this production. Just forgot the beginning of the text in the "Meta di voi qua vadano."

Erwin Schrott makes a magnificent Leporello.. A natural comic sense associated with an impressive vocal plasticity are what best defines him. Maybe he could have given a more deep sense of fear at the scene of the dialogue with the statue of the Commendatore and in the passage "Ah padron siam tutti morti”,  but the statue, made of thin branches of tree, and the very natural look of the Commendatore also did not transmit a lot of fear ...

Dorothea Roschmann was sublime as Donna Elvira. I personally love the voice of this expert in Mozart and I melt ​​easily to the sound of her voice.

Maria Bengtsson replaced a tired and want more time with his son Thiago Anna Netrebko. This is understood and accepted when the substitute who plays Donna Anna does it like Maria Bengtsson did. The voice is of a beauty that fits with the physical appearance and the interpretation is fluent and expressive, without lacking the nuances required in her mellow arias.

Anna Prohaska, in her apparent physical frailty, has been asserting herself as a great new operatic revelation. She as a very good Zerlina and her voice is perfect for Mozart.

Stefan Kocan’s Masseto was excellent as well, with a nice tone and very strict in terms of interpretation.

Guiseppe Filianoti has had bad periods since he captivated me in Laurent Pelly's production of L’Elisir d’amore in London and Paris. His Duke in the Rigoletto at the MET last season was horrible, with marked high notes failure. In this Don he regained my respect, being at the expected level. Without faults, the arias "Dalla their pace" and "Il mio tesoro" were sublime, of great beauty.

Alexander Tsymbalyuk has a deep voice and so perfect for the role of the Commendatore but reveals a slight vibrato that bothers me a bit.

Daniel Barenboim was fantastic, drawing smiles at Schrott in his the interpretation of the catalog aria, conducting the orchestra with joy. The sound was terrific, certainly conveying extrasensory feelings to everyone as it did to me. I point you just the same I did regarding the Scala production: the "Non ti fidar o misera" was too much slow ...

An important detail, and the first time I saw it happen was that the opera ends with the death of Don Giovanni, without the final moralizing component.

This performance is the classic example of how everything counts in Opera and a conceptually innovative production but coherent one may, with high level voices (not necessarily stars like in here) can make Opera a fascination even for those who have not yet yielded to this passion .

Tristan und Isolde: Staatsoper Unter den Linden at the Schiller Theatre, Berlim – 10 de Março de 2012

Foi com enorme prazer que, recentemente, acedi a tomar parte no ilustre rol de colaboradores deste blogue. Inicio, com a presente resenha, um modesto labor que se possa constituir, minimamente, frutuoso ainda que, relativamente, escasso, em termos quantitativos.

Tristan und Isolde é um drama musical em três actos, composto por Richard Wagner entre 1857 e 1859, substancialmente baseado no romance homónimo do escritor medievo Gottfried von Straßburg.

Originalmente apresentada há cerca de uma década, a encenação de Harry Kupfer gravita em torno de uma imponente escultura de um anjo, baseada numa imagem captada em Roma pela fotógrafa alemã Isolde Ohlbaum, que se constitui centro nevrálgico do universo dramatúrgico proposto.

A disposição móbil do objecto em questão, pontuando o evolver da narrativa, concorre para a perspectivação, sob ângulos díspares, de todo um conjunto de reentrâncias e depressões que o encenador vai operando, de modo eficaz, na movimentação cénica.

Num plano secundário, surgem diversas lápides tumulares envoltas num fundo composto por um painel branco, aludindo a um horizonte espacial, que cede ao ocaso assim que os protagonistas sorvem o filtro.

Despretensioso e eficiente o jogo de luzes, alicerçado num leque objectivo de analogias cromáticas, dominado, como forma de exemplo, por tons argênteos (Liebesnacht) ou rubros (Morte de Tristão).

Em Tristão, o norte-americano Ian Storey, iniciou a récita de modo discreto, evidenciando algumas debilidades na região grave, acrescida de uma emissão algo pesada, materializada num fraseado irregular. Detentor de um instrumento de volume considerável, exibindo um registo agudo absolutamente inabalável e uma enorme resiliência vocal, sucedeu em debelar as fragilidades patenteadas com um segundo acto em gradual ascendente, culminando num delírio de assinalável impacto dramático, no derradeiro acto.

Albergando um instrumento sólido, o Kurvenaldo de Martin Gantner surgiu excessivamente vigoroso, denotando uma determinada agrestia na linha de canto e agudos algo destimbrados. Manifesta mutação na vigília a Tristan no terceiro acto, marcada por um assinalável lirismo e engajamento dramático, numa abordagem de agradável efeito.

Possuidora de uma voz pujante, ainda que matizada de um ligeiro metal tímbrico, Iréne Theorin (substituindo Waltraud Meier) ofertou uma leitura fundada num basto dramatismo, percorrendo de forma persuasiva o espectro emocional de Isolda. Não obstante a tendência evidenciada para uma insistente estridência nas passagens em forte no registo médio-agudo, destacou-se pela precisão do ataque no limiar da região aguda, designadamente, na narrativa do acto inicial. O soprano concluiu com um Liebestod de grande contenção e desprovido de artifícios supérfluos num belíssimo momento cénico.

Em reportório mais congenial (recorde-se a sua Giovanna Seymour em Anna Bolena no MET), Ekaterina Gubanova gizou uma Brangânia cúmplice na contracena com Isolda. Com um fraseado idiomático, assente em graves e médios encorpados envoltos num timbre escuro, acusou, contudo, alguma perda de espessura na coluna de som, sobretudo no registo agudo, soando em esforço a linha vocal. Destacou-se, sobremodo, pela essência quase diáfana das suas intervenções no dueto de amor.

René Pape foi um Rei Marke absolutamente modelar no timbre cultivadíssimo, emissão homogénea e execução irrepreensível da linha melódica. Em termos cénicos, esteve certeiro na assunção do nobilíssimo monarca afrontado na honra e dignidade. O mais constante em palco.

Florian Hoffmann, em duplo papel (marinheiro e pastor), destacou-se pela elegância do timbre e admirável emprego da meia voz, valorizando as páginas iniciais. O veterano Reiner Goldberg em Melot e Arttu Kataja como um piloto cumpriram dignamente.

No elmo da Staatskapelle de Berlim, Daniel Barenboim evidenciou uma perfeita noção do monumental arco dramático da obra. Admirável na exercitação da claridade e domínio das texturas orquestrais, simultaneamente, obstando a que a leitura adquirisse um cariz meramente analítico, foi absolutamente magistral na dilaceração impressa às cordas no prelúdio do terceiro acto. Exemplar articulação orquestral com notável execução em todos os naipes, avultando metais e madeiras. Habitual frequentador da obra, o maestro argentino brindou o público com, porventura, a interpretação contemporânea de referência.

Uma récita com intérpretes, globalmente, em bom plano e uma soberba direcção orquestral.

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Tristan und Isolde: Staatsoper Unter den Linden at the Schiller Theatre, Berlin – 10th March 2012

It was with enormous pleasure that, recently, I conceded taking part in the illustrious list of collaborators on this blog. I’ll begin, with the present text, a modest activity which might be able to constitute itself, minimally, fruitful, although, quantitatively speaking, rather scarce.

Tristan und Isolde is a musical drama in three acts, composed by Richard Wagner between 1857 and 1859, largely based in the romance of the same name by the medieval writer Gottfried von Straßburg.

Originally presented about a decade ago, Harry Kupfer’s staging gravitates around an imposing sculpture of an angel, based on a photo taken in Rome by the German photographer Isolde Ohlbaum, which constitutes itself as neuralgic centre of the suggested dramaturgic universe.

The mobile disposition of the object in question, pinpointing the story’s development, puts in perspective, from different angles, all sorts of recesses and hollows which the director keeps operating, effectively, in stage deportment.

In the background, there appear several gravestones wrapped in a white panel, referring to some kind of spatial horizon, which gives way to dusk as soon as the lovers drink the love potion.

Unassuming and efficient lighting, based on an objective gamut of chromatic analogies, dominated, as an example, by silvery (Liebesnacht) or red (Tristan’s death) tones.

As Tristan, the American Ian Storey, started the performance discreetly, showing some weaknesses in the bass notes, accompanied by a somewhat heavy emission, materialized on irregular phrasing. Holder of an instrument with considerable volume, exhibiting an absolutely unshakable top register and a huge vocal resilience, he succeeded in taming the manifested frailties with a second act characterized by increasing power, culminating with a remarkable delirium in its dramatic impact, in the final act.     

Harbouring a solid instrument, Martin Gantner’s Kurwenal began with excessive vigour, denoting some roughness in the line and whitish top notes. Clear mutation in the vigil to Tristan in the third act, distinguished by great lyricism and dramatic thrust, in a reading of nice effect.

Possessor of a mighty voice, although lightly tinted in a metallic tone, Iréne Theorin (subbing for Waltraud Meier), offered a reading based on great dramatics, persuasively going through Isolde’s emotional spectrum. Notwithstanding some tendency towards an insistent stridency on forte passages in the break of the voice, she distinguished herself for the precision of the attack in the high register, namely, in the narration of the first act. The soprano concluded with a Liebestod of great restraint, shorn of superfluous artifices in a striking scenic moment.    

In more congenial repertoire (recall her Giovanna Seymour in Anna Bolena at the MET), Ekaterina Gubanova drew an accomplice Brangäne in her rapport with Isolde. With idiomatic phrasing, based on bulky lows and mediums wrapped in a dark tone, she, however, accused some loss of thickness in the sound column, mainly in the top register, the singing line soaring somewhat effortful. She impressed greatly by the almost diaphanous essence of her interventions during the love duet.

René Pape was an absolutely exemplary King Marke displaying a highly cultivated tone, a homogeneous emission and an irreproachable negotiation of the melodic line. Scenically, he was most accurate in performing this noblest of monarchs outraged in his honour and dignity. He was the most regular player on stage.

In a double commitment, Florian Hoffmann (as a sailor and a shepherd), draw attention to himself for the elegance of tone and the notable use of half voice, valorising the initial pages. The veteran Reiner Goldberg in the role of Melot and Arttu Kataja as a pilot fulfilled their parts with dignity.

At the elm of the Berlin Staatskapelle, Daniel Barenboim exhibited a perfect notion of the work’s monumental dramatic arch. Admirable in exercising clarity and mastery of the orchestral textures, simultaneously, avoiding that the reading took on an analytic nature, he was absolutely magisterial in the way he achieved the strings to depict dilaceration in the prelude to the last act. Exemplary orchestral articulation with notable work from every section, both brass and woodwind standing out. Customary interpreter of this work, the Argentinean conductor offered the public with, possibly, the contemporary reference reading.

A presentation with performers, globally, on a good level and terrific conducting.

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