Murakami y el Jazz #4

"El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas" no cuenta una historia, sino dos, aunque conectadas de una manera sorprendente en la última parte de este peculiar libro. Por un lado, tenemos a "Yo" que, por motivos desconocidos, se ve impelido a vivir en una extraña ciudad en la que trabajará como lector de sueños contenidos en los cráneos de unas criaturas similares a unicornios. Además de tener que dejar atrás a su sombra, "Yo" debe pagar un alto precio por quedarse en este tranquilo lugar en el que sus habitantes acaban perdiendo el corazón. Esta misteriosa ciudad se llama El fin del mundo y está rodeada por una muralla impenetrable que no sólo retiene a sus habitantes tras sus muros, sino que también parece mantener alejados los recuerdos de sus vidas anteriores.

La otra historia nos sitúa en un Tokio futurista, en el que el protagonista trabaja como calculador para el gobierno, debido a su potencial para modificar y procesar ciertos datos. Lleva una vida tranquila y humilde hasta que recibe el encargo de un científico relacionado con su asombrosa capacidad para calcular, un trabajo que lo lleva a enfrentarse a diversos peligros que deberá sortear para comprender realmente qué le ocurre y para evitar que la especie de "despiadado país de las maravillas" en el que vive llegue a su fin.

Las dos historias aparecen intercaladas y ambas se van poniendo más interesantes conforme avanza la trama, sobre todo cuando el lector empieza a vislumbrar los paralelismos y puntos de unión entre ambas. Una vez más, Murakami muestra su sello característico, sobre todo en lo referente a su profundo análisis psicológico de los personajes, terriblemente humanizados al quedar de manifiesto sus gustos, miedos, manías, rarezas y pensamientos, y sentando las bases de lo que aparecerá en "Crónica del pájaro que da cuerda al mundo" o en "1Q84". 

Pero vayamos a nuestro juego. ¿Cuánto jazz hay presente en el libro? Como el libro está estructurado de tal manera que se intercalan los capítulos (uno para "El fin del mundo", otro para "Un despiadado mundo de las maravillas"), las referencias están todas en los referidos al "despiadado mundo" de un Japón surrealista. Y la primera aparece en el Capítulo 33, en cuyo comienzo Murakami deja "el rastro" de su juego: 

Como era un domingo lluvioso, las cuatro secadoras de la lavandería de autoservicio estaban ocupadas.

El protagonista sale a dar una vuelta mientras su ropa se lava y se seca. Pasea, entra a un bar, vuelve por su ropa limpia, toma un tren subterráneo a Shinjuku, alquila un auto...

Luego, fui a una tienda de discos y compré algunas cintas de casete. "Grandes éxitos" de Johnny Mathis; "Noche transfigurada" de Schönberg, dirigida por Zubin Mehta; "Stormy Sunday", de Kenny Burrell; "The Popular", de Duke Ellington; los "Conciertos de Brandemburgo", con Trevor Pinnock, y un casete de Bob Dylan que contenía "Like A Rolling Stone". Una selección lo más variopinta, pero no quedaba otra solución: a saber, qué música me apetecería escuchar cuando subiera al Carina 1800 GT Twin Cam Turbo.

Dos discos de jazz mencionados. Y uno de ellos, no existe: el "Stormy Sunday" que, en realidad, debe haber sido el "Stormy Monday Blues" de Burrell. Pero como en la ficción era un domingo (sunday) lluvioso, el "juego murakamiano" cobra sentido.

Kenny Burrell

Stormy Monday Blues

1 - Stormy Monday Blues

2 - Azure Te (Paris Blues)

3 - One For My Baby (And One More For The Road)

4 - (I'm Afraid) The Masquerade Is Over

5 - Why Did I Choose You?

6 - I Got It Bad (And That Ain't Good)

7 - Three Thousand Miles Back Home

8 - Kim-Den Strut

9 - Habiba

10 - Quiet Lady

(#1 a #6):

Kenny Burrell (guitarra); Richard Wyands (piano); John Heard (contrabajo); Lenny McBrowne, Richie Goldberg [#1 y #4] (baterías).

(#7 a #10):

Kenny Burrell (guitarra), Jerome Richardson (flauta y saxos soprano y tenor), Kirk Lightsey (pianos eléctricoy acústico), Stanley Gilbert (contabajo acústico y bajo eléctrico), Eddie Marshall (batería).

Grabaciones realizadas en Fantasy Studios, Berkeley, entre el 18 y el 20 de junio de 1974 (#1 a #6) y entre el 29 y 30 de enero de 1975 (#7 a #10)

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Duke Ellington

The Popular Duke Ellington

Lado 1

1 - Take The "A" Train

2 - I Got It Bad (And That Ain't Good)

3 - Perdido

4 - Mood Indigo

5 - Black And Tan Fantasy

Lado 2

6 - The Twitch

7 - Solitude

8 - Do Nothing Till You Hear From Me

9 - The Mooche

10 - Sophisticated Lady

11 - Creole Love Call

Duke Ellington (piano); Cat Anderson, Mercer Ellington, Herb Jones, Cootie Williams (trompetas); Lawrence Brown, Buster Cooper (trombones); Chuck Connors (trombón bajo); Russell Procope (saxo alto y clarinete); Johnny Hodges (saxo alto); Jimmy Hamilton (saxo tenor y clarinete); Paul Gonsalves (saxo tenor); Harry Carney (saxo barítono); John Lamb (contrabajo); Sam Woodyard (batería).

Grabado en el Music Center of the World de RCA Victor, Hollywood, California, el 9 y el 11 de mayo de 1966.

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La siguiente "pista" está un capítulo más adelante de la historia del "despiadado mundo", es decir en el Capítulo 25. El protagonista va rumbo a una cita en una biblioteca. Está con hambre y, junto con la "chica de las consultas" de la biblioteca, se dirigen a un restaurante. Comen, hablan de libros y a continuación van a la casa de ella, a seguir comiendo... pizza:

Ella sacó una pizza del congelador, la metió en el horno y, después, trajo la botella de Chivas Regal, vasos y hielo a la mesita del cuarto de estar. Encendí el estéreo y fui poniendo varios casetes. Elegí a mi gusto cintas de Jackie McLean, Miles Davis, Wynton Kelly, música de ese estilo. Mientras se hacía la pizza, escuché "Bags' Groove" y "The Surrey with a Fringle on Top" y bebí whisky. Ella abrió una botella de vino para ella.

— ¿Te gusta el jazz antiguo? — inquirió

— En la época del instituto, me pasaba el día escuchando este tipo de jazz en los cafés.

Aquí hay un sólo disco bien definido (el de Miles).  Un tema en especial ("The Surrey with a Fringle on Top"), que sirve para "intervenir" en la discografía de Wynton Kelly, y una mención de Jackie McLean que me sugiere una época y un sello discográfico en particular...

Jackie McLean

4, 5 and 6

1 - Sentimental Journey

2 - Why Was I Born?

3 - Contour

4 - Confirmation

5 - When I Fall In Love

6 - Abstraction

Jackie McLean (saxo alto), Donald Byrd (trometa en #3, #4 y #6), Hank Mobley (saxo tenor en #4), Mal Waldron (piano), Doug Watkins (contrabajo), Arthur Taylor (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 13 de julio de 1956 (#1 a #3) y el 20 de julio de 1956 (#4 a #6).

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Miles Davis

Bags Groove

1 - Bags' Groove (take 1)

2 - Bags' Groove (take 2)

3 - Airegin

4 - Oleo

5 - But Not For Me (take 2)

6 - Doxy

7 - But Not For Me (take 1)

Miles Davis (trompeta), Sonny Rollins (saxo tenor #3 a #7), Milt Jackson (vibráfono #1 y #2), Horace Silver (piano #3 a #7), Thelonious Monk (piano #1 y #2), Percy Heath (contrabajo), Kenny Clarke (batería).

Grabaciones realizadas en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 29 de junio de 1954 (#3 a #7) y el 24 de diciembre de 1954 (#1 y #2).

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Wynton Kelly

Someday My Prince Will Come

1 - Someday My Prince Will Come

2 - Gone With The Wind

3 - Autum Leaves

4 - Come Rain Or Shine

5 - Weird Lullaby

6 - Sassy

7 - Wrinkles

8 - On Stage

9 - Char's Blues

10 - Love, I've Found You

11 - Surrey With The Fringe On Top (take 3)

12 - Joe's Avenue (take 4)

13 - Someday My Prince Will Come (take 5)

14 - Autumn Leaves (take 1)

15 - Char's Blues (take 2)

Wynton Kelly (piano), acompañado por Sam Jones (contrabajo), Jimmy Cobb (batería), excepto en:

(#5, #7 y #8):

Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

(en #7):

Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor).

Grabado en Bell Sound Studios, Nueva York, el 20 y el 21 de setiembre de 1961.

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La última "pista" aparece en el Capítulo 27, el siguiente del "despiadado mundo de las maravillas". El anterior finalizaba con "Yo" y "la chica" haciendo el amor. Ya despiertos al día siguiente, "Yo" está en la cocina de la casa de ella, escucha una emisora de FM en la que están pasando música referida a la estación en que se encuentran: el otoño.

Difunden "Autumn Leaves" (en dos versiones: la del pianista Roger Williams y la de la orquesta de Frank Chacksfield). Y a continuación:

Al acabar la melodía, una locutora comentó: "¡Ya estamos en otoño!". Luego habló del olor del primer jersey que te pones en otoño. Dijo que en una novela de John Updike hay una buena descripción de este olor. La siguiente melodía fue "Early Autumn" de Woody Herman. El reloj de cocina de encima de la mesa señalaba las siete de la mañana del 3 de octubre. Lunes. El cielo estaba tan claro y parecía tan profundo como si hubiesen escarbado su fondo con un cuchillo afilado. No parecía un mal día para dejar este mundo.

Woody Herman

Keeper Of The Flame

1 - That's Right

2 - Lemon Drop

3 - I Got It Bad (And That Ain't Good)

4 - I Ain't Gettin' Any Younger

5 - Early Autumn

6 - More Than You Know

7 - Keeper Of The Flame

8 - The Crickets

9 - More Moon

10 - Detour Ahead

11 - Jamaica Rhumba

12 - Not Really The Blues

13 - Tenderly

14 - Lollipop

15 - I'll Be Clad When You're Dead, You Rascal You

16 - You've Got A Date With The Blues

17 - Rhapsody In Wood

18 - The Great Lie

19 - In The Beginning

Woody Herman (saxo alto, clarinete, vocalista), acompañado por:

Al Porcino, Bernie Glow, Charlie Walp, Ernie Royal, Red Rodney, Shorty Rogers, Stan Fishelson (trompetas); Sam Marowitz (saxo alto); Al Cohn, Buddy Savitt, Gene Ammons, Jimmy Giuffre, Stan Getz, Zoot Sims (saxos tenores); Bart Varsalona, Bill Harris, Bob Swift, Earl Swope, Ollie Wilson (trombones);Serge Chaloff (saxo barítono); Lou Levy (piano); Terry Gibbs (vibráfono); Chubby Jackson, Joe Mondragon, Oscar Pettifor (contrbajos); Don Lamond; Shelly Manne (baterías); Mary Ann McCall (vocalista). [información detallada en librillo]

Grabaciones realizadas el 19 de diciembre de 1948 (#1 y #2), el 30 de diciembre de 1948 (#3 a #7), el 26 de mayo de 1949 (#8 y #9), el 14 de julio de 1949 (#10 a #12), el 20 de julio de 1949 (#13 a #15) y el 21 de julio de 1949 (#16 a #19). 

Retratos en Jazz #9 - Charles Mingus

Charles Mingus (1922-1979)

Nació en Arizona. En 1940 comenzó a hacerse un nombre como contrabajista. En 1952 fundó, con Max Roach, el sello Debut Records. Posteriormente, con Teddy Charles, formó el Jazz Composers Workshop. Como compositor y arreglador, experimentó audazmente con su propia música, y de ese experimento nació la famosa pieza Pithecanthropus Erectus. Posteriormente compuso una tras otra, obras fuertemente ideológicas que desahogaban su enojo ante la injusticia de la discriminación racial.

Pithecanthropus Erectus (Atlantic 1237)

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 Charles Mingus

Pithecanthropus Erectus

1 - Pithecanthropus Erectus

2 - A Foggy Day

3 - Profile Of Jackie

4 - Love Chant

Charles Mingus (contrabajo), Jackie McLean (saxo alto), J. R. Monterose (saxo tenor), Mal Waldron (piano), Willie Jones (batería)

Grabado en Audio-Video Studios, Nueva York, el 30 de enero de 1956

Teatro, cine y jazz: Una Gran Conexión

Ninguna pieza de teatro ha ofrecido tanto a tantos músicos de jazz como lo hizo The Connection, famosa obra creada por Jack Gelber, un escritor estadounidense cuyo perfil artístico estuvo plenamente alineado con el movimiento de la "Beat Generation".

Estrenada en Nueva York el 15 de Julio de 1959, se convirtió en el primer gran éxito del celebérrimo (y aún existente) Living Theatre, una compañía creada en 1947 (es el grupo de teatro experimental más antiguo que existe en Estados Unidos), la cual concibe al teatro como una forma de vida. Sus integrantes viven en comunidad bajo principios libertarios, dedicados a transformar la organización del poder dentro de una sociedad autoritaria y cuya estructura jerárquica propende a una comunidad cooperativa.

Su objetivo principal consiste en representar obras experimentales -que a menudo abordan temas controversiales-, e intentan contrarrestar la complacencia del público a través de participaciones directas de la audiencia. Sus espectáculos colectivos dejan mucho espacio para la improvisación y, para conseguir una respuesta inmediata del público, muchas veces se representan en lugares tan insólitos como talleres industriales, en la calle o en "happenings". Está básicamente inspirada en el anarquismo y  el "teatro de la crueldad" de Antonín Artaud.

La música original para el estreno de The Connection, estuvo a cargo del pianista Freddie Redd que, junto al grupo integrado por Jackie McLean en saxo alto, Michael Mattos en contrabajo y Larry Ritchie en batería, actuaba en vivo en el mismo escenario, sumándose de manera integral a la obra y, en ocasiones, tomando roles actorales haciéndose cargo de algunas líneas del guion. Dicha banda sonora fue registrada para el sello Blue Note en Febrero de 1960.

Freddie Redd Quartet - Music From The Connection 

Lado A

1 - Who Killed Cock Robin?

2 - Wigglin'

3 - Music Forever

Lado B

1 - Time To Smile

2 - Theme For Sister Salvation

3 - Jim Dunn's Dilemma

4 - O.D.

Si bien la versión del Freddie Redd Quartet fue también la banda sonora del film, hubo una segunda versión registrada el 13 de junio de 1960 para el sello Felsted a cargo del trompetista Howard McGhee liderando un quinteto que completaron Tina Brooks en saxo tenor, Freddie Redd al piano (identificado con I. Ching por razones contractuales), Milt Hinton en contrabajo y Osie Johnson en batería.

Howard McGhee Quintet -  Music From The Connection

Lado A

1 - Who Killed Cock Robin?

2 - Wigglin'

3 - Music Forever

Lado B

1 - Time To Smile

2 - Theme For Sister Salvation

3 - Jim Dunn's Dilemma

4 - O.D. (Overdose)

Cuando la obra salió de gira por Europa en el verano de 1961, hubo una reescritura de su banda sonora, esta vez compuesta por saxo barítono Cecil Payne y el pianista Kenny Drew.

De regreso a Nueva York, estas nuevas partituras fueron llevadas al disco por Payne en formato de quinteto junto a Clark Terry en trompeta, Bennie Green en trombón, Duke Jordan al piano, Ron Carter en contrabajo y Charlie Persip en batería. Las sesiones de grabación se realizaron entre el 14 y el 16 Marzo de 1962 para el sello Charlie Parker Records. 

Cecil Payne - The Connection

Lado A

1 - Stop And Listen

2 - Born Again

3 - Dear People

Lado B

1 - Kenny's One

2 - Sister Carol

3 - Mighty Fine Wine

4 - It's Your Life

Los elogios logrados por la temática de la obra y la incorporación de música en vivo al espectáculo propiciaron una salida de la "gran manzana", lanzándose una producción en la Costa Oeste. Para la versión de Los Angeles, el encargado de la música fue el gran saxo tenor Dexter Gordon.
Dexter no sólo compuso el repertorio sino que también debutó como actor formando parte del elenco caracterizando a Ernie, uno de los personajes cuyo perfil le venía como anillo al dedo ya que se trataba de un talentoso y atractivo músico de jazz, de hablar suave y perdidamente adicto a la heroína.

Si bien esta producción nunca fue grabada integralmente, tres de sus temas ("Soul Sister", "I Want More" y "Ernie's Theme") formaron parte del repertorio registrado para su disco Dexter Calling, realizado para el sello Blue Note y grabado en los estudios de Rudy Van Gelder el 9 de Mayo de 1961. Al tenor lo acompañaron Kenny Drew al piano, Paul Chambers en contrabajo y Philly Joe Jones en la batería.

Dexter Gordon - Dexter Calling

1 -Soul Sister

2 - Modal Mood

3 - I Want More

4 - The End Of A Love Affair

5 - Clear The Dex

6 - Ernie's Tune

7 - Smile

8 - Landslide

A todas las grabaciones referidas a The Connection, se sumó una producción del veterano baterista Aldo Romano (1941, Belluno, Italia), liderando un cuarteto que se completó con dos representantes de la "nueva sangre" europea de entonces, el saxofonista Baptiste Herbin (1985, Chartres, Francia) y  el pianista Alessandro Lanzoni (1992, Florencia, Italia), más la segura solidez de otro veterano, el contrabajista argelino Michel Benita (1954, Argel, Argelia).

La grabación tuvo lugar en París para el sello Dreyfus, el 28 y 29 de Mayo de 2012 retomando así la música de Freddie Redd pretendiendo, según Romano, realizar un respetuoso tributo de los jazzistas de la época, muertos por la droga ante la indiferencia general de una sociedad que no entendió nada sobre su música.

Aldo Romano' New Blood - Plays The Connection

1 - Who Killed Cock Robin

2 - Wigglin’

3 - Music Forever

4 - Time To Smile

5 - Theme For Sister Salvation

6 - Jim Dunn’s Dilemma

7 - O.D. (Overdose)

8 - Murmur

9 - Conception

10 - Ballade For Jackie

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Y entonces, llegamos a la versión cinematográfica.

Con un formato de "cine dentro del cine", The Connection fue la primera película dirigida por la cineasta experimental estadounidense Shirley Clarke tras realizar varios cortometrajes durante la década anterior. La película fue objeto de importantes casos judiciales relacionados con la censura debido a que la palabra "mierda" aparece en varias ocasiones como referencia a las drogas.

El caso llegó hasta la Corte del Estado de Nueva York de Apelaciones (la corte más alta del estado). El Tribunal de Apelaciones confirmó la decisión del nivel intermedio de la División de Apelación, que había sostenido que, aunque se tratase de algo "vulgar", el uso del término podría no ser considerado obsceno. 

En última instancia, la presión ejercida por la Asociación Francesa de Críticos de Cine finalmente pudo más y finalmente se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 1961, aunque la película no tuvo éxito en la taquilla.

Con los textos de Jack Gelber, autor de la obra teatral, la acción sigue a un joven cineasta que intenta filmar a un grupo de adictos a la heroína esperando que llegue su traficante, muchos de ellos músicos de jazz. Está filmada casi sin cortes y haciendo entrar y salir en el plano a los personajes (que según sus propias palabras son “yonkis” adictos a la heroína), en un ambiente típico del Nueva York de comienzos de la década de 1960. 

Sin que preocupasen los problemas derivados del corte, del empalme y de la edición, el espectador se interna en el caos de un loft deprimente, donde no hay ningún tipo de horario ni tampoco hora de ensayo. 

En la película aparecen todos los músicos de la producción teatral original: Freddie Redd (compositor, piano), Jackie McLean (saxo alto), Michael Mattos (contrabajo) y Larry Ritchie (batería). 

Mientras McLean toca su saxo, los demás hablan de sus problemas de adicciones y de sus vidas en general. También están en la ficción el director de "la experiencia" y su camarógrafo quienes compran la voluntad de los participantes del reality a cambio de pagarles la cuota de droga de una semana, queriendo grabar un documental lo más real posible.

Se presenta aquí la versión lanzada por Milestone Films el 4 de mayo de 2012, restaurada por el UCLA Film and Television Archive y con subtítulos en español.

The Connection (Shirley Clarke, 1961)

Personal

Diseño de producción - Richard Sylbert

Director de arte - Albert Brenner

Productor asociado - James Di Gangi

Fotografía - Arthur J. Ornitz

Música - Freddie Redd

Producción - Lewis Allen y Shirley Clarke

Guión -Jack Gelber

Editora asociada y asistente de guión - Patricia Jaffe

Dirección y Edición - Shirley Clarke

Reparto

Warren Finnerty - Leach

Jerome Raphel - Solly

Garry Goodrow - Ernie

James Anderson - Sam

Carl Lee - Cowboy

Barbara Winchester - Hermana Salvación

Henry Proach - Harry

Roscoe Browne - J.J. Burden

William Bedfield - Jim Dunn

Músicos

Freddie Redd - Piano

Jackie McLean - Saxo alto

Larry Ritchie - Batería

Michael Mattos - Contrabajo

Blue Note #31 - Grachan Moncur III

Grachan Moncur III

Evolution

Esta es una colección provocativa, tanto por la promesa que encierra como por la propia música. Estos músicos se la juegan para abrir nuevos y arriesgados caminos.

**Pete Welding, Down Beat, Septiembre de 1964**

Además del debut del trombonista de veintiséis años como líder, Evolution es uno de los mejores discos de vanguardia lanzados por Blue Note. Moncur participó en una gira con Ray Charles tras abandonar la educación secundaria y antes de unirse al grupo de Art Farmer y Benny Golson para, después, unirse a Sonny Rollins. Comenzó a destacar con su participación con Jackie McLean en los discos del saxofonista One Step Beyond y Destination… Out!, ambos para Blue Note.

Grabado el dìa antes del asesinato de John Fitzgerald Kennedy, y con la colaboración de McLean, Evolution marcó la pauta del jazz atmosférico. La primera pieza, “Air Raid”, determina el tono general del álbum. Al igual que los otros tres temas, su estructura es la propia de un miniconcierto. Con el diestro fondo construido por el vibráfono, el bajo y la batería, cada uno de los vientos toca su propia parte antes de unirse para rematar la pieza. La destreza musical con la que interpretan es precisa y definida; de lo contrario, este disco podría haber degenerado hasta convertirse en esa suerte de caos vanguardista que da al jazz mala fama. El disciplinado enfoque se hace evidente en la pieza que da título al disco y que tiene ciertos tintes orientales: respaldado por la batería y el bajo, el austero vibráfono suena como el tañido de una campana de funeral. La segunda cara se abre con “The Coaster”, que presenta un tema recurrente y un alegre y animado blues que hace que los doce minutos que dura transcurran sin que nos demos cuenta.

“Monk In Wonderland” captó la “agria y epigramática sensación” de la obra de Thelonious, tal como señaló Pete Welding en Down Beat. El título (traducible por “Monk en el País de las Maravillas”) queda perfecto, aunque más perfecta es aún su ejecución. Down Beat también acertó respecto a la promesa del disco en su totalidad como colección, y no deja de ser lamentable que Moncur no tuviera otra oportunidad de volver a grabar como líder.

1 - Air Raid

2 - Evolution

3 - The Coaster

4 - Monk In Wonderland

Grachan Moncur III (trombón), Lee Morgan (trompeta), Jackie McLean (saxo alto), Bobby Hutcherson (vibráfono), Bob Cranshaw (contrabajo, Tony Williams (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Noviembre de 1963

Blue Note #23 - Jackie McLean

Jackie McLean

Let Freedom Ring

Enorgullece decir que mi currículum musical procede de las universidades de Bud Powell, Miles Davis, Charles Mingus, Art Blakey y, por supuesto, Bird. Gran parte de mis inicios en el jazz transcurrieron en la casa de Monk, que ha sido un estimado amigo durante años.

**Jackie McLean, notas de Let Freedom Ring**

Tres de las piezas son composiciones originales de McLean, y “I’ll Keep Loving You” la firma Bud Powell. Las cuatro fabulosas, y la forma de tocar del saxofonista está dominada por la inspiración, motivo por el cual este disco levanta justificadas pasiones. Desde los primeros compases de “Melody For Melonae”, con la batería de Higgins sonando como si la tuviéramos en la misma habitación, uno sabe que está ante algo especial y con una diferencia sustancial respecto a las demás sesiones de Blue Note de aquella época.

La influencia de Ornette Coleman puede percibirse a lo largo de todo Let Freedom Ring. Aunque Higgins se graduó en el grupo de Coleman, este es un excepcional disco post bop que cuenta con elementos de vanguardia y da la sensación de construir un nexo entre lo antiguo y lo nuevo. A pesar de estos elementos vanguardistas, su música se sumerge en las raíces del blues: las dos piezas de la cara 2 del álbum original están basadas en el antiguo modelo de los doce compases.

McLean ya había grabado nueve discos para Prestige antes de debutar con Blue Note en 1959 con New Soleil. Let Freedon Ring era el séptimo álbum que grababa con la discográfica, todo ello con el prodigioso dato de que sólo tenía treinta años por aquel entonces. En su primera sesión para Blue Note, en 1952, había tocado para Miles Davis cuando le quedaba una semana para cumplir los veintiún años.

Como rareza en comparación con los demás discos de Blue Note de la época, este cuenta con las notas del propio McLean, las cuales, por cierto, son muy buenas e instructivas. Aunque era del todo consciente de su situación en el olimpo del jazz, hay algo que deja bien claro: su humildad. McLean ejerció más adelante como profesor y fundó su propio colectivo de músicos.

1 - Melody For Melonae

2 - I'll Keep Loving You

3 - Rene

4 - Omega

Jackie McLean (saxo alto), Walter Davis, Jr. (piano), Herbie Lewis (contrabajo), Billy Higgins (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de Marzo de 1962

Blue Note #14 - Sonny Clark

La música se tocó como quise que se tocase y tuve a los músicos con los que había deseado grabar desde hacía mucho tiempo.

**Sonny Clark, 1958**

El título de este álbum, grabado en la primera sesión de 1958 para Blue Note, procede de la primera pieza, que establece como tono del disco la perfección. Todo en él emana frescura y, tanto “Cool Struttin’” como “Blue Minor” son temas destacables de un álbum que no tiene desperdicio. La última pieza, en la que Clark toca al estilo Monk, había formado parte del repertorio del pianista durante un tiempo antes de que grabase; esperaba hallar a los músicos adecuados con los que trabajar

Clark conoció a Farmer en Pasadena, Los Angeles, donde ambos vivían, y de inmediato le gustó la forma de tocar del trompetista; obsérvese su solo en “Sippin’ At Bells”, de Miles Davis, Donte Art Farmer demuestra con creces que tiene su propio estilo. Clark ya había realizado muchas grabaciones para Blue Note como músico de acompañamiento de Hank Mobley, Curtis Fuller, John Jenkins y Cliff Jordan, así como líder del grupo durante los anteriores doce meses.

El amor de Clark por el blues se hace patente a lo largo de todo el disco, un “clásico del hard bop”, como lo definió The New York Times, que dista mucho de ser una obra unidireccional. La credencial swing de Sonny Clark puede percibirse sobre todo en “Deep Night”, una canción coescrita con un crooner de antes de la guerra llamado Rudy Valee y en la que su interpretación pianística aparece con mucha soltura cuando Art Farmer comienza con sus aseveraciones. De un modo semejante, Jackie McLean, que contaba tan sólo veintiséis años cuando se grabó este disco, realiza una ejecución larga, suave y seductora.

Y por último, está la portada. Es muy distinta de los típicos diseños de Reid Miles, aunque, en parte, es esto lo que hizo de él un gran genio. Miles capta la esencia de la música de un modo magnífico. Se trata de un sofisticado jazz neoyorquino de la mejor calidad.

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 NOTA: quiero agregar algo más… junto con el Kind Of Blue de Miles Davis, posiblemente sea éste el segundo disco elegido para mi propia isla desierta. No sólo por su contenido musical –seguramente el epítome del hard bop de finales de 1950- sino por las seductora carátula con las bellísimas piernas de Ruth Mason, una chica que llegó a Nueva York en 1944 para estudiar canto y rápidamente se convirtió en una figura central de la escena del jazz de Harlem desde su programa radial en la emisora WOV. A la larga, ella fue otro de los grandes descubrimientos del fundador de la Blue Note, Alfred Lion. Se casó con ella pero hubo entre ellos mucho más que un simple matrimonio. 

Ya convertida en Ruth Lion se zambulló fervientemente en las operaciones del sello discográfico llegando a ser todo aquello que tanto su esposo Alfred como Francis Wolff pudieran necesitar: una de sus gerentes principales en asuntos de publicidad, relaciones artísticas y modelo de portadas. Así como en Cool Struttin' fueron sus piernas las que tradujeron el elegante "paso" del jazz neoyorquino, fue en el Moods del trío The Three Sound donde le puso el rostro al relajado y extraordinario swing.

Sonny Clark

Cool Struttin’

1 - Cool Struttin'

2 - Blue Minor

3 - Sippin' At Bells

4 - Deep Night

5 - Royal Flush

6 - Lover

Sonny Clark (piano), Jackie McLean (saxo alto), Art Farmer (trompeta), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 5 de Enero de 1958.

Blue Note #8 - Miles Davis

Eso es lo que hace que el jazz sea tan emocionante, iluminando el carácter del hombre que lo toca, creando sensaciones y transmitiendo vibraciones concebidas en el preciso instante de la creación. Y es en este proceso en el que Miles es un consumado maestro.

**Leonard Feather (notas del LP original) **

Gran parte de este material se publicó en álbumes de diez pulgadas poco después de grabarse. Los temas de la sesión de 1952 dieron pie al álbum de Miles Davis Young Man With A Horn, incluido en la serie Modern Jazz de Blue Note, mientras que la sesión de 1953 recibió el tratamiento de segundo volumen. Tuvo que llegar la sesión de 1954, grabada en el neoyorkino cuarto de estar de Rudy Van Gelder, para que se recopilase todo el material que se convertiría en el primer LP de doce pulgadas lanzado por Blue Note.

La primera sesión distó mucho de recopilar lo mejor de Miles: en aquellos momentos tenía una grave adicción a la heroína y no tenía un grupo con el que tocase de forma habitual. Sin embargo, a medida que iban avanzando las tres sesiones, también lo hacía una auténtica pieza narrativa de la historia musical, ya que Davis se dedicaba a ir más allá del bop puro para crear un estilo y una visión propios.

La sesión de 1953 es indispensable y suficientemente buena como para considerarse sucesora del seminal Birth Of The Cool. En las piezas que brabó Van Gelder aparece la trompeta de Miles, aunque no el saxofón, proporcionando al trompetista el control total.

En “Take Off” y “The Leap” deja claro como tocar un solo de trompeta perfecto. Si nos remontamos a 1955, cuando salió esta sesión en un álbum de diez pulgadas, podremos leer que en la Down Beat se sugiere que se habría “beneficiado con la inclusión de una corneta más”. Me permito el lujo de discrepar.

Miles Davis

Volume 1

1 - Dear Old Stockholm

2 - Chance It

3 - Donna

4 - Woody 'n' You

5 - Yesterdays

6 - How Deep Is the Ocean?

7 - Chance It (alternate take)

8 - Donna (alternate take)

9 - Woody 'n' You (alternate take)

10 - Take Off

11 - Lazy Susan

12 - The Leap

13 - Well You Needn't

14 - Weirdo

15 - It Never Entered My Mind

Miles Davis

Volume 2

1 - Kelo

2 - Enigma

3 - Ray's Idea

4 - Tempus Fugit

5 - C.T.A.

6 - I Waited For You

7 - Kelo (alternate take)

8 - Enigma (alternate take)

09 - Ray's Idea (alternate take)

10 - Tempus Fugit (alternate take)

11 - C.T.A. (alternate take)

Miles Davis (trompeta); J.J. Johnson (trombone); Jimmy Heath (saxo tenor); Jackie McLean (saxo alto); Gil Coggins, Horace Silver (pianos), Oscar Pettiford, Percy Heath (contrabajos); Kenny Clarke,  Art Blakey (baterías).

WOR Studios, Nueva York y Van Gelder Studio, Hackensack; 9 de Mayo de 1952, 20 de Abril de 1953 y 6 de Marzo de 1954.