ANDREA CHÉNIER, Teatro de São Carlos, Lisboa / Lisbon, Junho / June 2022

(Text in English below)

A ópera que muito gosto Andrea Chénier de U Giordano com libreto de Luigi Illica retrata o período da Revolução Francesa, suas esperanças e horrores. Numa festa no castelo da família, a jovem aristocrata Maddalena de Coigny, filha da condessa, é presenteada com um poema pelo generoso poeta Andrea Chénier, que defende a liberdade, amor e poesia. O mordomo Gérard queixa-se do luxo em que a família vive e demite-se. Em Paris começa a revolução mas os convidados ignoram-no. Anos mais tarde, o antigo mordomo, agora um revolucionário que quer vingar-se da opressão e injustiça, luta com Chénier por Maddalena, por quem estão ambos apaixonados. Gérard, contudo, avisa o poeta que é procurado como contra-revolucionário. Num tribunal revolucionário Chénier é condenado e Gérard é obrigado a assinar a condenação. Maddalena oferece-se em troca da vida de Chénier e comove Gérard quando relata a crueldade do povo francês no terror da revolução, ao assistir à morte da sua mãe, queimada viva. Aceita o amor de Chénier e são ambos condenados à morte pela guilhotina.

A encenação de Sarah Schinasi foi convencional, simples e eficaz. 

A Orquestra Sinfónica Portuguesa, sob a direcção de Antonio Pirolli, cumpriu com qualidade, merecendo realce a harpista Carolina Coimbra que tocou maravilhosamente nesta partitura em que a harpa é instrumento essencial e tem alguma da mais bela música.

Um protagonista importante é o povo francês (representado pelo coro) com um papel decisivo na evolução dos acontecimentos revolucionários. O Coro do Teatro de São Carlos esteve bem.

Em relação aos solistas, infelizmente, a récita deixou muito a desejar.

O barítono Claudio Sgura foi Gérard e o único com um desempenho capaz. Tem uma voz bem audível e de timbre agradável. Na ária do 3º acto Nemico della patria foi emotivo e convincente.

O tenor Marco Berti foi um Andrea Chénier com má presença em palco. A voz está muito desgastada, o timbre é agradável mas, em esforço, perde qualidade porque ou não aguenta ou grita. E emotividade foi algo que nunca transpareceu.

A soprano Svetla Vassileva, em substituição de Elisabete Matos, foi uma Maddalena pouco dada a representações cénicas e com uma prestação vocal muito aquém do desejável. Ou não se ouvia ou, no registo mais agudo, a estridência incomodava. A belíssima aria La mamma morta foi decepcionante. (Sei que ter Maria Callas como referência para esta ária é impiedoso para as outras cantoras, mas... non troppo). E emoção foi algo inexistente, viver ou morrer foi idêntico em palco. 

Nos papéis secundários estiveram Maria Luísa de Freitas (Bersi), Cátia Moreso (Condessa de Coigny / Madelon), José Corvelo (Roucher), Christian Luján (Mordomo / Fouquier Tinville) sempre bem, Luis Rodrigues (Mathieu) também bem, Sérgio Martins (Abade) e João Oliveira ( Dumas / Schmidt).

Uma última nota sobre as biografias apresentadas nos programas de sala. Os cantores solistas são sempre os mais aclamados em todo o mundo, sempre requisitados para os grandes teatros de ópera mundiais, etc. etc.  Haja algum pudor no que se escreve!! Nem todo o público que ainda resiste e vai ao São Carlos é desconhecedor do mundo da ópera...

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ANDREA CHÉNIER, Teatro de São Carlos, Lisbon, June 2022

The opera I really like Andrea Chénier by U Giordano with a libretto by Luigi Illica portrays the period of the French Revolution, its hopes and horrors. At a party in the family castle, the young aristocrat Maddalena de Coigny, daughter of the countess, is presented with a poem by the generous poet Andrea Chénier, who defends freedom, love and poetry. The butler Gérard complains about the luxury in which the family lives and resigns. In Paris the revolution begins but the guests ignore him. Years later, the former butler, now a revolutionary who wants revenge for oppression and injustice, fights with Chénier for Maddalena, with whom they are both in love. Gérard, however, warns the poet that he is wanted as a counter-revolutionary. In a revolutionary court Chénier is condemned and Gérard is forced to sign the sentence. Maddalena offers herself in exchange for Chénier's life and moves Gérard when he recounts the cruelty of the French people in the terror of the revolution, when he witnessed the death of his mother, burned alive. She accepts Chénier's love and they are both sentenced to death by the guillotine.

Sarah Schinasi's staging was conventional, simple and effective. The Orquestra Sinfónica Portuguesa, under the direction of Antonio Pirolli, performed with quality, with emphasis on the harpist Carolina Coimbra who played wonderfully in this score in which the harp is an essential instrument and has some of the most beautiful music.

An important protagonist is the French people (represented by the choir) with a decisive role in the evolution of revolutionary events. The Coro do Teatro de São Carlos did well.

Concerning the soloists, unfortunately, the performance left a lot to be desired.

Baritone Claudio Sgura was Gérard and the only one with a capable performance. He has a very audible voice and a pleasant timbre. In the aria of the 3rd act Nemico della patria was emotional and convincing.

Tenor Marco Berti was an Andrea Chénier with poor stage presence. The voice is very worn, the timbre is pleasant but, with effort, it loses quality because it either can't stand it or screams. And emotionality was something that never transpired.

Soprano Svetla Vassileva, replacing Elisabete Matos, was a Maddalena little given to scenic representations and with a vocal performance that was far from desirable. Either you couldn't hear it or, in the highest register, the shrill was annoying. The beautiful aria La mamma morta was disappointing. (I know that having Maria Callas as a reference for this aria is ruthless for the other singers, but... non troppo). And emotion was non-existent, living or dying was identical on stage.

In the supporting roles were Maria Luísa de Freitas (Bersi), Cátia Moreso (Countess de Coigny / Madelon), José Corvelo (Roucher), Christian Luján (Butler / Fouquier Tinville) always well, Luis Rodrigues (Mathieu) also well, Sérgio Martins ( Priest) and João Oliveira (Dumas / Schmidt).

A final note about the biographies presented in the programs. Soloist singers are always the most acclaimed all over the world, always in demand for the world's great opera houses, etc. etc. Some modesty in what is written should exist!! Not all the public that still resists and goes to Teatro São Carlos is unaware of the opera world...

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LA BOHÈME – Teatro Nacional de São Carlos

(review in English below)

Foi com satisfação que finalmente voltei a ver uma ópera devidamente encenada no Teatro de São Carlos, a popular La Bohème de G. Puccini. 

E começo pela encenação, de Emilio Sagi, que gostei muito. Foi uma abordagem clássica sem grandes inovações (para além de ter sido aproximada da actualidade), muito vistosa e bem conseguida. Esteve ao nível das boas encenações de qualquer grande teatro de ópera internacional.  Como quase sempre, há pormenores discutíveis mas na globalidade gostei muito, não foi uma encenação minimalista ou pindérica, como tantas vezes vemos entre nós.

No extremo oposto esteve a direcção musical de Domenico Longo. Foi muito má, a orquestra tocou quase sempre "à bruta", abafando frequentemente os cantores. A grande beleza de várias das magníficas partes musicais mais líricas não pode ser realçada. Lamentável.

Os dois protagonistas, o tenor Gianluca Terranova (Rodolfo) e a soprano Natalia Tanasii (Mimi) também estiveram muito aquém do desejável. Terranova tem um timbre feio e revelou grande dificuldade no registo mais agudo, que cantou em falsete e soava mais gritado que cantado. A voz de Tanasii era bem audível mas foi sempre dura e sem qualquer lirismo. E a interacção dos dois amantes não funcionou de todo, não houve a mínima expressão de cumplicidade amorosa.

Christian Luján (Marcello) esteve muito bem. Tem uma voz grande, bem colocada, e boa presença em palco. A Museta de Bárbara Barradas foi exuberante, como acontece frequentemente com esta personagem. Foi notável em palco e também cantou bem, em forte, mas penso que propositadamente.

Os restantes cantores tiveram participações mais apagadas, Diogo Oliveira (Schaunard), João Merino (Benoit/Alcindoro), Miguel Reis (Parpignol) e André Henriques (Colline), o último com um tipo de voz pouco adequada à personagem. O programa diz que é um baixo, mas não tem graves.

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LA BOHÈME – Teatro Nacional de São Carlos, Lisbon

It was with satisfaction that I finally returned to see an opera properly staged at the Teatro de São Carlos, the popular La Bohème by G. Puccini.

And I start with the staging, by Emilio Sagi, which I really liked. It was a classic approach without major innovations (in addition to turning the action close to the present), very showy and well done. It was at the level of the good stagings of any major international opera house. As almost always, there are debatable details but overall I really liked it, it wasn't a minimalist or kitsch staging, as we so often see between us.

At the opposite end was the musical direction of Domenico Longo. It was very bad, the orchestra almost always played "gross", often drowning out the singers. The great beauty of several of the more lyrical musical parts could not be appreciated. Regrettable.

The two soloists, tenor Gianluca Terranova (Rodolfo) and soprano Natalia Tanasii (Mimi) were also far from acceptable. Terranova has an ugly timbre and showed great difficulty in the higher register, which sang in falsetto and sounded more shouted than sung. Tanasii's voice was quite audible but it was always harsh and without any lyricism. And the interaction of the two lovers did not work at all, there was not the slightest expression of loving complicity.

Christian Luján (Marcello) did very well. He has a big nice voice, and good stage presence. Bárbara Barradas' Museta was exuberant, as is often the case with this character. She was remarkable on stage and also sang well, loudly, but I think on purpose.

The other singers had lesser participation, Diogo Oliveira (Schaunard), João Merino (Benoit/Alcindoro), Miguel Reis (Parpignol) and André Henriques (Colline), the last one with a type of voice that was not suitable for the character. The program says he's a bass, but the lower register was nonexistent.

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MARIA STUARDA, Teatro Nacional de São Carlos, Lisboa / Lisbon, Janeiro / January 2020

(review in English below)

Uma Maria Stuarda de luxo no Teatro de São Carlos!

Maria Stuarda, de G Donizetti com libreto de Giuseppe Bardari é baseada na peça Maria Stuart de F. Schiller. O enredo passa-se no período histórico dos Tudor em Inglaterra e é uma das três óperas (Anna Bolena, Maria Stuarda e Roberto Devereux) habitualmente designadas como “as rainhas de Donizetti” pelos papéis primordiais por estas assumidas. A presente é dominada pelo confronto entre as duas rainhas, Elisabetta (Isabel I) e Maria Stuarda, culminando com a decapitação da última.

É uma ópera romântica, onde o compositor caracteriza musicalmente as personagens e seus dramas. (A primeira grande ópera romântica de Donizetti, Anna Bolena, fora escrita 4 anos antes, em 1830). É musicalmente de uma beleza inegável, fruto da expressão de todos os conflitos entre as principais personagens. Foi censurada pela forma como representava as rainhas, nomeadamente pela expressão ultrajante como Maria Stuarda acusa Elisabetta (Figlia impura di Bolena parli tu di disonore? Meretrice indigna, oscena, in te cade il mio rossone. Profanato è il soglio inglese, vil bastarda, das tui piè!) no confronto directo das duas (que na vida real nunca aconteceu), uma das componentes de maior impacto da ópera.

(programa de sala da récita de 1985 no Teatro de São Carlos)

Para os apreciadores do estilo, como é o meu caso, é um pitéu musical. Exige pelo menos três cantores de grande qualidade e foi o que aconteceu.

Mas comecemos pela encenação de Andrea de Rosa, com cenografia de Sergio Tramonti, figurinos lindíssimos de Ursula Patzak e magnífico desenho de luz de Pasquale Mari. É uma produção do Teatro dell’Opera de Roma.

É muito clássica, minimalista, muito bonita, com um excelente guarda roupa, boa iluminação, a direcção de atores a privilegiar o canto e a colocar os cantores sempre em palco. Sem exorbitâncias. Simples, direta, eficaz e muito agradável. Como devia ser sempre. Várias partes são notáveis, nomeadamente o parque do castelo de Fotheringay onde Maria Stuarda está presa e o final da ópera com o carrasco em fundo. É a demonstração que, com muito poucos adereços, se conseguem fazer encenações de grande qualidade.

O Coro do Teatro Nacional de São Carlos e a Orquestra Sinfónica Portuguesa estiveram muito bem. A direcção musical esteve a cargo do maestro Fabrizio Maria Carminati.

Em relação aos cantores, uma maravilha! Todos excelentes, jovens, vozes fantásticas e actores exímios.

A mezzo italiana Alessandra Volpe foi uma Elisabetta impressionante, sempre com bom volume e projeção, timbre bonito, boa presença, numa interpretação por vezes contida mas muito eficaz. Foram marcantes os duetos com o Leicester e a confrontação com a Stuart.

Leonardo Cortellazzi foi um óptimo Leicester tanto na interpretação vocal como cénica. É um tenor italiano excelente, com presença forte, tem um timbre muito bonito e a voz sempre com volume e afinada. Fantástico. O dueto no 1º acto com a Elisabetta Era d'amor l'immagine  foi um dos momentos mais marcantes da interpretação, mas esteve sempre ao mais alto nível.

A Maria Stuarda da soprano russa Ekaterina Bakanova foi fabulosa. A cantora tem uma figura óptima, magra e alta, algo frágil, mas uma voz impressionante. Timbre magnífico, projecção imponente, sem estridências, registo agudo notável e interpretação muito emotiva. Foi suave e muito lírica na abertura quando recorda a sua liberdade e felicidade em França (Ah! nebe che lieve per l’aria aggiri), comovente quando pede ao Talbot para a ouvir em confissão  (Quando di luce rosea)  e arrasadora quer na famosa aria Deh! Tu di un umile preghiera, quer no final Di un cor che more. Um luxo!

Nos papeis secundários a qualidade do canto e da interpretação não destoou, foram também óptimos os barítonos Luís Rodrigues (Talbot)

e Christian Luján (Cecil),

 e a soprano Rita Marques (Anna Kennedy).

Um magnífico espectáculo de ópera, para mim o melhor em muitos anos no Teatro de São Carlos.

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MARIA STUARDA, Teatro de São Carlos, Lisbon, January 2020

A luxurious Maria Stuarda at the Teatro São Carlos!

Maria Stuarda, by G Donizetti with libretto by Giuseppe Bardari is based on the play Maria Stuart by F. Schiller. The plot takes place in the historic period of the Tudor dynasty in England and is one of the three operas (Anna Bolena, Maria Stuarda and Roberto Devereux) usually referred to as “the queens of Donizetti” for their primordial roles. The present is dominated by the confrontation between the two queens, Elisabetta and Maria Stuarda, culminating in the beheading of the latter.

Maria Stuarda is a romantic opera, where the composer musically characterizes the members of the plot and their dramas. (The composer's first great romantic opera, Anna Bolena, was written 4 years earlier, in 1830). It is musically undeniably beautiful, the result of the expression of all the conflicts between the main characters. It was censored for the way it represented the queens, namely for the outrageous expression as Maria Stuarda accuses Elisabetta (Figlia impura di Bolena parli tu di disonore? Unworthy, oscena meretrice, in te cade il mio rossone. Profanato is the soglio inglese, vil bastarda, das tui piè!) in the direct confrontation of the two queens (which never happened in real life), one of the most impactful components of opera.

For lovers of style, as is my case, it is a musical delight. It requires three singers of great quality and that's what happened.

But let's start with the direction by Andrea de Rosa, with scenography by Sergio Tramonti, beautiful costumes by Ursula Patzak and magnificent lights by Pasquale Mari. It is a production of the Teatro dell'Opera in Rome.

It is very classic, minimalist, very beautiful, with excellent costumes, good lights, the direction of the actors to privilege the singing and to always put the singers on stage. No exorbitances. Simple, direct, effective and very pleasant. As it should always be. Several parts are notable, namely the Fotheringay castle’s park where Maria Stuarda is imprisoned and the end of the opera with the executioner in the background. It is the proof that, with very few props, it is possible to make high quality productions.

The Choir of the Teatro National de São Carlos and the Portuguese Symphony Orchestra were very good. The musical direction was in charge of the maestro Fabrizio Maria Carminati.

Regarding the singers, a marvel! All excellent, young, fantastic voices and excellent actors.

Italian mezzo Alessandra Volpe was an impressive Elisabetta, always with good volume and projection, beautiful timbre, good presence, in an interpretation sometimes contained but very effective. The duets with Leicester and the confrontation with Stuart were remarkable.

Leonardo Cortellazzi was a great Leicester in both vocal and scenic interpretation. He is an excellent Italian tenor, with a strong presence, has a very beautiful timbre and his voice is always with good volume and in tune. Fantastic. The duet in 1st act with Elisabetta Era d'amor l'immagine was one of the most striking moments of the interpretation, but he was always at the highest level.

Maria Stuarda by Russian soprano Ekaterina Bakanova was fabulous. The singer has an excellent figure, thin and tall, somewhat fragile, but an impressive voice. Magnificent timbre, imposing projection, without stridency, remarkable top register and very emotional interpretation. She was soft and very lyrical in the opening when she recalls her freedom and happiness in France (Ah! Nebe che lieve per l'aria aggiri), moving when she asks Talbot to hear her in confession (Quando di luce rosea) and smaching in the famous aria Deh! Tu di um umile preghiera, and in the end Di un cor che more. A luxury!

In supproting roles, the quality of singing and stage performance did not clash, baritones Luís Rodrigues (Talbot) and Christian Luján (Cecil) were also great, as well as soprano Rita Marques (Anna Kennedy).

A magnificent opera performance, for me the best in many years at Teatro de São Carlos.

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ALCESTE, Teatro Nacional de São Carlos, Lisboa, Janeiro 2019

(review in English below)

Uma nova produção da ópera Alceste, em versão francesa, de Christoph Willibald Gluck com libreto de Leblanc du Roullet esteve em cena no Teatro de São Carlos. O enredo está resumido no site do teatro: Alceste sacrifica a vida em trocada de seu esposo Admète, rei de Tessália. Porem, uma vez morta, Hércules desce aos Infernos e intercede junto de Apolo para que o casal possa novamente reunir-se no seu amor.

É sabido que a cultura em geral e a ópera em particular são coisas menores para os governantes dos últimos anos. Também por isso, à partida, não são de esperar grandes produções operáticas. Logo quando entrei na sala temi o pior sobre a encenação de Graham Vick (Cenografia e Figurinos de Conor Murphy, Desenho de Luz Giuseppe di Iorio) quando vi o palco aberto, totalmente despido, apenas com 4 cadeiras, uma mesa e dois painéis verticais de luzes. E os meus receios vieram a confirmar-se, a encenação foi uma palhaçada. Até admito que se tente algo despojado, mas assim não. E opções metafóricas ridículas transpostas para a actualidade também não.

(1º acto)

(2º acto)

Todos os cantores e bailarinos estiveram vestidos informalmente e sempre descalços durante o espectáculo. A acção passou-se no palco despido, para o qual eram trazidas e levadas cadeiras pelos cantores. E houve um pouco de tudo, ataques convulsivos violentos em vários intervenientes e por várias vezes, uma mulher a parir uma camisa de noite encarnada (que foi posteriormente vestida pelo Oráculo), balões amarelos, o rei a soro mas todo enérgico e sempre em posição erecta, o Hércules vestido de Super-homem, o Apolo como um cristo em cuecas com coroa de espinhos,... até o whiskey com que se embebedaram o Hércules e o rei era de marca rasca. Enfim, um belo exemplo do que é expressivamente designado por eurotrash!

(3º acto)

Já em relação à música e sua interpretação, algo de muito diferente se passou.

A Orquestra Sinfónica Portuguesa foi dirigida pelo maestro Graeme Jenkins que fez um bom trabalho, foi muito agradável ao ouvido e houve atenção aos cantores.  

O Coro tem muitas intervenções e, para além de um desencontro aqui e outro acolá, esteve bem. Em palco estiveram 8 bailarinos muito bons, apesar de a coreografia (de Ron Howell) ser deplorável.

Os cantores solistas eram jovens, ágeis e todos de um nível acima do que é habitual ver-se em São Carlos.

A soprano Ana Quintans fez uma Alceste fabulosa! O papel é muito longo, de grande dificuldade e ela cantou-o de forma assombrosa. Tem uma voz poderosa, o registo médio é imponente e o agudo também assinalável. E em palco é muito expressiva, uma actriz que canta, e fá-lo com igual qualidade em pé, sentada ou deitada! Fantástica, ao nível das grandes sopranos que enchem as principais catedrais da ópera actuais.

O rei Admète foi interpretado pelo tenor Leonardo Cortellazzi, um bom parceiro de Ana Quintãs. Também com uma óptima figura em palco, cantou de forma firme e bem audível, timbre muito agradável, mantendo a qualidade ao longo de todo o espectáculo.

Outros dois grandes intérpretes foram os barítonos Alexandre Duhamel (Sumo Sacerdote e Hércules) e Christian Luján (Oráculo, Deus dos Infernos). Vozes bonitas, encorpadas e também muito bons desempenhos cénicos. Duhamel foi notável na interpretação vocal do Sumo Sacerdote no 1º acto.

Em papéis menores Fernando Guimarães (Évandre) foi mais contido, mas João Fernandes (Apolo) também esteve muito bem. 

Merecem ainda uma nota de apreço os cantores do coro dos corifeus, Raquel Alão, Ana Ferro, João Cipriano e Nuno Dias.

Apesar da encenação indigente (obrigado Mário), começou bem a minha temporada em São Carlos. As estrelas vão todas para os músicos e bailarinos e, sobretudo, para a fabulosa Ana Quintans.

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ALCESTE, Teatro Nacional de São Carlos, Lisbon, January 2019

A new production of Christoph Willibald Gluck's opera Alceste with French libretto by Leblanc du Roullet was staged at the Teatro de São Carlos. The plot is summarized on the site of the theater: Alceste sacrifices her life in exchange of her husband’s life Admète, king of Thessaly. However, once dead, Hercules descends into Hell and intercedes with Apollo so that the couple can meet again in their love.

It is well known that culture in general and opera in particular are minor things for the governments of recent years. Also for that reason, great operatic productions are not to be expected. As soon as I entered the theatre I feared the worst of the staging by Graham Vick (Scenography and Costumes by Conor Murphy, Drawing of Light Giuseppe di Iorio) when I saw the stage open, totally naked, with only 4 chairs, a table and two vertical panels of lights. And my fears came to be confirmed, the staging was a clownery. I even admit to trying something austere, but not like that. And ridiculous metaphorical options transposed to the the present days also do not.

All the singers and dancers were dressed informally and always barefoot throughout the performance. The action took place on the empty stage, to which were brought and taken chairs by the singers. And there was a bit of everything, violent convulsive attacks on various actors and several times, a woman giving birth to a red nightgown (which was later dressed by the Oracle), yellow balloons, the king with intravenous medication but energetic and always in position erect, the Hercules dressed as Superman, the Apollo like a Christ in underwear with a thorn-crowned, ... even the whiskey with which Hercules and the king got drunk was of poor quality. In short, a fine example of what is expressively called eurotrash!

However, with the music and singing, something very different happened.
The Portuguese Symphony Orchestra was directed by maestro Graeme Jenkins who did a good job, was very pleasant to the ear, with attention to the singers.

The Choir has many interventions and, apart from small mismatches here and there, was good. The 8 dancers were very good, although the choreography (by Ron Howell) was deplorable.

The soloist singers were young, agile and all of a level above what is usual to hear at São Carlos.

Soprano Ana Quintans was a fabulous Alceste! The role is very long and difficult, and she sang it in an astonishing way. She has a powerful voice, the medium register is imposing and the high register is also remarkable. And on stage is very expressive, an actress who sings, and does it with equal quality in standing, sitting or lying down! Fantastic, at the level of the great sopranos that sing at the main opera cathedrals of our times.

King Admète was played by tenor Leonardo Cortellazzi, a good partner of Ana Quintans. Also with a good figure on stage, he sang in a firm and well audible way, a very pleasant tone, maintaining the quality throughout the whole performance.

Two other great singers were baritones Alexandre Duhamel (High Priest and Hercules) and Christian Luján (Oracle, God of Hell). Beautiful voices, powerful and also very good scenic performances. Duhamel was notable in the vocal interpretation of the High Priest in the 1st act.

In smaller roles Fernando Guimarães (Évandre) was more restrained, but João Fernandes (Apolo) was also very well. Also worthy of note are the singers from the corifeus choir, Raquel Alão, Ana Ferro, João Cipriano and Nuno Dias.

Despite the indigent staging (thanks Mário), my season started well at São Carlos. The stars all go to the musicians and dancers and, above all, to the fabulous Ana Quintans.

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