Wynton Kelly - Elegante maestría

Wynton Charles Kelly nació en Jamaica el 2 de diciembre de 1931. Cuatro años más tarde, su familia se trasladó a los Estados Unidos, estableciéndose en Nueva York, más precisamente en el distrito de Brooklyn. 

Comenzó su carrera profesional siendo aún adolescente, iniciándose como músico de rhythm and blues con artistas como Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Destacó como acompañante de Lester Young entre 1951 y 1952 y, tras su servicio militar volvió al mundo musical colaborando con Dinah Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), y con la Big Band de Dizzy Gillespie (1957). En 1959 comenzó su colaboración con Miles Davis (1959-1963) con quien grabaría álbumes como Kind Of Blue, At The Blackhawk, o Someday My Prince Will Come. Tras abandonar a Davis formó su propio trío con el resto de la sección rítmica de la banda.

Su temprana muerte, ocurrida en Toronto, Canadá, e 12 de abril de 1971, privó al jazz de una de sus figuras más inventivas. La crítica especializada es coincidente en dos aspectos: su enorme figura nunca recibió la atención que merecía y su maestría quedó de manifiesto en sus pianos tríos, a través de los que exhibió un estilo impecable, elegante y rebosante de swing, creando escuela entre muchos pianistas.

Wynton Kelly dejó un valioso legado discográfico para los sellos Blue Note, Riverside, Verve, Milestone y Vee-Jay. Y son los tres álbumes como líder para este último los que reseña Carlos Sampayo en el libro que estamos repasando:

El estilo de Wynton Kelly dio pautas rotundas para la formación de secciones rítmicas durante los años sesenta. Esencial y práctico, su modo de afrontar el teclado no daba lugar a descartes ni dudas. Poseía una colosal fuerza de arrastre y supo congeniar el swing (que Cannonball Adderley le atribuía como cualidad "natural") con las sutilezas propias del artista con un discurso individual y solo en apariencia simple.

La complejidad oculta de Kelly reside en el poder de persuasión sobre los otros solistas sin invadir su terreno, la facilidad para poner en marcha una maquinaria sin grietas y la llaneza con que usaba pocas ideas básicas para expresar argumentos diferentes.

Como acompañante era el non plus ultra codiciado por todos (allí está la segunda época dorada de Miles Davis como testimonio), mientras que como solista aportó algunas ideas y recursos que, siendo en él originales, usadas por otros suenan a pegote pringoso: nadie ha podido emular sus escalas ascendentes y descendentes, con interrupciones leves, retardos y aceleraciones apenas perceptibles que las transformaban en algo más que una escala y la divorciaban del estereotipo.

Kelly representa esa suerte de gran talento reposado que es sustento de encanto y armonía. No era un genio del piano (hay pocos), pero sí un artista íntegro y fiel a un lenguaje personal.

Las tres referencias del sello Vee Jay muestran a un pianista en el mejor momento de su carrera.

Cuando grabó Kelly Great —su única experiencia como líder de un quinteto con Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería)— ya había grabado varios discos para otros sellos, era un partenaire muy solicitado e integraba el quinteto de Miles Davis. Esta sesión fue también un banco de pruebas para Wayne Shorter, que haría su primera grabación como líder cuatro meses después; se trata de un disco especial para apreciar las cualidades de Kelly como acompañante (aquí en situación de liderazgo), de una música muy estimulante y sin edad.

Wynton Kelly

Kelly Great

1 - Wrinkles

2 - Mama G

3 - June Night

4 - What Know

5 - Sidney

Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Fine Sound Studios, Nueva York, el 12 de agosto de 1959.

⁂

En Kelly at Midnite (hubo una versión en pseudo vinilo titulado, británicamente Kelly at Midnight), el pianista y quienes mejores conjugaron con sus intenciones —Paul Chambers (contrabajo), rotundo, y Philly Joe Jones (batería), angelical— vuelven a redondear —años más tarde en forma de reedición— el ideal del trío; Kelly exige aquí proezas novedosas a su mano izquierda, con éxito.

Wynton Kelly

Kelly At Midnite

1 - Temperence

2 - The Weird Lullaby

3 - On Stage

4 - Skatin'

5 - Pot Luck 

Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Bell Sound Studios, Nueva York, el 27 de abril de 1960.

⁂

En Wynton Kelly!, un doble que incluye —en el segundo CD— el entero set de tomas alternativas en su momento editadas en Japón en un CD independiente, se presenta la que fue la gran sección rítmica de Davis con Kelly (con la excepción de Sam Jones en algunos temas y Jimmy Cobb en batería). Un disco que no pasó inadvertido a la crítica de la época y cosechó elogios encendidos. Solo puedo decir que quizás aquí se encierre lo mejor de su música grabada; y esta acotación no es trivial porque quienes lo escucharon en vivo y directo afirman que era capaz de promover las mayores exaltaciones en el público presente.

Wynton Kelly Trio

Wynton Kelly!

*CD 1*

1 - Come Rain Or Come Shine [**]

2 - Make The Man Love Me [**] 

3 - Autumn Leaves [*]

4 - Surrey With The Fringe On Top [**]

5 - Joe's Avenue [*]

6 - Sassy [**]

7 - Love, I've Found You [**]

8 - Gone With The Wind [**]

9 - Someday My Prince Will Come [*]

10 - Char's Blues [**]

*CD2*

1 - Autumn Leaves (take 1) [*]

2 - Autumn Leaves (take 2) [*]

3 - Autumn Leaves (take 3) [*]

4 - Char's Blues (take 1) [**]

5 - Char's Blues (take 2) [**]

6 - Joe's Avenue (take 1) [*]

7 - Joe's Avenue (take 4) [*]

8 - Joe's Avenue (take 8) [*]

9 - Joe's Avenue (take 9) [*] 

10 -  Someday My Prince Will Come (take 6) [*]

11 - Surrey With The Fringe On Top (take 3) [**]

Wynton Kelly (piano); Paul Chambers [*], Sam Jones [**] (contrabajos); Jimmy Cobb (batería).

Grabaciones realizadas Bell Sound Studios, Nueva York, el 20 [*] y el 21 [**] de julio de 1961. 

Phineas Newborn Jr. - Prodigioso mundo aparte

De padre baterista y director de orquesta y de madre pianista y cantante, Phineas Newborn Jr. emprendió estudios musicales desde niño profundizándolos después en el bachillerato y en la Universidad. Debutó en 1947 con Saunders King y estuvo en Memphis con diversas formaciones locales hasta 1950, año en que se unió a la orquesta de Lionel Hampton, con quien permaneció dos años, hasta 1952. Tras una efímera colaboración con los "Tennessee State Collegians", en 1953 tocó con Willis Jackson hasta que tuvo que hacer el servicio militar.

Entre 1955 y 1956 formó su propio cuarteto, con el que, en mayo de 1956, se trasladó a Nueva York para firmar un contrato por dos años en el afamado club "Bassin Street". Más adelante convirtió su cuarteto en un trío y en 1958 todavía redujo más el grupo formando un dúo con el contrabajista Charles Mingus, con quien apareció en la película "Shadows", de John Cassavettes.

En el otoño de ese mismo año, viajó por primera vez a Europa, alcanzando un gran éxito y demostrándole al entendido público francés, que su preparación técnica y su dominio del piano no tenía nada que envidiarle a los más grandes. A mediados de 1960, una larga y penosa enfermedad, sumada a una lesión en una de sus manos, le obligó suspender por una larga temporada su carrera profesional dado que tuvo que ser ingresado en el Camarillo Hospital, la misma clínica donde estuvo internado Charlie Parker. Cuando reanudó su actividad, a finales de 1970, se dedicó a tocar de manera habitual con su trío en la zona de Los Angeles, donde demostró que su feeling estaba intacto. Según el crítico e historiador de jazz Nat Hentoff, su muerte llevó a la creación de la "Jazz Foundation of America", una organización dedicada subvencionar los gastos médicos de importantes artistas del mundo del jazz.

Sus grabaciones para el sello Contemporary, en especial el debut para dicho sello —A World Of Piano!— siguen siendo consideradas de máximo interés jazzístico y Carlos Sampayo reseña este álbum de la siguiente manera: 

Leonard Feather opinaba que Newborn era el más grande pianista de jazz de todos los tiempos después de Art Tatum y Bud Powell. Es una opinión extrema, pero Feather no era amigo de hipérboles.

Newborn, que nació en 1931 en un pueblo de Tennessee, fue un niño prodigio y un adulto inestable. Su carrera comenzó en los primeros años cincuenta en bandas de rhythm and blues y tras su traslado a Nueva York en 1956 se dedicó exclusivamente al jazz. En palabras de George Avakian, "parecía nacido para esto".

Una serie de discos grabados para el sello Contemporary pone en evidencia esa predisposición sustentada en un talento creador que en la improvisación no muestra grietas; pero no es lo único: poseedor de una técnica deslumbrante inventó (más bien perfeccionó) un modo de improvisación a dos manos concordante donde los acordes estaban implícitos y se insertaban como por arte de magia en la melodía que estaba creando... mientras la creaba.

También fue un maestro absoluto en el arte del tiempo, secreto jazzístico por excelencia; el ritmo fluía con llaneza y aparentemente sin obstáculos.

De los discos de Newborn para Contemporary —ambién muy buenos los Atlantic y los Roulette— elegimos este porque condensa y resume todas sus cualidades. Sus versiones de "Cheryl" (Charlie Parker), "Daahoud" (Clifford Brown) y "Oleo" (Sonny Rollins) son casi insuperables en trío de piano.

Una versión muy emotiva de "Lush Life" (Strayhorn) es precedida por la introducción de la "Sonatine" de Maurice Ravel, como si se tratara de la misma música. Acompañan al pianista Paul Chambers o Sam Jones (contrabajo) y Philly Joe Jones o Louis Hayes (batería).

Enfermo de esquizofrenia, afección que lo llevó a períodos de interrupción profesional y hospitalización, Phineas Newborn Jr. murió en Memphis en 1989.

Phineas Newborn Jr.

A World Of Piano!

1 - Cheryl

2 - Manteca

3 - Lush Life

4 - Dahoud

5 - Oleo

6 - Juicy Lucy

7 - For Carl

8 - Cabu 

Phineas Newborn Jr. (piano) en trío con:

#1 a #4:

Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabados en Comtemporary Records' Studio, Los Angeles, California, el 16 de octubre de 1961.

#5 a #8:

Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Grabados en Comtemporary Records' Studio, Los Angeles, California, el 21 de noviembre de 1961. 

Benny Golson - El inicio de una leyenda viva

Con sus actuales noventa y tres años, Benny Golson es uno de los últimos eslabones sobrevivientes de la edad de oro del jazz moderno.

Benjamin "Benny" Golson nació en Filadelfia el 25 de enero de 1929, comenzó a estudiar piano a los nueve años, y a los catorce quedó profundamente impresionado al escuchar al saxofonista Arnette Cobb en el seno de la orquesta de Lionel Hampton. 

Convenció a sus padres para que le compraran un saxo, y estudió en el Howard College de Washington entre 1947 y 1950. Sus comienzos musicales tuvieron lugar en el mundo del rhythm and blues, cuando ingresó en la banda de Bull Moose Jackson en 1951. Su inclinación hacia el jazz se debió a la influencia que ejerció sobre él Tadd Dameron, pianista con el que compartió años y aprendizaje. En muchas ocasiones Benny ha confesado que Tadd fue fundamental para su trabajo compositivo, debido al gusto y sabiduría por la melodía, por la forma que Dameron lograba conseguir en combos de tan solo cinco o seis músicos.

Entre 1953 y 1954 formó parte de la banda de Lionel Hampton y los dos años siguientes con el saxofonista Johnny Hodges.

Su encuentro con el trompetista, Dizzy Gillespie, entre 1956 y 1958 le marcó profundamente y durante los últimos años de la década de 1950 consiguió una reputada fama de magnifico instrumentista. Su experiencia más fructífera, y por la que más se le conoce en la historia del jazz, fue cuando cofundó con el trompetista Art Farmer el célebre grupo "The Jazztet". 

A mediados de la década de 1960 abandonó los escenarios para dedicarse principalmente a los arreglos para estudio —con cantantes como Peggy Lee o Lou Rawls— pero a partir de 1980 volvió a formar sus propios grupos. 

Entre los discos reseñados por Carlos Sampayo para el capítulo referido a la década de 1950 hallamos el excelente —y esencial— primer trabajo de Benny Golson como líder:

Después de Tadd Dameron y Monk, Golson fue el primer compositor de jazz moderno en crear temas que se convertirían en standards.

Gran saxofonista tenor, en la línea de Hawkins, Dexter Gordon y Wardell Gray, su estilo de improvisación muestra siempre la vena compositiva, el pensamiento musical más allá del momento de creación espontánea.

Este fue el segundo disco a su nombre y fue consecuencia de un proyecto muy elaborado donde poder colocar sus creaciones y las de Gigi Gryce, su socio artístico.

Los temas fueron interpretados por un quinteto —Golson (saxo tenor), Art Farmer (trompeta), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Charles Persip (batería)— y un noneto donde la ejecución es compleja y muy estructurada; allí se agregaban Gigi Gryce (saxo alto), Sahib Shihab (saxo barítono), Julius Watkins (corno) y Jimmy Cleveland (trombón), con intervenciones de todos ellos como solistas.

No hay remedo alguno del Noneto Capitol de Miles Davis, se trata de otra música; allí donde en el Capitol había cierta provocación y un espíritu fundacional (el cool jazz), aquí prima el espíritu del blues y una sintonía con las partes menos monótonas del bebop y menos agresivas del hardbop. No hay modo de distinguir los arreglos de Golson de los de Gryce y, en ese sentido, esa comunión nos recuerda la de Ellington con Billy Strayhorn.

También se revela la afinidad naciente de Art Farmer, con quien Golson establecerá un vínculo artístico que dará frutos significativos para el jazz en la siguiente década, como The Jazztet. Un disco cuya repercusión será indirecta pero duradera.

La edición en CD incluye un tema, "B.G.'s Holiday", en su momento desechado por falta de espacio.

Nota: Este disco fue el álbum debut de Benny Golson como líder. La apreciación de Sampayo, en cuanto a que se trata del "segundo disco a su nombre" es correcta solamente si se considera el año específico de su registro, 1957. El otro es The Modern Touch, grabado para el sello Riverside en diciembre de dicho año.

Benny Golson

Benny Golson's New York Scene

1 - Something In B Flat

2 - Whisper Not

3 - Step Lightly

4 - Just By Myself

5 - Blues It

6 - You're Mine You

7 - Capri

8 - B.G.'s Holiday

Benny Golson (saxo tenor), secundado por:

#2, #4 y #7:

Art Farmer (trompeta), Gigi Gryce (saxo alto), Sahib Shihab (saxo barítono), Jimmy Cleveland (trombón), Julius Watkins (corno francés), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Charles Persip (batería).

Grabados en Nueva York, el 14 de octubre de 1957.

#1, #3, #5, #6 y #8:

Art Farmer (trompeta), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Charles Persip (batería).

Grabados en Nueva York, el 17 de octubre de 1957. 

Jimmy Cleveland - Tetralogía de una misma vara

Aunque de regreso antes de lo pensado, una grata sorpresa me esperaba en el buzón: "Discografía personal del jazz (1920-2011)", el nuevo libro del periodista, crítico literario, novelista y guionista argentino Carlos Sampayo. Esta nueva obra de Sampayo es una guía "de autor" que, sin pretender convertirse en un canon, constituye un interesante listado ascético y razonado de lo más "importante" de la historia del jazz. 

Con la personal mirada del gran estudioso del jazz que es, Sampayo propone una selección de discos que "no tiene pretensión de esencial sino de digno de una consideración sensible y curiosa", sugiriendo un recorrido para que tanto los conocedores que quieran descubrir nuevos recodos de la discografía, como quienes recién se inician, encuentren una inmejorable excusa para escuchar o redescubrir algunas de las músicas más cautivantes grabadas durante los últimos cien años.

Después de un rápido vistazo, me detuve en sus consideraciones sobre la discografía completa del trombonista Jimmy Cleveland como líder. Comenta Sampayo: 

El rescate de la figura de Jimmy Cleveland, y de su música, no es solo un acto de justicia frente a uno de los tantos relegados del jazz. Cleveland ha sido más que eso: el trombonista más importante del jazz moderno después de J. J. Johnson y también, por qué no decirlo, al margen del maestro. El relativo olvido de Cleveland no se debe, como en el caso de otros jazzmen, a la dificultad de su música (legible en todos los sentidos) sino a la parquedad de sus grabaciones y apariciones públicas como líder. En las notas originales de contracubierta de uno de sus cuatro discos, el gran Dickie Wells afirma que se trata de "uno de los mejores jóvenes que nunca hayan tomado en sus manos un trombón". 

La opinión de Wells era un aval de mucho peso: Jimmy Cleveland comenzó a tocar el trombón a los dieciséis años, una edad relativamente tardía para un músico que llegaría en poco tiempo a lograr las más altas cotas en la expresión artística con su instrumento.

Terminada la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Universidad Estatal de Tennessee, donde integró la banda de alumnos. Esta banda ganó un concurso universitario y pudo exhibirse en el Carnegie Hall de Nueva York. Lionel Hampton, cazador de talentos, presenció ese concierto y le propuso ingresar en su orquesta. La orquesta de Hampton era una de las mayores atracciones del panorama jazzístico y del espectáculo de aquel período. El team estaba compuesto por tantos jóvenes talentos que la experiencia fue enriquecedora para el trombonista. Compartía atriles con jazzmen como Jerome Richardson, Gigi Gryce, sus colegas Al Grey y Benny Powell, Quincy Jones, Art Farmer y nada menos que Clifford Brown. En esos primeros años cincuenta Cleveland estaba aún anclado a los modelos del pasado, como Benny Morton, Trummy Young o Jack Teagarden. Se supone que la escucha de la música de J. J. Johnson lo ayudó a dar el paso hacia la modernidad. No ligado al bebop desde un principio, ingresó en la recapitulación de ese estilo directamente, convirtiéndose en el mejor trombonista de la década de los cincuenta y parte de los sesenta. 

Mientras estaba con Hampton, Cleveland grabó con grupos pequeños emanados de la orquesta, con Clifford Brown, Art Farmer y Gigi Gryce y otros, y también con músicos europeos. En noviembre de 1953 abandonó la big band del vibrafonista. Todavía su nombre era desconocido para la mayoría cuando en 1954 participó en la grabación de un disco de Oscar Pettiford (Basically Duke) y en otro de George Wallington (Showcase, en el que sorprendió con su solo en "Summertime"). En 1955 participó en una sesión de Clark Terry, en sexteto. Entonces se decía que lo que había hecho Cleveland en ese disco era "imposible" para ningún otro trombonista. No se trataba solo de la asombrosa habilidad técnica sino también de la sensibilidad del toque y la ilación de su discurso como solista. Desde ese momento fue requerido permanentemente para colaborar en proyectos a nombre de otros. Tuvo tiempo para grabar sus cuatro únicos discos antes de finalizar la década.

A Jimmy Cleveland lo encontramos y escuchamos en muchos discos como sideman de Benny Golson, Randy Weston Sam Jones, Oliver Nelson, Milt Jackson, Gary McFarland, Antonio Carlos Jobim, Gil Evans (quienes consideraban "imprescindible" su aporte en todo sonido orquestal), Sonny Rollins, Manny Albam, Gerald Wilson, Gerry Mulligan y un largo etcétera. Con Golson y Gil Evans grabó solos impresionantes, recuérdese su intervención en Blues in Orbit, donde aplica una técnica que se acerca a las "capas de sonido" de Coltrane.

Sorprende que un músico de su capacidad y talento haya preferido mantenerse en un segundo plano cuando tenía todas las posibilidades de convertirse no solo en una referencia para los trombonistas sino también en una referencia jazzística absoluta.  Que se tenga noticia, tuvo una última intervención en el terreno del jazz puro en 1991, en un disco del saxofonista Teddy Edwards, Mississippi Lad; después, el silencio.

Introducing Jimmy Cleveland fue, además de la presentación oficial de Cleveland, una revelación. Sobre arreglos para octeto de Quincy Jones, consensuados con el propio trombonista, Cleveland despliega su talento, una suma de innovación donde se funde una particular sonoridad y la capacidad de desarrollar ideas originales. Su presentación impresionó tanto al mundo jazzístico que ese mismo año la revista Down  Beat lo eligió como el mejor nuevo trombonista.

Jimmy Cleveland

Introducing Jimmy Cleveland And His All Stars

Lado 1

1 - Hear Ye! Hear Ye!

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Vixen

4 - My One And Only Love

5 - Little Beaver

Lado 2

6 - Our Love Is Here To Stay

7 - Count' Em

8 - Bone Brother

9 - I Hadn't Anyone 'Til You

10 - See Minor

Jimmy Cleveland (trombón), secundado por:

#1, #2 y #5:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), John Williams (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 de agosto de 1955.

#3, #4, #6, #7 y #8:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Hank Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Oscar Pettiford (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, el 22 de noviembre de 1955. 

#9 y #10:

Ernie Royal (trompeta), Jerome Richardson, (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Wade Legge (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Joe Harris (batería).

Grabados en Nueva York, el 4 de agosto de 1955.

⁂

Cleveland Style, grabado dos años después, con arreglos para septeto de Ernie Wilkins y Benny Golson, confirma la naturalidad y lo incisivo del toque de Cleveland, y la importancia que tenía para él un contexto bien organizado. La crítica afirma que fue su estilo el que dio el primer paso a un nuevo lenguaje de trombón que exaltaba el virtuosismo basado en la expresión. Cada nota de sus frases aparece límpida y la conjunción de notas forma un discurso lógico y emotivo. Sus solos siempre traducen la profundidad emocional en que se basa el jazz. El todo se fundamentaba en la no-estridencia; tal como afirmó Wilkins, poseía "una sonoridad ligera pero frágil. (...) Si sus frases son magistrales, también lo es cada una de sus notas", aludiendo a una concisión que proviene de la convicción. Los dos álbumes siguientes dan pie a una tendencia de Cleveland a sobrepasar los límites del solismo convencional.

Jimmy Cleveland

Cleveland Style

Lado 1

1 - Out Of This World

2 - All This And Heaven Too

3 - Posterity

Lado 2

4 - Long Ago And Far Away

5 - A Jazz Ballad

6 - Jimmie's Tune

7 - Goodbye Ebbets Field

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta); Don Butterfield [#1, #4, #7], Jay McAllister [#2, #3, #5, #6] (tubas), Benny Golson (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Eddie Jones (contrabajo), Charlie Persip (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 y 13 de diciembre de 1957.

⁂

En A Map Of Jimmy Cleveland, con arreglos de Wilkins, aparece el deseo de velar el discurso orquestal y darle una tonalidad de trombón, casi como en la Orquesta Capitol o Tuba Band de Gil Evans/Miles Davis. En los solos de Cleveland ha desaparecido cualquier traza dirty, una tentación común en todos los trombonistas hasta el momento (salvo quizá Carl Fontana) y su estilo se apoya en una limpidez sonora que hace diáfana la complejidad de su sintaxis. La aparición de la tuba en el ensemble, en papel rítmico y melódico, y la fuerte preeminencia de los bronces (dos trompetas, trombón, tuba y un solo saxo), retrotrae a la tradición de Nueva Orleans y anticipa las intenciones de Wynton Marsalis de treinta años más tarde.

Jimmy Cleveland

A Map Of Jimmy Cleveland

Lado 1

1 - Swing Low Sweet Chariot

2 - A Hundred Years From Today

3 - Marie

4 - Jay Bird

Lado 2

5 - The Best Things In Life Are Free

6 - Stardust

7 - Jimmy's Old Funky Blues

Jimmy Cleveland (trombón), Ray Copeland (trompeta), Ernie Royal (fliscorno), Don Butterfield (tuba), Jerome Richardson (saxo tenor y flauta), Junior Mance (piano), Bill Crow (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabados en Nueva York, el 16, 17 y 18 de diciembre de 1958.

⁂

El cuarto y último disco, Rhythm Crazy, fue puesto a la venta cinco años después de A Map Of Jimmy Cleveland, cuando Cleveland ya era el trombonista más solicitado para sesiones de big band; no ha circulado desde hace medio siglo y confirma todas las cualidades ya evidenciadas, pero también muestra, si esto era posible, un salto en la técnica instrumental, con tendencia a la expresión con notas agudas, como si se tratara de un fliscorno. Los arreglos eran de Gryce y Golson, presente este último como saxofonista. Si recapitulamos toda la obra grabada por Cleveland como líder, desde este último disco, entendemos que en su intención estaba la consecución de una arquitectura del solo que fuera formalmente perfecta, pero con espacios abiertos a la más explosiva fantasía; en medio: la sonoridad.

Jimmy Cleveland

Rhythm Crazy

Lado 1

1 - Crazy Rhythm

2 - Old Reliable

3 - We Never Kissed

4 - Tom-Kattin'

Lado 2

5 - Our Delight

6 - Reminiscing

7 - Tricotism

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta), Benny Golson (saxo tenor), Jerome Richardson (saxo tenor, saxo barítono y flauta), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, en febrero de 1959.

Obscure #1 - Wilbur Harden

Hay vocablos del idioma inglés que son intraducibles al español. No porque no tengan una traslación literal sino porque la conversión resultante no conserva la "potencia" del significado. Uno de ellos, en el idioma jazzístico, es "obscure".

Literalmente cualquier traductor lo convierte al adjetivo "oscuro", pero en inglés es más que eso. Significativamente refiere a algo "poco considerado", "oculto por la niebla del tiempo", "enterrado en el olvido".

Obscure, expresión que a partir de ahora habría que destacarla en cursiva —al igual que swing— por no tener una exacta traducción, es el adjetivo más apropiado para la referirse a la figura de Wilbur Harden y su colección de grabaciones registradas.

Wilbur Harden, nació en Birmingham, Alabama, el 31 de Diciembre de 1924. Su presencia en la historia del jazz está rodeada de un misterio que lo convierte en una figura semi-legendaria. Fue un destacado solista y compositor y se cree que fue el primer trompetista en la historia del jazz en utilizar el fliscorno como segundo instrumento.

Comenzó a tocar profesionalmente en la década de 1940 integrando bandas de Rhythm & Blues como las de Ray Brown e Ivory Joe Hunter. Después de formar parte de las orquestas de Marina estadounidense, se instaló en Detroit y, en la primavera de 1957, reemplazó al trombonista Curtis fuller en el grupo de Yusef Lateef. Desde entonces, influenciado por Miles Davis, se dedicó a tocar casi exclusivamente el fliscorno.

En 1958 grabó cuatro álbumes para el sello Savoy. Tres de ellos junto a John Coltrane y uno en formato de cuarteto junto al pianista Tommy Flanagan. 

Debido a su frágil salud, dejó de tocar y de grabar en 1959 y en 1960 desapareció de la escena del jazz.

Murió en Nueva York el 10 de junio de 1969 con tan solo cuarenta y cinco años de edad. 

Consultada la guía Music Hound Jazz de Steve Holtje y Nancy Ann Lee (que nos inspirará para muchas búsquedas futuras), se nos ocurre repasar tres registros esenciales de su cosecha discográfica de 1958. Por un lado Mainstream 1958, un álbum con una historia muy extraña ya que ha sido reeditado muchas veces como un disco de John Coltrane cuando, en realidad Wilbur Harden es su verdadero líder. El repertorio, además, revela su gran potencial compositivo. 

Wilbur Harden 

Mainstream 1958 ~ The East Coast Jazz Scene

1 - Wells Fargo 

2 - West 42nd Street 

3 - E.F.F.P.H. 

4 - Snuffy 

5 - Rhodomagnetics

Wilbur Harden (fliscorno), John Coltrane (saxo tenor), Tommy Flanagan (piano), Doug Watkins (contrabajo), Louis Hayes (batería). 

Grabado en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 13 de marzo de 1958.

⁂

El segundo disco de Harden que nos interesa repasar, es The King And I, un álbum donde nuevamente la figura del trompetista, en las sucesivas reediciones, quedó eclipsada por la del pianista Tommy Flanagan. El contenido explora jazzísticamente la música de la obra teatral del mismo nombre, escrita por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, cuyo guión se basó en el libro "Anna and the King of Siam" de Margaret Landon, tomado, a su vez, de la autobiografía de Anna Leonowens, una maestra de los hijos del rey Mongkut de Siam durante la década de 1860.

Esta grabación es otro pequeño tesoro del catálogo del sello Savoy donde, si bien ninguna de las improvisaciones de Harden y Flanagan son muy aventuradas, las melodías fueron traducidas al mejor y más perfecto jazz moderno.

Wilbur Harden  

The King And I

1 - Getting To Know You

2 - My Lord And Master

3 - Shall We Dance?

4 - We Kiss In A Shadow

5 - I Have Dreamed

6 - I Whistle A Happy Tune

7 - Hello Young Lovers

8 - Something Wonderful

Wilbur Harden (trompeta y fliscorno), Tommy Flanagan (piano), George Duvivier (contrabajo), Granville T. Hogan (batería).

Grabado en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 23 y el 30 de setiembre de 1958.

⁂

La guía Music Hound Jazz no solo organiza sus reseñas destacando las principales grabaciones de los artistas, sino que agrega, para cada uno, un apartado titulado "Vale la pena buscar" que, en el caso de Harden, sugiere el trabajo del trompetista como acompañante de John Coltrane en la recopilación del sello Prestige titulada The Stardust Session. Allí se indica que, en su contenido, pueden encontrarse algunos de los mejores solos de Wilbur. En particular, recomienda prestar atención a su económico fraseo de "I'm a Dreamer Aren't We All" y a su brillante upbeat de "Spring Is Here".

John Coltrane

The Stardust Session

1 - Spring Is Here

2 - Invitation

3 - I'm a Dreamer Aren't We All

4 - Love Thy Neighbor

5 - Don't Take Your Love from Me

6 - My Ideal

7 - Stardust

8 - I'll Get By

John Coltrane (saxo tenor), Wilbur Harden (trompeta y fliscorno), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería).

Grabado en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 11 de julio de 1958. 

Murakami y el Jazz #12

Retomando nuestra búsqueda de los discos de jazz cuya música integra Haruki Murakami en su obra literaria, iniciamos la parte final de la serie enfocándonos en sus libros de cuentos que, hasta la fecha son cinco.

El primero de ellos es "El elefante desaparece", un volumen que contiene 17 relatos escritos entre 1980 y 1991. La editorial encargada de su traducción al español lo presenta como "una maravillosa muestra del talento narrativo de Murakami que nos abre las puertas a otras realidades y nos lleva de la mano a mundos fantásticos", y resume su contenido de la siguiente manera: "Un hombre que se obsesiona con la insólita y misteriosa desaparición del elefante de un zoo, un abogado en paro que recibe el encargo de su mujer de encontrar a su gato, una pareja de recién casados que deciden atracar un MacDonald’s en plena noche, una curiosa digresión sobre los canguros, un enano diabólico que baila, un joven empeñado en burlarse de su futuro cuñado, un pirómano confeso... Los protagonistas de todos los relatos que componen este volumen esperan algo. Un accidente, un hecho azaroso. Al contrario que esta obra, donde nada, absolutamente nada, queda al azar. Alternando páginas inquietantes e hilarantes, El elefante desaparece es una prueba más de la capacidad de Murakami para cruzar la frontera entre lo cotidiano más realista y lo fantástico, transformando así la trivialidad de nuestras vidas".

El único cuento que remite a un disco específico es "Quemar graneros", un relato claramente inspirado en el famoso "Incendiar establos" de William Faulkner. En este cuento, un hombre de treinta y un años —quien cuenta la historia— conoce a una sencilla y sensible chica de veinte que trabaja como modelo publicitaria, aunque su vocación es aprender las destrezas de la mímica.  Nos enteramos de que se conocen en la boda de un amigo en común y que se hacen íntimos. Gracias a una herencia recibida tras la muerte de su padre, la chica viaja al norte de África y cuando regresa lo hace acompañada de un novio que tiene una extraña pasión: quemar graneros. Nuestro relator se entera de ello una tarde de domingo, cuando la pareja lo visita en su casa. 

Y allí aparece la escena que revela la música de nuestra búsqueda:

Llegaron pasadas las dos. Oí el ruido de un coche deportivo acercándose a la casa. Salí a la entrada y aquel vehículo plateado que ya conocía se encontraba allí delante. Ella sacó la cabeza por la ventanilla y agitó la mano. Los seguí con la mirada hasta que aparcaron en la parte de atrás del jardín.

—Ya estamos aquí —dijo sonriente.

Llevaba una camisa tan fina que casi se le transparentaban los pezones, y una falda corta de color verde oliva. Él vestía una chaqueta sport azul marino. Daba una impresión muy distinta respecto a la última vez que le había visto debido a una barba descuidada de no menos de dos días. No obstante, su aspecto general era correcto. Tan solo se apreciaba en él una sombra algo más densa de lo normal. Nada más salir del coche se quitó las gafas de sol y se las guardó en el bolsillo.

—Siento aparecer así de improviso en su día de descanso —se excusó.

—No pasa nada. Para mí, casi todos los días son de descanso. Además, me aburría de estar solo.

—Hemos traído algo de comer.

Sacó una bolsa grande de papel blanco del asiento trasero.

—¿Comida?

—Poca cosa —aclaró él—, pero es domingo y me pareció adecuado.

—Se lo agradezco. No he comido más que manzanas en todo el día.

Entramos en casa y dejamos la comida en la mesa. Había un surtido considerable: sándwiches de rosbif, ensalada, salmón ahumado y helado de arándanos. No estaba mal, la verdad. Ella lo sirvió todo en platos y yo saqué una botella de vino blanco de la nevera. Parecía una fiesta.

—Vamos a comer. Me muero de hambre.

Estaba muerta de hambre, como de costumbre.

Comimos los sándwiches, la ensalada y picamos salmón ahumado. Cuando se terminó el vino, saqué unas cervezas. En la nevera siempre había cerveza. Un amigo tiene una empresa pequeña y me proporciona vales de descuento.

Por mucho que bebiera, la expresión de la cara de él no cambiaba. Yo también aguanto bien la cerveza. Ella bebió a su vez y, en menos de una hora, había una considerable cantidad de latas vacías encima de la mesa. Era una visión sorprendente. Se levantó de la mesa, eligió unos cuantos discos de la estantería y puso uno en el reproductor. Airegin, de Miles Davis, fue su primera elección. 

—Un Garrard de cambio automático —dijo él—. Qué cosa tan poco habitual en estos tiempos.

Le expliqué que era un maniático de los reproductores automáticos y que encontrar un Garrard en buen estado había significado todo un triunfo. Escuchaba mis explicaciones sin dejar de asentir con la cabeza.

 Miles Davis

Cookin' With The Miles Davis Quintet

1 - My Funny Valentine

2 - Blues By Five

3 - Airegin

4 - Tune Up / When Lights Are Low

Miles Davis (trompeta), John Coltrane (saxo tenor), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 26 de octubre de 1956.

Retratos en Jazz #53 - Art Pepper

Art Pepper (1925-1982)

Nació en California y es considerado el mejor saxo alto de la escuela West Coast. En 1943 se incorporó a la orquesta de Stan Kenton, de la que se apartó en 1952. Los solos que realizó en el disco Surf Ride, cargados de su energía característica de aquella época, son magníficos. Debido a su adicción a las drogas interrumpió más de una vez su actividad profesional, pasando un largo período en un centro de recuperación especializado. Pero en la década de 1970 renació de sus cenizas. Es interesante comparar la madurez de sus últimas interpretaciones con las grabadas a mediados de la década de 1950, considerada su mejor época. Realizó varias giras por Japón.

Art Pepper Meets the Rhythm Section (Contemporary C-3532)

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Art Pepper

Meets The Rhythm Section

Lado 1

1 - You'd Be So Nice To Come Home To

2 - Red Pepper Blues

3 - Imagination

4 - Waltz Me Blues

5 - Straight Life

Lado 2

6 - Jazz Me Blues

7 - Tin Tin Deo

8 - Star Eyes

9 - Birks' Works

Art Pepper (saxo alto), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Gabado en Contemporary's Studios, Los Angeles, California, el 19 de enero de 1957.

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~ Extras ~

El disco Surf Ride que elogia Murakami reunió una docena de extraordinarias grabaciones de mediados de 1950. Aunque poco importe al oyente, las fechas de grabación que informa el librillo puede que sean incorrectas, si se las contrasta con la información que registra el sitio especializado jazzdisco.com. Lo esencial es la música que creó en formato de cuarteto con los pianistas Russ Freeman y Hampton Hawes, como también los clásicos "duelos" con su colega Jack Montrose en saxo tenor.

Art Pepper

Surf Ride

1 - Tickle Toe

2 - Chili Pepper

3 - Susie The Poodle

4 - Brown Gold

5 - Holiday Flight

6 - Surf Ride

7 - Straight Life

8 - Cinnamon

9 - Thyme Time

10 - The Way You Look Tonight

11 - Nutmeg

12 - Art's Oregano

#1 a #3:

Art Pepper (saxo alto), Russ Freeman (piano), Bob Whitlock (contrabajo), Bobby White (batería).

Grabado en Los Angeles, el 29 de marzo de 1953.

#4 a #6:

Art Pepper (saxo alto), Hampton Hawes (piano), Joe Mondragon (contrabajo), Larry Bunker (batería).

Grabado en Los Angeles, el 7 de febrero de 1952. (jazzdisco.com registra como fecha el 4 de marzo de 1952).

#7 a #12:

Art Pepper (saxo alto), Jack Montrose (saxo tenor), Claude Williamson (piano), Monte Budwig (contrabajo), Larry Bunker (batería). 

Grabado en Los Angeles, el 24 de diciembre de 1953. (jazzdisco.com registra como fecha el 25 de agosto de 1953 y con Paul Bellerina como baterista en #8 y #11)

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Es difícil elegir un disco en particular para seguir el consejo de Murakami: comparar "la madurez de sus últimas interpretaciones con las grabadas a mediados de la década de 1950". Se me ocurre poner a consideración Straight Life. Además de tener un título muy emblemático (lleva el mismo nombre que su célebre autobiografía), es probablemente uno de los mejores que grabó para el sello Galaxy entre 1979 y 1982. En él figuran "Surf Ride" y "Straight Life", dos temas esenciales para "comparar" como los abordó 26 años después de sus versiones originales.

Art Pepper

Straight Life

1 - Surf Ride

2 - Nature Boy

3 - Straight Life

4 - September Song

5 - Make a List (Make a Wish)

6 - Long Ago and Far Away

Art Pepper (saxo alto), Tommy Flanagan (piano), Red Mitchell (contrabajo), Billy Higgins (batería), Kenneth Nash (cencerro y reco-reco en #5).

Grabado en Fantasy Studios, Berkeley, California, el 21 de setiembre de 1979. 

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Pero creo que uno de los mejores "modelos de comparación" de la música de Art Pepper en el correr de toda su carrera la propuso en 2009 su viuda, Laurie Pepper, coautora de su autobiografía y fiel guardiana de su memoria. Laurie sigue publicando con regularidad material inédito de Art desde su sello Widow's Taste y en el cuarto volumen se la serie Unreleased Art que se presenta aquí, se recogen grabaciones que van desde los comienzos de la carrera de Art con la orquesta de Stan Kenton hasta tomas de conciertos realizados días antes de su muerte. Un tercio de la colección contiene registros nunca publicados con anterioridad, como así también grabaciones desconocidas realizadas justo después de la liberación de Pepper de la prisión estatal de San Quintín en 1964.

Art Pepper

The Art History Project

~ Unreleased Art, Vol. IV ~

*CD 1*

Pure Art (1951~1960)

1 - Art Pepper

2 - Fascinatin' Rhythm

3 - Patricia

4 - Tickle Toe

5 - Pepper Returns

6 - Mambo De La Pinta

7 - These Foolish Things

8 - Cool Bunny

9 - Bésame Mucho

10 - Art's Oregano

11 - Diane

12 - I Can't Believe That You're In Love With Me

13 - Straight Life

14 - Everything Happens To Me

15 - Nutmeg

16 - What's New?

17 - Begin The Beguine

*CD 2*

Hard Art (1960~1968)

1 - Rehearsal

2 - Track 2

3 - So In Love

4 - Talk

5 - That Crazy Blues

6 - D Section

7 - Chelsea Bridge

*CD 3*

Consummate Art (1972~1982)

1 - Caravan

2 - Lost Life

3 - Landscape

4 - Angel Wings

5 - Historia De Un Amor

6 - Mambo Koyama

7 - That's Love

Grabaciones realizadas entre 1951 y 1982.

Art Pepper secundado por numerosos artistas [Detalles en el librillo de la colección].

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Y a propósito de las estancias de Art en prisión y su madurez musical: quizá los peores momentos de su vida fueron los tres años que pasó en la penitenciaría de San Quintín. El establecimiento era conocido por ser el lugar donde se realizaban las ejecuciones de todos los presos de California condenados a muerte. Pero en la cárcel conoció el free jazz de la mano de Ornette Coleman y John Coltrane. Cómo ese acercamiento influyó en su música quedó bien reflejado en el programa televisivo Jazz Casual que conducía el crítico musical Ralph Gleason. Sucedió poco después de su liberación de San Quintín. Precisamente, fue el 9 de mayo de 1964, en el que, acompañado por el pianista Frank Strazzeri, el contrabajista Hersh Hamel y Bill Goodwin a la batería, interpretó "The Trip", "D Section" y un tercer tema sin título.

Retratos en Jazz #33 - Wes Montgomery

Wes Montgomery (1923-1968)

Nació en Indianápolis. A los veinticinco años desarrolló la técnica de tocar la misma nota en dos cuerdas diferentes separadas una octava, que se convirtió en su marca registrada. Recomendado por Cannonball Adderley, en 1959 fue contratado por el sello Riverside. En 1960, con The Incredible Jazz Guitar, se convirtió de inmediato en una celebridad. Más tarde grabó Full House y muchos otros álbumes famosos. Murió repentinamente a causa de una insuficiencia cardíaca.

Full House (Riverside RLP12-434)

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Wes Montgomery

Full House

~ Recorded Live at Tsubo in Berkeley, California ~

Lado 1

1 - Full House

2 - I've Grown Accustomed To Her Face

3 - Blue 'n' Boogie

Lado 2

4 - Cariba

5 - Come Rain Or Come Shine

6 - S.O.S.

Wes Montgomery (guitarra), Johnny Griffin (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería).

Grabado en vivo en el club Tsubo, Berkeley, California, el 25 de junio de 1962.

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~ Extras ~

Con esta costumbre de sumar al principal los otros discos mencionados por Murakami, The Incredible Jazz Guitar, es un extra de Wes casi imprescindible, por tratarse quizás (o sin quizás), de su obra maestra. Con sus dos técnicas distintivas —tocar con el pulgar y el uso de octavas—, este disco le valió el premio “New Star” de la revista Down Beat en 1960, fue incluido en el Grammy Hall of Fame en 1999 y en 2017 fue seleccionado para el Registro Nacional de Grabaciones por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos como "cultural, histórica y artísticamente significativo". En sus comentarios para Down Beat, quien mejor lo presentó fue el crítico Ralph J. Gleason: "No se equivoquen, Wes Montgomery es lo mejor que le ha sucedido a la guitarra desde Charlie Christian".

Wes Montgomery

The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery

1 - Airegin

2 - D-Natural Blues

3 - Polka Dots And Moonbeams

4 - Four On Six

5 - West Coast Blues

6 - In Your Own Sweet Way

7 - Mister Walker

8 - Gone With The Wind

Wes Montgomery (guitarra), Tommy Flanagan (piano), Percy Heath (contrabajo), Albert Heath (batería).

Grabado en Nueva York, el 26 y el 28 de enero de 1960.

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En cuanto a Smokin' At The Half Note, esta legendaria actuación de Wes en el club Half Note junto a la sección rítmica de Miles Davis lo muestra en el apogeo de sus capacidades como improvisador. Muchos la consideran la mejor actuación en vivo registrada por uno de los guitarristas más inventivos de la historia del jazz. En su reseña para el Jazz Institute of Chicago, el crítico Stuart Nicolson elogió el álbum destacando: "Su estilo y sonido se convirtieron en el modelo a seguir para las generaciones posteriores de guitarristas y ello se comprueba escuchando, entre otros, a George Benson, Emily Remler, Bruce Forman, Mark Whitfield, Kevin Eubanks y Pat Metheny. Este último declaró abiertamente: "Aprendí a tocar la guitarra escuchando Smokin 'At The Half Note y el solo de Wes en "If You Could See Me Now" es mi favorito de todos los tiempos".

Sin embargo, solo dos temas de los cinco que contiene el LP original son tomas del concierto. Los otros tres fueron regrabados tres meses más tarde en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey. El resto de las tomas en directo aparecen, entre otras, en la edición de Verve en disco compacto de 2005 que aparece aquí.

Wes Montgomery & The Wynton Kelly Trio

Smokin' At The Half Note

1 - No Blues

2 - If You Could See Me Now

3 - Unit 7

4 - Four On Six

5 - What's New?

6 - Willow Weep For Me

7 - Portrait Of Jennie

8 - Surrey With The Fringe On Top

9 - Oh, You Crazy Moon

10 - Misty

11 - Impressions

Wes Montgomery (guitarra), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería).

Grabaciones registradas en vivo en el club Half Note de Nueva York [el 24 de junio (#1 y, #2), el 26 de junio (#6 a #10), entre el 22 y 27 de junio (#11)] y en los estudios Van Gelder, Englewood Cliffs, Nueva Jersey [el 22 de setiembre de 1965 (#3, #4 y #5)].

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En 1965, Wynton Kelly era invitado con asiduidad al club Half Note de la familia Canterino. Unos meses antes del concierto que quedó registrado en el Smokin' At The Half Note, Wes y Wynton protagonizaron otra reunión en el mismo lugar, esta vez secundados por el baterista Jimmy Cobb y los contrabajistas Ron Carter y Larry Ridley. Los conciertos eran transmitidos por radio, y en 2013 fueron incluidos en una edición del sello Jazz on Jazz Records que bien cabe presentar como extra de un extra, tratando de completar las reuniones grabadas de Montgomery y Kelly en el club neoyorkino.

Además de la curiosidad que despierta una grabación que refleja el clima particular de las actuaciones en vivo, se destaca la aparición en ellas de "Mi Cosa", una rara intervención de Wes sin acompañamiento, y de la única versión interpretada por el guitarrista de "Birks' Works", composición de Dizzy Gllespie.

Wes Montgomery & The Wynton Kelly Trio

The Unissued 1965 Half Note Broadcasts

1 - Impressions

2 - Mi Cosa (unaccompanied guitar)

3 - Blues #1

4 - Birks’ Works

5 - Laura

6 - Cariba

7 - Blues #2

8 - Four On Six

9 - Blues #3 ~ Closing announcements

10 - All The Things You Are

11 - I Remember You

Wes Montgomery (guitarra), Wynton Kelly (piano), Ron Carter (contrabajo en #1 a #3), Larry Ridley (contrabajo en #4 a #11), Jimmy Cobb (batería).

Grabado en vivo en el club Half Note de Nueva York, el 12 y el 19 de febrero de 1965, para el programa de radio "Portraits in Jazz", conducido cada viernes por Alan Grant, disc-jockey —nacido como Abraham Grochowsky— fundador de la emisora neoyorkina WABC. 

Sonny Clark - En las alturas del bop

Aunque pequeño en términos de su talla (tan sólo tenía 1,65 metros de altura), Sonny Clark fue sin duda un hombre de gran estatura en el mundo del jazz. Podría haber logrado cosas extraordinarias si hubiera vivido más tiempo. Y precisamente Sonny’s Crib, grabado hace hoy exactamente 63 años, es un álbum clásico en el que puede apreciarse la calidad de su música como compositor y su talento como líder.

Aunque no fue pensada como tal, esta sesión de Clark, la segunda de siete para el sello Blue Note, puede considerarse como un complemento del único disco de John Coltrane para ese sello, Blue Train, grabado 14 días después en la misma mítica sala de estar de la casa de Rudy Van Gelder en Hackensack, con el trombonista Curtis Fuller y el contrabajista Paul Chambers en ambas fechas. En el álbum de Clark, la banda se completa con el trompetista Donald Byrd y el baterista Art Taylor para tres estándares y dos composiciones de Clark.

Además, en cuanto a Coltrane, Sonny's Crib es también una instantánea de un importante período de transición. En abril, lo habían despedido del grupo de Miles Davis, en mayo dejó la heroína para siempre, y a mediados de julio se incorporó al cuarteto de Thelonious Monk, situación que se prolongaría hasta finales del año. Como un discípulo "sanado" del vicio por el Sumo Sacerdote de Bop, fue como Coltrane entró al estudio de Van Gelder en Nueva Jersey aquel 1 de setiembre para tocar con Clark, Byrd, Taylor, Fuller y Chambers. 

En Sonny's Crib, los arreglos parecen decir algo muy específico. Para cada uno de los estándares, Clark decidió que sólo un músico manejara la melodía: el trompetista Donald Byrd aborda "With A Song In My Heart", "Speak Low" es tomado por el saxo tenor de Coltrane, y "Come Rain Or Come Shine" es preparado para el trombonista Curtis Fuller. Pero en los dos originales del álbum, "Sonny's Crib" y "News For Lulu", el guion se invierte: los "vientos" sostienen simple y encantadoramente al piano del líder. Si hay un mensaje aquí, tal vez sea este: los estándares necesitan poco más que un giro individual para ser escuchados, pero se necesita un grupo en comunión para "cantar" correctamente las melodías de Clark. Y es esa yuxtaposición de soledad y unidad lo que está en el centro de Sonny's Crib.
En la reedición en formato CD de 1998, que se escucha aquí, aparecieron tres tomas alternativas de "With A Song In My Heart", "Speak Low" y "Sonny's Crib", rechazadas para el LP original.

Como escribe Leonard Feather en las notas originales de contratapa, "una característica inusual de esta sesión, al menos para las costumbres de esos días en las grabaciones de combos pequeños, es que no hay 'cuatro' en ningún momento".

Se ha considerado que, los solos de Clark en este disco, son en un verdadero “ensayo” de cómo hacer un recorrido del bop hasta el blues y viceversa; de cómo el pianista puso un poco de tierra y grasa donde otros pianistas hubieran encerado y pulido.

Dice Feather: Clark fue un "hombrecillo bajo, pensativo y de ojos tristes que cobra vida cuando se sienta al piano". Quizá estaba pensando en las adicciones de Clark. En Sonny's Crib, es clarísimo cómo cobra vida. Lamentablemente, también fue cierta la batalla perdida de ese “gran hombrecito” con la heroína, que lo llevó a la muerte cinco años después. 

Tenía tan solo 31 años.

Sonny Clark - Sonny's Crib

1 -  With A Song In My Heart

2 - Speak Low

3 - Come Rain Or Come Shine

4 - Sonny's Crib

5 - News For Lulu

6 - With A Song in My Heart (alternate take)

7 - Speak Low (alternate take)

8 - Sonny's Crib (alternate take)

Donald Byrd (trompeta), Curtis Fuller (trombón), John Coltrane (saxo tenor), Sonny Clark (piano), Paul Chambers (contrabajo), Art Taylor (batería)

Grabado en Van Gelder Studio, Hackenshack, New Jersey, el 1 de setiembre de 1957

Teatro, cine y jazz: Una Gran Conexión

Ninguna pieza de teatro ha ofrecido tanto a tantos músicos de jazz como lo hizo The Connection, famosa obra creada por Jack Gelber, un escritor estadounidense cuyo perfil artístico estuvo plenamente alineado con el movimiento de la "Beat Generation".

Estrenada en Nueva York el 15 de Julio de 1959, se convirtió en el primer gran éxito del celebérrimo (y aún existente) Living Theatre, una compañía creada en 1947 (es el grupo de teatro experimental más antiguo que existe en Estados Unidos), la cual concibe al teatro como una forma de vida. Sus integrantes viven en comunidad bajo principios libertarios, dedicados a transformar la organización del poder dentro de una sociedad autoritaria y cuya estructura jerárquica propende a una comunidad cooperativa.

Su objetivo principal consiste en representar obras experimentales -que a menudo abordan temas controversiales-, e intentan contrarrestar la complacencia del público a través de participaciones directas de la audiencia. Sus espectáculos colectivos dejan mucho espacio para la improvisación y, para conseguir una respuesta inmediata del público, muchas veces se representan en lugares tan insólitos como talleres industriales, en la calle o en "happenings". Está básicamente inspirada en el anarquismo y  el "teatro de la crueldad" de Antonín Artaud.

La música original para el estreno de The Connection, estuvo a cargo del pianista Freddie Redd que, junto al grupo integrado por Jackie McLean en saxo alto, Michael Mattos en contrabajo y Larry Ritchie en batería, actuaba en vivo en el mismo escenario, sumándose de manera integral a la obra y, en ocasiones, tomando roles actorales haciéndose cargo de algunas líneas del guion. Dicha banda sonora fue registrada para el sello Blue Note en Febrero de 1960.

Freddie Redd Quartet - Music From The Connection 

Lado A

1 - Who Killed Cock Robin?

2 - Wigglin'

3 - Music Forever

Lado B

1 - Time To Smile

2 - Theme For Sister Salvation

3 - Jim Dunn's Dilemma

4 - O.D.

Si bien la versión del Freddie Redd Quartet fue también la banda sonora del film, hubo una segunda versión registrada el 13 de junio de 1960 para el sello Felsted a cargo del trompetista Howard McGhee liderando un quinteto que completaron Tina Brooks en saxo tenor, Freddie Redd al piano (identificado con I. Ching por razones contractuales), Milt Hinton en contrabajo y Osie Johnson en batería.

Howard McGhee Quintet -  Music From The Connection

Lado A

1 - Who Killed Cock Robin?

2 - Wigglin'

3 - Music Forever

Lado B

1 - Time To Smile

2 - Theme For Sister Salvation

3 - Jim Dunn's Dilemma

4 - O.D. (Overdose)

Cuando la obra salió de gira por Europa en el verano de 1961, hubo una reescritura de su banda sonora, esta vez compuesta por saxo barítono Cecil Payne y el pianista Kenny Drew.

De regreso a Nueva York, estas nuevas partituras fueron llevadas al disco por Payne en formato de quinteto junto a Clark Terry en trompeta, Bennie Green en trombón, Duke Jordan al piano, Ron Carter en contrabajo y Charlie Persip en batería. Las sesiones de grabación se realizaron entre el 14 y el 16 Marzo de 1962 para el sello Charlie Parker Records. 

Cecil Payne - The Connection

Lado A

1 - Stop And Listen

2 - Born Again

3 - Dear People

Lado B

1 - Kenny's One

2 - Sister Carol

3 - Mighty Fine Wine

4 - It's Your Life

Los elogios logrados por la temática de la obra y la incorporación de música en vivo al espectáculo propiciaron una salida de la "gran manzana", lanzándose una producción en la Costa Oeste. Para la versión de Los Angeles, el encargado de la música fue el gran saxo tenor Dexter Gordon.
Dexter no sólo compuso el repertorio sino que también debutó como actor formando parte del elenco caracterizando a Ernie, uno de los personajes cuyo perfil le venía como anillo al dedo ya que se trataba de un talentoso y atractivo músico de jazz, de hablar suave y perdidamente adicto a la heroína.

Si bien esta producción nunca fue grabada integralmente, tres de sus temas ("Soul Sister", "I Want More" y "Ernie's Theme") formaron parte del repertorio registrado para su disco Dexter Calling, realizado para el sello Blue Note y grabado en los estudios de Rudy Van Gelder el 9 de Mayo de 1961. Al tenor lo acompañaron Kenny Drew al piano, Paul Chambers en contrabajo y Philly Joe Jones en la batería.

Dexter Gordon - Dexter Calling

1 -Soul Sister

2 - Modal Mood

3 - I Want More

4 - The End Of A Love Affair

5 - Clear The Dex

6 - Ernie's Tune

7 - Smile

8 - Landslide

A todas las grabaciones referidas a The Connection, se sumó una producción del veterano baterista Aldo Romano (1941, Belluno, Italia), liderando un cuarteto que se completó con dos representantes de la "nueva sangre" europea de entonces, el saxofonista Baptiste Herbin (1985, Chartres, Francia) y  el pianista Alessandro Lanzoni (1992, Florencia, Italia), más la segura solidez de otro veterano, el contrabajista argelino Michel Benita (1954, Argel, Argelia).

La grabación tuvo lugar en París para el sello Dreyfus, el 28 y 29 de Mayo de 2012 retomando así la música de Freddie Redd pretendiendo, según Romano, realizar un respetuoso tributo de los jazzistas de la época, muertos por la droga ante la indiferencia general de una sociedad que no entendió nada sobre su música.

Aldo Romano' New Blood - Plays The Connection

1 - Who Killed Cock Robin

2 - Wigglin’

3 - Music Forever

4 - Time To Smile

5 - Theme For Sister Salvation

6 - Jim Dunn’s Dilemma

7 - O.D. (Overdose)

8 - Murmur

9 - Conception

10 - Ballade For Jackie

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Y entonces, llegamos a la versión cinematográfica.

Con un formato de "cine dentro del cine", The Connection fue la primera película dirigida por la cineasta experimental estadounidense Shirley Clarke tras realizar varios cortometrajes durante la década anterior. La película fue objeto de importantes casos judiciales relacionados con la censura debido a que la palabra "mierda" aparece en varias ocasiones como referencia a las drogas.

El caso llegó hasta la Corte del Estado de Nueva York de Apelaciones (la corte más alta del estado). El Tribunal de Apelaciones confirmó la decisión del nivel intermedio de la División de Apelación, que había sostenido que, aunque se tratase de algo "vulgar", el uso del término podría no ser considerado obsceno. 

En última instancia, la presión ejercida por la Asociación Francesa de Críticos de Cine finalmente pudo más y finalmente se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 1961, aunque la película no tuvo éxito en la taquilla.

Con los textos de Jack Gelber, autor de la obra teatral, la acción sigue a un joven cineasta que intenta filmar a un grupo de adictos a la heroína esperando que llegue su traficante, muchos de ellos músicos de jazz. Está filmada casi sin cortes y haciendo entrar y salir en el plano a los personajes (que según sus propias palabras son “yonkis” adictos a la heroína), en un ambiente típico del Nueva York de comienzos de la década de 1960. 

Sin que preocupasen los problemas derivados del corte, del empalme y de la edición, el espectador se interna en el caos de un loft deprimente, donde no hay ningún tipo de horario ni tampoco hora de ensayo. 

En la película aparecen todos los músicos de la producción teatral original: Freddie Redd (compositor, piano), Jackie McLean (saxo alto), Michael Mattos (contrabajo) y Larry Ritchie (batería). 

Mientras McLean toca su saxo, los demás hablan de sus problemas de adicciones y de sus vidas en general. También están en la ficción el director de "la experiencia" y su camarógrafo quienes compran la voluntad de los participantes del reality a cambio de pagarles la cuota de droga de una semana, queriendo grabar un documental lo más real posible.

Se presenta aquí la versión lanzada por Milestone Films el 4 de mayo de 2012, restaurada por el UCLA Film and Television Archive y con subtítulos en español.

The Connection (Shirley Clarke, 1961)

Personal

Diseño de producción - Richard Sylbert

Director de arte - Albert Brenner

Productor asociado - James Di Gangi

Fotografía - Arthur J. Ornitz

Música - Freddie Redd

Producción - Lewis Allen y Shirley Clarke

Guión -Jack Gelber

Editora asociada y asistente de guión - Patricia Jaffe

Dirección y Edición - Shirley Clarke

Reparto

Warren Finnerty - Leach

Jerome Raphel - Solly

Garry Goodrow - Ernie

James Anderson - Sam

Carl Lee - Cowboy

Barbara Winchester - Hermana Salvación

Henry Proach - Harry

Roscoe Browne - J.J. Burden

William Bedfield - Jim Dunn

Músicos

Freddie Redd - Piano

Jackie McLean - Saxo alto

Larry Ritchie - Batería

Michael Mattos - Contrabajo