Obscure #12 - Tommy Turrentine

Thomas Walter Turrentine, Jr. nació el 22 de abril de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. Conocido en el mundo del jazz simplemente como Tommy Turrentine, fue un trompetista con todas las cualidades para la grandeza.

Aunque no se lo pueda considerar ni desconocido ni olvidado, hubo quizá tres razones que le impidieron una mayor trascendencia: cierta falta de audacia para "sobresalir", algunos problemas de salud que restringieron su trabajo y "la sombra" de su exitoso hermano menor Stanley.

Se unió a la Big Band de Benny Carter a los dieciocho años y, a los veinte, a las orquestas de Billy Eckstine y Dizzy Gillespie. Brevemente, también integró la banda de Count Basie. Entre 1952 y 1955, formó parte de la banda de Earl Bostic.

Discográficamente, participó en 25 grabaciones ya consideradas clásicas, acompañando a figuras tan variadas como Ahmed Abdul-Malik, Paul Chambers, Sonny Clark, Lou Donaldson, Booker Ervin, Dexter Gordon, Rufus Jones, Philly Joe Jones, Abbey Lincoln, Jackie McLean, Horace Parlan, John Patton, Max Roach, Archie Shepp, Sun Ra y su hermano Stanley.

Para los expertos en "lo técnico", su talento para la improvisación se diferenció marcadamente de sus colegas de entonces, distinguiéndose por un sonido amplio, cálido y melódico con el que era capaz de crear solos de líneas largas e ininterrumpidas.

Tommy Turrentine también fue un experto pianista y compositor. La crítica considera que sus composiciones combinaron una sofisticación y un lirismo que recuerda "la pluma" de Benny Golson.

¿Qué lo convirtió en obscure y en leyenda? Su único disco como líder, grabado a comienzos de 1960.

Por entonces, Tommy formaba parte del combo de Max Roach. Para su primer y único álbum, respaldado por sus compañeros del grupo de Roach más el pianista Horace Parlan, Tommy compuso cinco de los siete temas que lo conforman.

En esta sólida y vibrante grabación cada uno de los integrantes del sexteto "rindió" a la par, logrando un excelente resultado que se orientó firmemente a los estándares del hard bop de la época. Según Max Roach —el "jefe" de todos por entonces—, ninguno de ellos cayó en imitaciones. En la manera que tocan se pueden escuchar influencias, por supuesto. Pero cada uno se apegó a sus "propias armas".

Paradójicamente, a partir de esta pieza de colección, mientras su hermano Stanley iba rumbo al pináculo, Tommy ya comenzaba a "desvanecerse" en la oscuridad.

También paradójico es que las liner notes de Nat Hentoff sigan teniendo vigencia más de 60 años después: Durante varios años, los jazzistas de Pittsburgh o aquellos que han pasado por la ciudad suelen citar al trompetista Tommy Turrentine como un excelente ejemplo del músico imaginativo. Más allá de un círculo reducido de compañeros, aún no ha recibido merecida atención, debido a que eligió trabajar en su ciudad de origen en vez de instalarse en Nueva York, Chicago, Los Ángeles o San Francisco, lugares adecuados para volverse popular y donde están los principales compositores y las más importantes compañías discográficas.

Sin embargo, el nombre de Tommy se está volviendo reconocido, gracias a sus actuaciones con los grupos de Max Roach desde marzo de 1958. Ahora, este primer disco bajo su propio nombre debería servir para aumentar el tamaño de su audiencia.

Tommy recién se mudó a Nueva York en 1970. Junto a su esposa Jane se instaló en una de las clásicas casas de ladrillos rojos de la calle 82 Oeste, entre Broadway y Central Park. Murió de cáncer a los 69 años, el 15 de mayo de 1997.

Tommy Turrentine

Tommy Turrentine

1 - Gunga Din

2 - Webb City

3 - Time’s Up

4 - Long As You’re Living

5 - Too Clean

6 - Two, Three, One, Oh!

7 - Blues For J.P.

Tommy Turrentine (trompeta), Stanley Turrentine (saxo tenor), Julian Priester (trombón), Horace Parlan (piano), Bob Boswell (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en Capitol Studios, Nueva York, el 19 de enero de 1960. 

Blue Note #27 - Kenny Burrell

Kenny Burrell

Midnight Blue

Siempre he adorado el blues. En mis comienzos en Detroit toqué con grupos que daban mucha importancia al blues. Para esta sesión, quise reunir un grupo que sintiese esta música del mismo modo que yo.

**Kenny Burrell, notas originales, 1963**

Este es el disco perfecto para demostrar que el jazz y el blues son mucho más que “primos hermanos”. De hecho, resulta tentador pensar que B. B. King tenía este disco en mente cuando afirmó lo siguiente: “ El jazz es el hermano mayor del blues. Cuando alguien se dedica a tocar blues como nosotros es como si estuviese en secundaria. Cuando empieza a tocar jazz, es como si entrase en la universidad”. Ya desde la primera canción queda clara la popularidad de este disco cuando se publicó, la cual no ha menguado desde entonces. Rebosa la sofisticación de principios de la década de 1960, como si fuera la banda sonora de un filme de amores truncados ambientada en el Upper West Side de Manhattan. ¡Sencillamente precioso!

Se ha disco de este disco que es el más elegante que lanzó la discográfica, afirmación de la que no se puede disentir. Desde el inicio de “Chittlins Con Carne”, con el énfasis centrado en los lejanos vientos de Turrentine y en las respuestas de la guitarra de Burrell, queda claro que es la melancolía personificada. A excepción de “Mule”, compuesta por Major Holley (cuyo apodo era Mule, “la Mula”), y de “Gee Baby Ain’t I Good To You”, que es un estándar firmado por Andy Razaf y Don Redman, todas las piezas son composiciones originales de Burrell. El momento más íntimo  y personal del disco es su solo de guitarra en “Soul Lament”. Nunca se impone la dulzura con la que toca Turrentine en todo momento, sino que siempre se trata de un elemento que complementa a los demás. Esta fue la primera, y casi única, sesión de Bill English y Major Holley para Blue Note.

De una forma poco habitual, la primera aparición de Burrell como líder en Blue Note tuvo lugar en 1956, con el disco que llevaba el apropiado título de Introducing Kenny Burrell: lo inusual de este hecho es que la mayoría de los músicos solían ejercer como acompañantes antes de dirigir sus propias sesiones. Por aquel entonces sólo contaba veinticuatro años, aunque llevaba tocando desde que era adolescente, período en el que debutó con el grupo de Dizzie Gillespie. Antes de debutar con Blue Note estuvo de gira con el trío de Oscar Peterson –lo que da fe de su talento-, y entre aquella y esta sesión, grabó quince discos, de los cuales seis fueron para Blue Note.

1 - Chitlins Con Carne

2 - Mule

3 - Soul Lament

4 - Midnight Blue

5 - Wavy Gravy

6 - Gee Baby, Ain't I Good To You

7 - Saturday Night Blues

8 - Kenny's Sound

9 - K Twist

Kenny Burrell (guitarra), Stanley Turrentine (saxo tenor), Major Holley, Jr. (contrabajo), Bill English (batería), Ray Barretto (conga)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 8 de Enero de 1963.

Blue Note #26 - Jimmy Smith

Jimmy Smith

Back At The Chicken Shack

Después de conducir un rato, hallamos la granja de uno de los amigos de Jimmy. Era un típico día de pleno verano, con calor y muchas moscas. La granja era muy colorida; había una gran variedad de gallos y gallinas y el perro moteado de rigor. Jimmy se sentó y la cámara de Francis Wolff  hizo el resto.

**Ira Gitler, notas originales, 1963**

Lo más sorprendente de este álbum es que tardase tanto en aparecer. Cuando vio la luz, en 1963, Billboard se refirió a él como “un enérgico álbum”, pero para aquel entonces Jimmy Smith ya había firmado con Verve Records. Dos meses después el álbum alcanzaba el n.º 1 de la lista Disco de Jazz Más Vendido y se encontraba entre los 20 álbumes más vendidos sin distinción de género.

Grabado después de que dos años antes Jimmy Smith hubiera ganado su primera votación de Down Beat en la categoría de “instrumentos variados” por parte de los lectores, este disco es un excelente ejemplo de maestría al Hammond B3. Aunque Stanley Turrentine aporta un excelente “color” al sonido en su conjunto y Kenny Burrell está en plena forma, Smith es quien en realidad destaca con su demostración de todos los puntos fuertes del órgano desde el registro más sutil al agresivo. Back At The Chicken Shack lo tiene todo.

Aunque contiene material que se grabó en la misma sesión que dio lugar al anterior Midnight Special (BN 4078), este disco es el mejor de los dos. Este álbum estableció las normas del funky jazz y sirvió de inspiración para muchos. LA interpretación de “Messy Bessie” rebosa emoción, sobre todo por parte de un Turrentine de veintiséis años, que aún no había debutado como líder de grupo con Blue Note, lo que sucedería dos meses después con la grabación de Look Out!

Tras el lanzamiento a modo de single del tema que da título al disco en dos caras de un 45 rpm, este sonó mucho en la radio, lo que se convirtió en uno de los factores del éxito de ventas que fue. Se trata de un excelente y conmovedor blues cuya segunda mitad cuenta con la bendición de la fabulosa guitarra de Burrell, la cual mejora el estilo de una forma considerable.

1 - Back At The Chicken Shack

2 - When I Grow Too Old To Dream

3 - Minor Chant

4 - Messy Bessie

5 - On The Sunny Side Of The Street

Jimmy Smith (órgano), Stanley Turrentine (saxo tenor), Kenny Burrell (guitarra), Donald Bailey (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 25 de Abril de 1960

Blue Note #22 - Stanley Turrentine

Stanley Turrentine & The Three Sounds

Blue Hour 

La “Hora Triste” (“Blue Hour”) es el momento por la mañana tremprano en el “te aproximas a la almohada en la que solía apoyar tu pareja”, como dice la letra de la canción de Rubberlegs Williams, y te das cuenta de que no está.

**Ira Gitler, notas del LP original**

Stanley Turentine grabó con The Three Sounds, justo once días antes de su debut, Look Out!, el 18 de junio de 1960, aunque estas piezas aún no se habían lanzado por aquel entonces. Este, su segundo disco con Blue Note como líder, se grabó seis meses después. La primera vez que Blue Note lo invitó fue para tocar en una sesión con Dizzy Reece que se celebró a comienzos de abril de 1960, tras lo cual volvió ese mismo mes para participar en una sesión con Jimmy Smith. A pesar de la cronología de la grabación, la discográfica había publicado varios álbumes con Turrentine antes de este; en realidad, era la nueva sensación del saxofón.

Una vez que comienza el disco, a uno se le puede perdonar que crea estar escuchando una sesión de The Three Sounds: aunque transcurre un minuto y veinticinco segundos antes de que suene la dulzura del tenor de Turrentine, una vez que empieza, capta toda la atención con la suavidad de su tono. Se trata del súmmum del seductor y sexy jazz de la madrugada. Este disco es, en esencia, una auténtica y exitosa colaboración entre Turrentine y el trío. El piano blues de Gene Harris es el ropaje perfecto para el saxofón tenor. “Blue Riff”, de Gene Harris, además de ser la única composición original del disco, también es la única que en realidad se aleja del, estilo de balada de las demás. El hecho de que con ella se cierre la cara 1 demuestra cuán importante era la idea de “programar” un disco ya por aquel entonces. Alfred Lion y todos los músicos de Blue Note se habrían estremecido ante la idea de una disposición aleatoria de las composiciones. El grupo firma una estupenda versión instrumental del clásico “Since I Fell For You”, compuesto en 1945 por Buddy Johnson. “Willow Weep For Me”, la otra pieza de la cara 2, sirve como perfecto complemento a la anterior. Cuesta creer que exista una cara más apasionada en ningún otro disco de Blue Note.

En la fotografía de la portada de Blue Hour, realizada por Francis Wolff, aparece una interesante visión del nuevo estudio de Van Gelder y, con una gran dosis de magia, transmite la sensación de los cuatro músicos perfectamente coordinados en un ambiente preparando sus propias artes alquímicas.  

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Nota 1.

A propósito de la foto utilizada para la portada de Blue Hour, cuenta Havers en la página 166, detalles sobre los estudios de Rudy Van Gelder en Englewood Cliffs:

En Julio de 1959 se produjo un cambio importante en la discográfica: un nuevo estudio con la última tecnología sustituyó al cuarto de estar de Rudy Van Gelder en Prospect Avenue, en Hackensack. A VanGelder se le había quedado pequeño el sitio, y en 1957 había comenzado a pensar en construir otro nuevo. Para ello, se inspiró en la obra del arquitecto Lloyd Wright, cuyos diseños y maquetas a gran escala había vistop con su esposa en el neoyorquino Museum Of Modern Art.

Wright y un grupo de arquitectos habían elaborado el concepto de “casas usonianas”: unas bellas y asequibles viviendas erigidas con materiales que no eran caros y que tenían un estilo orgánico. Uno de los integrantes de dicho grupo, David Henken, había construido algunas casas cerca de Mount Pleasant. Tras conocer a Van Gelder, no tardaron en comenzar a hablar de la edificación de una casa y un estudio a un precio que el técnico pudiera asumir.

A finales de 1958 y con los planos proyectados, Van Gelder, gracias a Henken, halló un constructor que se encargó de gran parte de la carpintería de obra, incluida la de la cubierta de vigas del estudio, de casi doce metros de altura. Esta estructura de estilo catedralicio se fabricó en Portland, Oregón, y después se trasladó a Nueva Jersey donde, para construirla, se necesitó una grúa de unos veintisiete metros.

Ira Gitler describió así, el nuevo estudio: “En el estudio de Rudy Van Gelder, con su elevado techo, sus vigas de madera, sus azulejos y su austero vanguardismo, uno tiene la sensación casi de religión; un templo de la música religioso sin sectarismos ni organizaciones en la que el sonido y el espíritu parecen poder elevarse sin obstáculos”. De hecho no había azulejos, sino bloques de cemento con un pigmento amarronado.

Nota 2. 

Se presenta aquí la totalidad de los registros que formaron parte de las dos sesiones que insumieron esta grabación, liberadas por Blue Note en 2000 en formato de doble CD. 

Sólo el CD1 contiene los registros aparecidos en el LP original. Según el crítico Ken Dryden, la decisión de Alfred Lion, el productor del disco, en cuanto a retener de la mayor parte, fue correcta. Si bien todo lo registrado es de altísima calidad, los ocho temas extras que reúne esta colección no reflejaban el clima que se quería captar en Blue Hour. Para Dryden en realidad, se trató de un merecido homenaje a Stanley Turrentine y a Gene Harris, ambos fallecidos en el año de edición del doble CD y ambos partícipes de esta excelente pieza de la historia en el mundo del jazz.

Stanley Turrentine & The Three Sounds

Blue Hour · The Complete Sessions

CD 1

1 - I Want A Little Girl

2 - Gee Baby, Ain't I Good To You

3 - Blue Riff

4 - Since I Fell For You

5 - Willow Weep For Me

CD 2

1 - Blues In The Closet

2 - Just In Time

3 - Gee Baby, Ain't I Good To You (alternate take)

4 - Where Or When

5 - Blue Hour

6 - There Is No Greater Love

7 - Alone Together

8 - Strike Up The Band

Stanley Turrentine (saxo tenor), Gene Harris (piano), Andrew Simpkins (contrabajo), Bill Dowdy (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey 29 de Junio y 16 de Diciembre de 1960