El Canon del Jazz #13 - Autumn Leaves

Autumn Leaves

Compuesta por Joseph Kosma, con letra de Jacques Prévert 

(letra en inglés de Johnny Mercer) 

Pocas cosas hay en el panteón del jazz menos habituales que un estándar compuesto por un francés. Es cierto que los franceses inventaron la discografía jazzística (cortesía de Charles Delaunay), publicaron revistas de jazz antes que los estadounidenses (Le Jazz Hot, fundada en 1935) y, en general, reconocieron la importancia del jazz como forma artística cuando en Estados Unidos muy pocos creían en el concepto; pero rara vez consiguen que los grupos punteros interpreten sus composiciones. Sin embargo, los músicos de jazz y cantantes pop estadounidenses terminaron adoptando "Autumn Leaves" como si fuese propia. Por cierto que la canción, en parte, también es de propiedad británica, o cuando menos propiedad de sir Paul McCartney, pues los derechos de publicación pertenecen a MPL Communications, la empresa del exbeatle.

No termina ahí la complejidad geográfica del linaje. El compositor Joseph Kosma nació en Budapest y se mudó a París en 1933, donde conoció al poeta Jacques Prévert, el autor de la letra de la canción. Esta se compuso para la película Les portes de la nuit, de 1946, y su título original era "Les feuilles mortes" ("Las hojas muertas"), que me parece más apropiado para un grupo de punk que para una balada de jazz. El letrista Johnny Mercer, natural de Savannah (Georgia), solucionó el problema añadiendo el condimento definitivo. En 1951, después de varios meses dándole vueltas a la partitura y a la letra original, Mercer dio a luz "Autumn Leaves", canción que, según reconocería años después, le reportó más dividendos que cualquiera de sus demás obras.

Los músicos de jazz probablemente asocien esta canción a Cannonball Adderley, Bill Evans y Miles Davis, pero el primero en popularizarla fue Roger Williams, un pianista de música ligera cuya versión de 1955 alcanzó el número uno de la lista de Billboard, un éxito insólito para tratarse de un instrumental de piano en los primeros días del rock and roll. Ese mismo año, Mitch Miller, Jackie Gleason y Steve Allen publicaron sendas versiones de "Autumn Leaves" que también fueron bien recibidas. Me gustaría creer que los músicos de jazz no prestaron mucha atención a estos antecedentes horteras, pero lo cierto es que la fama de la pieza en el mundillo del jazz aumentó a raíz de esos éxitos. Y cuando uno escucha la florida introducción de Erroll Garner en la versión incluida en Concert by the Sea, su famoso disco de finales de 1955, es difícil que no le venga a la mente la grabación de Roger Williams, publicada por la misma época, por mucho que la de Garner hoy se considere una pieza fundamental en la historia del jazz.

La interpretación de Ahmad Jamal, grabada unas pocas semanas después de la de Garner, muestra un enfoque más moderno y estilizado. Cannonball Adderley contribuyó aún más que Jamal a consolidar la posición de "Autumn Leaves" en el repertorio canónico del jazz, mediante la versión incluida en su álbum Somethin’ Else, de 1958 (para la que contó con la asistencia de Miles Davis en calidad de músico de sesión, hecho insólito tratándose de un disco del sello Blue Note). Miles, por su parte, adoptó la balada y la tocó en repetidas ocasiones con sus diversos grupos, legando a la posteridad un puñado de grabaciones de gran nivel. Si se me permite el comentario personal, aún recuerdo con cariño el día en que pude permitirme entrar en una tienda de segunda mano y comprar por tan sólo veinticinco centavos un elepé que incluía una versión con mucho swing de "Autumn Leaves" (cuya

introducción plagié para mis actuaciones) a cargo de Wynton Kelly, un músico de acompañamiento de Miles.

La canción aparece en los lugares más insospechados. En su día inspiró una película (donde suena de fondo a los títulos de crédito en la voz de Nat King Cole), y hoy es la canción emblemática de los Bluecoats Drum and Bugle Corps, una especie de banda militar de Ohio. Todo lo cual, recordemos, contribuye a sufragar el otoño vital de sir Paul.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Erroll Garner, extraída de Concert by the Sea, grabado en directo en 

el Sunset Auditorium de Carmel (California), 19 de septiembre de 1955 

2 - Ahmad Jamal, extraída de The Ahmad Jamal Trio, Nueva York, 25 de octubre de 1955 

3 - Cannonball Adderley (con Miles Davis), extraída de Somethin’ Else, 

Hackensack (New Jersey) 9 de marzo de 1958  

4 - Bill Evans, extraída de Portrait in Jazz, Nueva York, 28 de diciembre de 1959 

5 - Wynton Kelly, extraída de Wynton Kelly!, Nueva York, 20 de julio de 1961 

6 - McCoy Tyner, extraída de Today and Tomorrow, Englewood Cliffs (New Jersey), 4 de junio de 1963 

7 - Miles Davis, extraída de Miles Davis in Europe, grabado en directo en 

el festival de jazz de Antibes, Francia, 27 de julio de 1963 

8 - Jim Hall y Ron Carter, extraída de Alone Together, grabado en directo en 

el Playboy Club de Nueva York, 4 de agosto de 1972 

9 - Chet Baker (con Paul Desmond), extraída de She Was Too Good to Me, Englewood Cliffs (New Jersey), 1974 

10 - Keith Jarrett (con Gary Peacok y Jack DeJohnette), extraída de Still Live, 

grabado en directo en la sede de la filarmónica de Múnich, 13 de julio de 1986 

11  - Eva Cassidy, extraída de Live at the Blues Alley, grabado en directo en 

el Blues Alley de Washington, (D. C.), 2 de enero de 1996 

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-- Diso Elegido --

McCoy Tyner - Today And Tomorrow

Today And Tomorrow es posiblemente el mejor álbum de McCoy para el sello Impulse, el cuarto de estudio como líder y sólo rivaliza con The Real McCoy, su primer título para el sello Blue Note. Además, según los entendidos, es una de las mejores sesiones de ingeniería de Rudy Van Gelder.
En realidad, el disco es una colección de registros en formato de trío y de sexteto, realizados con ocho meses de diferencia entre sí. Sin embargo, no todo lo grabado fue reflejado en el disco.
Según los registros de la casa grabadora, una pista del sexteto nunca fue editada ("It Could Happen To You") y, en cuanto a las correspondientes del formato trío, además de las impresas en el disco original ("A Night in Tunisia", "Autumn Leaves" y "When Sunny Gets Blue"), dos nunca fueron editadas ("The Stolen Hours" y una versión alternativa de "Autumn Leaves") y tres fueron separadas para luego incluirlas en tres LP´s titulados The Definitive Jazz Scene, en los cuales se compilaba música de varios artistas de la casa Impulse que no había aparecido en sus álbumes originales.
Afortunadamente, la edición remasterizada de 1991 que se presenta aquí recoge todo lo posible de ambas fechas y, como dice un amigo, la mitad de un pastel es mejor que nada. Today And Tomorrow es un conjunto de material de alta calidad y una clase magistral del pianista como intérprete y líder.

1 - Contemporary Focus

2 - T 'N A Blues

3 - Three Flowers

4 - A Night in Tunisia

5 - Autumn Leaves

6 - When Sunny Gets Blue

7 - You'd Be So Nice to Come Home To

8 - Five Spot After Dark

9 - Flapstick Blues

#1-3:

Thad Jones (trompeta), Frank Strozier (saxo alto), John Gilmore (saxo tenor), McCoy Tyner (piano), Butch Warren (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey, el 4 de febrero de 1964 

#4-9:

McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (contrabajo), Albert "Tootie" Heath (batería)

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey, el 4 de junio de 4, 1963

Blue Note #29 - Joe Henderson

Joe Henderson

Page One

Un muy impresionante primer LP de este joven saxofonista tenor de Lima, Ohio. Aunque es evidente que este músico ha escuchado a John Coltrane, sus concepciones son más resueltas y tiene un sentido estructural y compositivo más cohesionado. Algunas de las mejores piezas son “Blue Bossa”, “Homestretch” y “Recorda-Me”

**Billboard, 26 de Octubre de 1963**

El debut de Joe Henderson como líder de grupo se grabó dos meses después de su primera sesión con Blue Note, que se celebró en Abril de 1963 para el disco Una Mas, de Kenny Dorham, y no mucho después el saxofonista tenor tuvo que abandonar la música para servir al ejército estadounidense. El trompetista, que por aquel entonces se movía en el centro de la escena del jazz neoyorquino, le devolvió el favor al tocar en el espectacular disco de Henderson, uno de los mejores que lanzó Blue Note a comienzos de la década de 1960 y, para muchos, un clásico del hard bop.

Desde los primeros compases de “Blue Bossa”, de Dorham, se pone de manifiesto que nos encontramos ante un disco especial, y la seguridad con la que Tyner lleva el piano tiene la fuerza de arrastrar. Sin embargo, son los solos de Henderson lo que más destaca: resulta difícil creer que este sea su debut, ya que toca con gran fluidez y confianza. Antes de esta fecha, Tyner había tocado en tres de los discos de Freddie Hubbard para Blue Records y, como lo señala Dorham en las notas del disco original, era “probablemente uno de los mejores jóvenes pianistas del jazz”. Aunque Tyner tenía veintitrés años cuando tocó en este disco, ya había realizado dos sesiones para Impulse!, y un día después de grabar Page One ya estaba de vuelta en el estudio de Van Gelder para comenzar a trabajar en el que sería su tercer álbum. Toda esta actividad discográfica repercutió en la omisión del nombre de McCoy Tyner en la portada, ya que al saxofonista le preocupaba que se incumpliera su contrato con una discográfica rival.

Además del tema de apertura, Dorham también compuso “La Mesha”, mientras que Henderson firmó las otras cuatro piezas, que son excelentes, aunque en especial “Recorda-Me”, la cual se ha convertido en una especie de estándar con el paso de los años. El último tema del disco, “Out Of The Night”, que también es sublime, sirve para coronar un convincente debut que legitima la pregunta acerca de si es el mejor disco que grabó Henderson para Blue Note.

1 - Blue Bossa

2 - Le Mesha

3 - Homestretch

4 - Recorda Me

5 - Jinrikisha

6 - Out Of The Night

Joe Henderson (saxo tenor), Kenny Dorham (trompeta), McCoy Tyner (piano), Butch Warren (contrabajo), Pete La Roca (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 3 de Junio de 1963

Blue Note #28 - Donald Byrd

Donald Byrd

A New Perspective

Debido a mis propias experiencias, siempre he querido componer un álbum entero de piezas de tipo espiritual. Lo más acertado que se puede decir respecto a lo que intentamos hacer es que es un himnario moderno

**Donald Byrd, 1963**

Este disco parte de la nada y, a decir verdad, el coro de góspel da pocas indicaciones de hacia dónde nos conduce la música. No obstante, en cuanto entra la banda, uno desea ir allí donde lo lleve.

Como elegía a los padres de Byrd, se trata de un álbum espiritual. Cuando el trompetista Clifford Brown murió en Junio de 1956, con sólo veinticinco años de edad, Byrd asistió a su funeral, tras lo cual escribió lo siguiente: “El respeto, el honor y la admiración no se reducen ni mueren con el funeral. En todo caso, aumentan. Nada se pierde en cuanto al amor y la devoción; de hecho, se intensifica, ya que apenas logra verse la totalidad”. Byrd no pudo asistir a los funerales de sus padres, y en este disco, a pesar de sus palabras, existe una fuerte sensación de pérdida y lamento en la música, hecho que funciona a todos los niveles.

El disco comienza con la pieza que abre el álbum, “Elijah”, que cuenta con unas maravillosas guitarras swing de Kenny Burrell; además, el himno que supone “The Black Disciple” –compuesta, al igual que la anterior, por Byrd- ayuda a dar forma a esa “totalidad” de la que hablaba. La otra pieza acreditada de Byrd es “Beast Of Burden”, un conmovedor tema de diez minutos en el que todos los músicos tienen su espacio para lucirse con un solo, sobre todo un Herbie Hancock de veintidós años, que poco después se uniría al cuarteto de Miles Davis.

Duke Pearson, quien se encargó de los arreglos de toda la sesión, es el responsable de otros dos temas. “Cristo Redentor” es, de hecho, muy especial: es la pieza que llevó a muchos jóvenes de la década de 1960 amantes del rock a explorar el jazz. Tras dos minutos de música, entra la trompeta de Byrd en el que es uno de los momentos más arrebatadores de jazz.

Este fue el décimo disco que grabó Donaldson Toussaint L’Ouverture Byrd con Blue Note y, de hecho, su más lograda grabación hasta el momento. A New Perspective, un trabajo más coherente que los anteriores, es sencillamente memorable y se sitúa en un nivel superior. Por aquel entonces, Byrd tenía sensación de que el jazz estaba perdiendo el contacto con la cultura negra contemporánea, y este disco fue su intento de solucionarlo. Funcionó

1 - Elijah

2 - Beast Of Burden

3 - Cristo Redentor

4 - The Black Disciple

5 - Chant

Donald Byrd (trompeta), Hank Mobley (saxo tenor), Donald Best (vibráfono), Kenny Burrell (guitarra), Herbie Hancock (piano), Butch Warren (contrabajo), Lex Humphriex (batería), Coro dirigido por Coleridge 

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 12 de Enero de 1963

Blue Note #24 - Dexter Gordon

Dexter Gordon

Go!

¿Ha salido ya el nuevo disco? Recibí la carátula del álbum que me enviaste. Es muy elegante. Además, mientras escuchaba un programa de jazz en Londres, me mencionaron al hablar de los artistas que se habían dedicado a la bossa nova, por lo que pensé que ya había salido a la venta.

**Carta de Dexter Gordon a Alfred Lion, 17 de diciembre de 1962**

Era Mayo de 1961 cuando un Dexter Gordon de veintiocho años visitaba Nueva York por primera vez desde hacía más de una década. Durante su estancia en la ciudad grabó dos discos con Blue Note. El saxofonista con influencias de Lester Young regresó al año siguiente para grabar Go!, su tercer LP con Blue Note, que, según comentó, era su favorito. Para Dexter, esta sección rítmica era “lo más cerca que se puede estar de la perfección”, y lo cierto es que no existen argumentos para discutírselo. Siempre en su lugar, los músicos encargados del ritmo proporcionaban al saxo el terreno perfecto sobre el que improvisar, y solía hacerlo ligeramente a contratiempo, como era habitual. Para el saxofonista, Smilin’ Billy era el baterista con más swing del mundo.

Dexter pasó un tiempo en una especie de desierto musical en California, en parte a causa de estar involucrado en delitos de drogas. Las sesiones para Blue Note marcaron un hito y ayudaron a que se restableciera su reputación como viustuoso, ya que era un saxofonista con una excepcional capacidad para ir de unos enormes tonos graves hasta las notas altas sin ningún esfuerzo aparente. La forma de tocar de Dexter, sobre todo en “Three O’Clock In The Morning” y en “I Guess I'll Hang My Tears Out To Dry”, es muy interesante; además, de la segunda pieza se puede decir que es de aquellas que uno puede poner a la gente para que desaparezca el miedo al jazz. “Second Balcony Jump”, cuyo lúgubre título puede traducirse por “Salto Desde El Segundo Piso”, es una tensa pieza de medio tiempo en la que tanto Dexter como el pianista Sonny Clark tienen la oportunidad de explayarse. El fraseo de Gordon es perfecto y, para muchos, este es el responsable de que Go! sea su disco favorito del saxofonista tenor. Antes del lanzamiento del álbum, Dexter se marchó a Europa, donde permaneció la mayor parte de los siguientes quince años, dividido entre París y la ciudad que consideró su hogar: Copenhague. No dejó de grabar con Blue Note Records.

Dexter escribió a Alfred Lion desde Londres en Setiembre de 1962 para sugerirle que el álbum se titulase Very Saxily Yours, un juego de palabras que aprovechaba la similitud fonética de “sex” (sexo) y “sax” (saxo). En la carta de respuesta, Alfred decía lo siguiente: “Aunque es un título muy seductor (very sexy), tendré que dejarlo para otra ocasión, ya que la producción del disco está muy avanzada”.

1 - Cheese Cake

2 - I Guess I'll Hang My Tears Out to Dry

3 - Second Balcony Jump

4 - Love for Sale

5 - Where Are You

6 - Three O'Clock in the Morning

Dexter Gordon (saxo tenor), Sonny Clark (piano), Butch Warren (contrabajo), Billy Higgins (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Agosto de 1962