Jimmy Cleveland - Tetralogía de una misma vara

Aunque de regreso antes de lo pensado, una grata sorpresa me esperaba en el buzón: "Discografía personal del jazz (1920-2011)", el nuevo libro del periodista, crítico literario, novelista y guionista argentino Carlos Sampayo. Esta nueva obra de Sampayo es una guía "de autor" que, sin pretender convertirse en un canon, constituye un interesante listado ascético y razonado de lo más "importante" de la historia del jazz. 

Con la personal mirada del gran estudioso del jazz que es, Sampayo propone una selección de discos que "no tiene pretensión de esencial sino de digno de una consideración sensible y curiosa", sugiriendo un recorrido para que tanto los conocedores que quieran descubrir nuevos recodos de la discografía, como quienes recién se inician, encuentren una inmejorable excusa para escuchar o redescubrir algunas de las músicas más cautivantes grabadas durante los últimos cien años.

Después de un rápido vistazo, me detuve en sus consideraciones sobre la discografía completa del trombonista Jimmy Cleveland como líder. Comenta Sampayo: 

El rescate de la figura de Jimmy Cleveland, y de su música, no es solo un acto de justicia frente a uno de los tantos relegados del jazz. Cleveland ha sido más que eso: el trombonista más importante del jazz moderno después de J. J. Johnson y también, por qué no decirlo, al margen del maestro. El relativo olvido de Cleveland no se debe, como en el caso de otros jazzmen, a la dificultad de su música (legible en todos los sentidos) sino a la parquedad de sus grabaciones y apariciones públicas como líder. En las notas originales de contracubierta de uno de sus cuatro discos, el gran Dickie Wells afirma que se trata de "uno de los mejores jóvenes que nunca hayan tomado en sus manos un trombón". 

La opinión de Wells era un aval de mucho peso: Jimmy Cleveland comenzó a tocar el trombón a los dieciséis años, una edad relativamente tardía para un músico que llegaría en poco tiempo a lograr las más altas cotas en la expresión artística con su instrumento.

Terminada la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Universidad Estatal de Tennessee, donde integró la banda de alumnos. Esta banda ganó un concurso universitario y pudo exhibirse en el Carnegie Hall de Nueva York. Lionel Hampton, cazador de talentos, presenció ese concierto y le propuso ingresar en su orquesta. La orquesta de Hampton era una de las mayores atracciones del panorama jazzístico y del espectáculo de aquel período. El team estaba compuesto por tantos jóvenes talentos que la experiencia fue enriquecedora para el trombonista. Compartía atriles con jazzmen como Jerome Richardson, Gigi Gryce, sus colegas Al Grey y Benny Powell, Quincy Jones, Art Farmer y nada menos que Clifford Brown. En esos primeros años cincuenta Cleveland estaba aún anclado a los modelos del pasado, como Benny Morton, Trummy Young o Jack Teagarden. Se supone que la escucha de la música de J. J. Johnson lo ayudó a dar el paso hacia la modernidad. No ligado al bebop desde un principio, ingresó en la recapitulación de ese estilo directamente, convirtiéndose en el mejor trombonista de la década de los cincuenta y parte de los sesenta. 

Mientras estaba con Hampton, Cleveland grabó con grupos pequeños emanados de la orquesta, con Clifford Brown, Art Farmer y Gigi Gryce y otros, y también con músicos europeos. En noviembre de 1953 abandonó la big band del vibrafonista. Todavía su nombre era desconocido para la mayoría cuando en 1954 participó en la grabación de un disco de Oscar Pettiford (Basically Duke) y en otro de George Wallington (Showcase, en el que sorprendió con su solo en "Summertime"). En 1955 participó en una sesión de Clark Terry, en sexteto. Entonces se decía que lo que había hecho Cleveland en ese disco era "imposible" para ningún otro trombonista. No se trataba solo de la asombrosa habilidad técnica sino también de la sensibilidad del toque y la ilación de su discurso como solista. Desde ese momento fue requerido permanentemente para colaborar en proyectos a nombre de otros. Tuvo tiempo para grabar sus cuatro únicos discos antes de finalizar la década.

A Jimmy Cleveland lo encontramos y escuchamos en muchos discos como sideman de Benny Golson, Randy Weston Sam Jones, Oliver Nelson, Milt Jackson, Gary McFarland, Antonio Carlos Jobim, Gil Evans (quienes consideraban "imprescindible" su aporte en todo sonido orquestal), Sonny Rollins, Manny Albam, Gerald Wilson, Gerry Mulligan y un largo etcétera. Con Golson y Gil Evans grabó solos impresionantes, recuérdese su intervención en Blues in Orbit, donde aplica una técnica que se acerca a las "capas de sonido" de Coltrane.

Sorprende que un músico de su capacidad y talento haya preferido mantenerse en un segundo plano cuando tenía todas las posibilidades de convertirse no solo en una referencia para los trombonistas sino también en una referencia jazzística absoluta.  Que se tenga noticia, tuvo una última intervención en el terreno del jazz puro en 1991, en un disco del saxofonista Teddy Edwards, Mississippi Lad; después, el silencio.

Introducing Jimmy Cleveland fue, además de la presentación oficial de Cleveland, una revelación. Sobre arreglos para octeto de Quincy Jones, consensuados con el propio trombonista, Cleveland despliega su talento, una suma de innovación donde se funde una particular sonoridad y la capacidad de desarrollar ideas originales. Su presentación impresionó tanto al mundo jazzístico que ese mismo año la revista Down  Beat lo eligió como el mejor nuevo trombonista.

Jimmy Cleveland

Introducing Jimmy Cleveland And His All Stars

Lado 1

1 - Hear Ye! Hear Ye!

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Vixen

4 - My One And Only Love

5 - Little Beaver

Lado 2

6 - Our Love Is Here To Stay

7 - Count' Em

8 - Bone Brother

9 - I Hadn't Anyone 'Til You

10 - See Minor

Jimmy Cleveland (trombón), secundado por:

#1, #2 y #5:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), John Williams (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 de agosto de 1955.

#3, #4, #6, #7 y #8:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Hank Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Oscar Pettiford (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, el 22 de noviembre de 1955. 

#9 y #10:

Ernie Royal (trompeta), Jerome Richardson, (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Wade Legge (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Joe Harris (batería).

Grabados en Nueva York, el 4 de agosto de 1955.

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Cleveland Style, grabado dos años después, con arreglos para septeto de Ernie Wilkins y Benny Golson, confirma la naturalidad y lo incisivo del toque de Cleveland, y la importancia que tenía para él un contexto bien organizado. La crítica afirma que fue su estilo el que dio el primer paso a un nuevo lenguaje de trombón que exaltaba el virtuosismo basado en la expresión. Cada nota de sus frases aparece límpida y la conjunción de notas forma un discurso lógico y emotivo. Sus solos siempre traducen la profundidad emocional en que se basa el jazz. El todo se fundamentaba en la no-estridencia; tal como afirmó Wilkins, poseía "una sonoridad ligera pero frágil. (...) Si sus frases son magistrales, también lo es cada una de sus notas", aludiendo a una concisión que proviene de la convicción. Los dos álbumes siguientes dan pie a una tendencia de Cleveland a sobrepasar los límites del solismo convencional.

Jimmy Cleveland

Cleveland Style

Lado 1

1 - Out Of This World

2 - All This And Heaven Too

3 - Posterity

Lado 2

4 - Long Ago And Far Away

5 - A Jazz Ballad

6 - Jimmie's Tune

7 - Goodbye Ebbets Field

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta); Don Butterfield [#1, #4, #7], Jay McAllister [#2, #3, #5, #6] (tubas), Benny Golson (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Eddie Jones (contrabajo), Charlie Persip (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 y 13 de diciembre de 1957.

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En A Map Of Jimmy Cleveland, con arreglos de Wilkins, aparece el deseo de velar el discurso orquestal y darle una tonalidad de trombón, casi como en la Orquesta Capitol o Tuba Band de Gil Evans/Miles Davis. En los solos de Cleveland ha desaparecido cualquier traza dirty, una tentación común en todos los trombonistas hasta el momento (salvo quizá Carl Fontana) y su estilo se apoya en una limpidez sonora que hace diáfana la complejidad de su sintaxis. La aparición de la tuba en el ensemble, en papel rítmico y melódico, y la fuerte preeminencia de los bronces (dos trompetas, trombón, tuba y un solo saxo), retrotrae a la tradición de Nueva Orleans y anticipa las intenciones de Wynton Marsalis de treinta años más tarde.

Jimmy Cleveland

A Map Of Jimmy Cleveland

Lado 1

1 - Swing Low Sweet Chariot

2 - A Hundred Years From Today

3 - Marie

4 - Jay Bird

Lado 2

5 - The Best Things In Life Are Free

6 - Stardust

7 - Jimmy's Old Funky Blues

Jimmy Cleveland (trombón), Ray Copeland (trompeta), Ernie Royal (fliscorno), Don Butterfield (tuba), Jerome Richardson (saxo tenor y flauta), Junior Mance (piano), Bill Crow (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabados en Nueva York, el 16, 17 y 18 de diciembre de 1958.

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El cuarto y último disco, Rhythm Crazy, fue puesto a la venta cinco años después de A Map Of Jimmy Cleveland, cuando Cleveland ya era el trombonista más solicitado para sesiones de big band; no ha circulado desde hace medio siglo y confirma todas las cualidades ya evidenciadas, pero también muestra, si esto era posible, un salto en la técnica instrumental, con tendencia a la expresión con notas agudas, como si se tratara de un fliscorno. Los arreglos eran de Gryce y Golson, presente este último como saxofonista. Si recapitulamos toda la obra grabada por Cleveland como líder, desde este último disco, entendemos que en su intención estaba la consecución de una arquitectura del solo que fuera formalmente perfecta, pero con espacios abiertos a la más explosiva fantasía; en medio: la sonoridad.

Jimmy Cleveland

Rhythm Crazy

Lado 1

1 - Crazy Rhythm

2 - Old Reliable

3 - We Never Kissed

4 - Tom-Kattin'

Lado 2

5 - Our Delight

6 - Reminiscing

7 - Tricotism

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta), Benny Golson (saxo tenor), Jerome Richardson (saxo tenor, saxo barítono y flauta), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, en febrero de 1959.

Retratos en Jazz #42 - Lee Morgan

Lee Morgan (1938-1972)

Nació en Filadelfia. A los 15 años organizó su propio grupo haciéndose notar como niño prodigio. En 1956 se unió la banda Dizzy Gillespie y, con 18 años, graba por primera vez como líder: Introducing Lee Morgan. En 1958 se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, recibiendo muchos elogios gracias al sonido funky de su trompeta. En 1961 se retiró de los escenarios durante algún tiempo, pero a finales de 1963 reapareció y a partir de 1967 actuó al frente de su propio quinteto.

The Sidewinder (Blue Note BST-84157)

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Lee Morgan

The Sidewinder

Lado1

1 - The Sidewinder

2 - Totem Pole

Lado 2

3 - Gary's Notebook

4 - Boy, What A Night

5 - Hocus-Pocus

Lee Morgan (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Barry Harris (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Billy Higgins (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 21 de diciembre de 1963.

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~ Extras ~

En la minibiografía de Morgan que construye Murakami, indica el primer álbum como líder al disco Intoducing Lee Morgan, para el sello Savoy. Sin embargo, el verdadero opus uno de Lee fue Indeed!, grabado el día anterior para el sello Blue Note, aunque la locación fuera la misma: la sala de estar de la casa paterna de Rudy Van Gelder, en el 25 Prospect Avenue de Hackensack, Nueva Jersey, el primer y célebre Van Gelder Studio. 

Por entonces, la muerte de Clifford Brown había originado una frenética búsqueda del heredero y el precoz Morgan se erigió para muchos en indiscutible candidato. Por ello Lee se encontró ante una gran demanda para sesiones de grabación con destacadas figuras y bajo su propio nombre.

Está bien. Para no entrar en polémicas, son dos primeros álbumes... para distintos sellos discográficos.

Lee Morgan

Indeed!

1 - Roccus

2 - Reggie Of Chester

3 - Lady, The

4 - Little T (aka The New Message)

5 - Gaza Strip

6 - Stand By

7 - Little T  (alternate take)

Lee Morgan (trompeta), Clarence Sharpe (saxo alto), Horace Silver (piano), Wilbur Ware (contrabajo). Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 4 de noviembre de 1956.

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Lee Morgan

Introducing Lee Morgan

1 - Hank's Shout

2 - Nostalgia

3 - Bet

4 - Softly, As in a Morning Sunrise

5 - P.S. I Love You

6 - Easy Living

7 - That's All

Lee Morgan (trompeta), Hank Mobley (saxo tenor), Hank Jones (piano), Doug Watkins (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey,  el 5 y el 7 de noviembre de 1956.

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A principios de la década de 1970, Lee Morgan, indignado por las condiciones de trabajo de los músicos de jazz en Estados Unidos se implicó en actividades políticas colaborando sobre todo con Roland Kirk, como uno de los líderes del movimiento Jazz and People desarrollando diversas actividades a través de programas y entrevistas para protestar por la ausencia de músicos de jazz en muchas programaciones, contribuyendo así a la organización de un festival alternativo al de Newport.

En septiembre de 1971 grabó la que sería su última sesión, recogida en el álbum The Last Session, para el sello Blue Note, con una inusual formación de octeto e incorporando instrumentos eléctricos al igual que hiciera en un anterior álbum. Es al que refiere Murakami como un disco con "perfume innovador y un eclecticismo maravilloso".

Lee Morgan

Lee Morgan (The Last Session)

1 - Capra Black

2 - In What Direction Are You Headed?

3 - Angela

4 - Croquet Ballet

5 - Inner Passion-Out

Lee Morgan (trompeta y fliscorno), Grachan Moncur III (trombón), Bobbi Humphrey (flauta), Billy Harper (saxo tenor y flauta alta), Harold Mabern (piano acústico y eléctrico), Jymie Merritt (bajo eléctrico), Reggie Workman (contrabajo y percusión), Freddie Waits (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 17 y el 18 de setiembre de 1971.

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Queda, por último, una recomendación de mi parte, referida a la vida y muerte de Lee Morgan: el excelente documental I Called Him Morgan del director Kasper Collin en la que se recupera la historia de Lee, haciendo foco tanto en su carrera profesional como en la relación con su esposa Helen, quien luego de una discusión amorosa acabaría con la vida del músico en la fría madrugada del 19 febrero de 1972, mientras trabajaba en el club Slug’s de Nueva York. Además de repasar la corta carrera de Morgan, arroja luz sobre la intimidad de una dramática historia amorosa que terminó en tragedia.

La plataforma Netflix la tiene disponible, pero, por si acaso... una copia también queda aquí:

I Called Him Morgan

Kasper Collins, 2016

Retratos en Jazz #25 - Thelonious Monk

Thelonious Monk (1920-1982)

Nació en Carolina del Norte. En 1940 tocó en el club Milton's Playhouse, en Harlem, consolidándose como un pianista de primera. En 1947 realizó su primera grabación como líder. Compuso bellísimas canciones como 'Round About Midnight, Blue Monk, Epistrophy y muchas otras que, con una armonía disonante y un sentido del ritmo disontinuo e imperfecto, crearon un mundo musical de gran originalidad y espléndido aislamiento.

5 By Monk By 5 (Riverside RLP-1150)

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Thelonious Monk

5 By Monk By 5

1 - Jackie-Ing

2 - Straight, No Chaser

3 - I Mean You

4 - Ask Me Now

5 - Played Twice (take 2)

6 - Played Twice (take 3)

7 - Played Twice (take 1)

Thelonious Monk (piano), Thad Jones (corneta), Charlie Rouse (saxo tenor), Sam Jones (contrabajo), Art Taylor (batería)

Grabado en Nueva York, el 1 y el 2 de junio de 1959 

Thelonious Monk, Nellie, Nica y Marcel Romano - Relaciones Peligrosas (II)

~ Les Liaisons Dangereuses ~

La otra música: el "santo grial" de Thelonious Monk 

La fascinación de los cineastas franceses por incluir música de jazz en sus producciones era indiscutible en las décadas de 1950 y 1960. 

En julio de 1959, uno de ellos, Roger Vadim, junto al reconocido productor parisino Marcel Romano, pensaron que sería un boom contar con las angulosas y personalísimas composiciones de Thelonious Monk para su siguiente película, que imaginaban precedida por un documental que pretendían filmar mostrando a Monk actuando en París. Pero la gira por Europa fue cancelada y cambiaron el plan: si la montaña no viene, iremos a la montaña. 

Marcel Romano viajó entonces a Nueva York y visitó a Monk llevando consigo dos elementos esenciales, un guion detallado que contenía tiempos precisos para cada escena que requería música, y una copia de la película con algunas grabaciones de estudio de Monk insertadas sólo como sugerencias. 

Simultáneamente, aplicó presión al entorno de Monk —su mujer Nellie, su mecenas la baronesa Nica de Koenigswarter, el agente Harry Colomby— para que convencieran al pianista. No era fácil lograrlo con un Thelonious siempre alerta ante posibles explotaciones abusivas de su trabajo y algo debilitado ante una serie de incidentes recientes: una golpiza policial racista en Delaware, la pérdida de su "licencia de cabaret" que le impedía trabajar en Nueva York, la cancelación de su gira europea, una internación por depresión en un hospital psiquiátrico de Massachusetts, la muerte de queridos colegas como Shadow Wilson y su admirada Billie Holiday, una muy mala respuesta de la prensa después del célebre Concierto en el Town Hall de Nueva York, grabado cinco meses antes. Además, y eso no era poco, sabía de antemano que la película estaba al borde de la censura en Francia, sabía que también Art Blakey había sido convocado para introducir música de su grupo a partir de composiciones de su colega Duke Jordan y que el propio Duke Jordan intentaba detener la película debido a que su música no estaba debidamente acreditada.

Además, dijo Monk, no tenía tiempo para componer música nueva. Aceptaba si le permitían utilizar composiciones ya conocidas de su repertorio. Acordaron, pero le solicitaron que "respetara" los tiempos precisos del guion... algo que, por supuesto, no fue tenido en cuenta. Para el pianista era más importante la trama y su atmósfera emocional que el guion de la película que le habían mostrado.

Como cuenta en las liner notes Robin D. G. Kelley, autor de Thelonious Monk, Life and Times of an American Original, Thelonious "eligió el repertorio basándose en su comprensión de la historia y jugó con los tempos para capturar el estado emocional o las circunstancias del personaje. Junto a su grupo, entregó una música extraordinaria que desafió la concepción de Vadim y Romano sobre cómo funciona una banda sonora en una película. No es exagerado sostener que Monk transformó lo que habría sido una película narrativa atrevida pero relativamente estándar en un cine de vanguardia".

Como buena negociadora y mecenas, Nica de Koenigswarter invitó a la familia Monk y a Romano a su casa en Nueva Jersey. No sólo una vez. Hicieron falta dos largas noches de socialización y ambiente familiar antes de que Monk firmara.

Al fin, en la tarde del lunes 27 de julio de 1959, Thelonious Sphere Monk llevó su cuarteto (Charlie Rouse, Sam Jones, Art Taylor) y al saxofonista francés Barney Wilen como invitado a los Nola Penthouse Sound Studios en la 111 W.57th St. de Nueva York para hacer su magia y grabó ocho composiciones.

Marcel Romano preparó el botín monkeano, pero también se llevó un segundo conjunto de cintas grabadas por Art Blakey & The Jazz Messengers con música compuesta por Duke Jordan (que ya conocemos) y regresó urgente a París, justo a tiempo para la fecha límite de edición del 31 de julio. 

Sin embargo, a pesar de la jazzmanía imperante en Francia, la música de Monk no se editó como disco y sí la de Art Blakey (que ya conocemos), mucho menos presente en la pantalla. Un misterio quizás atribuible a las delicadas relaciones de Monk con las discográficas. Frustrado, Romano se queda con los siete rollos y un esquema de lo que pudo haber sido el LP con 44 minutos de música. Duermen en su archivo personal hasta que, en 2014, su albacea permite que unos amantes del jazz indaguen allí. Maravillados, hallan las cintas, respaldadas por un reportaje fotográfico que, aparte del sombrero fulani de Monk, muestra la tranquila convivencia entre su esposa y la baronesa Nica.

Afortunadamente, en 2017, 57 años después de su creación, el sello Sam Records /Saga, lanzó al mundo estos registros considerados como una de las grabaciones más importantes de Monk, preparado en forma de doble álbum.

El primer disco es el LP que concibió Romano: miniaturas de piano solo y "Rhythm-A-Ning" o "Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are" vigorizados por las aportaciones de los saxofonistas Barney Wilen y Charlie Rouse. Como novedad, un tema góspel y el novísimo "Light Blue".

En el segundo disco, entre tomas alternativas, aparecen intimidades de estudio como los 15 minutos donde Monk intenta explicar a Taylor el ritmo que necesita. Se palpa la frustración, pero también deslumbra una confirmación: "Melodious Thunk" tenía una visión nítida de una música que algunos creían pura torpeza o extravagancia.

Thelonious Monk

Les Liaisons Dangereuses ~ 1960

CD 1

1 - Rhythm-A-Ning

2 - Crepuscule With Nellie

3 - Six In One

4 - Well, You Needn't

5 - Pannonica (solo)

6 - Pannonica (solo)

7 - Pannonica (quartet)

8 - Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are

9 - Light Blue

10 - By And By (We'll Understand It Better By And By)

CD 2

1 - Rhythm-A-Ning (alternate)

2 - Crepuscule With Nellie (take 1)

3 - Pannonica (45 master)

4 - Light Blue (45 master)

5 - Well, You Needn't (unedited)

6 - Light Blue (making of)

Thelonious Monk (piano), Charlie Rouse (saxo tenor), Barney Wilen (saxo tenor :CD1 #1, #2, #8; CD2 #1), Sam Jones (contrabajo), Art Taylor (batería) 

Grabado en Nola Penthouse Sound Studios, Nueva York, el 27 de julio de 1959 

Art Blakey, Duke Jordan y la viuda de Charlie Parker - Relaciones Peligrosas (I)

Otra vez, la sugerencia de Murakami en la entrada anterior hace que me desvíe un poco del plan sobre sus Retratos en Jazz.

Me intrigó una cosa.

 ¿Por qué, si Haruki cuenta que el primer disco de Art Blakey que compró fue "la música original de la banda sonora" de Les Liaisons Dangeureses del sello Fontana, en el libro elige para mostrar la versión del sello Epic?

Alguien puede contestarme: ¿qué importa si el contenido es el mismo? Pues no… hay una "pequeña gran" diferencia en una de las pistas. Precisamente, en la única que interviene el verdadero autor de todas las composiciones, el pianista Duke Jordan que, quien sabe por qué razones, su nombre fue ocultado y mencionado como un tal "J.Marray".

En dicha pista, o track, o surco, la tercera ("Prelude In Blue", primera versión), el sello Fontana fue mucho más generoso pues incluyó la introducción del piano (que no aparece en el registro del sello Epic) como así también una sorprendente continuación… una variación "fantasma" del tema luego de un pequeño "silencio" pero sin cambiar de pista, o track, o surco…

En dicho tema, Bobby Timmons cede su lugar a Duke Jordan y pueden comprobar la diferencia, si gustan.

Art Blakey's Jazz Messengers

Les Liaisons Dangereuses

Lado 1

1 - No Problem (1er. version)

2 - No Hay Problema

3 - Prelude In Blue (à "L'Esquinade")

4 - Valmontana (1er. version)

Lado 2

5 - Miguel's Party

6 - Prelude In Blue (Chez Miguel)

7 - No Problem (2e. version)

8 - Weehawken Mad Pad

9 - Valmontana (2e. version)

Art Blakey (batería), Barney Wilen (saxos tenor y soprano), Lee Morgan (trompeta), Bobby Timmons (piano), Duke Jordan (piano en #3); Jimmy Merritt (contrabajo); John Rodriguez, Tommy Lopez, William Rodriguez (percusiones)

Grabado en Nola Penthouse Sound Studios, Nueva York, el 28 y 29 de julio de 1959

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Pero la verdad siempre triunfa. Poco después de dos años de aquella grabación, Duke Jordan y Doris Parker, viuda de Charlie Parker y fundadora del sello Charlie Parker Records, decidieron poner las cosas en claro y produjeron uno de los títulos más desconocidos del pianista para "salvar honores".

La propia Doris, en las notas de contratapa, se encargó de la defensa expresando:

Fue a las 10 y media de la mañana del 12 de enero de 1962 cuando vi a Duke Jordan revivir algo que ocurrió casi tres años antes, cuando Duke tocó por primera vez esta música. Esa mañana la repitió con la esperanza de que esta vez se lo reconozca debidamente como compositor y artista. Un hombre con el talento y la distinción de Duke Jordan, es un artista que no se paraliza ni desilusiona fácilmente por actos de otros que, hace tres años, utilizaron mal su música y le negaron el crédito de autoría. Esperamos que este disco con la música de Duke Jordan represente, para aquellos que les ha ocurrido lo mismo y para los que en el futuro aspiren abordar la música como profesión artística, un símbolo de paciencia, fe y resistencia.

El sentimiento de estas interpretaciones son de una verdadera maestría musical. Aquí se escuchan a Art Taylor y Charlie Rouse, dos de los miembros originales del grupo de Duke cuando grabó por primera vez esta música. También estuvo presente Ray Abrams, quien trabajó en la música original. En esta grabación se presenta a Eddie Kahn en el contrabajo y a Sonny Cohn en trompeta.

Las composiciones originales que se registraron en 1959 fueron cuatro, pero debido al mal uso por parte de otras personas, las melodías fueron cambiadas y nombradas con títulos diferentes.

Aquí se utilizan los títulos correctos y, con fines informativos, los títulos erróneos son los siguientes: NO PROBLEM (No Hay Problema), JAZZ VENDOR (Valmontana), SUBWAY INN (Fiesta de Miguel), THE FEELING OF LOVE (Prelude In Blue y Weehawken Mas Pad).

Este álbum presenta las composiciones originales y el tema principal de Les Liaisons Dangereuses por su verdadero compositor, Duke Jordan.

Duke Jordan

Les Liaisons Dangereuses

Lado 1

1 - No Problem (#1)

2 - No Problem (#2)

3 - No Problem (#3)

Lado 2

4 - Jazz Vendor

5 - Subway Inn

6 - The Feeling Of Love (#1)

7 - The Feeling Of Love (#2)

Duke Jordan (piano), Charlie Rouse (saxo tenor), Sonny Cohn (trompeta), Eddie Kahn (contrabajo), Art Taylor (batería)

Grabado en RCA Studios, Nueva York, el 12 de enero de 1962

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Bueno... había una gran historia detrás de la sugerencia de Murakami. 

Pero no es todo... esto no quedará aquí. No olvidemos la mentada "banda de sonido original" de la película. La de Art Blakey es sólo parte de esta. Los productores de dicho film habían elegido a Thelonious Monk para que se encargara del trabajo musical. 

Pero eso es otro tema, un capítulo que merecerá un nuevo "desvío".

Mañana... O pasado mañana.

Mientras tanto, disfruten con las diferencias... 

Sonny Clark - En las alturas del bop

Aunque pequeño en términos de su talla (tan sólo tenía 1,65 metros de altura), Sonny Clark fue sin duda un hombre de gran estatura en el mundo del jazz. Podría haber logrado cosas extraordinarias si hubiera vivido más tiempo. Y precisamente Sonny’s Crib, grabado hace hoy exactamente 63 años, es un álbum clásico en el que puede apreciarse la calidad de su música como compositor y su talento como líder.

Aunque no fue pensada como tal, esta sesión de Clark, la segunda de siete para el sello Blue Note, puede considerarse como un complemento del único disco de John Coltrane para ese sello, Blue Train, grabado 14 días después en la misma mítica sala de estar de la casa de Rudy Van Gelder en Hackensack, con el trombonista Curtis Fuller y el contrabajista Paul Chambers en ambas fechas. En el álbum de Clark, la banda se completa con el trompetista Donald Byrd y el baterista Art Taylor para tres estándares y dos composiciones de Clark.

Además, en cuanto a Coltrane, Sonny's Crib es también una instantánea de un importante período de transición. En abril, lo habían despedido del grupo de Miles Davis, en mayo dejó la heroína para siempre, y a mediados de julio se incorporó al cuarteto de Thelonious Monk, situación que se prolongaría hasta finales del año. Como un discípulo "sanado" del vicio por el Sumo Sacerdote de Bop, fue como Coltrane entró al estudio de Van Gelder en Nueva Jersey aquel 1 de setiembre para tocar con Clark, Byrd, Taylor, Fuller y Chambers. 

En Sonny's Crib, los arreglos parecen decir algo muy específico. Para cada uno de los estándares, Clark decidió que sólo un músico manejara la melodía: el trompetista Donald Byrd aborda "With A Song In My Heart", "Speak Low" es tomado por el saxo tenor de Coltrane, y "Come Rain Or Come Shine" es preparado para el trombonista Curtis Fuller. Pero en los dos originales del álbum, "Sonny's Crib" y "News For Lulu", el guion se invierte: los "vientos" sostienen simple y encantadoramente al piano del líder. Si hay un mensaje aquí, tal vez sea este: los estándares necesitan poco más que un giro individual para ser escuchados, pero se necesita un grupo en comunión para "cantar" correctamente las melodías de Clark. Y es esa yuxtaposición de soledad y unidad lo que está en el centro de Sonny's Crib.
En la reedición en formato CD de 1998, que se escucha aquí, aparecieron tres tomas alternativas de "With A Song In My Heart", "Speak Low" y "Sonny's Crib", rechazadas para el LP original.

Como escribe Leonard Feather en las notas originales de contratapa, "una característica inusual de esta sesión, al menos para las costumbres de esos días en las grabaciones de combos pequeños, es que no hay 'cuatro' en ningún momento".

Se ha considerado que, los solos de Clark en este disco, son en un verdadero “ensayo” de cómo hacer un recorrido del bop hasta el blues y viceversa; de cómo el pianista puso un poco de tierra y grasa donde otros pianistas hubieran encerado y pulido.

Dice Feather: Clark fue un "hombrecillo bajo, pensativo y de ojos tristes que cobra vida cuando se sienta al piano". Quizá estaba pensando en las adicciones de Clark. En Sonny's Crib, es clarísimo cómo cobra vida. Lamentablemente, también fue cierta la batalla perdida de ese “gran hombrecito” con la heroína, que lo llevó a la muerte cinco años después. 

Tenía tan solo 31 años.

Sonny Clark - Sonny's Crib

1 -  With A Song In My Heart

2 - Speak Low

3 - Come Rain Or Come Shine

4 - Sonny's Crib

5 - News For Lulu

6 - With A Song in My Heart (alternate take)

7 - Speak Low (alternate take)

8 - Sonny's Crib (alternate take)

Donald Byrd (trompeta), Curtis Fuller (trombón), John Coltrane (saxo tenor), Sonny Clark (piano), Paul Chambers (contrabajo), Art Taylor (batería)

Grabado en Van Gelder Studio, Hackenshack, New Jersey, el 1 de setiembre de 1957

Blue Note #21 - Tina Brooks

Tina Brooks

True Blue

Era un sensible y excepcional improvisador que podía tejer hermosos y complejos tapices con la corneta. Su lirismo, unidad de ideas y lógica interna eran asombrosos.

**Michael Cuscuna, notas originales de “Back To The Tracks”**

Este álbum tomó forma en medio de un par de agitadas semanas de grabación con Rudy Van Gelder, un período en el que vieron la luz algunos discos estelares, entre ellos Open Sesame de Freddie Hubbard y Blue Hour de Stanley Turrentine con The Three Sounds. El segundo disco de Brooks como líder se grabó poco después del vigesimoctavo cumpleaños del saxofonista, y cuenta con unos excelentes vientos por parte de este y de Hubbard. Además, fue el único disco de Brooks que vio publicado en vida; el segundo, Minor Move, salió bastante después de la temprana muerte del saxofonista, acaecida en 1974. Puede que su grave adicción a la heroína fuera también responsable de que Blue Note postergase tanto el lanzamiento de sus otros dos álbumes: el primero y el otro, publicado más adelante con el título Back To The Tracks, que se grabó en octubre de 1960.

Con excepción de la última canción de la cara 2, todas las demás están compuestas por Brooks. El poderío y la suavidad de su saxofón tenor demuestran que es un intérprete y compositor de considerable mérito, que es mayor del que puede inferirse de su escasa fama (al margen de aquellos que conocen su obra). Se trata de un magnífico grupo cuya interpretación de “Up Tight’s Creek”, firmada por Duke Jordan e inspirada en Horace Silver, destaca en todos los sentidos.

Veterano de varios grupos de rhythm and blues, Brooks aprendió el oficio se saxofonista en una escuela latina de Nueva York y perfeccionó sus habilidades como compositor con Herbert Bourne, violinista y músico clásico. Tras una temporada con la big band de Lionel Hampton, Lion le ofreció a Brooks su gran oportunidad en 1958 al invitarlo a tocar en The Sermon, el álbum de Jimmy Smith.

Brooks no volvió a grabar más hasta su último álbum, The Waiting Game, en Marzo de 1961; las drogas, inevitablemente, le llevaron a prisión y, después, a recibir tratamiento hospitalario. Al final, sólo podía dar conciertos de forma esporádica. Con todo, este álbum destaca de forma ejemplar y proporciona pistas de lo que podría haber sido. Lo más irónico es que Brooks era el suplente de Jackie McLean en la obra de teatro The Connection, que trata de los peligros de la adicción. Brooks tenía sólo cuarenta y dos años cuando murió por una insuficiencia hepática.

1 - Good Old Soul

2 - Up Tight's Creek

3 - Theme For Doris

4 - True Blue

5 - Miss Hazel

6 - Nothing Ever Changes My Love

7 - True Blue (alternate take)

8 - Good Old Soul (alternate take)

Tina Brooks (saxo tenor), Freddie Hubbard (trompeta), Duke Jordan (piano), Sam Jones (contrabajo), Art Taylor (batería)

 Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 25 de Junio de 1960