PARSIFAL, Theatre du Capitole, Toulouse, Janeiro / January 2020

Texto de wagner_fanatic

(review in English below)

Um Parsifal impressionante em Toulouse! 

A encenação de Aurélien Bory começa na abertura com um fundo em pano cinzento claro onde se projectam por trás, várias lâmpadas compridas florescentes / led tipo sabre da Guerra das Estrelas, que começam todas em fila indiana na horizontal e vão formando símbolos e letras ao longo da abertura (significado específico, se tinham, não captei) e terminando na mesma posição como começaram. No centro do palco uma estrutura rectangular tipo rede, 7 por 9 quadrados, com ramos de folhas entrelaçados e que tenta representar a floresta de Monsalvat.

Gurnemanz, os cavaleiros mais novos, Kundry vão-se elevando pelos quadrados e há um jogo de projecção de sombras numa tela posterior branca, côncava. A simulação da chegada de Kundry é com uma luz que se vai mexendo nesta estrutura e projectando o reflexo da folhagem na tela dando a noção da visão que Kundry teria ao se deslocar entre os ramos da Floresta. O bálsamo é uma bola com luz.

Quando chega Amfortas é transportado nos braços de vários homens com máscaras cirúrgicas dando aqui a noção indirecta de cuidadores médicos ao homem com a ferida. Nesta fase, a estrutura retangular já se elevou para trás e deixa Gurnemanz sentado e Amfortas com o seu monólogo nos braços dos homens. Com a saída de Amfortas, volta a baixar a estrutura retangular sobre as cabeças de Gurnemanz e cavaleiros mais novos, cada um ficando como que preso num destes quadrados que a formam.

A narração do Graal tem projecções posteriores na tela, da lança que é a tal luz que refiro na descrição da entrada. Quando há referências a Titurel este aparece vestido de branco e caminha ao longo da tela com um ramo de folhagem na mão, sobre um fundo de sombras da folhagem da floresta. Pouco antes do final da narração de Gurnemanz, Parsifal surge vestido de branco e traz numa mão um pequeno cisne e uma luz na outra e é ele próprio projecta a imagem do cisne na tela de fundo branco onde estão já as sombras dos ramos da floresta.

Quando a música sugere a morte do cisne, Parsifal faz cair o reflexo do cisne no chão e é agarrado e colocado no meio da estrutura rectangular. A projecção da sua sombra é agora o que se vê na tela, sombra enorme mas definida e que demonstra a sua importância nesta fase e, ao mesmo tempo, coloca-o como réu.

A acção desenvolve-se e a estrutura rectangular é retirada para cima não sem antes vários homens vestidos de negro, cada um deles, ficar com um ramo de folhagem em cada mão, deixando a estrutura completamente despida. Estes homens dividem-se em 3 grupos e cada grupo envolve Gurnemanz, Parsifal e Kundry, simulando-os envoltos no mistério da floresta de Monsalvat e estes a afastarem os ramos quando falam ou quando se movem, conseguindo-se assim manter de forma simples mas eficaz e não sem sentido, a noção do local original onde se encontram.

Quando Parsifal se sente a desmaiar ao saber que a sua Mãe morreu, a água que Kundry leva é feita pela projecção de luz de uma lanterna sobre as suas mãos e depois “derramada” sobre a cabeça de Parsifal.

Na cena da transformação, a estrutura rectangular fica vertical e na parte de trás do palco, simbolizando o castelo. Amfortas faz monólogo no mesmo tipo de apoio que já referi. O Graal surge como imagens de reflexo de luz na tela posterior após desaparecimento da estrutura rectangular por cima do palco.

O início do 2º acto volta a ver as projecções das lâmpadas compridas mas desta vez na vertical e central do palco. Ao subir a tela vemos um Klingsor vestido de branco, com capa, sentado com a lança na vertical à frente e agarrando-a com as 2 mãos. Só que a mão direita não é do Klingsor mas sim de um duplo deste que está por traz dele, vestido igual. No fundo, no que se desenvolve este duplo é na própria “mão direita” de Klingsor, dado que é ele que vagueia pelo palco, ficando Klingsor estático no centro, e enfeitiça Kundry e “activa” as mulheres flor agarrando-as, elevando-as pela cintura e abanando-as.

As mulheres flor tem vestidos corridos e véus que mais as fazem parecer cadáveres do que flores. Todo o dueto de Parsifal e Kundry é à frente de um paralelepípedo com as dimensões similares à grelha rectangular do 1º acto, ou seja, o símbolo do reverso do mundo do Graal que é o mundo criado por Klingsor. Este paralelepípedo vê impresso por detrás imagens de corpos desnudos de homens e mulheres, enquadrando assim o já sabido mundo carnal de Klingsor.

No 3º acto, não há lâmpadas como no início dos outros actos, mas sim várias sobras de homens com armadura e com lança, vagueando de um lado para o outro, em simbolização do à deriva de Parsifal até voltar a Monsalvat. Gurnemanz, que tal como os cavaleiros, está careca no 1º acto, aparece agora com cabelo, sendo o mesmo válido para os cavaleiros e Amfortas quando mais tarde aparecem. Parsifal, por sua vez, com cabelo no 1º acto e agora careca. O encenador, no meu entendimento, coloca aqui a noção de imortalidade dada pelo Graal, com o crescimento do cabelo a simbolizar o envelhecimento dos cavaleiros e de Amfortas por este não celebrar o ritual, ao passo que Parsifal, iluminado pela lança como extensão sagrada do Graal, atinge essa imortalidade.

Monsalvat é agora um ambiente de palco escuro, ficando novamente com uma estrutura geométrica quadrangular, feita por fios verticais com lampadas que se acendem e apagam em padrões ao longo do acto. A simbolização da água que lava os pés e a cabeça de Parsifal é feita novamente por uma luz de lanterna. Durante a final intervenção vocal de Parsifal, em vez do original toque da lança para curar a ferida de Amfortas (que aqui nunca se define, nunca se vê), este vai como que injectando em Amfortas várias lâmpadas compridas (= várias lanças) até Amfortas se tornar novamente são e caminhar pelo seu pé para fora de palco.

A lança extingue-se assim em Amfortas, Parsifal agarra do chão último um ramo da floresta original, que oferece a Amfortas mas este recusa, saindo de palco. Parece-me que assim se simboliza que agora é a ele que cabe renovar esta Monsalvat, “reflorestar” como estaria no passado (1º acto) mas que será muito mais forte. E sabemos que será mais forte porque desce uma estrutura em grelha do cimo do palco até à base, com alicerces muito mais espessos que a grelha do 1o acto, caindo sobre um Gurnemanz e uma Kundry que com lanternas acesas reforçam a ideia que se sente ao longo de toda a encenação - a luz como símbolo do Poder do Bem (o bálsamo que Kundry traz das Arábias é uma bola luminosa, a água que conforta o desfalecido Parsifal é a luz duma lanterna, a água que o lava antes do baptismo e a água que o baptiza é a luz de uma lanterna, a lança é uma lâmpada, o Graal é um reflexo de luz...) e que é com essa luz, esse poder, que se renovará Monsalvat e o Graal.

Chuva de “boos fáceis” para o encenador no final, altamente injusta, de uma plateia claramente inculta nesta obra, para uma encenação sem controvérsia, com sentido e, sendo diferente, mantendo-se mesmo assim fiel à original de Wagner.

A par com a encenação, o que mais me impressionou foi a Orquestra, dirigida por Frank Beermann. Esta produziu uma sonoridade e dramatismo do mais alto nível, conseguindo algo muitas vezes ausente e que é a clara definição de cada naipe e linha melódica (algumas por vezes abafadas em muitas produções), sem contudo se perder a noção do conjunto. Precisão e lirismo irrepreensíveis.

A expressividade facial e corporal quer de Peter Rose quer de Nikolai Schukoff foram impressionantes, com o baixo a produzir uma representação sólida de Gurnemanz, apesar de alguma bem disfarçada (com clarear de voz e alguns rebuçados mascados) menor saúde vocal muito possivelmente fruto da época invernal, e Schukoff a oferecer um Parsifal expressivo, bem transformado ao longo da récita e com um brilho e resistência vocal de excepção. Foi excelente a sua prestação corporal durante a narração de Kundry sobre a sua Mãe.

Não obstante, não posso deixar de achar que no dueto com Kundry no 2º acto faltou algo... não sei se foi a sua projecção forte, sem harmónicos mais graves, ou alguma linearidade de expressão vocal em algumas passagens mas faltou algo que me agarrasse à cadeira.

Sophie Koch começou sem deslumbrar muito no 1º acto e início do 2º mas abriu vocalmente para uma potente interpretação no dueto com Parsifal, embora com um ar matrona. Conseguiu-se notar algum nervosismo de 1ª vez no papel e por isso aqui estou a dar-lhe esse desconto mas acredito que possa triunfar neste papel com a experiência, tal como tem feito em muitos outros.

O lirismo de Matthias Goerne na sua 1ª intervenção foi sublime, progredindo para uma excelente oferta de contrastes expressivos no monólogo do 1º acto mas aqui pecando pelo facto de os harmónicos da voz serem muito baixos e por vezes como que metralhando o som vocal. No monólogo final voltou a oferecer contrastes vocais correctos para o texto mas um dos problemas é a tessitura da voz, que pelas suas características harmónicas graves, empobrecem e dificultam os agudos.

O Klingsor (Pierre-Yves Pruvot) posicionalmente muito estático, cumpriu com um timbre vocal muito bom.

O Titurel (Julien Veronèse)... perfeito!

Coros excelentes, embora tivesse gostado de ouvir uma maior distância dos coros fora de palco do 1º acto mas talvez não seja fisicamente possível de fazer neste teatro.

PARSIFAL, Theater du Capitol, Toulouse, January 2020

Text by Wagner_fanatic

An impressive Parsifal in Toulouse!

Aurélien Bory's direction begins at the opening with a background in light gray cloth where projecting from behind, several long blossoming lamps / led lights similar to Star Wars, which all start in single file horizontally and form symbols along opening (specific meaning, if they had, I didn't capture) and ending in the same position as they started. In the center of the stage a rectangular structure, 7 by 9 squares, with intertwined leaves and branches that tries to represent the Monsalvat forest.

Gurnemanz, the younger knights, Kundry rise up through the squares and there is a game of casting shadows on a white, concave rear screen. The simulation of Kundry's arrival is with a light that moves in this structure and projects the reflection of the foliage on the screen, giving the notion of the vision that Kundry would have when moving between the branches of the Forest. The balm is a ball with light.

When Amfortas arrives, he is transported in the arms of several men with surgical masks, giving here the indirect notion of medical caregivers to the man with the wound. At this stage, the rectangular structure has already risen behind and leaves Gurnemanz sitting and Amfortas with his monologue in the arms of men. With the departure of Amfortas, he lowered the rectangular structure over the heads of Gurnemanz and younger knights, each one as if trapped in one of these squares that form it.

The narration of the Grail has posterior projections on the screen, of the spear that is the light that I refer to in the description of the entrance. When there are references to Titurel, he appears dressed in white and walks along the screen with a branch of foliage in his hand, against a background of shadows from the forest's foliage. Shortly before the end of Gurnemanz's narration, Parsifal appears dressed in white and carries a small swan and a light in the other and is himself projecting the image of the swan on the white background canvas where the shadows of the branches of the forest are already.

When the music suggests the death of the swan, Parsifal causes the reflection of the swan to fall to the ground and is grabbed and placed in the middle of the rectangular structure. The projection of his shadow is now what is seen on the screen, a huge but defined shadow that demonstrates its importance at this stage and, at the same time, puts him as a defendant.

The action develops and the rectangular structure is lifted upwards without first having several men dressed in black, each of them, with a branch of foliage in each hand, leaving the structure completely naked. These men are divided into 3 groups and each group involves Gurnemanz, Parsifal and Kundry, simulating them wrapped in the mystery of the Monsalvat forest and these moving away from the branches when they speak or when they move, thus being able to keep it simple but effective and not meaningless, the notion of the original place where they are.

When Parsifal feels faint when he learns that his Mother has died, the water that Kundry takes is made by the projection of light from a lantern over his hands and then “poured” over Parsifal's head.

In the transformation scene, the rectangular structure is vertical and at the back of the stage, symbolizing the castle. Amfortas makes a monologue in the same type of support that I have already mentioned. The Grail appears as images of light reflection on the back screen after the rectangular structure above the stage disappears.

The beginning of the 2nd act sees the projections of the long lamps again but this time in the vertical and central stage. When we go up the screen we see a Klingsor dressed in white, with a cape, sitting with the spear vertically in front and grabbing it with both hands. Only the right hand is not from Klingsor, but from a double of the one behind him, dressed the same. Basically, as this double develops, it is in Klingsor's own “right hand”, since it is he who wanders around the stage, with Klingsor static in the center, and bewitches Kundry and “active” the flower women by grabbing them, raising them by the waist and fanning them.

Flower women have flowing dresses and veils that make them look more like corpses than flowers. The entire duet of Parsifal and Kundry is in front of a parallelepiped with dimensions similar to the rectangular grid of the 1st act, that is, the symbol of the reverse of the Grail world, which is the world created by Klingsor. This parallelepiped sees printed behind images of naked bodies of men and women, thus framing Klingsor's already known carnal world.

In the 3rd act, there are no lamps as at the beginning of the other acts, but several leftover men with armor and spear, wandering from side to side, symbolizing the drifting of Parsifal until returning to Monsalvat. Gurnemanz, who like the knights, is bald in the first act, now appears with hair, the same being valid for the knights and Amfortas when they later appear. Parsifal, in turn, with hair in the first act is now bald. The director, in my understanding, puts here the notion of immortality given by the Grail, with the growth of the hair symbolizing the aging of the knights and Amfortas for not celebrating the ritual, whereas Parsifal, illuminated by the spear as a sacred extension of the Grail, reaches that immortality.

Monsalvat is now a dark stage environment, again having a quadrangular geometric structure, made by vertical wires with lamps that turn on and off in patterns throughout the act. The symbolization of the water that washes Parsifal's feet and head is done again by a flashlight. During the final vocal intervention by Parsifal, instead of the original touch of the spear to heal Amfortas' wound (which is never defined here, you never see it), he goes as if injecting several long lamps (= several spears) into Amfortas to Amfortas become healthy again and walk your foot off the stage.

The spear is thus extinguished in Amfortas, Parsifal grabs a branch of the original forest, which he offers to Amfortas but he refuses, leaving the stage. It seems to me that it is symbolized that now it is up to him to renew this Monsalvat, to “reforest” as it would have been in the past (1st act) but that it will be much stronger. And we know it will be stronger because it descends a grid structure from the top of the stage to the base, with foundations much thicker than the grid of the 1st act, falling on a Gurnemanz and a Kundry that with lit lanterns reinforce the idea that one feels when throughout the performance - the light as a symbol of the Power of Good (the balm that Kundry brings from Arabia is a luminous ball, the water that comforts the faint Parsifal is the light of a lantern, the water that washes it before the baptism and the water that baptizes him is the light of a lantern, the spear is a lamp, the Grail is a reflection of light ...) and it is with this light, this power, that Monsalvat and the Grail will be renewed.

A lot of “easy boos” for the director in the end, highly unfair, from a clearly uncultured audience in this opera, to a staging without controversy, with meaning and, being different, while remaining faithful to Wagner's original.

Along with the staging, what impressed me most was the Orchestra, conducted by Frank Beermann. They produced a sound and drama of the highest level, achieving something often missing and that is the clear definition of each suit and melodic line (sometimes muffled in many productions), without however losing track of the ensemble. Flawless accuracy and lyricism.

The facial and body expressiveness of both Peter Rose and Nikolai Schukoff were impressive, with the bass producing a solid representation of Gurnemanz, although some well disguised (with lightening of the voice and some chewy candies) lower vocal health quite possibly a result of the season winter, and Schukoff to offer an expressive Parsifal, well transformed throughout the performance and with exceptional shine and vocal resistance. His bodily performance was excellent during Kundry's narration about his mother.

Nevertheless, I cannot help thinking that in the duet with Kundry in the 2nd act something was missing ... I don't know if it was his strong projection, without more low harmonics, or some linear expression in some passages but something that grabbed me was missing the chair.

Sophie Koch started without dazzling much in the 1st act and beginning of the 2nd but opened up vocally for a powerful interpretation in the duet with Parsifal, although with a matronly air. It was possible to notice some nervousness from the first time on the role and that is why here I am giving her this discount but I believe she can triumph in this role with experience, as she has done in many others.

The lyricism of Matthias Goerne in his 1st intervention was sublime, progressing to an excellent offer of expressive contrasts in the monologue of the 1st act, but here sinning because the harmonics of the voice are very low and sometimes as if subtracting the vocal sound. In the final monologue he again offered correct vocal contrasts for the text, but one of the problems is the weaving of the voice, which, due to its low harmonic characteristics, impoverishes and makes the top notes difficult.

Klingsor (Pierre-Yves Pruvot) positionally very static, fulfilled with a very good vocal timbre.

Titurel (Julien Veronèse) ... perfect!

Excellent choirs, although I would have liked to hear a greater distance from the choirs offstage of the 1st act but it may not be physically possible to do in this theater.

WERTHER, Viena, Staatsoper, Setembro / September 2018

 (review in English below)

A opera Werther de Massenet esteve em cena na Ópera Estatal de Viena numa vistosa e rica encenação de Andrei Serban. No centro do palco está uma enorme árvore, com uma plataforma elevada e umas escadas laterias e tudo se passa nesse cenário, mudando muito os adereços que vão aparecendo no palco. A acção foi transportada para meados do século passado e tudo está cuidadosamente escolhido de acordo, guarda roupa, mobílias, diferentes utensílios. A árvore começa com folhas verdes (Verão), depois amarelas e acastanhadas (Outono) e finalmente sem folhas. Muito agradável e bem conseguida.

O maestro Frédéric Chaslin não fez um bom trabalho porque parecia que estava a dirigir Wagner. Frequentemente colocou a excelente Orquestra da Ópera Estatal de Viena em forte, abafando os cantores. Uma pena.

O tenor russo Dmitry Korchak fez um Werther muito decente, mas não tão emotivo quanto seria desejável. Nada a dizer na amplitude vocal e afinação, mas não transmitiu convincentemente a paixão pela Charlotte. Para quem viu Jonas Kaufmann neste papel, dificilmente verá um intérprete que o consiga igualar, penso.

A Charlotte foi interpretada pela experiente Sophie Koch que há muitos anos canta o papel (e foi ela que contracenou na produção que referi com o Kaufmann). Fantástica na representação e na qualidade vocal, potencia, beleza tímbrica e emotividade. Mesmo com o esforço do maestro em sobrepor a orquestra aos cantores, não o conseguiu fazer com ela!

O barítono Clemens Unterreiner foi um Albert de qualidade superior. Voz poderosa, bem timbrada e sempre afinada. Cantor com boa figura, a encenação ajudou muito, e a prestação em palco foi exemplar.

A Sophie foi bem interpretada pela soprano Maria Nazarova, muito ágil, voz agradável mas aqui e acolá com tendência para a estridência. Todos os outros estiveram bem e as crianças com grande à vontade.

Infelizmente não abriram a cortina no final e, contra o encarnado, as fotografias ficam quase sempre muito mal (e até estava relativamente perto do palco).

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WERTHER, Vienna, Staatsoper, September 2018

Massenet's opera Werther was on stage at the Vienna State Opera in a nice and rich production by Andrei Serban. In the center of the stage is a huge tree, with a raised platform and a few stairs and everything happens in this scenario, changing much the props that appear on the stage. The action was transported to the middle of the last century and everything is carefully chosen accordingly, clothes, furniture, different utensils. The tree starts with green leaves (Summer), then yellow and brown (Autumn) and finally no leaves. Very nice and well done.

Maestro Frédéric Chaslin did not do a good job because it looked like he was directing Wagner. Often he placed the excellent Vienna State Opera Orchestra in forte, often muffling the singers. Regrettable.

Russian tenor Dmitry Korchak was a very decent Werther, but not as emotive as it would be desirable. Nothing to say about his vocal amplitude and tuning, but he did not convey convincingly the passion for Charlotte. For anyone who has seen Jonas Kaufmann in this role, one will hardly see an interpreter who can match him, I think.

Charlotte was played by the experienced Sophie Koch who sings the role for many years (and it was she who sang in the production I mentioned with Kaufmann). Fantastic in both stage performance and vocal quality, with remarkable potency, beautiful timbre and emotion. Even with the maestro's effort to put the orchestra over the singers, he could not do it with her!

Baritone Clemens Unterreiner was an Albert of superior quality. Powerful voice, always in tune. The singer has a good figure, the staging helps a lot, and the performance on stage was exemplary.

Sophie was well interpreted by soprano Maria Nazarova, very agile, pleasant voice but here and there with a tendency for stridency. Everyone else was well and the kids were great with ease.

Unfortunately they did not open the curtain at the end and of the performance, and against the red curtain, the photographs come almost always very bad (and I was relatively close to the stage).

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TANNHÄUSER, Royal Opera House, Londres, Maio 2016 / London, May2016

(review in English below)

Tannhäuser é uma ópera com libretto e música de Richard Wagner. De entre as suas primeiras obras é, musicalmente, a mais rica e sofisticada. No centro do enredo estão os torneios poéticos trovadorescos medievais, muito do agrado do compositor. Grande parte da obra wagneriana está imbuída da redenção pelo amor, tema dominante nesta ópera, apesar de a sua magnitude ultrapassar largamente o confronto entre o amor carnal (simbolizado por Vénus) e o espiritual (por Elisabeth).

A belíssima abertura da ópera é, talvez, a primeira grande página sinfónica do compositor e inclui os temas principais da ópera com valor simbólico. Os Leitmotive virão a ser uma marca indelével nas partituras de Wagner.

Nesta produção da Royal Opera House de Londres, que já tinha visto há alguns anos, a excelente direcção musical foi do maestro Hartmut Haenchen. Os Coros da Royal Opera foram bons mas, ocasionalmente, ouviram-se desacertos. A Orquestra da Royal Opera foi excelente, merecendo especial destaque os metais, nas cordas os violoncelos e, sobretudo, as harpas, que têm um papel fulcral na obra e foram tocadas de forma imaculada. Estavam colocadas no “stalls circle” mesmo à minha frente!

A encenação de Tim Albery é excessivamente austera e pouco eficaz. Começa bem, com a visão por Tannhäuser de Elisabeth. O Venusberg é representado pelo palco da Royal Opera House. É uma Royal Opera dentro da Royal Opera (ideia interessante mas já usada por outros encenadores em outras óperas). A orgia inicial é dançada por seis casais de bailarinos que, com uma longa mesa como adereço, saltam sobre ela e à sua volta, abraçam-se intensamente à medida que vão despindo as camisas, aumentam freneticamente a intensidade da execução, concretizando no final a relação sexual (com toda a decência esperada para um teatro como este). A movimentação em palco é vertiginosa mas perturba a audição da abertura da partitura.

Entra Vénus em cena, vestida de negro, numa cama de lençóis de cetim brancos e este é o único adereço, para além de uma cadeira onde Tannhäuser se senta durante grande parte da récita. Quando abandona o Venusberg surge uma criança sentada à sombra de uma árvore e depois os trovadores amigos de Tannhäuser, no palco totalmente vazio. 

O 2º acto abre com o palco da Royal Opera em ruínas e toda a acção se passa aí. Quando entra o coro, os homens vêm armados de metralhadoras e as mulheres com velas nas mãos, que acendem e colocam juntas no chão. 

Finalmente no 3º acto o palco está ainda mais vazio e coberto de neve, só restando algumas das peças do teatro mais degradadas pelo tempo. O florescer final do báculo é representado pelo plantar de uma pequena árvore plástica por uma criança. 

Enfim, uma encenação desinteressante.

O tenor Peter Seiffert foi um Tannhäuser para esquecer. Esteve mal no primeiro acto, logo evidenciando dificuldades e canto muito irregular. No 2º foi ainda pior, as intervenções no concurso de canto foram confrangedoras e já não cantou mais. Foi substituído no 3º acto por Neal Cooper que, não sendo brilhante, fez um bom trabalho, dado ter sido uma substituição imprevista. Tem uma voz bonita, afinada, mas a potência esteve muito aquém do exigido pelo papel.

(Neal Cooper)

Venus foi interpretada pela mezzo Sophie Koch que, como habitualmente, esteve muito bem. Tem uma voz bonita, poderosa e mantém uma linha de canto coerente. Também nos oferece sempre boas interpretações cénicas.

A soprano Emma Bell fez uma Elisabeth excelente. Começou ao mais alto nível no início do 2º acto com Dich, teure Halle mostrando um soprano potente, seguro e, aparentemente, sem esforço. No 3º acto, quando pede à Virgem que a deixe morrer por Tannhäuser (Allmächtge Jungfrau) mantém uma qualidade interpretativa superior. Uma das melhores nesta atribulada récita.

Wolfram, interpretado pelo barítono Christian Gerhaher foi, de longe, o melhor da noite. Um cantor sublime que já ouvi várias vezes neste papel, como aqui tenho escrito, e que esteve novamente ao mais alto nível. O timbre é claro, suave, doce e de beleza inigualável. Nunca cantou em esforço e ouviu-se cada palavra do que cantou, dada a sólida firmeza da emissão vocal. Verdadeiramente assombroso! Protagonizou os momentos mais belos da récita, entre eles, no 2º acto, o concurso de canto (com a orquestra e as suas imaculadas harpistas) e, principalmente, no 3º acto, o canto à estrela da noite (O du, mein holder Abendstern) que foi de uma sensibilidade arrepiante. Só ele teria valido a récita.

Muito bem foi também o menino pastor no início do 2º quadro do primeiro acto, Thomas John.

Tiveram ainda boas prestações o baixo Stephen Milling como Herrmann e os trovadores Walther (tenor Ed Lion), Heinrich (tenor Samuel Sakker), Biterolf (baixo Michael Krauss) e Reinmar (baixo Jeremy White).

Alguma decepção em Covent Garden, parcialmente salva pelas duas senhoras e, sobretudo, por Christian Gerhaher que, sempre que cantava, levava a récita da mediania ao nível estratosférico.

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TANNHÄUSER, Royal Opera House, London, May 2016

Tannhäuser is an opera with libretto and music by Richard Wagner. Among his early works this is, musically, the richer and more sophisticated one. In the center of the plot are the medieval poetical tournaments, much to the liking of the composer. Much of the Wagnerian work is imbued with the redemption through love, the dominant theme in this opera, despite its magnitude largely overcome the confrontation between carnal love (symbolized by Venus) and the spiritual love (by Elisabeth).

The beautiful opening of the opera is perhaps the first great symphonic page by the composer and includes the main themes of the opera with symbolic value. The Leitmotive will become an indelible mark on Wagner's music.

In this production of the Royal Opera House in London that I had seen a few years ago, the excellent musical direction was by the conductor Hartmut Haenchen. The Choirs of the Royal Opera were good but occasionally I have heard some discrepancies. The Orchestra of the Royal Opera was excellent, deserving highlight the metals, the cellos and, above all, the harps, which have a key role in the work and played immaculately. They were placed in the "stalls circle" just in front of me!

The staging of Tim Albery is too austere and ineffective. The opera starts well, with the vision of Elisabeth by Tannhäuser. Venusberg is represented by the stage of the Royal Opera House. It's a Royal Opera into the Royal Opera (interesting idea but already used by other directors in other operas). The initial orgy is danced by six couples of dancers who, with a long table as a prop, jump on it and around it, hugging each other intensely as they strip off shirts, frantically increase the intensity of execution, ending in sex (decency as expected for a theater like this). The movement on stage is dizzying but disturbs the hearing of the opening score.

Venus enters the scene, dressed in black, on a bed of white satin sheets and this is the only prop, in addition to a chair where Tannhäuser sits for much of the performance. When leaving Venusberg a child appears, sitting in the shade of a tree, and then enter the troubadours, friends of Tannhäuser, on a totally empty stage.

The 2nd act opens with the stage of the Royal Opera in ruins and all the action is happening there. When the choir enters, men come armed with machine guns and women with candles in their hands, that light and put together on the floor.

Finally on the 3rd act the stage is even more empty and covered in snow, leaving only some of the most degraded by time theater pieces. The final flourish of the Pope's staff is represented by the planting of a small plastic tree by a child.

Anyway, unclear and overly austere staging.

Tenor Peter Seiffert was a Tannhäuser to forget. He was bad in the first act, showing difficulties and irregular singing. In the 2nd act he was even worse, his interventions in the singing contest were dreadful and he no longer sang the 3rd act. He was replaced by Neal Cooper that, although not brilliant, did a good job, because he had to replace Seiffert unexpectedly. He has a nice tuned voice but the vocal power fell far short of that required by the role.

Venus was played by Sophie Koch who, as usually, was very good. She has a beautiful, powerful and always tuned voice. She also always offers good scenic interpretations.

Soprano Emma Bell was an excellent Elisabeth. She started at the highest level at the beginning of the 2nd act with Dich, teure Halle showing a powerful soprano, secure and apparently effortless. In the 3rd act, when she asked the Virgin to let her die by Tannhäuser (Allmächtge Jungfrau) she maintained a top interpretative quality. One of the best of the performance.

Wolfram, played by baritone Christian Gerhaher was by far the best of the night. A sublime singer I've heard several times in this role, as I have written here, and he was again at the highest level. The tone is light, soft, sweet and unparalleled beauty. He never sang in effort but one could heard every word he sang. Truly amazing! Starred in the most beautiful moments of the performance, among them the singing contest of the 2nd act (with the orchestra and its fabulous harpists) and mainly in the 3rd act, the song to the evening star (O du mein holder Abendstern) which was a chilling sensitivity. He alone would have been worth the performance.

Very well was also the shepherd boy at the first act, Thomas John.

Also with good performances were bass Stephen Milling as Herrmann and troubadours Walther (tenor Ed Lyon), Heinrich (tenor Samuel Sakker) Biterolf (bass Michael Krauss) and Reinmar (bass Jeremy White).

Some disappointment in Covent Garden, partially saved by the two ladies, and especially by Christian Gerhaher. Whenever he sang, he transported the performance from trivial to stratospheric.

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