Pierre Choderlos de Laclos y Roger Vadim - Relaciones Peligrosas (III)

~ Les Liaisons Dangereuses ~

La película: Relaciones caprichosas

No hay dos sin tres, o la tercera es la vencida, como gusten... Lo cierto es que no podría terminar el asunto sin pasar por el cine y por esta versión de Les Liaisons Dangereuses cuya música ya ocupó tres capítulos.

Para empezar, la obra tuvo muchas versiones: cinco adaptaciones teatrales, inspiró tres óperas, cinco piezas para ballet, tres novelas literarias, cinco miniseries televisivas, tres adaptaciones para radio y siete películas. 

La versión libre de Roger Vadim tuvo críticas divididas (vaya novedad...), olvido relativo y un resucitamiento algo imprevisto a partir de 2017, gracias a nuestro querido Thelonious que, con su pieza encontrada, movió el interés y obligó a una rápida restauración. 

Todas las lecturas provienen de una novela epistolar que el oficial militar y escritor francés Pierre Choderlos de Laclos, publicó en 1782, en los albores de la gran revolución que hizo colapsar la monarquía francesa.

La trama de 1782 está estructurada como una serie de cartas entre la marquesa de Merteuil y el vizconde de Valmont, en las que se cuentan, en lenguaje militar, manipulaciones y conquistas que diseñan en los ambientes sociales y políticos de la época, con la finalidad de pervertir a los indefensos "objetos" de sus deseos. En esos tiempos, sólo la aristocracia, el clero y la burguesía emergente sabían leer y escribir, y la masa de las clases proletarias y campesinas carecía de educación. Pero Choderlos de Laclos vio más allá. Se ha citado uno de sus comentarios: "Resolví escribir un libro que continuara causando revuelo y eco en el mundo, aún después de que yo lo haya dejado".

La adaptación cinematográfica de Vadim fue igualmente sensacional debido a su contenido lascivo. Inicialmente, el gobierno francés prohibió los permisos de exportación con el argumento de que “retrataba a una Francia contemporánea de manera desfavorable”. La proyección del debut, en septiembre de 1959, sólo seis semanas después de que el empresario Marcel Romano llevara las bandas sonoras a Francia, se retrasó unas horas y la película fue incautada como resultado de una demanda de la Société des Gens de Lettres de Francia. Los sumos sacerdotes del establishment literario francés sostenían que la película "profanaba un clásico". 

Curiosamente, un abogado, por entonces alcalde de Château-Chinon, pero que 22 años después se convertiría en presidente de Francia (sï... el mismísimo François Mitterrand) intervino en las negociaciones encontrando una solución tan salomónica como estúpida: en Francia la película se llamaría Les Liaisons Dangereuses *1959 y, en el resto del mundo Les Liaisons Dangereuses *1960.

En esta versión, Juliette y Valmont forman un matrimonio liberal y poco convencional. De mutuo acuerdo, los dos tienen amantes, aunque lo mantienen en el más absoluto secreto. Ante amigos y conocidos, Valmont es un marido fiel. Juliette, por su parte, aparenta ser una mujer honesta, fiel y muy pudorosa cuando se trata cualquier asunto de índole sexual. Pero de puertas para adentro son una pareja cínica y libertina. Su relación comienza a tambalearse cuando, a petición de su esposa, Valmont intenta seducir a la joven Cécile, hija de su prima, pero se enamora de la virtuosa Marianne de Tourvel.

Juliette y Valmont tienen un sólo placer: amarse y "divertirse" corrompiendo el alma de los demás y destruyendo parejas con un juego perverso de fría y premeditada "seducción / destrucción" del que se creen expertos. Utilizando todos sus recursos en la materia, "atacan" con orgullo a individuos sólidos en virtud y moral, hasta que terminan destruyéndose a ellos mismos.

Si gustan, aquí queda para cerrar el círculo de las Relaciones Peligrosas que nos ocupó hasta aquí.

Roger Vadim

Les Liaisons Dangereuses ~ 1960

*Personal*

Director - Roger Vadim

Subdirectores - Jacques Poitrenaud, Serge Marquand, Jean-Michel Lacor

Guionistas - Roger Vadim, Roger Vailland, Claude Brulé

Diálogos - Roger Vailland

Productor - Edmond Ténoudji

Jefe de producción - Léopold Schlosberg

Director de fotografía - Marcel Grignon

Música - Thelonious Monk, Duke Jordan

*Reparto*

Jeanne Moreau - Juliette Valmont

Gérard Philipe - Valmont

Annette Vadim - Marianne Tourvel

Jeanne Valérie - Cécile Volange

Jean-Louis Trintignant - Danceny

Simone Renant - Madame Volange

Nicolas Vogel - Jerry Court

Boris Vian - Prévan

Thelonious Monk, Nellie, Nica y Marcel Romano - Relaciones Peligrosas (II)

~ Les Liaisons Dangereuses ~

La otra música: el "santo grial" de Thelonious Monk 

La fascinación de los cineastas franceses por incluir música de jazz en sus producciones era indiscutible en las décadas de 1950 y 1960. 

En julio de 1959, uno de ellos, Roger Vadim, junto al reconocido productor parisino Marcel Romano, pensaron que sería un boom contar con las angulosas y personalísimas composiciones de Thelonious Monk para su siguiente película, que imaginaban precedida por un documental que pretendían filmar mostrando a Monk actuando en París. Pero la gira por Europa fue cancelada y cambiaron el plan: si la montaña no viene, iremos a la montaña. 

Marcel Romano viajó entonces a Nueva York y visitó a Monk llevando consigo dos elementos esenciales, un guion detallado que contenía tiempos precisos para cada escena que requería música, y una copia de la película con algunas grabaciones de estudio de Monk insertadas sólo como sugerencias. 

Simultáneamente, aplicó presión al entorno de Monk —su mujer Nellie, su mecenas la baronesa Nica de Koenigswarter, el agente Harry Colomby— para que convencieran al pianista. No era fácil lograrlo con un Thelonious siempre alerta ante posibles explotaciones abusivas de su trabajo y algo debilitado ante una serie de incidentes recientes: una golpiza policial racista en Delaware, la pérdida de su "licencia de cabaret" que le impedía trabajar en Nueva York, la cancelación de su gira europea, una internación por depresión en un hospital psiquiátrico de Massachusetts, la muerte de queridos colegas como Shadow Wilson y su admirada Billie Holiday, una muy mala respuesta de la prensa después del célebre Concierto en el Town Hall de Nueva York, grabado cinco meses antes. Además, y eso no era poco, sabía de antemano que la película estaba al borde de la censura en Francia, sabía que también Art Blakey había sido convocado para introducir música de su grupo a partir de composiciones de su colega Duke Jordan y que el propio Duke Jordan intentaba detener la película debido a que su música no estaba debidamente acreditada.

Además, dijo Monk, no tenía tiempo para componer música nueva. Aceptaba si le permitían utilizar composiciones ya conocidas de su repertorio. Acordaron, pero le solicitaron que "respetara" los tiempos precisos del guion... algo que, por supuesto, no fue tenido en cuenta. Para el pianista era más importante la trama y su atmósfera emocional que el guion de la película que le habían mostrado.

Como cuenta en las liner notes Robin D. G. Kelley, autor de Thelonious Monk, Life and Times of an American Original, Thelonious "eligió el repertorio basándose en su comprensión de la historia y jugó con los tempos para capturar el estado emocional o las circunstancias del personaje. Junto a su grupo, entregó una música extraordinaria que desafió la concepción de Vadim y Romano sobre cómo funciona una banda sonora en una película. No es exagerado sostener que Monk transformó lo que habría sido una película narrativa atrevida pero relativamente estándar en un cine de vanguardia".

Como buena negociadora y mecenas, Nica de Koenigswarter invitó a la familia Monk y a Romano a su casa en Nueva Jersey. No sólo una vez. Hicieron falta dos largas noches de socialización y ambiente familiar antes de que Monk firmara.

Al fin, en la tarde del lunes 27 de julio de 1959, Thelonious Sphere Monk llevó su cuarteto (Charlie Rouse, Sam Jones, Art Taylor) y al saxofonista francés Barney Wilen como invitado a los Nola Penthouse Sound Studios en la 111 W.57th St. de Nueva York para hacer su magia y grabó ocho composiciones.

Marcel Romano preparó el botín monkeano, pero también se llevó un segundo conjunto de cintas grabadas por Art Blakey & The Jazz Messengers con música compuesta por Duke Jordan (que ya conocemos) y regresó urgente a París, justo a tiempo para la fecha límite de edición del 31 de julio. 

Sin embargo, a pesar de la jazzmanía imperante en Francia, la música de Monk no se editó como disco y sí la de Art Blakey (que ya conocemos), mucho menos presente en la pantalla. Un misterio quizás atribuible a las delicadas relaciones de Monk con las discográficas. Frustrado, Romano se queda con los siete rollos y un esquema de lo que pudo haber sido el LP con 44 minutos de música. Duermen en su archivo personal hasta que, en 2014, su albacea permite que unos amantes del jazz indaguen allí. Maravillados, hallan las cintas, respaldadas por un reportaje fotográfico que, aparte del sombrero fulani de Monk, muestra la tranquila convivencia entre su esposa y la baronesa Nica.

Afortunadamente, en 2017, 57 años después de su creación, el sello Sam Records /Saga, lanzó al mundo estos registros considerados como una de las grabaciones más importantes de Monk, preparado en forma de doble álbum.

El primer disco es el LP que concibió Romano: miniaturas de piano solo y "Rhythm-A-Ning" o "Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are" vigorizados por las aportaciones de los saxofonistas Barney Wilen y Charlie Rouse. Como novedad, un tema góspel y el novísimo "Light Blue".

En el segundo disco, entre tomas alternativas, aparecen intimidades de estudio como los 15 minutos donde Monk intenta explicar a Taylor el ritmo que necesita. Se palpa la frustración, pero también deslumbra una confirmación: "Melodious Thunk" tenía una visión nítida de una música que algunos creían pura torpeza o extravagancia.

Thelonious Monk

Les Liaisons Dangereuses ~ 1960

CD 1

1 - Rhythm-A-Ning

2 - Crepuscule With Nellie

3 - Six In One

4 - Well, You Needn't

5 - Pannonica (solo)

6 - Pannonica (solo)

7 - Pannonica (quartet)

8 - Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are

9 - Light Blue

10 - By And By (We'll Understand It Better By And By)

CD 2

1 - Rhythm-A-Ning (alternate)

2 - Crepuscule With Nellie (take 1)

3 - Pannonica (45 master)

4 - Light Blue (45 master)

5 - Well, You Needn't (unedited)

6 - Light Blue (making of)

Thelonious Monk (piano), Charlie Rouse (saxo tenor), Barney Wilen (saxo tenor :CD1 #1, #2, #8; CD2 #1), Sam Jones (contrabajo), Art Taylor (batería) 

Grabado en Nola Penthouse Sound Studios, Nueva York, el 27 de julio de 1959 

Art Blakey, Duke Jordan y la viuda de Charlie Parker - Relaciones Peligrosas (I)

Otra vez, la sugerencia de Murakami en la entrada anterior hace que me desvíe un poco del plan sobre sus Retratos en Jazz.

Me intrigó una cosa.

 ¿Por qué, si Haruki cuenta que el primer disco de Art Blakey que compró fue "la música original de la banda sonora" de Les Liaisons Dangeureses del sello Fontana, en el libro elige para mostrar la versión del sello Epic?

Alguien puede contestarme: ¿qué importa si el contenido es el mismo? Pues no… hay una "pequeña gran" diferencia en una de las pistas. Precisamente, en la única que interviene el verdadero autor de todas las composiciones, el pianista Duke Jordan que, quien sabe por qué razones, su nombre fue ocultado y mencionado como un tal "J.Marray".

En dicha pista, o track, o surco, la tercera ("Prelude In Blue", primera versión), el sello Fontana fue mucho más generoso pues incluyó la introducción del piano (que no aparece en el registro del sello Epic) como así también una sorprendente continuación… una variación "fantasma" del tema luego de un pequeño "silencio" pero sin cambiar de pista, o track, o surco…

En dicho tema, Bobby Timmons cede su lugar a Duke Jordan y pueden comprobar la diferencia, si gustan.

Art Blakey's Jazz Messengers

Les Liaisons Dangereuses

Lado 1

1 - No Problem (1er. version)

2 - No Hay Problema

3 - Prelude In Blue (à "L'Esquinade")

4 - Valmontana (1er. version)

Lado 2

5 - Miguel's Party

6 - Prelude In Blue (Chez Miguel)

7 - No Problem (2e. version)

8 - Weehawken Mad Pad

9 - Valmontana (2e. version)

Art Blakey (batería), Barney Wilen (saxos tenor y soprano), Lee Morgan (trompeta), Bobby Timmons (piano), Duke Jordan (piano en #3); Jimmy Merritt (contrabajo); John Rodriguez, Tommy Lopez, William Rodriguez (percusiones)

Grabado en Nola Penthouse Sound Studios, Nueva York, el 28 y 29 de julio de 1959

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Pero la verdad siempre triunfa. Poco después de dos años de aquella grabación, Duke Jordan y Doris Parker, viuda de Charlie Parker y fundadora del sello Charlie Parker Records, decidieron poner las cosas en claro y produjeron uno de los títulos más desconocidos del pianista para "salvar honores".

La propia Doris, en las notas de contratapa, se encargó de la defensa expresando:

Fue a las 10 y media de la mañana del 12 de enero de 1962 cuando vi a Duke Jordan revivir algo que ocurrió casi tres años antes, cuando Duke tocó por primera vez esta música. Esa mañana la repitió con la esperanza de que esta vez se lo reconozca debidamente como compositor y artista. Un hombre con el talento y la distinción de Duke Jordan, es un artista que no se paraliza ni desilusiona fácilmente por actos de otros que, hace tres años, utilizaron mal su música y le negaron el crédito de autoría. Esperamos que este disco con la música de Duke Jordan represente, para aquellos que les ha ocurrido lo mismo y para los que en el futuro aspiren abordar la música como profesión artística, un símbolo de paciencia, fe y resistencia.

El sentimiento de estas interpretaciones son de una verdadera maestría musical. Aquí se escuchan a Art Taylor y Charlie Rouse, dos de los miembros originales del grupo de Duke cuando grabó por primera vez esta música. También estuvo presente Ray Abrams, quien trabajó en la música original. En esta grabación se presenta a Eddie Kahn en el contrabajo y a Sonny Cohn en trompeta.

Las composiciones originales que se registraron en 1959 fueron cuatro, pero debido al mal uso por parte de otras personas, las melodías fueron cambiadas y nombradas con títulos diferentes.

Aquí se utilizan los títulos correctos y, con fines informativos, los títulos erróneos son los siguientes: NO PROBLEM (No Hay Problema), JAZZ VENDOR (Valmontana), SUBWAY INN (Fiesta de Miguel), THE FEELING OF LOVE (Prelude In Blue y Weehawken Mas Pad).

Este álbum presenta las composiciones originales y el tema principal de Les Liaisons Dangereuses por su verdadero compositor, Duke Jordan.

Duke Jordan

Les Liaisons Dangereuses

Lado 1

1 - No Problem (#1)

2 - No Problem (#2)

3 - No Problem (#3)

Lado 2

4 - Jazz Vendor

5 - Subway Inn

6 - The Feeling Of Love (#1)

7 - The Feeling Of Love (#2)

Duke Jordan (piano), Charlie Rouse (saxo tenor), Sonny Cohn (trompeta), Eddie Kahn (contrabajo), Art Taylor (batería)

Grabado en RCA Studios, Nueva York, el 12 de enero de 1962

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Bueno... había una gran historia detrás de la sugerencia de Murakami. 

Pero no es todo... esto no quedará aquí. No olvidemos la mentada "banda de sonido original" de la película. La de Art Blakey es sólo parte de esta. Los productores de dicho film habían elegido a Thelonious Monk para que se encargara del trabajo musical. 

Pero eso es otro tema, un capítulo que merecerá un nuevo "desvío".

Mañana... O pasado mañana.

Mientras tanto, disfruten con las diferencias... 

Retratos en Jazz #5 - Art Blakey

Art Blakey (1919-1990)

Nació en Pittsburgh. En 1940 se incorporó a la orquesta de Billy Eckstine, para luego trabajar con músicos del nivel de Charlie Parker. En febrero de 1952 tocó en el club de jazz Birdland con el quinteto de Horace Silver. Al año siguiente fundó con él los Jazz Messengers, con quienes trabajó hasta su muerte, cambiando sus integrantes constantemente. Baterista dotado de grandeza espiritual y delicadeza. Como director de orquesta promovió e hizo conocer al mundo diversos jóvenes talentosos.

Les Liaisons Dangereuses (Epic LA-16022)

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Art Blakey's Jazz Messengers

Les Liaisons Dangereuses

Lado 1

1 - No Problem (1st. version)

2 - No Hay Problema

3 - Prelude In Blue (1st. version)

4 - Valmontana (1st. version)

Lado 2

5 - Miguel's Party

6 - Prelude In Blue (2nd. version)

7 - No Problem (2nd. version)

8 - Weehawken Mad Pad

9 - Valmontana (2nd. version)

Art Blakey (batería); Barney Wilen (saxos tenor y soprano); Lee Morgan (trompeta); Bobby Timmons, Duke Jordan (pianos); Jimmy Merritt (contrabajo); John Rodriguez, Tommy Lopez, William Rodriguez (percusiones)

Grabado en Nola Studios, Nueva York, el 28 y 29 de julio de 1959

Michel Legrand - Legrand Jazz

Es fácil desviarse cuando se aborda un libro con la curiosidad "educacional" e informativa. Cuando Murakami mencionó, en la entrada anterior, el Legrand Jazz de Michel Legrand, no pude menos que dedicarle una buena escucha, después de un buen tiempo sin hacerlo.

Un deleite total. A tal punto que decidí esta "intromisión" y compartirlo con ustedes. Sepan disculpar...

Michel Legrand tenía sólo 24 años cuando se realizaron estas grabaciones para el legendario sello “Philips”, y el álbum reúne tres sesiones de grabación distintas realizadas el 25, 27 y 30 de junio de 1958 en Nueva York con algunos de los mejores músicos del momento, entre ellos Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Ben Webster y Donald Byrd. Todas las canciones del álbum fueron elegidas y arregladas por Michel Legrand, quien también asumió la dirección de los tres sets utilizados durante las sesiones. Entre las curiosidades de aquellas grabaciones, cabe decir, que Miles Davis, escéptico con el proyecto y dudando de la capacidad de Michel Legrand, terminó tocando como sideman por última vez en su carrera. Como cuenta Michel Legrand en las notas del disco,  Miles Davis, dirigía por aquel entonces su famoso sexteto, y estaba en la cima del jazz en New York; todos apostaban a que el genial trompetista, ni siquiera sacaría la trompeta de su estuche, pero bastaron cinco minutos de ensayo de Michel Legrand con la orquesta, en el mágico entorno del gran templo del sonido de Nueva York, que era el estudio de la calle 30 del sello Columbia, para que Miles terminara abriendo su estuche y tocara la trompeta para Michel Legrand en aquella histórica sesión. Cuenta al respecto Legrand: "...se sentó, abrió su maletín y empezó a tocar. Después de la primera toma, me preguntó: 'Michel, ¿lo hice adecuadamente?' Así empezó todo".

Michel Legrand y Miles Davis colaboraron nuevamente en 1990, cuando co-produjeron la banda sonora de la película Dingo.

Tras su publicación, Legrand Jazz fue recibido por una crítica entusiasta en la prestigiosa y especializada revista Down Beat. Dom Cerulli, el crítico que le otorgó las cinco estrellas a aquella grabación, la llegó a comparar, en términos de creatividad y originalidad, con los arreglos realizados un año antes por Gil Evans en el extraordinario álbum Miles Ahead. Legrand tomó una oncena de famosas composiciones de jazz y las organizó para tres combos diferentes. La primera, la más importante, se graba el 25 de junio, y tiene como solistas destacados a Miles Davis en la trompeta, John Coltrane, al saxo tenor, Phil Woods, al flautista Herbie Mann, el pianista Bill Evans y Paul Chambers al contrabajo. Interpretaron música de Thelonious Monk, ("'Round Midnight"), John Lewis, ("Django"), Jelly Roll Morton ("Wild Man Blues") y Fats Waller ("Jitterbug Waltz").

En la segunda sesión de grabación del 27 de junio, se juntan, el maestro del saxo tenor Ben Webster, junto con el flautista Herbie Mann, el pianista Hank Jones y el contrabajista George Duvivier y una sección rítmica de cuatro trombonistas, para interpretar piezas de Duke Ellington, ("Don't Get Around Much Anymore"), Earl Hines, ("Rosetta"), Django Reinhardt ("Nuages"), y Count Basie ("Blue And Sentimental"). Y, por último, tres días después, y siempre bajo la dirección y los arreglos de Michel Legrand, una gran formación donde destacan los trompetistas Art Farmer y Donald Byrd, el saxo alto Phil Woods, el pianista Nat Pierce y el saxo barítono Teo Macero, interpretando "Stompin' At The Savoy" de Benny Goodman, "A Night In Tunisia" de Dizzy Gillespie y el "In A Mist" de Bix Beiderbecke.

En resumen, un álbum paradigmático sobre la aportación de Michel Legrand a la historia de la composición jazzística y uno de los grandes álbumes de jazz de la década de 1950. Jazz de primer nivel, músicos en estupenda forma y unos excelentes arreglos que le dan al conjunto ese carácter conceptual de obra seminal del jazz moderno.

1 - The Jitterbug Waltz

2 - Stompin' At The Savoy

3 - 'Round Midnight

4 - Django

5 - Night In Tunisia

6 - In A Mist

7 - Blue And Sentimental

8 - Don't Get Around Much Anymore

9 - Wild Man Blues

10 - Nuages

11 - Rosetta

Grabado en el 30th Street Studios de Columbia Records, Nueva York, el 25, 27 y 30 de junio de 1958

Grupo del 25 de junio de 1958 (#1, #3, #4, #9)

Michel Legrand (dirección y arreglos), Miles Davis (trompeta), Herbie Mann (flauta), Betty Glamann (arpa), Barry Galbraith (guitarra), John Coltrane (saxo tenor), Phil Wood (saxo alto), Jerome Richarson (saxo barítono y clarinete bajo), Eddie Costa (vibráfono), Bill Evans (piano), Paul Chambers (contrabajo), Kenny Dennis (batería)  

Grupo del 27 de junio de 1958 (#7, #8, #10, #11)

Michel Legrand (dirección y arreglos); Herbie Mann (flauta); Ben Webster (saxo tenor); Frank Rehak , Billy Byers, Jimmy Cleveland y Eddie Bert (trombones); Mayor Holley (contrabajo y tuba); Hank Jones (piano); George Duvivier (contrabajo); Don Lamond (batería)  

 

Grupo del 30 de junio de 1958 (#2, #5, #7)

Michel Legrand (dirección y arreglos); Ernie Royal, Art Farmer, Donald Byrd, y Joe Wilder (trompetas); Frank Rehak y Jimmy Cleveland (trombones); Gene Quill, y Phil Woods (saxos altos); Seldon Powell (saxo tenor); Teo Macero (saxo barítono); James Buffington (corno francés); Don Elliot (vibráfono); Nat Pierce (piano); Milt Hinton (contrabajo); Osie Johnson (batería)

Retratos en Jazz #4 - Fats Waller

Fats Waller (1904-1943)

Nacido en Nueva York, comenzó a tocar el piano a los seis años, y a los quince ganó un concurso de músicos aficionados. Luego estudió regularmente con James P. Johnson, el célebre pianista de Harlem. En 1922 publicó su primer disco. Tuvo una gran influencia en la música de jazz, no sólo como un talentoso pianista stride, sino también como un destacado compositor, que escribió Honeysuckle Rose y Keepin' Out of Mischief Now junto al letrista Andy Razaf.

Herb Geller Fire in the West (Jubilee JGM-1044).

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Herb Geller

Fire In The West

Lado 1

1 - S'Pacific View

2 - Jitterbug Waltz

3 - The Fruit

Lado 2

4 - Here's What I'm Here For

5 - Marable Eyes

6 - An Air For An Heir

7 - Melrose And Sam

Herb Geller (saxo alto), Harold Land (saxo tenor), Kenny Dorham (trompeta), Lou Levy (piano), Ray Brown (contrabajo), Lawrence Marable (batería) 

Grabado en Los Angeles, California, el 14 de marzo de 1957

Retratos en Jazz #3 - Charlie Parker

Charlie Parker (1920-1955)

Nacido en Kansas, en 1942 se incorporó a una banda en la que también tocaba Dizzy Gillespie, convirtiéndose en uno de los protagonistas del bebop, el nuevo estilo que dio origen al modern jazz. Brillante saxofonista que expresó el fluir de las ideas y el sentimiento poético con una técnica superior. Aportó muchas ideas nuevas al jazz, en particular, la de la improvisación jazzística. Su apodo era "Bird". Su legendaria y corta existencia estuvo marcada por el uso excesivo de drogas y alcohol.

Bird and Diz (Verve MGV-8006)

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Charlie Parker & Dizzy Gillespie

Bird And Diz

Lado 1

1 - Bloomdido

2 - An Oscar For Treadwell

3 - An Oscar For Treadwell (alternate take)

4 - Mohawk

5 - Mohawk (alternate Take)

Lado 2

6 - My Melancholy Baby

7 - Leap Frog

8 - Leap Frog (alternate take)

9 - Leap Frog (alternate take)

10 - Relaxin' With Lee

11 - Relaxin' With Lee (alternate take)

Charlie Parker (saxo alto), Dizzy Gillespie (trompeta), Thelonious Monk (piano), Curley Russell (contrabajo), Buddy Rich (batería)

Grabado en Nueva York, el 6 de junio de 1950
 

Retratos en Jazz #2 - Benny Goodman

Benny Goodman (1909 - 1986)

Nació en Chicago en una familia judía. Desde los diez años se familiarizó con el clarinete y perfeccionó sus habilidades actuando con diferentes músicos. En la década de 1930 formó su big band, convirtiéndose en el principal protagonista del swing. Apodado "Rey del Swing", en 1938 produjo el primer gran éxito de un concierto de jazz en el Carnegie Hall, donde se solía tocar solamente música clásica. Goodman también es conocido por trabajar, sin discriminación, con músicos blancos y negros, convencido de que todo dependía únicamente del talento y las habilidades.

Benny Goodman Presents Eddie Sauter Arrangements (Columbia CL-523)

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Benny Goodman 

Presents Eddie Sauter Arrangements

Lado 1

1 - Moonlight On The Ganges

2 - More Than You Know

3 - Love Walked In

4 - Tangerine

5 - That's The Way It Goes

6 - La Rosita

Lado 2

7 - Ramona

8 - Not A Care In The World

8 - Intermezzo

10 - 'Tis Autumn

11 - Soft As Spring

12 - Superman

Arreglos: Eddie Sauter

Clarinete: Benny Goodman

Trompetistas: Alec Fila, Jimmy Maxwell, Irving Goodman, Cootie Williams, Billy Butterfield, Al Davis, Bernie Privin, Alex Cuozzo, Vince Badole, Tony Fasulo, Stan Fichelson

Trombonistas: Lou McGarity, Bob Cutshall, Trummy Young, Sy Shaeffer, Bill Pritchard

Saxofonistas: Gus Bivona, Skippy Martin, Bob Snyder, George Auld, Jack Henderson, Pete Mondello, Les Robinson, Gene Kinsey, Clint Neagley, Charles "Chuck" Gentry, Vido Musso, George Berg, Sol Kane, Art Rolston, Bill Shine, Al Epstein, Aaron Sachs, Stan Kosow, Dan Bank

Pianistas: Bernie Leighton, Johnny Guarnieri, Mel Powell, Charlie Queener

Guitarristas: Mike Bryan, Charlie Christian, Tom Morganelli

Contrabajistas: Artie Bernstein, Walter Looss, Marty Blitz, Sid Weisss, Clyde Lombardi

Bateristas: Harry Jaeger, Dave Tough, Sidney Catlett, Ralph Collier, Morey Feld

Vocalistas: Helen Forrest, Peggy Lee, Tommy Taylor, Art Lund

Grabaciones realizadas en Nueva York:

18 de diciembre 1940, 27 de marzo, 11 de junio, 25 de setiembre y 10 de diciembre de 1941, 15 de enero y 5 de febrero de 1942, 17 de Marzo de 1945

Retratos en Jazz #1 - Chet Baker

Chet Baker (1929-1988)

Nació en Oklahoma. En 1952 tocó la trompeta en el cuarteto Gerry Mulligan. Al año siguiente creó su propio cuarteto. El lirismo cool de su trompeta y su voz neutra lo convirtieron en una estrella del jazz en la Costa Oeste. En la década de 1960, arrastrado por las drogas, desapareció durante mucho tiempo. Volvió a tocar en 1973. En 1988 protagonizó el documental Let's Get Lost, pero poco después, sin esperar su estreno, falleció en Holanda.

Chet Baker Quartet (Pacific Jazz PJLP-3)

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Chet Baker

Chet Baker Quartet

Lado 1

1 - Isn't It Romantic

2 - Maid In Mexico

3 - Imagination  

4 - This Time The Dream's On Me 

Lado 2

5 - Pavane (Pavane For A Dead Princess / The Lamp Is Low)

6 - Russ Job 

7 - Easy To Love

8 - Batter Up

Chet Baker (trompeta), Russ Freeman (piano), Bob Whitlock (contrabajo #1, 2, 4 y 5), Carson Smith (contrabajo #3, 6, 7 y 8), Bobby White (batería #1, 2, 4 y 5), Larry Bunker (batería #3, 6, 7 y 8)

Grabado en Radio Recorders, Los Angeles, durante Julio y Octubre de 1953.

Retratos en Jazz #0 - Dos orientales con swing

Haruki Murakami dirigió el Peter Cat, un club de jazz que operó durante la mayor parte de la década de 1970, antes de dedicarse a tiempo completo a la escritura. A pesar de ello, Murakami difícilmente dejó atrás su amor por la música, algo que se tradujo en el mantenimiento de una pantagruélica biblioteca musical que supera los 10 mil títulos.

"Tuve mi primer encuentro con el jazz en 1964, cuando tenía 15 años. Art Blakey And The Jazz Messengers se presentaron en Kobe, en enero de dicho año y obtuve una entrada para su concierto como regalo de cumpleaños. Esa fue la primera vez que realmente escuchaba jazz y me dejó boquiabierto, completamente atónito", escribió Murakami en un artículo del New York Times. Aunque el autor se considera sin ninguna habilidad musical, con frecuencia sentía que, en su mente, "algo como mi propia música estaba remolineando en un fuerte y variado oleaje. Me pregunté si sería posible transferir esa música hacia la escritura. Así fue como empezó mi estilo".

Murakami descubrió que la escritura y el jazz eran actividades similares debido a que ambas necesitaban "un ritmo constante, natural y bueno", una melodía "en la cual, respecto a la literatura, se implicaba el arreglo apropiado de las palabras para que coincidieran con el ritmo", una armonía "que fueran los sonidos mentales internos que sostuvieran a las palabras", así como una libre improvisación en donde "a través de un canal especial, la historia saliera a relucir libremente desde adentro. Todo lo que tengo que hacer es entrar en la corriente".

Con la clausura del Peter Cat, los fans no tenían forma de acceder a las selecciones personales de jazz que Murakami hacía escuchar en su bar, hasta que, a mediados de la década de 2010, varios admiradores de la obra del autor nipón estuvieron compartiendo una serie de "playlists" de los temas mencionados en los ensayos Portrait in Jazz (1997) y Portrait in Jazz 2 (2001) –libros que aún no han sido traducidos al inglés ni al español–, donde podemos encontrar a Chet Baker, Charlie Parker, Stan Getz, Bill Evans y Miles Davis. Por cierto, en Tokio todavía se encuentra el café Rokujigen, donde los lectores de Murakami se congregan a leer sus libros mientras escuchan la música que, en palabras del escritor japonés, le enseñó todo lo que había que saber sobre el arte de la escritura.

Al fin, en 2013 de la editorial italiana Einaudi, se abocó a traducirla al italiano y, con ello, muchos occidentales podemos acceder a esos textos.

Es cierto que, como lo analiza David Karashima en su reciente libro Who We're Reading When We're Reading Murakami (¿A quién leemos cuando leemos a Murakami?), todo lo que leemos lo hacemos después de varias traducciones. Pero básicamente los sentimientos fueron transmitidos correctamente.

Leyendo Ritratti in Jazz uno tiene la impresión de haberse sentado en una de las mesas del club a tomar una copa mientras un viejo amigo, el propio Murakami, le dice lo que está escuchando. El tono es confidencial, cálido, desprovisto de especialidades, pero lleno de información, curiosidades, anécdotas, de cosas que se descubren. Sin embargo, lo que más llama la atención es la pasión sincera y ardiente que transmite cada "retrato": Murakami realmente logra hacerte "sentir" la canción o el disco en cuestión. Ritratti in Jazz le presenta al lector un Murakami inédito y reconocible al mismo tiempo. 

Reconocible porque el jazz es una pasión que forma la columna vertebral de su trabajo creativo. Sus novelas están llenas de jazz, alusiones a discos y músicos. En una receta hipotética de poética murakaminiana, el ingrediente "jazz" es fundamental y sus lectores lo saben bien. 

Inédito porque nunca como en este libro uno tiene la impresión de escuchar la auténtica voz de Murakami sin mediaciones narrativas, como si el lector entrara en su mundo más cotidiano y genuino. 

El libro consta de cincuenta y cinco entradas que, a partir del retrato de un músico pintado por el artista Wada Makoto, él comenta centrándose en un registro discográfico histórico. Cada resumen, en manos de Murakami, se convierte en un pequeño cuento, un fragmento de memoria autobiográfica o el retrato ultrarrápido de un artista, de una época. Desde Chet Baker hasta Benny Goodman, desde Charlie Parker hasta Billie Holiday, Charles Mingus, Bill Evans, Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Miles Davis y muchos otros, vamos a componer una "discoteca" ideal, una guía de escucha compilada por el propio Haruki Murakami.

En cuanto al coautor del libro, Wada Makoto, cabe destacar que nació en Osaka el 10 de abril de 1936. En 1956 se graduó en la Tama Art University con una especialización en diseño. Inició su carrera profesional en Light Publicity y en 1968 comenzó a trabajar por su cuenta. En 1977 participó en la exposición colectiva sobre carteles japoneses contemporáneos en el Stedelijk Museum de Amsterdam. Entre los premios que ha recogido se destacan: el Japan Advertising Art Award en 1957, el Premio del Concurso de Cine Mainichi, el Premio de Cómic Bunshun en 1969, el Premio Cultural Kòdansha por su publicación en las distintas categorías de libros de diseño en 1974 y 1981 en el Sección "Ilustraciones".

Como ilustrador, Wada realizó muchos dibujos animados y caricaturas para Shinichi Hoshi y Haruki Murakami. Diseñó más de 2.000 portadas para la revista Shūkan Bunshun de 1972 a 2017 y proporcionó ilustraciones para la sección de reseñas de libros del Mainichi Shimbun de 1992 a 2018. Otras de sus publicaciones: People en 1973 y 1977, Posterland en 1976 y Cats in Wadaland en 1991.

Siendo un apasionado del cine, comenzó su carrera como director en 1984. Ganó el premio al mejor director en la 31ª edición de los Premios Blue Ribbon por su película Kaitō Ruby, pero también escribió y dirigió: Maajan Hourouki en 1984, Kowagaru Hitobito en 1994, Mayonaka made y Minna no Ie en 2001.

A sus 83 años y por causa de una neumonía, Wada murió el 7 de octubre de 2019 en el hospital de Tokio. 

En uno de los prólogos Wada escribe:

Empecé a amar el cine cuando estaba en la escuela secundaria. En ese momento vi una película, "Nace una canción", en la que Danny Kaye interpreta a un profesor muy trabajador, pero siempre encerrado en una torre de marfil estudiando música clásica, y que un día descubre el jazz y aprende a amarlo escuchándolo desde la mañana hasta la noche, emergiendo así de su aislamiento.

Esa comedia, quizás, fue la puerta de entrada al jazz para mí. Porque el acompañamiento musical fue confiado a Benny Goodman, Tommy Dorsey, Louis Armstrong, Lionel Hampton y otros, todos músicos de primer nivel que hasta un lego como yo podría apreciar.

Por eso me acerqué al cine y al jazz casi al mismo tiempo. Primero me familiaricé con el "swing", que a menudo forma parte de la banda sonora de las películas. Luego, retrocediendo en el tiempo, llegué al jazz antiguo. Pero no podía ignorar el jazz más reciente y el recién nacido "Bebop".

Cuando estaba en la universidad, Thelonious Monk y Miles Davis ya eran grandes figuras. Satchmo y Duke Ellington tocaban regularmente, y George Lewis y Kid Ory todavía estaban vivos. En resumen, escuché jazz de diferentes épocas y estilos.

Así fue como me hice mayor. Sin embargo, aunque amaba la música, no hice de ella mi trabajo, sino que decidí convertirme en ilustrador.

A veces realizo una exposición. Lo hago por la sencilla razón de que en una exposición individual puedes elegir libremente la temática, al contrario de lo que suele ocurrir en mi profesión. En estas ocasiones uso como fuente de inspiración una película o una pieza musical que me encante.

El título de la exposición individual que realicé en 1992 fue "Jazz". Elegí veinte músicos de jazz y los interpreté. Estos dibujos impresionaron a Haruki Murakami, quien decidió escribir un texto para cada uno de ellos. 

En 1997 hice otra exposición, "Sing", dedicada a otros músicos de jazz. Sus retratos, junto con los anteriores, se han reunido aquí en un solo volumen.

La pasión de Haruki Murakami por el jazz es mucho más profunda que la mía. Las obras que expuse en las dos exposiciones tomaron cada una su propio camino y se dispersaron por el mundo, pero gracias a los textos de Murakami, los músicos representados pudieron encontrarse todos juntos en el mismo lugar. Estoy muy feliz con ello.

Por su parte Murakami construye su prólogo de la siguiente forma:

Los dos volúmenes de Portrait in Jazz reunidos en este libro, que publiqué junto con Wada Makoto, fueron creados exactamente con el mismo estilo y método: primero Wada seleccionó a algunos músicos y los pintó, luego yo le he añadido un texto.

Por cierto, admito que no encuentro particularmente agotador este tipo de trabajo. Por ejemplo, si en cierto momento pienso: "Bueno, hoy tal vez escriba algo sobre Clifford Brown", tomo del estante algunos de sus álbumes que no he escuchado en mucho tiempo, los pongo en el tocadiscos (sí, viejos discos de vinilo, por supuesto), me siento en mi silla habitual y dejo que la música llene mis oídos. Luego me siento en mi escritorio y recopilo todas las ideas que me vienen a la mente en un texto de la extensión adecuada. El hecho de que mi estudio sea también una sala para escuchar música resulta sumamente útil en estos casos.

En el estudio escucho la música de jazz de la misma forma que lo he hecho a lo largo de veinticinco años. En consecuencia, para bien o para mal, no puedo imaginarla con un sonido diferente ahora: mi cuerpo se ha vuelto completamente adicto a su vibración. Me doy cuenta de que, aunque haya muchas formas de escuchar jazz, prefiero hacerlo así, acurrucado como un topo en esta cómoda sala.

Mi visión del jazz es muy similar, muy cercana a este sonido en particular, es decir, es mi visión individual, personal. Creo que apenas ha evolucionado. Y como nuestra memoria siempre gira en torno a los mismos enfoques durante largos periodos, terminamos perdiendo de vista el curso de los acontecimientos.

En consecuencia, si alguno de ustedes no está de acuerdo con mis comentarios sobre los músicos de jazz considerados aquí, no les dé demasiada importancia a mis palabras. Simplemente disfruté escuchando algo de música y luego escribiendo algo sobre ella. Si funciona y puedo hacerles sentir el tipo de calidez que siento en mi guarida, nada podría complacerme más.

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Y aqui vamos, por otro proyecto....

De qué hablo cuando hablo de cambiar...

Con la frecuencia de las entradas planificadas para el "proyecto" El Canon del Jazz, puede asegurarse que será de largo aliento.

Por ello, hasta no encontrar un recurso que cumpla con las condiciones necesarias para no tener más sorpresas negativas, el mismo quedará en suspenso hasta hallar una forma que no obligue a sacrificar la estética que había pensado para él.

Va a llevar un tiempo... Sepan disculpar que retrase las expectativas.

Mientras tanto, cambiaremos de plan y "entrará a la cancha" mi querido Murakami, a ver si "le da un poco de cuerda" a este pequeño mundo de jazz.

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El Canon del Jazz #14 - Bag's Groove

Bag's Groove

Compuesta por Milt Jackson

Para muchos aficionados al jazz de las décadas de 1950 y 1960, Milt Jackson no sólo era el vibrafonista más destacado del género, sino el único. Es cierto que Jackson no fue el primero ni el último músico de jazz de renombre en adoptar este singular instrumento de percusión que se toca con macillos —parecido al xilófono pero con láminas de aluminio en lugar de madera, y dotado de unos tubos resonantes accionados por un motor que confieren un efecto de trémolo a las notas—; pero hizo más que nadie por afianzar su importancia en un panorama de tan rápida evolución como el del jazz posterior a la Segunda Guerra Mundial. Jackson siempre dio la sensación de ir por delante del resto, colaborando con las eminencias del bebop cuando esta tendencia iniciaba su hegemonía y, después, en la década de 1950, erigiéndose en uno de los máximos exponentes de la corriente cool junto a sus colegas del Modern Jazz Quartet (MJQ) afamado grupo de jazz de cámara que permaneció en activo desde 1952 a 1974, con posteriores reapariciones esporádicas. 

Muchos de los seguidores más acérrimos de Jackson, sin embargo, lamentaron que se asociase al MJQ, pues preferían escuchar al vibrafonista explayándose en una jam session que ciñéndose a las composiciones, a menudo enrevesadas, de John Lewis, el director musical del grupo. Jackson contentaba a sus fans con canciones como "Bag's Groove", un sencillo blues de doce compases que constituía un puntal del repertorio del cuarteto, como demuestra la docena larga de versiones grabadas por el MJQ que han llegado a nuestros días. A excepción del simple intercambio ortodoxo que mantienen Lewis y Jackson durante la exposición de la melodía, el grupo dejaba a un lado sus aspiraciones camarísticas a la hora de interpretar esta canción tan pegadiza, cuya estructura, basada en un riff, casi suponía un retorno a la era del swing. Fíjese el lector en cómo el público del Avery Fisher Hall sigue con las palmas el ritmo sincopado durante la última exposición de la melodía en The Last Concert, el famoso álbum del MJQ, publicado en 1974, y se hará una idea de cómo el cuarteto se valía de "Bag's Groove" para establecer un necesario contraste con el resto de sus propuestas, de estructura más rígida.

El título de la canción se debe al apodo del compositor. Las "bolsas" en cuestión, bags en inglés, eran las de los ojos de Jackson, que no eran señal de envejecimiento —el músico aún estaba en la veintena cuando compuso la pieza—, sino la huella del trasnoche y el alcohol. La canción en sí es anterior al lanzamiento formal del MJQ —la primera grabación la lideró Jackson, con el apoyo de sus futuros compañeros del MJQ y del saxofonista alto Lou Donaldson—, pero la versión en disco más famosa nos presenta a Jackson en un marco muy diferente: de músico de acompañamiento de Miles Davis en la famosa sesión de navidad de 1954, cuando el trompetista le dijo al pianista Thelonious Monk que no tocase por detrás de sus solos. "Monk nunca supo acompañar a un músico de viento", afirmaría años después Miles en su autobiografía. Según los rumores que corrieron posteriormente, los dos músicos tuvieron un acalorado intercambio y puede incluso que llegasen a las manos; los chismes son un tanto exagerados pero la sesión, en cualquier caso, fue muy tensa. Con todo, los solos de Miles y Monk en "Bag's Groove" son impresionantes, y tanto el antagonismo como la singular química de la pareja contribuyeron a aumentar la visibilidad de la composición más representativa de Jackson.

Las canciones emblemáticas de este tipo suelen desaparecer de la circulación cuando el artista en cuestión se retira de los escenarios. "Bag's Groove", sin embargo, ha conservado su lugar en el repertorio estándar aun después de la muerte de Jackson, acaecida en 1999. A veces se usa la canción de soporte para alardes vibrafonísticos, o para rendir homenaje a su autor (como en la versión que grabó Gary Burton en 2000); pero sospecho que la longevidad de la pieza obedece más que nada al atractivo que sigue ejerciendo entre el público, gente que hoy quizá ni siquiera sepa quién era "Bags" ni qué cosas hizo, pero que aún así no puede evitar dar palmadas al compás de la canción más célebre del vibrafonista.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Milt Jackson (con Lou Donaldson), extraída de Wizard of the Vibes, Nueva York, 7 de abril de 1952

2 - Miles Davis (con Thelonious Monk y Milt Jackson), extraída de Miles Davis and the Modern Jazz Giants, Hackensack (New Jersey), 24 de diciembre de 1954

3 - Hank Mobley (con Lee Morgan), extraída de Monday Night at Birdland, 

grabado en directo en el Birdland de Nueva York, 21 de abril de 1958 

4 - Modern Jazz Quartet (con Sonny Rollins), extraída de The Modern Jazz Quartet at Music Inn, Vol. 2,

grabado en directo en el Music Inn de Lenox (Massachusetts), 3 de septiembre de 1958

5 - Modern Jazz Quartet, extraída de The Last Concert, 

grabado en directo en el Avery Fisher Hall de Nueva York, 25 de noviembre de 1974 

6 - Gary Burton, extraída de For Hamp, Red, Bags, and Cal, Nueva York y Boston, mayo y junio de 2000

7 - Ron Carter, extraída de Dear Miles, Nueva York, febrero de 2006.

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-- Disco Elegido --

Gary Burton

For Hamp, Red, Bags, And Cal

En este disco, Burton rinde homenaje a las grandes leyendas de su instrumento, Lionel Hampton, Red Norvo, Milt Jackson y Cal Tjader, abordando melodías muy asociadas a ellos: "Bag's Groove", "Flying Home", "Move" y "Afro Blue". 

Teniendo en cuenta su sobresaliente calidad como improvisador, alguna crítica le reprochó a Burton el conservadurismo en estas interpretaciones considerando que, aunque no intentara imitar a ninguno de ellos, compuso meras recreaciones.

Sin embargo, este es un disco de solvente jazz incluso para el oyente más casual, un paraíso para los fanáticos incondicionales del vibráfono y una amena lección de historia del instrumento por parte de un indiscutible especialista.

1 - Afro Blue

2 - Bag's Groove

3 - Move

4 - Midnight Sun

5 - Flying Home

6 - Django

7 - Back Home Again in Indiana

8 - Body and Soul

9 - Godchild

10 - João

11 - Hole in the Wall

12 - Dance of the Octopus

Gary Burton (vibráfono #1-10, xilófono #11, marimba #12); Russell Malone (#3, 7 y 9) (guitarra); Mulgrew Miller (#2, 4, 5 y 6), Makoto Ozone (#11, 12), Danilo Perez (#1, 8 y 10) (pianos); Christian McBride (#2, 3, 4, 5, 6, 7 y 9), John Patitucci (#1, 8 y 10) (contrabajos); Horacio Hernandez (#1, 8 y 10), Lewis Nash ("2, 4, 5 y 6) (baterías); Luis Quintero (#1, 8 y 10) (percusión)

Grabado en Avatar Studio C, Nueva York, el 11, 23 y 24 de mayo de 2000 y en Berklee Recording Studio, Boston, Massachusetts el 3 de junio de 2000

 

El Canon del Jazz #13 - Autumn Leaves

Autumn Leaves

Compuesta por Joseph Kosma, con letra de Jacques Prévert 

(letra en inglés de Johnny Mercer) 

Pocas cosas hay en el panteón del jazz menos habituales que un estándar compuesto por un francés. Es cierto que los franceses inventaron la discografía jazzística (cortesía de Charles Delaunay), publicaron revistas de jazz antes que los estadounidenses (Le Jazz Hot, fundada en 1935) y, en general, reconocieron la importancia del jazz como forma artística cuando en Estados Unidos muy pocos creían en el concepto; pero rara vez consiguen que los grupos punteros interpreten sus composiciones. Sin embargo, los músicos de jazz y cantantes pop estadounidenses terminaron adoptando "Autumn Leaves" como si fuese propia. Por cierto que la canción, en parte, también es de propiedad británica, o cuando menos propiedad de sir Paul McCartney, pues los derechos de publicación pertenecen a MPL Communications, la empresa del exbeatle.

No termina ahí la complejidad geográfica del linaje. El compositor Joseph Kosma nació en Budapest y se mudó a París en 1933, donde conoció al poeta Jacques Prévert, el autor de la letra de la canción. Esta se compuso para la película Les portes de la nuit, de 1946, y su título original era "Les feuilles mortes" ("Las hojas muertas"), que me parece más apropiado para un grupo de punk que para una balada de jazz. El letrista Johnny Mercer, natural de Savannah (Georgia), solucionó el problema añadiendo el condimento definitivo. En 1951, después de varios meses dándole vueltas a la partitura y a la letra original, Mercer dio a luz "Autumn Leaves", canción que, según reconocería años después, le reportó más dividendos que cualquiera de sus demás obras.

Los músicos de jazz probablemente asocien esta canción a Cannonball Adderley, Bill Evans y Miles Davis, pero el primero en popularizarla fue Roger Williams, un pianista de música ligera cuya versión de 1955 alcanzó el número uno de la lista de Billboard, un éxito insólito para tratarse de un instrumental de piano en los primeros días del rock and roll. Ese mismo año, Mitch Miller, Jackie Gleason y Steve Allen publicaron sendas versiones de "Autumn Leaves" que también fueron bien recibidas. Me gustaría creer que los músicos de jazz no prestaron mucha atención a estos antecedentes horteras, pero lo cierto es que la fama de la pieza en el mundillo del jazz aumentó a raíz de esos éxitos. Y cuando uno escucha la florida introducción de Erroll Garner en la versión incluida en Concert by the Sea, su famoso disco de finales de 1955, es difícil que no le venga a la mente la grabación de Roger Williams, publicada por la misma época, por mucho que la de Garner hoy se considere una pieza fundamental en la historia del jazz.

La interpretación de Ahmad Jamal, grabada unas pocas semanas después de la de Garner, muestra un enfoque más moderno y estilizado. Cannonball Adderley contribuyó aún más que Jamal a consolidar la posición de "Autumn Leaves" en el repertorio canónico del jazz, mediante la versión incluida en su álbum Somethin’ Else, de 1958 (para la que contó con la asistencia de Miles Davis en calidad de músico de sesión, hecho insólito tratándose de un disco del sello Blue Note). Miles, por su parte, adoptó la balada y la tocó en repetidas ocasiones con sus diversos grupos, legando a la posteridad un puñado de grabaciones de gran nivel. Si se me permite el comentario personal, aún recuerdo con cariño el día en que pude permitirme entrar en una tienda de segunda mano y comprar por tan sólo veinticinco centavos un elepé que incluía una versión con mucho swing de "Autumn Leaves" (cuya

introducción plagié para mis actuaciones) a cargo de Wynton Kelly, un músico de acompañamiento de Miles.

La canción aparece en los lugares más insospechados. En su día inspiró una película (donde suena de fondo a los títulos de crédito en la voz de Nat King Cole), y hoy es la canción emblemática de los Bluecoats Drum and Bugle Corps, una especie de banda militar de Ohio. Todo lo cual, recordemos, contribuye a sufragar el otoño vital de sir Paul.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Erroll Garner, extraída de Concert by the Sea, grabado en directo en 

el Sunset Auditorium de Carmel (California), 19 de septiembre de 1955 

2 - Ahmad Jamal, extraída de The Ahmad Jamal Trio, Nueva York, 25 de octubre de 1955 

3 - Cannonball Adderley (con Miles Davis), extraída de Somethin’ Else, 

Hackensack (New Jersey) 9 de marzo de 1958  

4 - Bill Evans, extraída de Portrait in Jazz, Nueva York, 28 de diciembre de 1959 

5 - Wynton Kelly, extraída de Wynton Kelly!, Nueva York, 20 de julio de 1961 

6 - McCoy Tyner, extraída de Today and Tomorrow, Englewood Cliffs (New Jersey), 4 de junio de 1963 

7 - Miles Davis, extraída de Miles Davis in Europe, grabado en directo en 

el festival de jazz de Antibes, Francia, 27 de julio de 1963 

8 - Jim Hall y Ron Carter, extraída de Alone Together, grabado en directo en 

el Playboy Club de Nueva York, 4 de agosto de 1972 

9 - Chet Baker (con Paul Desmond), extraída de She Was Too Good to Me, Englewood Cliffs (New Jersey), 1974 

10 - Keith Jarrett (con Gary Peacok y Jack DeJohnette), extraída de Still Live, 

grabado en directo en la sede de la filarmónica de Múnich, 13 de julio de 1986 

11  - Eva Cassidy, extraída de Live at the Blues Alley, grabado en directo en 

el Blues Alley de Washington, (D. C.), 2 de enero de 1996 

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-- Diso Elegido --

McCoy Tyner - Today And Tomorrow

Today And Tomorrow es posiblemente el mejor álbum de McCoy para el sello Impulse, el cuarto de estudio como líder y sólo rivaliza con The Real McCoy, su primer título para el sello Blue Note. Además, según los entendidos, es una de las mejores sesiones de ingeniería de Rudy Van Gelder.
En realidad, el disco es una colección de registros en formato de trío y de sexteto, realizados con ocho meses de diferencia entre sí. Sin embargo, no todo lo grabado fue reflejado en el disco.
Según los registros de la casa grabadora, una pista del sexteto nunca fue editada ("It Could Happen To You") y, en cuanto a las correspondientes del formato trío, además de las impresas en el disco original ("A Night in Tunisia", "Autumn Leaves" y "When Sunny Gets Blue"), dos nunca fueron editadas ("The Stolen Hours" y una versión alternativa de "Autumn Leaves") y tres fueron separadas para luego incluirlas en tres LP´s titulados The Definitive Jazz Scene, en los cuales se compilaba música de varios artistas de la casa Impulse que no había aparecido en sus álbumes originales.
Afortunadamente, la edición remasterizada de 1991 que se presenta aquí recoge todo lo posible de ambas fechas y, como dice un amigo, la mitad de un pastel es mejor que nada. Today And Tomorrow es un conjunto de material de alta calidad y una clase magistral del pianista como intérprete y líder.

1 - Contemporary Focus

2 - T 'N A Blues

3 - Three Flowers

4 - A Night in Tunisia

5 - Autumn Leaves

6 - When Sunny Gets Blue

7 - You'd Be So Nice to Come Home To

8 - Five Spot After Dark

9 - Flapstick Blues

#1-3:

Thad Jones (trompeta), Frank Strozier (saxo alto), John Gilmore (saxo tenor), McCoy Tyner (piano), Butch Warren (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey, el 4 de febrero de 1964 

#4-9:

McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (contrabajo), Albert "Tootie" Heath (batería)

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey, el 4 de junio de 4, 1963