Johnny Coles - Huellas de un modesto gigante

Johnny Coles nació en Trenton, Nueva Jersey, el 3 de julio de 1926. Fue un estilista que se distinguió por su tono cálido y suave, por su discurso austero pero lleno de matices y que no ocultaba la admiración por Miles Davis.

Comenzó a estudiar la trompeta a los diez años y su primer trabajo profesional fue con la Carolina Cotton Pickers, una banda creada en 1933 organizada con músicos de la Jenkins Orphanage Band. En 1948 se unió al grupo de Eddie Vinson con el que permaneció hasta 1951. Desde entonces tocó junto a una larga lista de grandes músicos: Earl Bostic y Philly Joe Jones (1951), la banda de blues liderada por Bull Moose Jackson (1952), James Moody (1956-1958), Gil Evans (1959), Charles Mingus y George Coleman (1964).

En 1965, los críticos especializados de la revista Down Beat lo proclamaron como el mejor trompetista del año en su encuesta anual y en 1968 formó parte del sexteto liderado por el pianista Herbie Hancock. Un año después se integró a la orquesta de Ray Charles abandonándola dos años más tarde para incorporarse a la de Duke Ellington (1971-1974).  También estuvo con Art Blakey (1976) y con la Count Basie Orchestra, bajo la dirección de Thad Jones, en 1985 y 1986.

Intervino como sideman en treinta grabaciones, pero dejó solo cuatro álbumes como líder. Murió en Filadelfia el 21 de diciembre de 1996.

El único disco a su nombre registrado para el sello Blue Note, titulado con su apodo ("el pequeño Johnny C"), forma parte de la lista de la década de 1960 que destaca Carlos Sampayo en su libro:

Una perla es este disco; se trata de una de las obras menos conocidas del catálogo Blue Note y (atención, no exagero) uno de los mejores momentos del hardbop grabado. Como LP desapareció rápidamente de circulación, hasta que Toshiba se animó a rescatarlo (y venderlo caro, carísimo) en 1988.

Cinco composiciones de Duke Pearson (que entonces era asesor y director musical del sello) y una de Joe Henderson son el soporte de esta obra genuina, intensa y emocionante, primera de las pocas incursiones como líder del gran trompetista.

Coles, un continuador de Miles Davis por vía indirecta (la más difícil e inaferrable) ofrece aquí lecciones de sonoridad, sensibilidad, lirismo y esa "negritud" que no es solo furia y extroversión, sino también serena espera, poesía. Esta sincera disposición artística de Coles fue captada por personajes como Gil Evans y Charles Mingus, que consideraron su sonoridad como parte necesaria de sus propios universos musicales.

La comitiva del trompetista en su disco está en aguda sintonía con el tirón que propone el líder, en especial Joe Henderson, cómo no, y Pete La Roca, baterista melódico y dialogante, amigo de exabruptos controlados. Los arreglos, del propio Coles y Duke Pearson, establecen un clima de penetrante certidumbre que se mantiene durante la entera duración de este extraordinario ejemplar de Blue Note.

Un añadido: los expertos en Reid Miles opinan que la carátula de Little Johnny C es una de las mejores de su carrera como diseñador del sello.

Johnny Coles

Little Johnny C

1 - Little Johnny C

2 - Hobo Joe

3 - Jano

4 - My Secret Passion

5 - Heavy Legs

6 - So Sweet My Little Girl

Johnny Coles (trompeta); Leo Wright (saxo alto y flauta); Joe Henderson (saxo tenor); Duke Pearson (piano); Bob Crenshaw (contrabajo); Walter Perkins [#1 a #3], Pete La Roca [#4 a #6] (baterías).

Grabaciones realizadas en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 18 de julio (#1 a #3) y el 9 de agosto (#4 a #6) de 1963. 

Retratos en Jazz #42 - Lee Morgan

Lee Morgan (1938-1972)

Nació en Filadelfia. A los 15 años organizó su propio grupo haciéndose notar como niño prodigio. En 1956 se unió la banda Dizzy Gillespie y, con 18 años, graba por primera vez como líder: Introducing Lee Morgan. En 1958 se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, recibiendo muchos elogios gracias al sonido funky de su trompeta. En 1961 se retiró de los escenarios durante algún tiempo, pero a finales de 1963 reapareció y a partir de 1967 actuó al frente de su propio quinteto.

The Sidewinder (Blue Note BST-84157)

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Lee Morgan

The Sidewinder

Lado1

1 - The Sidewinder

2 - Totem Pole

Lado 2

3 - Gary's Notebook

4 - Boy, What A Night

5 - Hocus-Pocus

Lee Morgan (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Barry Harris (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Billy Higgins (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 21 de diciembre de 1963.

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~ Extras ~

En la minibiografía de Morgan que construye Murakami, indica el primer álbum como líder al disco Intoducing Lee Morgan, para el sello Savoy. Sin embargo, el verdadero opus uno de Lee fue Indeed!, grabado el día anterior para el sello Blue Note, aunque la locación fuera la misma: la sala de estar de la casa paterna de Rudy Van Gelder, en el 25 Prospect Avenue de Hackensack, Nueva Jersey, el primer y célebre Van Gelder Studio. 

Por entonces, la muerte de Clifford Brown había originado una frenética búsqueda del heredero y el precoz Morgan se erigió para muchos en indiscutible candidato. Por ello Lee se encontró ante una gran demanda para sesiones de grabación con destacadas figuras y bajo su propio nombre.

Está bien. Para no entrar en polémicas, son dos primeros álbumes... para distintos sellos discográficos.

Lee Morgan

Indeed!

1 - Roccus

2 - Reggie Of Chester

3 - Lady, The

4 - Little T (aka The New Message)

5 - Gaza Strip

6 - Stand By

7 - Little T  (alternate take)

Lee Morgan (trompeta), Clarence Sharpe (saxo alto), Horace Silver (piano), Wilbur Ware (contrabajo). Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 4 de noviembre de 1956.

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Lee Morgan

Introducing Lee Morgan

1 - Hank's Shout

2 - Nostalgia

3 - Bet

4 - Softly, As in a Morning Sunrise

5 - P.S. I Love You

6 - Easy Living

7 - That's All

Lee Morgan (trompeta), Hank Mobley (saxo tenor), Hank Jones (piano), Doug Watkins (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey,  el 5 y el 7 de noviembre de 1956.

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A principios de la década de 1970, Lee Morgan, indignado por las condiciones de trabajo de los músicos de jazz en Estados Unidos se implicó en actividades políticas colaborando sobre todo con Roland Kirk, como uno de los líderes del movimiento Jazz and People desarrollando diversas actividades a través de programas y entrevistas para protestar por la ausencia de músicos de jazz en muchas programaciones, contribuyendo así a la organización de un festival alternativo al de Newport.

En septiembre de 1971 grabó la que sería su última sesión, recogida en el álbum The Last Session, para el sello Blue Note, con una inusual formación de octeto e incorporando instrumentos eléctricos al igual que hiciera en un anterior álbum. Es al que refiere Murakami como un disco con "perfume innovador y un eclecticismo maravilloso".

Lee Morgan

Lee Morgan (The Last Session)

1 - Capra Black

2 - In What Direction Are You Headed?

3 - Angela

4 - Croquet Ballet

5 - Inner Passion-Out

Lee Morgan (trompeta y fliscorno), Grachan Moncur III (trombón), Bobbi Humphrey (flauta), Billy Harper (saxo tenor y flauta alta), Harold Mabern (piano acústico y eléctrico), Jymie Merritt (bajo eléctrico), Reggie Workman (contrabajo y percusión), Freddie Waits (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 17 y el 18 de setiembre de 1971.

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Queda, por último, una recomendación de mi parte, referida a la vida y muerte de Lee Morgan: el excelente documental I Called Him Morgan del director Kasper Collin en la que se recupera la historia de Lee, haciendo foco tanto en su carrera profesional como en la relación con su esposa Helen, quien luego de una discusión amorosa acabaría con la vida del músico en la fría madrugada del 19 febrero de 1972, mientras trabajaba en el club Slug’s de Nueva York. Además de repasar la corta carrera de Morgan, arroja luz sobre la intimidad de una dramática historia amorosa que terminó en tragedia.

La plataforma Netflix la tiene disponible, pero, por si acaso... una copia también queda aquí:

I Called Him Morgan

Kasper Collins, 2016

Retratos en Jazz #28 - Horace Silver

Horace Silver (1928 - 2014)

Nació en Connecticut. Fundador del funky jazz, fue uno de los pianistas y compositores más importante del sello Blue Note. En 1953 definió formalmente el estilo funky para piano (con su composición Opus De Funk), consolidándose como destacado autor de melodías. En 1956 formó su propio quinteto, causando sensación y provocando el boom del estilo funky. Song for My Father es una de sus canciones más exitosas.

Song For My Father (Blue Note BST-84185)

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Horace Silver

Song For My Father

1 - Song For My Father

2 - The Natives Are Restless Tonight

3 - Calcutta Cutie

4 - Que Pasa

5 - The Kicker

6 - Lonely Woman

7 - Sanctimonious Sam

8 - Que Pasa (trio version)

9 - Sighin' And Cryin'

10 - Silver Treads Among My Soul

Horace Silver (piano), Carmell Jones (trompeta en #1 a #5), Blue Mitchell (trompeta en #6 a #10), Joe Henderson (saxo tenor en #1 a #5), Junior Cook (saxo tenor en #6 a #10), Teddy Smith (contrabajo en #1 a #5), Gene Taylor (contrabajo en #6 a #10), Roger Humphries (batería en #1 a #5), Roy Brooks (batería en #6 a #10).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey el 31 de octubre de 1961 (#3, #6, #7 y #8), el 28 de enero de 1964 (#9 y #10) y el 26 de octubre de 1964 (#1, #2, #4 y #5).

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~ Extra ~

Imposible ver la mención de Opus De Funk y no volver sobre un disco que, aunque fundamental, no suele escucharse con la asiduidad debida. El tema citado por Murakami fue integrado por el sello Blue Note en una colección de tríos liderados por Horace Silver, secundado por renombrados contrabajistas y diseñado para resaltar la presencia de dos percusionistas destacados: el "maestro" de la conga Sabu Martínez y el baterista Art Blakey, con quien Horace fundara las célebres formaciones conocidas como Jazz Messengers. Una verdadera celebración del más puro y duro hard bop.

Horace Silver

Horace Silver Trio

~And Spotlight on Drums: Art Blakey - Sabu~

1 - Safari

2 - Ecaroh

3 - Prelude To A Kiss

4 - Thou Swell

5 - Quicksilver

6 - Horoscope

7 - Yeah

8 - Knowledge Box

9 - How About You?

10 - I Remember You

11 - Silverware

12 - Message From Kenya

13 - Opus De Funk

14 - Nothing But The Soul

15 - Buhaina

16 - Day In, Day Out

Horace Silver (piano excepto en #12 y #14), Gene Ramey (contrabajo en #1, #4 y #6), Curly Russell (contrabajo en #2, #3, #5, #7 y #8), Percy Heath (contrabajo en #9, #10, #11, #13, #15 y #16), Art Blakey (batería), Sabu Martinez (conga y vocalista en #12).

Grabado en WOR Studios, Nueva York, el 9 de octubre de 1952 (#1, #4 y #6), el 20 de octubre de 1952 (#2, #3, #5, #7 y #8) y el 23 de noviembre de 1953 (#9 a #16). 

Blue Note #54 - McCoy Tyner

McCoy Tyner

The Real McCoy

La música de McCoy Tyner posee una fuerza interior y una firme sensación de autocontrol que le han permitido tocar registros muy variados, desde los vuelos en espiral de Coltrane hasta el volcán que es Art Blakey, y, con todo, nunca ha perdido un ápice de su identidad.

**Nat Hentoff, notas del LP original**

Ya desde el comienzo, “Passion Dance”, con un sonido de piano y un estilo compositivo característicos, no deja lugar a dudas de que el que toca es McCoy Tyner, quien hizo que el tema recordase a una danza de los indios nativos norteamericanos. Su excepcional forma de pasar por los cambios y los engranajes de la pieza sigue siendo tan emocionante como cuando se grabó, en un momento relativamente temprano de su carrera como líder de grupo.

Tyner ya había grabado con Blue Note en Junio de 1960 como parte del quinteto que participó en el disco Open Sesame, de Freddie Hubbard. En el período entre un disco y otro, tocó como músico de acompañamiento en álbumes de toda una serie de estrellas de Blue Note, así como en The John Coltrane Quartet durante gran parte del tiempo. Aunque este fue el debut de Tyner como líder en Blue Note, los seis álbumes que había grabado con Impulse! le sirvieron para labrarse una reputación como compositor.

Los cinco temas de The Real McCoy son de Tyner, y, cuando se lanzaron, Alfred Lion comentó lo siguiente: “Es lo que uno considera una sesión de jazz puro. No hay la más mínima concesión a cuestiones comerciales”. El pianista, según afirma Coltrane, “tenía gusto”, lo que se pone de manifiesto en sus composiciones. Cada una de las piezas ofrece una perspectiva muy distinta del jazz, y puede decirse que constituyen un disco –mejorado con la interpretación de Joe Henderson al saxofón tenor– que no tiene ningún tema que pueda considerarse malo. Elvin Jones había tocado junto a Tyner durante la época que pasó en el grupo de Coltrane, y tanto él como Carter aportaron cohesión a la música, a la que le dieron una plataforma estable tanto con el saxofón como con el piano de fondo.

“Search For Peace”, según Tyner, trataba de “darse al universo”, mientras que en la última pieza, “Blues On The Corner”, presentaba recuerdos de su infancia en Filadelfia: “A algunos chicos a los que conocía les gustaba andar por las esquinas; es una evocación musical de esa imagen, de jóvenes hablando, haciendo el tonto y bromeando”.

1 - Passion Dance

2 - Contemplation

3 - Four By Five

4 - Search For Peace

5 - Blues On The Corner

McCoy Tyner (piano), Joe Henderson (saxo tenor), Ron Carter (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Abril de 1967

Blue Note #51 - Joe Henderson

Joe Henderson

Mode For Joe

Durante el tiempo en el que toqué en clubes de striptease aprendí más de cómo componer canciones de jazz. Me involucré más y comenzamos a tocar mis composiciones en directo para las bailarinas.

**Joe Henderson, 1966**

Era el año 1966, una época de cambios. En el que sería su último disco como líder con Blue Note, Joe Henderson muestra una emocionante visión de lo que traería el futuro, a la vez que tiene un pie en el pasado del hard bop. Este es un grupo fabuloso que lleva todas las composiciones a otro nivel.

Tómese como ejemplo la pieza que da título al disco, que no está compuesta por Henderson, sino por Cedar Walton, pianista y exmiembro de The Jazz Messengers. Es el momento más sobresaliente de un disco repleto de momentos destacables, y cuenta con una maravillosa interpretación tanto solista como conjunta. El grupo logra hallar una fusión perfectamente construida en la que se integran la forma de tocar funky con influencias blues del hard bop con el jazz moderno. A pesar de que él no es un compositor, Henderson hace suya esta pieza. A través de una muy emocionante llamada y la respuesta que da el resto de la sección de vientos, de alguna manera se las arregla para combinar un sonido de saxofón que se parece a un graznido con otro de una suma elegancia: magistral.

Las tres composiciones del disco firmadas por Henderson son “A Shade Of Jade”, “Caribbean Fire Dance” y “Granted”. Los vientos con los que se abre la última son un ejemplo representativo del estilo del álbum; se trata de un tiempo rápido en el que todos los músicos tienen una oportunidad de ejecutar un solo, que se conduce a ritmo de tamborileo y es tan emocionante al escucharlo como debió haber sido tocarlo.

Henderson siguió tocando como músico de acompañamiento en los discos de Blue Note durante una temporada, pero llevó sus propios discos a Milestone durante la década siguiente antes de volver a grabar para Blue Note, así como para Verve y otras discográficas, en la década de 1980. Del mismo modo que Sonny Rollins y John Coltrane influyeron en Henderson, este lo hizo en la siguiente generación, sobre todo en Joe Lovano.

1 - A Shade of Jade

2 - Mode for Joe

3 - Black

4 - Caribbean Fire Dance

5 - Granted

6 - Free Wheelin'

7 - Black (alternate take)

Joe Henderson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Bobby Hutcherson (vibráfono), Cedar Walton (piano), Ron Carter (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Enero de 1966

Blue Note #48 - Larry Young

Larry Young

Unity

La combinación del organista Larry Young, el trompetista  Woody Shaw, el saxofonista tenor Joe Henderson y el baterista Elvin Jones harán de este disco una apuesta segura para los aficionados al jazz. Blue Note ha conseguido un sólido superventas.

**Billboard, 27 de Agosto de 1966** 

Lo que me atrapó la primera vez que escuché este disco fue la empatía –o la unidad– que se percibe entre Larry Young y Elvin Jones en particular. Se trata de la sección rítmica, pero la batería de Jones y el órgano tan elegante crean una unión perfecta, como un producto que saliera directamente de la mente. Young comentó lo siguiente en las notas: “A pesar de que todos los que se reunieron en la sesión eran bastante individualistas, tenían el mismo espíritu. Quedó claro desde el principio que todo encajaba”. Todo ello influyó para que Young decidiese titular el álbum Unity (“Unidad”).

Young no es el compositor, a pesar de lo que afirman los créditos del disco. Shaw aportó la mitad de los temas, mientras que Henderson compuso “If”, así como “Monk’s Dream” y “Softly As In A Morning Sunrise”, la melodía compuesta por Hammerstein y Romberg para la opereta de la década de 1920 denominada The New Moon. Para muchos la pieza más destacada es “Moontrane”, de Shaw, compuesta por el trompetista cuando sólo tenía dieciocho años, y dedicada, como su nombre lo indica, a John Coltrane. Los excelentes ciclos armónicos de la composición recuerdan a los trabajos más logrados de este.

Aunque todos los músicos rezuman talento, destaca ante todo el de Young, cuya aportación es inmensa; de hecho, no cabe duda de que Unity es su disco. “Monk’s Dream”, un diálogo que mantienen sólo la batería y el órgano, es una de las versiones más interesantes que se hayan hecho e una melodía de Monk; la original data de comienzos de la década de 1950, cuando el pianista estaba grabando con Prestige. El Hammond parece dar forma a la imaginación de Monk y girar envolviéndose alrededor de los oídos del oyente de una manera que aporta ideas frescas a una pieza muy conocida, algo que no debe subestimarse cuando se trata de una melodía de Monk.

Destaca el diseño de la portada de Reid Miles. Su talento se pone de manifiesto en esta sencilla pero perfectamente concebida portada, creada sin la ayuda de una fotografía de Wolff por una vez. Los cuatro puntos de color naranja que se encuentran dentro de la letra u son lo único que hace falta para transmitir la descripción que hizo Young de la sesión cuando dijo que “todo encajaba”.

1 - Zoltan

2 - Monk's Dream

3 - If

4 - The Moontrane

5 - Softly As In A Morning Sunrise

6 - Beyond All Limits

7 - If (alternate take1)

8 - If (alternate take 2)

9 - The Moontrane (alternate take)

10 - Beyond All Limits (alternate take)

Larry Young (óragano), Woody Shaw (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 10 de Noviembre de 1965

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A todos los que llegaron por aquí, nuevos o viejos amigos.

A todos los que agradecieron o no las publicaciones.

A todos lo que contribuyeron o no para el blog.

*** Feliz 2017! ***

Blue Note #47 - Horace Silver

Horace Silver

The Cape Verdean Blues

Lo que de verdad hizo que me centrase en mis raíces fueron unas vacaciones que pasé en Río hace tres años junto al pianista brasileño Sergio Mendes. En la actualidad, la música folclórica africana me sirve en gran medida de inspiración.

**Horace Silver, Mayo de 1966**

Por toda una serie de razones, este disco de Silver es mucho más vanguardista que el anterior y tiene una consideración un poco inferior. Lo que no debería de ser así. Dada la incorporación del trompetista de veinte años Woody Shaw –que tocaba por primera vez con Blue Note– y de J. J. Johnson en la cara 2, existe en este trabajo una clara intención de explorar. En las notas originales, Silver revela que llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con Johnson, cuya mención en el disco es una muestra de respeto que el pianista profesaba al trombonista.

Mientras que la canción que da título al disco podría haberse incluido sin problemas en Song For My Father, todas las demás tienen un tono muy distinto. El hermoso riff descendente que interpretan los vientos al comienzo de “The African Queen”, inspirada en una melodía popular de Costa de Marfil, es sencillamente hermoso: apasionado, sensual y caliente. Aunque puede que no sea tan conocida como “Song For My Father”, es exactamente igual de buena, sobre todo en el momento en el que el insistente Humphries produce un sonido que recuerda a los tambores parlantes de África Occidental. Una vez que Joe Henderson entra en materia y se abre camino para hacerse oír y que lo oigan todos, el tono se interrumpe antes de volver al calor del sol africano por cortesía de la lánguida trompeta de Woody Shaw.

La cara 2, que cuenta con Johnson como invitado, es más compleja en el aspecto musical y, por ello resulta marginalmente más agradable.

“Nutville” se abre con unos excelentes vientos que marcan el ritmo del tema y cuenta con excelentes solos por parte de los cuatro músicos principales. “Bonita” va adquiriendo intensidad y se beneficia de la sublime batería de Humphries, aunque es Johnson el que se lleva el gato al agua. A excepción de “Mo’ Joe”, de Henderson, todas las composiciones son de Silver, quien demuestra sus sublimes cualidades compositivas.

1 - The Cape Verdean Blues

2 - The African Queen

3 - Pretty Eyes

4 - Nutville

5 - Bonita

6 - Mo' Joe

Horace Silver (piano), Woody Shaw (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), J. J. Johnson (trombón), Bob Cranshaw (contrabajo), Roger Humphries (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 1 y 22 de Octubre de 1965

Blue Note #42 - Duke Pearson

Duke Pearson

Wahoo!

Se trata de un pianista lírico con un estilo atractivo que podría encajar tanto en el pop como en el jazz.

**Billboard, Marzo de 1960; reseña de Profile**

Duke Pearson se trasladó de Atlanta a Nueva York en 1959. Poco después de entablar amistad con Donald Byrd, debutó con Blue Note en el álbum del trompetista denominado Fuego. Menos de tres semanas después, el 25 de octubre, grabó Profile, su primer disco como líder; después, transcurrieron un par de meses hasta la sesión que sirvió de base para el que sería su siguiente disco, Tender Feelin’s. En los años siguientes grabó para la discográfica Jazztime antes de volver a Blue Note en 1964 con Wahoo!

Y menudo disco. Con cinco temas de Pearson y “Fly Little Bird Fly”, de Byrd, rezuma sofisticación hard bop por los cuatro costados. El disco se abre paso desde los primeros compases de “Amanda”, pieza que Pearson admitió haber compuesto para “una joven apasionada y ardiente”. Aunque la música es muy ceñida, respaldada en todo momento por el excelente piano de Pearson, aún existe el suficiente espacio como para que los vientos dejen ver el contenido de sus corazones con los solos.

Los sutiles, cambiantes y bien medidos arreglos de todos los temas resultan particularmente convincentes y hacen que este álbum sea tan especial. Y eso donde mejor se percibe es en la seductora pieza que da título al disco, donde la alineación estelar de vientos da lugar a un dulce y puro sonido, sobre todo por parte del trompetista Byrd, con quien Pearson había tocado como acompañante la primera vez que grabó para Blue Note.

Aunque Pearson no es un solista estrella como puede serlo Horace Silver, su punto fuerte radica en la capacidad de aunar músicos y material de distinta naturaleza para dar lugar a una música cohesionada y de un atractivo inagotable. Hay melodías intensas repartidas por todo el disco, y aun cuando Pearson no sea un artista de primera, toca de una forma soberbia en la breve y dulcísima “Farewell Machelle”. Con sólo un piano, un bajo y una batería, esta grabación es tan romántica como cualquiera de las que conforman el catálogo que publicó Blue Note en las décadas de 1950 y 1960.

1 - Amanda

2 - Bedouin

3 - Farewell Machelle

4 - Wahoo

5 - ESP (Extrasensory Perception)

6 - Fly Little Bird Fly

Duke Pearson (piano), Donald Byrd (trompeta), James Spaulding  (saxo alto y flauta), Joe Henderson (saxo tenor), Bob Cranshaw (contrabajo), Mickey Roker (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 24 de Noviembre de 1964

Blue Note #41 - Horace Silver

Horace Silver

Song For My Father

Papá tocaba el violín, la guitarra y la mandolina sólo de oído. Le encantaba la música tradicional de Cabo Verde… De vez en cuando organizaban fiestas de baile en la cocina los sábados por la noche. Ponían la mesa de la cocina en un rincón para que se pudiera bailar mejor, y papá y sus amigos se encargaban de la música con las antiguas canciones caboverdianas que tocaban y cantaban.

**Horace Silver**

Ya con la pieza funky que da título al disco uno puede hacerse una idea de cuánto se divertía todo el mundo en aquellas fiestas nocturnas que se celebraban en la casa de Silver en Connecticut. A miles de kilómetros del pequeño archipiélago portugués situado frente a la costa oriental de África, se reunían para rendir homenaje a la música de su tierra natal. Con todo, este tema no es sólo jazz fusionado con ritmos portugueses: Silver había visitado Brasil a comienzos de 1964, hecho que se hace patente en los ritmos bossa nova, que también se pueden encontrar en “Qué Pasa?”, la cual parece emular a la primera pieza.

He aquí lo que dijo Silver muchos años después: “Siempre me he propuesto hacer música que resistiese el paso del tiempo. En los rincones más íntimos de mi mente siempre me pregunto si aguantará veinte o treinta años. He intentado componer música que resultase sencilla de escuchar y de tocar. Y es una ardua tarea. Es fácil componer algo sencillo pero tonto, así como algo que tenga profundidad pero que sea demasiado complejo. Aunar sencillez y profundidad para mí es lo más difícil”.

Silver alcanzó su propósito con éste disco, desde el hard bop the “The Natives Are Restless Tonight” a la alegre melodía de Joe Henderson titulada “The Kicker”. En la única pieza que no compuso Silver hay un furibundo solo de batería de Roger Humphries, quien sólo tenía veinte años cuando se grabó. El título del último tema, “Lonely Woman” (“Mujer Solitaria”), resulta perfecto: Silver materializa con delicadeza esta idea con una hermosa melodía mientras refrena las notas para maximizar el efecto.

1 - Song For My Father

2 - The Natives Are Restless Tonight

3 - Calcutta Cutie

4 - Que Pasa?

5 - The Kicker

6 - Lonely Woman

7 - Sanctimonious Sam

8 - Que Pasa? (trio version)

9 - Sighin' And Cryin'

10 - Silver Treads Among My Soul

Horace Silver (piano); Carmel Jones, Blue Mitchell (trompetas); Joe Henderson, Junior Cook (saxos tenores); Teddy Smith, Gene Taylor (contrabajos); Roger Humphries, Roy Brooks (baterías)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 31 de Octubre de 1963, 28 de Enero de 1964 y 26 de Octubre de 1964

Blue Note #35 - Andrew Hill

Andrew Hill

Point Of Departure

Hasta que llegamos  a “Dedication” la sesión destiló una completa felicidad. Pero entonces, una especie de melancolía se apoderó de nosotros. Hubo un momento después de que Kenny Tocase aquella parte con la sordina wah-wah en que dijo que se le habían saltado las lágrimas.

**Andrew Hill, notas originales, 1964**

Las cinco composiciones de este trascendental, aunque poco apreciado disco (excepto entre los entendidos), son obra del pianista de Chicago Andrew Hill: un coloso del piano bop y post bop. Se trata de un músico inmerso en la tradición de Monk, tal y como se puede inferir del título “New Monastery”, que puede traducirse como “Nuevo Monasterio”, y que hace referencia al apellido del pianista (“monje”); con todo, no es ningún copista ni un mero acólito: Hill tiene una fuerte voz propia y su música se merece llegar a un público más amplio. “Para mí, Monk es como el Ravel y Debussy en el sentido de que puso mucho de su personalidad en su música”, afirmó Hill, del cual puede decirse lo mismo, ya que su estilo es de una gran intensidad personal. Aunque su música se ha considerado vanguardista, esta clasificación parece quedarle pequeña en cierto modo a sus habilidades compositivas.

La estructura de “New Monastery” es un claro ejemplo del atractivo del disco. Uno tiene la sensación de que Hill, tras componer la pieza, dice a los demás músicos del grupo que sabe con exactitud hacia dónde se dirige la pieza y que se va a encargar de conducirlos hasta allí, que lo único que tienen que hacer es tejer sus frases entrelazadas y hacer magia.

En la anterior cita, Hill reconoce que la sesión cambió de rumbo al llegar a la quinta pieza. “Dedication” se tituló al principio “Cadaver” [sic], nombre que le va bien. La aridez, el vacío y la falta de alma que emanan del tema, intensificados por los breves silencios del piano de Hill, hacen de ella una pieza de singular intensidad. La primera sesión de Hill para Blue Note, en la que grabó junto a Joe Henderson, se había celebrado menos de seis meses antes que la de Point Of Departure; a esta le siguió otra con Hank Mobley antes de que Hill realizase su propio álbum, Black Fire, en noviembre de 1963, al cual le siguieron dos más: Smokestack y Judgement! Hill grabó cuatro discos enteros con sus propias composiciones en un intervalo de sólo cuatro meses: es un caso de creatividad desatada. Con todo, tuvo un efecto pernicioso a la hora de darse a conocer, ya que sus habilidades creativas y compositivas hicieron que su presencia como músico de acompañamiento fuese escasa, dado que prefería tocar su propia música.

Lado A

1 - Refuge

2 - New Monastery

Lado B

3 - Spectrum

4 - Flight 19

5 - Dedication 

Andrew Hill (piano), Kenny Dorham (trompeta), Eric Dolphy (saxo alto, flauta, clarinete bajo), Joe Henderson (saxo tenor), Richard Davis (contrabajo), Tony Williams (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Marzo de 1964

Blue Note #33 - Lee Morgan

Lee Morgan

The Sidewinder

El estilo de Morgan ha cambiado; no se parece tanto al de Clifford Brown como hace unos tres años. Aunque ya por aquel entonces a Morgan se le consideraba la joven promesa de la trompeta jazz, ahora es más original.

**Down Beat, 22 de Octubre de 1964**

Lee Morgan debutó en el mundo del jazz con la big band de Dizzy Gillespie cuando sólo contaba dieciocho años. Esta sesión de grabación tuvo lugar siete años después, y el álbum que de ella salió demostró que, sin lugar a dudas, Morgan era uno de los mejores trompetistas de su generación. Las cinco piezas de este disco, su octavo con Blue Note, están compuestas por Morgan; además, la primera es un nuevo e indiscutible estándar del jazz.

“The Sidewinder” es muy pegadiza: una vez que se ha escuchado, no se olvida nunca. A pesar de ser la primera en el disco, fue la última que se grabó en la sesión; de hecho, la toma que se lanzó es la vigesimoquinta, por lo que hicieron falta unos cuantos intentos hasta que la concluyeron. Morgan compuso la pieza in situ, y su espontaneidad aporta una frescura que resuena a lo largo de los 10 minutos y 25 segundos que dura. Estamos ante el funky jazz de la batería de Billy Higgins, un habitual de Blue Note durante la década de 1960, y el bajo de Bob Cranshaw, los cuales se encargan de que la música tenga un ritmo incesante. La interpretación pianística de Harris (esa fue su segunda sesión con Blue Note; la primera tuvo lugar en 1956) adolece de cierta vacilación, aunque esta crítica es en realidad una nimiedad. A pesar de que “The Sidewinder” fue un hit de un grupo de un único éxito deberíamos admirarnos, pero es que todo el álbum es excepcional. Entre las demás piezas destacan “Totem Pole” y “Hocus Pocus”, aunque en realidad cada una tiene algo que le hace recomendable, incluido un gran tema, y justifica la enorme reputación de Morgan como compositor. Además, en cada uno de estos temas vemos a un Henderson con claras influencias de Sonny Rollins, que da lo mejor de sí.

Aunque no cabe duda de que el disco impresionara al crítico de Down Beat Harvey Pekar, este se abstuvo de alabarlo con desmesura al lanzarse y sólo le concedió tres estrellas y media de un máximo de cinco. El tiempo ha sido un juez mucho más benévolo con este disco, que se considera en la actualidad uno de los mejores de Blue Note. Cuando salió, Alfred Lion puso en circulación menos de cinco mil copias, pero no tardó en verse en la necesidad de reeditarlo una y otra vez. El LP, en parte gracias al éxito del single, llegó al Nº 25 de la lista de Billboard y se mantuvo más de un año entre los más vendidos. Una versión de “The Sidewinder” incluso llegó a la lista de singles de Billboard, acontecimiento casi inédito para Blue Note y para el jazz. Además, más de medio siglo después de esta primera sesión, el disco sigue atrayendo a nuevos devotos.

1 - The Sidewinder

2 - Totem Pole

3 - Gary's Notebook

4 - Boy, What A Night

5 - Hocus-Pocus

6 - Totem Pole (alternate take)

Lee Morgan (trompeta), Joe Henderson (saxo tenor), Barry Harris (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Billy Higgins (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Diciembre de 1963

Blue Note #32 - Grant Green

Grant Green

Idle Moments

No suelo escuchar muchos guitarristas, sólo a cornetistas. Creo que me han influido mucho más estos últimos que los guitarristas. Solía pasarme la noche entera copiando solos de Charlie Parker nota por nota.

**Grant Green, 1961**

La primera pieza, “Idle Moments”, es uno de aquellos felices accidentes que tienen lugar en el estudio y, como tal, supone uno de los momentos más destacados de todas las grabaciones que realizó Blue Note a mediados de la década de 1960. Green tocó treinta y dos compases en lugar de dieciséis en el primer segmento del tema, y todos los demás solistas siguieron su ejemplo, por lo que la primera toma acabó por tener una duración de más de quince minutos. Alfred Lion quería que la pieza durase la mitad, por lo que volvieron a grabarla con solos de dieciséis compases. Ninguna de las posteriores tomas podía compararse a la versión larga y, cuando llegaron a la decimocuarta, volvieron al esquema de los treinta compases y se forjó una obra maestra.

Puede que este disco no marcase el nacimiento de lo cool, aunque no cabe duda de que fue su encarnación. Es, a su vez, un álbum de una enorme diversidad, lo que puede apreciarse en la emotiva sensualidad de la primera pieza, en el estilo swing de “Jean De Fleur”, firmada por Green, o la versión de “Dajango”, de John Lewis, que sirve a Green para tocar los licks que hacen que la guitarra jazzística suene tan bien. Por último, con “Nomad”, de Pearson, el disco se adentra en territorios del bop más convencionales con unas formas magistrales por parte de Henderson; con todo, incluso el solo de este se ve superado por Green, que se saca del archivo uno que estaba en la sección de “brillantes”. Aquellos a los que les encante este disco deberían escuchar Street Of Dreams, que se grabó un año después.

Así, cabe preguntarse por qué el talento de Grant Green no es tan conocido como el de muchos de sus coetáneos. Participó en su primera sesión con Blue Note en 1960 cuando tenía veinticinco años. Llegó a grabar veintinueve discos para la discográfica, de los cuales casi la tercera parte se publicó en fechas recientes a las correspondientes grabaciones, mientras que los demás vieron luz tras la muerte del músico, que tuvo lugar en 1979. El propio Lion quedó tan impresionado que le concedió a Green una sesión como líder sin la habitual insistencia en hacer que tocase primero como músico de acompañamiento.

Con el paso del tiempo, la reputación de Green ha aumentado, en parte gracias a la influencia que ha ejercido en el acid jazz: grupos tales como A Tibe Called Quest han sampleado sus temas.

1 - Idle Moments

2 - Jean De Fleur

3 - Django

4 - Nomad

5 - Jean De Fleur (alternate version)

6 - Django (alternate version)

Grant Green (guitarra), Joe Henderson (saxo tenor), Bobby Hutcherson (vibráfono), Duke Pearson (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Al Harewood (batería)

 Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 4 y 15 de Noviembre de 1963

Blue Note #32 - Grant Green

Grant Green

Idle Moments

No suelo escuchar muchos guitarristas, sólo a cornetistas. Creo que me han influido mucho más estos últimos que los guitarristas. Solía pasarme la noche entera copiando solos de Charlie Parker nota por nota.

**Grant Green, 1961**

La primera pieza, “Idle Moments”, es uno de aquellos felices accidentes que tienen lugar en el estudio y, como tal, supone uno de los momentos más destacados de todas las grabaciones que realizó Blue Note a mediados de la década de 1960. Green tocó treinta y dos compases en lugar de dieciséis en el primer segmento del tema, y todos los demás solistas siguieron su ejemplo, por lo que la primera toma acabó por tener una duración de más de quince minutos. Alfred Lion quería que la pieza durase la mitad, por lo que volvieron a grabarla con solos de dieciséis compases. Ninguna de las posteriores tomas podía compararse a la versión larga y, cuando llegaron a la decimocuarta, volvieron al esquema de los treinta compases y se forjó una obra maestra.

Puede que este disco no marcase el nacimiento de lo cool, aunque no cabe duda de que fue su encarnación. Es, a su vez, un álbum de una enorme diversidad, lo que puede apreciarse en la emotiva sensualidad de la primera pieza, en el estilo swing de “Jean De Fleur”, firmada por Green, o la versión de “Dajango”, de John Lewis, que sirve a Green para tocar los licks que hacen que la guitarra jazzística suene tan bien. Por último, con “Nomad”, de Pearson, el disco se adentra en territorios del bop más convencionales con unas formas magistrales por parte de Henderson; con todo, incluso el solo de este se ve superado por Green, que se saca del archivo uno que estaba en la sección de “brillantes”. Aquellos a los que les encante este disco deberían escuchar Street Of Dreams, que se grabó un año después.

Así, cabe preguntarse por qué el talento de Grant Green no es tan conocido como el de muchos de sus coetáneos. Participó en su primera sesión con Blue Note en 1960 cuando tenía veinticinco años. Llegó a grabar veintinueve discos para la discográfica, de los cuales casi la tercera parte se publicó en fechas recientes a las correspondientes grabaciones, mientras que los demás vieron luz tras la muerte del músico, que tuvo lugar en 1979. El propio Lion quedó tan impresionado que le concedió a Green una sesión como líder sin la habitual insistencia en hacer que tocase primero como músico de acompañamiento.

Con el paso del tiempo, la reputación de Green ha aumentado, en parte gracias a la influencia que ha ejercido en el acid jazz: grupos tales como A Tibe Called Quest han sampleado sus temas.

1 - Idle Moments

2 - Jean De Fleur

3 - Django

4 - Nomad

5 - Jean De Fleur (alternate version)

6 - Django (alternate version)

Grant Green (guitarra), Joe Henderson (saxo tenor), Bobby Hutcherson (vibráfono), Duke Pearson (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Al Harewood (batería)

 Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 4 y 15 de Noviembre de 1963

Blue Note #29 - Joe Henderson

Joe Henderson

Page One

Un muy impresionante primer LP de este joven saxofonista tenor de Lima, Ohio. Aunque es evidente que este músico ha escuchado a John Coltrane, sus concepciones son más resueltas y tiene un sentido estructural y compositivo más cohesionado. Algunas de las mejores piezas son “Blue Bossa”, “Homestretch” y “Recorda-Me”

**Billboard, 26 de Octubre de 1963**

El debut de Joe Henderson como líder de grupo se grabó dos meses después de su primera sesión con Blue Note, que se celebró en Abril de 1963 para el disco Una Mas, de Kenny Dorham, y no mucho después el saxofonista tenor tuvo que abandonar la música para servir al ejército estadounidense. El trompetista, que por aquel entonces se movía en el centro de la escena del jazz neoyorquino, le devolvió el favor al tocar en el espectacular disco de Henderson, uno de los mejores que lanzó Blue Note a comienzos de la década de 1960 y, para muchos, un clásico del hard bop.

Desde los primeros compases de “Blue Bossa”, de Dorham, se pone de manifiesto que nos encontramos ante un disco especial, y la seguridad con la que Tyner lleva el piano tiene la fuerza de arrastrar. Sin embargo, son los solos de Henderson lo que más destaca: resulta difícil creer que este sea su debut, ya que toca con gran fluidez y confianza. Antes de esta fecha, Tyner había tocado en tres de los discos de Freddie Hubbard para Blue Records y, como lo señala Dorham en las notas del disco original, era “probablemente uno de los mejores jóvenes pianistas del jazz”. Aunque Tyner tenía veintitrés años cuando tocó en este disco, ya había realizado dos sesiones para Impulse!, y un día después de grabar Page One ya estaba de vuelta en el estudio de Van Gelder para comenzar a trabajar en el que sería su tercer álbum. Toda esta actividad discográfica repercutió en la omisión del nombre de McCoy Tyner en la portada, ya que al saxofonista le preocupaba que se incumpliera su contrato con una discográfica rival.

Además del tema de apertura, Dorham también compuso “La Mesha”, mientras que Henderson firmó las otras cuatro piezas, que son excelentes, aunque en especial “Recorda-Me”, la cual se ha convertido en una especie de estándar con el paso de los años. El último tema del disco, “Out Of The Night”, que también es sublime, sirve para coronar un convincente debut que legitima la pregunta acerca de si es el mejor disco que grabó Henderson para Blue Note.

1 - Blue Bossa

2 - Le Mesha

3 - Homestretch

4 - Recorda Me

5 - Jinrikisha

6 - Out Of The Night

Joe Henderson (saxo tenor), Kenny Dorham (trompeta), McCoy Tyner (piano), Butch Warren (contrabajo), Pete La Roca (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 3 de Junio de 1963