Mitchell Herbert (Herb) Ellis, reputado y elegante guitarrista de jazz y auténtico superviviente del género, murió el pasado domingo el 28 de marzo a la edad de los 88 años en su casa de Los Ángeles. Ellis, nacido en el 4 de agosto de 1921, Farmersville, Texas , padecía desde hace años Alzheimer. Herb saltó a la fama tras tocar con el Oscar Peterson Trio entre 1953 y 1958. En ocasiones, fue un miembro controvertido del mismo por ser su único músico de raza blanca, en una época en que el racismo estaba extendido. Antes de trabajar con Glen Gray y la Casa Loma Orchestra, Jimmy Dorsey y Soft Winds, estuvo de gira con Jazz at the Philharmonic mientras perteneció al trío de Peterson. Tras abandonar el grupo, viajó y grabó con un amplio espectro de músicos, y grabó también sus propias sesiones. Trabajó en giras con Charlie Byrd y Barney Kessel como the Great Guitars. Estuvo también trabajando en el espectáculo de Steve Allen, en el que se interpretaba a grandes compositores de jazz, tanto por parte del Kessel como de la orquesta del espectáculo, la Donn Trenner Orchestra, en la que trabajaban músicos como Ellis y el trombonista Frank Rosolino.
Wycliffe Gordon (1967,Waynesboro, Georgia) no sólo es trombonista. También se anima a cantar y a practicar con la trompeta, la tuba y el piano. Como siempre, el "serás lo que debas ser o no serás nada", comenzó en casa. Proviene de un ambiente muy religioso (su padre era organista de iglesia) lo que influyó suficientemente en la dirección que tomaría su gusto musical. Se topó con el jazz a los trece años cuando encontró la colección de discos de su tía, interesándose principalmente en los de Louis Armstrong. Descubierto por Wynton Marsalis, Wycliffe Gordon puede ser fácilmente considerado como el mayor trombonista de la actualidad, si se lo compara con sus contemporáneos. Fue sideman de Wynton Marsalis desde los finales de la década de1980 hasta mediados de 2000 y una de las estrellas principales de la Lincoln Center Jazz Ochestra.
Después de separarse de la banda de Wynton Marsalis, Wycliffe, ya consagrado, comenzó su carrera como solista, pero también desarrollando asociaciones esporádicas con diferentes músicos como el trombonista John Allred, el pianista Marcus Roberts, el trompetista Randy Sandke, el vocalista Maurice Hines, el contrabajista Jay Leonhart y tomando lugares destacados en grupos de renombre como el Jazz Composers Collective de New York. En los últimos años se ha expandido más allá del swing y ha experimentado con nuevos instrumentos. El mejor ejemplo de esto podría ser The Search en el que toca el "didgeridoo" (un instrumento de viento desarrollado por indígenas australianos), e introduciéndose al gospel y a composiciones de Thelonious Monk. Actualmente desarrolla trabajos como compositor y arreglador pero también se está convirtiendo rápidamente en uno de los educadores de música más convincente y comprometido de los Estados Unidos, siendo parte fundamental del Programa de Arte en la Manhattan School of Music. Su trabajo con jóvenes músicos y público de las escuelas primarias y universidades es amplio, e incluye clases magistrales, clínicas, talleres, conciertos para niños y conferencias, una poderosa evidencia de su capacidad única para relacionarse musicalmente con gente de todas las edades. Gordon está trabajando actualmente en una colección de cuartetos de trombón, tríos y dúos que se titulará Trombone Majesty, con publicación prevista para 2010 al igual que su primer libro de método: "Basic Training, Exercises and Suggested Studies by Wycliffe Gordon"
Cone and T-Staff, grabado el 4 de Noviembre de 2009 y lanzado al mercado el 15 de Febrero de 2010, es el octavo trabajo de Wycliffe (alias Cone aquí) como líder para el sello Criss Cross, haciendo equipo con el versátil trompetista Terell Stafford (alias T-Staff aquí) en quinteto completado por la sección rítmica habitual de "la casa": el pianista Mike Ledonne, el baterista Kenny Washington y el talentoso joven bajista David Wong, haciendo su primera aparición en Criss Cross Records. Apelando al bop, hay de todo, como en botica: originales y clásicos del jazz y el blues.
1 - West Coast Blues 2 - Cousins 3 - Robbin's Nest 4 - Everything Happens To Me 5 - Arabia 6 - Le Marieur 7 - Tricotism 8 - Star-Crossed Lovers 9. Cheeeky!!
Hasta ahora no ha habido muchos comentarios de visitantes que llegan al blog. No importa... eso no me molesta. Lo que me irrita es la visita de enfermos mentales... de esos que abundan. Generalmente no sólo comienzan con estas acciones sino que se envenenan tanto que terminan por denunciar el sitio y el blog es cerrado por el Blogger. Puede ocurrir, lamentablemente. Debido a lo expresado en una de las entradas (http://elsonidodeljazz.blogspot.com/2009/10/prueba_18.html), me veo en la obligación de comenzar a examinar los comentarios antes de ser publicados. A los navegantes razonables: disculpas y gracias por visitar este lugar.
Patrick Bruce Metheny nació en Lee's Summit, Missouri , el 12 de agosto de 1954 en una familia de músicos. Empezó tocar la trompeta a los 8 años por influencia de su hermano Mike Metheny, pero se cambió a la guitarra a los 12. A los 15 estaba trabajando con los mejores músicos de jazz en Kansas City, y adquiriría así valiosa experiencia en los escenarios a una muy temprana edad. A lo largo de su carrera, Pat Metheny ha seguido redefiniendo el género usando nuevas tecnologías y trabajando constantemente para evolucionar el potencial de su instrumento.
En 1975, sacó su primer album instrumental, Bright Size Life con el genial Jaco Pastorius,en freetless bass fender (bajo sin trastes), reinventando el tradicional sonido de guitarra de jazz. Un año más tarde conoce a Lyle Mays con el que tras grabar un disco, decide montar un grupo: El "Pat Metheny Group". La asociación con Lyle -por más de veinte años- ha sido comparada, por críticos y oyentes, a la de Lennon y McCartney y a la de Duke Ellington y Billy Strayhorn.
Con los años, ha tocado con artistas tan diversos como Steve Reich, Ornette Coleman, Herbie Hancock, John Scofield, Jim Hall, Milton Nascimento, Pedro Aznar y David Bowie. La obra de Metheny incluye composiciones para guitarra solista, para pequeños conjuntos, para instrumentos eléctricos y acústicos, para grandes orquestas, con ajustes que van desde el jazz hasta el rock moderno y clásico.
Pat Metheny ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny usaba la Synclavier como herramienta de composición. También ha participado en el desarrollo de varios nuevos tipos de guitarras, como la guitarra acústica soprano, la "Pikasso" de 42 cuerdas, su guitarra de jazz Ibáñez PM-100, y una variedad de instrumentos personalizados. Su nueva “investigación” lo ha llevado al Orchestrion , un pintoresco proyecto en el que se embarcó, como lo dice en sus liner notes, "no por razones de índole tecnológica, sino con una intención puramente musical" ("In my life as a player there has never been a substitute for musical depth"), lo que quiere decir que, más allá del mérito científico que pueda haber en el diseño de su orchestrion, se debe exigir que de esa colección de instrumentos emane excelencia interpretativa.
Pero, aclaremos... el Orchestrión no es un invento de Pat.
Ilustración grfica de un Orchestrion inventado por M. Welte en 1862
El aparato aparece a finales de 1800 y llegó a su cenit en Alemania durante la década de 1920 (cuando surgieron las pianolas o pianos mecánicos, pianos que tocaban solos mecánicamente, moviendo rollos de papel perforado a través de un mecanismo que movía las teclas físicamente), fabricados por casas como Weber, Hupfeld, Philipps y Popper. Era una máquina que reproducía música y estaba diseñada para sonar como una orquesta o banda, y cuyo sonido era producido a través de tuberías al igual que un órgano de tubos... esos de las iglesias. El de Pat, es accionado, desde su guitarra, por aparatos electrónicos.
Si gustan, las explicaciones las brinda él mismo en su página: http://www.patmetheny.com/orchestrioninfo/, donde dice algo como: "Orchestrionics es el término que estoy utilizando para describir un nuevo método de ejecución que implica el presentar la música -solo- en el escenario con instrumentos musicales acústicos y electroacústicos que son mecánicamente controlados utilizando el poder de la tecnología moderna. He sentido a necesidad de expresar mi música dentro de un contexto que en cierto modo está intrínsecamente vinculado a este momento en el tiempo, el anhelo de presentar algo que sólo podría estar ocurriendo ahora, en el 2010. Estoy muy emocionado de compartir este proyecto con todos ustedes. Espero y confío en que si nada más, esto será algo verdaderamente único. Se siente como un progreso, y ha conseguido algunas notas de mí que yo no sabía que estaban allí. Eso siempre es algo bueno".
Los cinco temas, con Pat solito manejando su nueva máquina infernal, son: 01 - Orchestrion 02 - Entry Point 03 - Expansion 04 - Soul Search 05 - Spirit of the Air
Para entenderlo mejor... Aquí Pat presentando en sociedad a su Orchestrion
Brad Mehldau (1970, Jacksonville, Florida) empezó a tocar el piano a la temprana edad de seis años y descubrió el jazz a los doce años, cuando un amigo le puso una grabación de Oscar Peterson y Joe Pass. Pero la velocidad de nuestra época no seduce a profundizar sobre "la vida de" sino que cada vez se vuelve más importante recorrer "la obra de"... Biografías, informes sobre nuevas realizaciones, entrevistas y hasta videos referidos al "backstage" de las grabaciones, abundan en la web... En 1994 graba su primer disco titulado: When I Fall in Love bajo el nombre de Mehldau & Rossy trío para Fresh Sound Records. Al año siguiente, y ya bajo su personal liderazgo, crea su propio trío con Larry Grenadier, al contrabajo y Jorge Rossy a la batería (sustituido por Jeff Ballard en el 2005), lanzando su disco de debut como líder: Introducing Brad Mehldau. Su segundo álbum: The Art of the Trío , Volume One (1997, Warner) obtuvo un impresionante recibimiento entre la crítica, lo que propició extensas giras internacionales. Como su propio título anunciaba, al primero siguieron entre 1997 y 2001 otros cuatro volúmenes de una serie que se ha convertido por derecho propio en el mejor trabajo pianístico de jazz contemporáneo.
Pero esta entrada se refiere a su notable nuevo trabajo: The Highway Rider lanzado al mercado el 16 de marzo de 2010 por el sello Nonesuch. Si gustan pueden echar un vistazo en la propia página web de Mehldau.
Si el primer trabajo de Brad con el productor Jon Brion (Largo, 2002) fue ambicioso, esta nueva grabación le gana por lejos. The Highway Rider es una suite de jazz narrativa, orquestada y organizada por Mehldau, aunque tiene mucho en común con música clásica y pop. Sus 15 composiciones están repartidas en dos discos que suman 100 minutos intensos. "Cabalgando" talentosamente en piano, pump organ (algo así como un órgano de iglesia portátil) y un Yamaha CS-80 , Brad aumentó su trío habitual -el bajista Larry Grenadier y el batería Jeff Ballard- con invitados especiales: el saxofonista Joshua Redman (soprano y tenor), el baterista Matt Chamberlain, y una orquesta de cámara dirigida por Dan Coleman más la participación vocal de The Fleurettes
CD 1: 01 - John Boy 02 - Don't Be Sad 03 - At The Tollbooth 04 - Highway Rider 05 - The Falcon Will Fly Again 06 - Now You Must Climb Alone 07 - Walking The Peak
CD 2: 01 - We'll Cross The River Together 02 - Capriccio 03 - Sky Turning Grey (For Elliot Smith) 04 - Into The City 05 - Old West 06 - Come With Me 07 - Always Departing 08 - Always Returning
Y, como lo decía más arriba, un poco de "la cocina" del disco donde, además, se puede ver en acción al enigmático productor Jon Brion...
Con esta entrada, cumplo con la promesa de mostrar aquí en su totalidad a los ganadores del Grammy 2010, con la certeza de no meterme más en camisa de once varas. Y la premiada Mejor Big Band está aquí gracias a la generosidad de Paul, un querido amigo de "mi comunidad" jazzística que, desde Texas, Estados Unidos, hizo posible que este "imposible" demorara un poco más.
La New Orleans Jazz Orchestra (NOJO) fue fundada en diciembre de 2002 por Irvin Mayfield para revitalizar y preservar la cultura, la historia y la tradición musical de Nueva Orleáns tras el huracán Katrina.
Ellos son: Irvin Mayfield - Trompeta y Dirección Evan Christopher- Clarinete Aaron Fletcher - Saxo Alto Norbert Stachel - saxo Barítono y Flauta Ed "Sweetbread" Petersen - Saxo tenor Derek Douget - Saxos Tenor y Soprano Ronald Westray, Mitch Butler y Terrance Taplin - Trombones Barney Floyd, Eric Lucero, Leon "Chocolate" Brown y Ashlin Parker - Trompetas Victor "Red" Atkins - Piano David Pulphus - Contrabajo Adonis Rose - Batería
La NOJO no tiene la intención principal de recrear el repertorio de las gloriosas figuras artísticas de su ciudad pero el poderoso registro de sus bronces y ese caractrerístico "que se yo" del swing que imprimen, no deja lugar a dudas de dónde provienen estos 16 músicos. En Book One, su álbum debut, el poder emocional y el profundo contenido de las composiciones y arreglos invita a la comparación de similares gigantes de la orquestación como Duke Ellington, Count Basie y Charles Mingus pero balanceando el material para gran orquesta con algunas composiciones del soul contemporáneo y la música afrocubana. Por otra parte la NOJO no se ha conformado con la simple existencia como banda regular sino que se ha establecido como una organización sin fines de lucro, asociada con la Universidad de Nueva Orleans y la Universidad de Tulane para varios programas educativos y académicos. Ello ha sido fundamental para que Irvin Mayfield -un extraordinario solista quizá un poco eclipsado por otras figuras famosas de su ciudad natal- haya sido nombrado oficialmente Embajador Cultural de la Ciudad de Nueva Orleáns.
Irvin Mayfield
El blues es el centro principal sobre el que gira el talento de la NOJO y sus solistas, nuevas figuras de nombre prácticamente desconocidas pero que seguramente darán que hablar en un futuro cercano como, por ejemplo, el clarinetista Evan Christopher, el trompetista Barney Floyd, el trombonista Ronald Westray, el tenorista Ronald Westray y los vocalistas invitados Johnaye Kendrick y John Boutte . Las habilidades vocales de éste último son empleadas por Mayfield para el tema que cierra el disco "Move On Ahead", pieza ya considerada como uno de los mejores himnos a la "resistencia emocional" después del devastador huracán Katrina.
La "milonga" no es jazz... es mucho más que eso. Como decía "el Flaco", es el "blues montevideano", la quintaesencia del alma desgarrada o feliz hecha canción popular. Por eso está aquí, hoy, su obra cumbre. Compuesta en su doloroso exilio, en esta obra se concentra la mayor intensidad y el mayor lirismo de Alfredo Zitarrosa. Como acertadamente lo indica el maestro Washington Benavides: los textos, dichos por su autor, con un fondo de implacable milongueo, son la poesía más auténtica que escribió Zitarrosa, y a la par, el más entrañable testimonio de los horrores de exilio. Escuchando "Introducción", "Allanamiento", "La casa", "Uruguay for Export", "Flor Show", "Mis alas", "La mariposa", "Hago falta" y "Exhortación y propósitos", se comprende cómo la voz de un hombre puede ser la voz de su pueblo, sin exageración y sin colores partidarios (aunque los haya), sin sobrevaloraciones ni mitos. El quemante decir de Alfredo era la voz de muchos, de la inmensa mayoría de los del exilio y el "insilio".
En esta edición de "Guitarra Negra", figura también "Hoy Desde Aquí", composición que tiene su propia historia: de vuelta en su Montevideo (1984), Alfredo quiso, a la par de reeditar "Guitarra Negra", editar "Guitarra Blanca" con la colaboración de una serie de escritores uruguayos. El proyecto original se desvió, y, al final, se editó con el nombre de "Hoy Desde Aquí" acompañando en la misma placa a la reedición de "Guitarra Negra", con textos de Eduardo Galeano, Ángel Oliva, Juan Capagorry, Milton Schinca (dichos por los autores), Pablo Neruda dicho por Zitarrosa y "Hoy desde aquí", de Alfredo, dicho por su esposa Nancy Marino.
Feliz cumpleaños Alfredo!! Siempre estás aunque no estés...
Para celebrarlo, un ratito de un ensayo de West Coast Blues en 1965, Wes Montgomery junto a Johnny Griffin y Ronnie Scott en saxos tenores, Hans Koller en saxo alto, Ronnie Ross en saxo barítono, Martial Solal al piano, Michel Gaudry en contrabajo y Ronnie Stephenson en batería... Apaguen las velitas que este sábado está ideal para comerse un pedacito de torta dulce!
Durante años Dionisio Ramón Emilio "Bebo" Valdés Amaro (9 de octubre de 1918, La Habana ) era mencionado simplemente como el padre del extraordinario pianista, compositor y arreglista Jesús "Chucho" Valdés, director de la mítica banda cubana Irakere Bebo, director y asesor musical del famoso club Tropicana de La habana en la época de oro de la música cubana, escribió arreglos para artistas de la talla de Beny Moré, Pío Leyva y Rita Montaner, entre otros. Con Rolando Laserie, formó en 1959 la legendaria orquesta Sabor de Cuba. Pero luego vino la Revolución, y Valdés se encontró "perseguido". Por lo tanto, con las cintas de dos sesiones recién grabadas de su banda bajo el brazo y sus ahorros, se fue a México. Permaneció allí durante 18 meses y luego se trasladó a España y trabajó en Europa hasta que, durante una gira en Suecia, se enamoró de una joven de 18 años de edad. La belleza del lugar decidió que se casase y estableciera una segunda familia. Se mantuvo muy activo, pero con el tiempo, las necesidades de su familia prevalecieron sobre las exigencias de una carrera musical y se vio obligado a aceptar empleos como pianista de lujosos hoteles de Estocolmo y cruceros turísticos. En 1990, se retiró.
Dionisio de Jesús "Chucho" Valdés Rodríguez" (9 de octubre de 1941, Quivicán, Provincia de La Habana), es hijo de Bebo de su primer matrimonio. Desde la explosión en la escena del jazz a finales de los 70 como líder, pianista y principal compositor y arreglista de Irakere, Chucho ha desarrollado una muy activa y exitosa carrera en solitario. Es ampliamente respetado como uno de los pianistas de jazz de primera clase en el mundo. Chucho vive en La Habana y, como Bebo juró no regresar a Cuba mientras el régimen de Fidel Castro permanezca en el poder, padre e hijo no se vieron por muchos años. Si bien hubo encuentros esporádicos, después de 50 años de separación, padre e hijo se unieron nuevamente para dar vida a un disco inolvidable: este Juntos para siempre a dos pianos, "cantado" ganador del Grammy 2010 al Mejor disco de Jazz Latino. Aquí va, mi anteúltima promesa de presentar los ganadores de tan controvertido premio Americano, más un agregado final: la toma en vivo de la grabación de "Tres Palabras" Dos instituciones del piano extrayendo a fondo su química… quizá la última antes de que Bebo, definitivamente, ponga punto final a su leyenda.
Los temas
01 - Preludio Para Bebo 02 - Descarga Valdes 03 - Tres Palabras 04 - Rareza Del Siglo 05 - Tea For Two 06 - Son De La Loma 07 - La Gloria Eres Tu 08 - A Chucho 09 - Sabor A Mi 10 - Perdido 11 - Lagrimas Negras 12 - La Conga Del Dentista