Blue Note #63 - Dianne Reeves

Dianne Reeves

I Remember

Ha creado la confianza y la visión suficiente para poner un sello personal en su material mediante la asociación de estilos alejados y la atención que pone a las letras. Se encuentra entre las jóvenes cantantes de jazz que aspiran a proseguir la fantástica tradición se Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald.

**Stephen Holden, The New York Time, 1992**

La hábil programación de este disco compacto está pensada para sacar el máximo provecho de la voz de Reeves, objetivo que cumple, a la vez que deja claro que nos encontramos ante una de las principales cantantes de jazz de su generación. Aunque algunos analistas musicales la han criticado por no saber en qué estilo musical concentrar su talento, esto no ocurre en el álbum de 1991 I Remember, el tercero de los numerosos discos que ha grabado con Blue Note. Reeves grabó por primera vez en el año 1977, con sólo veintiún años, y fue contratada por la discográfica en 1986.

El álbum recorre toda la gama vocal del jazz, y pasa del brillante estilo scat de “How High The Moon” -y la interpretación de una canción de estilo que prácticamente hizo suyo Ella Fitzgerald, la “reina del scat”, es un logro nada despreciable- a la ternura de “You Taught My Heart To Sing”, una composición de McCoy Tyner con unas estupendas letras de Sammy Cahn. Con una magnífica fusión funky de ritmos, además de una maravillosa gama vocal, la primera canción del disco, “Afro Blue”, de Mongo Santamaría, pone de manifiesto otra de las facetas de la versatilidad de Dianne Reeves.

Su inteligente interpretación de “The Nearness Of You / Misty” recuerda a Sarah Vaughan, mientras que en “Softly As In A Morning Sunrise”, acompañada del vibráfono de Bobby Hutcherson, se adentra en el terreno del hard bop con unos resultados excelentes. “Like A Lover”, con Kevin Eubanks a la guitarra acústica, recuerda a un dueto entre Ella y Joe Pass, aunque el tono de Reeves es muy delicado. Gracias a su hermosa voz, Dianne Reeves mantiene viva la llama de Billie, Ella y Sassy.

1 - Afro Blue  

2 - The Nearness Of You / Misty

3 - I Remember Sky

4 - Love For Sale  

5 - Softly As In The Morning Sunrise  

6 - Like A Lover  

7 - How High The Moon  

8 - You Taught My Heart To Sing  

9 - For All We Know

Dianne Reeves (voz lìder); Greg Osby (saxo alto); Justo Almario (saxo soprano); Bobby Hutcherson (vibráfono); Charles Mims, Billy Childs, Donald Brown, Mulgrew Miller (pianos); Kevin Eubanks (guitarra acústiaca); Chris Severin, Charnett Moffett (bajos); Billy Kilson, Marvin Smitty Smith, Terri Lyne Carrington (baterías); Ron Powell (percusión, campanas de viento); Bill Summers, Luis Conte (percusión).

Madhatter Studios, Los Angeles, California, 10 y 11 de Septiembre de 1990; Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 y 28 de Abril y 9 de Mayo de 1988

Blue Note #59 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson

Montara

La clave de hacer música no es controlarla, sino que te lleve. Una vez que te lleva, no puedes esperar a que vuelva a hacerlo y no dejarán de repetirse los mismos momentos de magia.

**BobbyHutcherson**

El latin jazz estaba en pleno auge a mediados de la década de 1960, sobre todo en Verve Records, donde Stan Getz había llevado la música brasileña a un primer plano para los aficionados al jazz. Transcurrida la década, Hutcherson, que ya era un veterano que había grabado unos veinte discos con Blue Note, se dirigió al sur para crear uno de los álbumes más deliciosos de cuantos publicó la discográfica en la década de 1970. El siempre elegante Hutcherson se rodeó de algunos de los mejores percusionistas del mundillo de la música latina, entre los cuales destacan Willie Bobo y Ralph MacDonald, y creó un álbum despreocupado y sin restricciones que rezuma energía y buenos momentos.

“Oye Como Va”, una versión de la que hizo Santana de la canción de Tito Puente, es totalmente funky. El álbum también cuenta con algunos ritmos muy relajados, entre los que destacan “Love Song”, una pieza compuesta por el pianista George Cables, también compositor de “Camel Rise” (en aquella época tocaba, asimismo, en el grupo de Fredddie Hubbard), y la atmosférica “Little Angel”, que cuenta con la excelente interpretación de Blue Mitchell a la trompeta.

Con la independencia de las aportaciones de los otros destacados músicos, siempre es Hutcherson el que brilla: dirige desde el frente, creando el efecto de ondulación en el que el vibráfono no tiene parangón, a la vez que lleva todas y cada una de las piezas hacia adelante con garbo. Resultaría muy fácil decir que esta música es “de su tiempo” y hacerse la idea equivocada de que no tiene lugar en la escena musical actual. Muchos de los temas que compuso Hutcherson para este disco figuran en los discos recopilatorios de la serie Blue Note Trip que se publicaron a comienzos del siglo XXI, y que han servido para atraer a un gran número de nuevos admiradores a la discográfica, así como para inspirar la exploración y los sampleos. MF Grimm, Little Indian y The Underachievers son sólo algunas de las formaciones que han sampleado Montara.

1 - Camel Rise

2 - Montara

3 - (Se Acabó) La Malanga

4 - Love Song

5 - Little Angel

6 - Yuyo

7 - Oye Como Va

Bobby Hutcherson (vibráfono, marimba); Oscar Brashear, Blue Mitchell (trompetas); Ernie Watts (saxo tenor, flauta); Plas Johnson (flauta); Fred Jackson (saxo tenor, flauta); Larry Nash, Eddie Cano (pianos); Dennis Budimir (guitarra); Chuck Domanico, Dave Troncoso (contrabajos); Harvey Mason (batería); Ralph McDonald, Bobby Matos, Johnny Palomo, Rudy Calzado, Victor Pantoja (percusiones); Willie Bobo (baquetas); Dale Oehler (arreglos)

Record Plant, Los Angeles, California, 12 y 14 de Agosto de 1975

Blue Note #55 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson

Total Eclipse

Experimenté con el cambio de intervalos en mi música, haciendo segundas y terceras en lugar de cuartas y quintas. Creé un sondo distinto de las típicas líneas de jazz. Los intervalos quedaban abiertos… Harold los comenzó a tocar también de modo que pudiéramos hacer que rebotaran entre sí.

**Bobby Hutcherson, 2013**

Este es un curioso disco de Bobby Hutcherson, quien había grabado con Blue Note desde 1963, año en el que debutó con Jackie McLean en su One Step Beyond. El primer álbum del vibrafonista como líder apareció a finales del mismo año en el que grabó Dialogue, de tendencia vanguardista. En este, su quinto disco para Blue Note, Hutcherson experimentó con un estilo de jazz moderno más estructurado.

Cuatro de las cinco piezas están compuestas por Hutcherson; “Matrix” es obra de Chick Corea, lo que supone una de las escasas participaciones que llevó a cabo el músico en Blue Note. Antes de esta sesión, había grabado un disco con Donald Byrd, otros con Blue Mitchell y un par bajo su propio nombre para otras discográficas. Este disco también recoge la primera colaboración entre Hutcherson y Harold Land, flautista que se convertiría en cómplice habitual durante los años siguientes.

Aunque ninguna de las piezas del álbum de debut de Hutcheron es obra suya, durante esta época ya era un diestro compositor, de lo que da fe la ambiciosa “Pompeian”, con la que se cierra el disco. La flauta de Land en este tema resulta en especial sorprendente, mientras que su saxofón tenor en “Same Shame”, donde se alía con la brillante fluidez de Hutcherson, hace que esta pieza destaque.

La sesión de grabación de Total Eclipse, uno de los pocos discos que durante más de una década no se encargó de grabar Rudy Van Gelder, se realizó durante casi un año, cuando Blue Note fue propiedad de Liberty Records. La portada tampoco es obra de Reid Miles, lo cual resulta bastante evidente. En lugar de ser una de las excepcionales obras de Blue note, el diseño bien podría haber pertenecido a cualquier discográfica de primera línea. Está claro que un diseñador puede marcar la diferencia.

1 - Herzog

2 - Total Eclipse

3 - Matrix

4 - Same Shame

5 - Pompeian

Bobby Hutcherson (vibráfono), Harold Land (saxo tenor, flauta), Chick Corea (piano), Reggie Johnson (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Plaza Sound, Nueva York, 12 de Julio de 1968

Blue Note #53 - Big John Patton

Big John Patton

Let 'Em Roll

Todo lo que sé lo aprendí del Lloyd. Depositó en mí las labores de segundo a bordo y de líder, lo cual supuso toda una experiencia.

**Big John Patton con relación a su primer líder, la estrella del Rhytm & Blues Lloyd Price**

Como solía hacerse en Blue Note, Big John Patton debutó en el disco de un músico con más experiencia en la discográfica, en este caso en el álbum que lanzó Lou Donaldson en 1962 con el título de The Natural Soul. A este le siguieron varias colaboraciones en otras sesiones antes de debutar como líder, en Abril de 1963, con el disco Along Came John, cuyo título (que se traduciría como “Y entonces llegó John”) resulta muy apropiado para el caso. Para cuando grabó Let ‘Em Roll, en Diciembre de 1965, la actividad del propio organista, de treinta años de edad, era febril, ya que había grabado otros tres discos hasta aquel momento en un período que se conoció como “la edad de oro del Hammond B3”.

Entonces, Jimmy Smith había firmado con Verve, y Patton se había convertido en el organista contratado por Blue Note; con todo, sería un error considerarlo una especie de sucedáneo o sustituto de Smith. Patton tenía su propio estilo: su forma de tocar era más melódica, se basaba más en acordes y tenía menos staccato que la de su predecesor. En este disco se hace patente su característica mezcla de soul y jazz, que, gracias a la interpretación de Hutcherson, da lugar a un vibráfono realmente agradable.

Además de la versión del estándar “Shadow Of Your Smile” y de “The Turnaround”, de Hank Mobley, las otras cuatro piezas del disco están compuestas por Patton. En mi opinión, estos son los temas más destacables, sobre todo la excelente combinación de swing y blues de “Jakey” y la apasionada “One Step Ahead”. Aunque Patton controla las líneas de bajo con los pedales del órgano, es Green, autor de varios discos en los que colaboró Patton, el que incorpora parte de sus innovaciones guitarrísticas y realza las sensaciones de la música.

La conjunción de órgano, vibráfono y guitarra hace que este disco esté repleto de luces y sombras, lo cual es en parte responsable de que resulte tan memorable.

Sólo para que quede claro, Big John Patton no era en realidad tan grande: medía un metro y ochenta centímetros y pesaba unos ochenta kilos. Su apodo procede de la canción “Big Bad John”. Con todo, sí hay algo de cierto: tenía un gran sonido cuando tocaba, redondo y pleno e infinitamente agradable. Mientras que Jimmy Smith admitía que escuchaba a los músicos de viento para dar forma a sus solos, Patton se inclinaba por lo pianístico.

1 - Let 'Em Roll

2 - Latona

3 - The Shadow Of Your Smile

4 - The Turnaround

5 - Jakey

6 - One Step Ahaed

John Patton (órgano), Bobby Hutcherson (vibráfono), Grant Green (guitarra), Otis Finch (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 11 de Diciembre de 1965

Blue Note #51 - Joe Henderson

Joe Henderson

Mode For Joe

Durante el tiempo en el que toqué en clubes de striptease aprendí más de cómo componer canciones de jazz. Me involucré más y comenzamos a tocar mis composiciones en directo para las bailarinas.

**Joe Henderson, 1966**

Era el año 1966, una época de cambios. En el que sería su último disco como líder con Blue Note, Joe Henderson muestra una emocionante visión de lo que traería el futuro, a la vez que tiene un pie en el pasado del hard bop. Este es un grupo fabuloso que lleva todas las composiciones a otro nivel.

Tómese como ejemplo la pieza que da título al disco, que no está compuesta por Henderson, sino por Cedar Walton, pianista y exmiembro de The Jazz Messengers. Es el momento más sobresaliente de un disco repleto de momentos destacables, y cuenta con una maravillosa interpretación tanto solista como conjunta. El grupo logra hallar una fusión perfectamente construida en la que se integran la forma de tocar funky con influencias blues del hard bop con el jazz moderno. A pesar de que él no es un compositor, Henderson hace suya esta pieza. A través de una muy emocionante llamada y la respuesta que da el resto de la sección de vientos, de alguna manera se las arregla para combinar un sonido de saxofón que se parece a un graznido con otro de una suma elegancia: magistral.

Las tres composiciones del disco firmadas por Henderson son “A Shade Of Jade”, “Caribbean Fire Dance” y “Granted”. Los vientos con los que se abre la última son un ejemplo representativo del estilo del álbum; se trata de un tiempo rápido en el que todos los músicos tienen una oportunidad de ejecutar un solo, que se conduce a ritmo de tamborileo y es tan emocionante al escucharlo como debió haber sido tocarlo.

Henderson siguió tocando como músico de acompañamiento en los discos de Blue Note durante una temporada, pero llevó sus propios discos a Milestone durante la década siguiente antes de volver a grabar para Blue Note, así como para Verve y otras discográficas, en la década de 1980. Del mismo modo que Sonny Rollins y John Coltrane influyeron en Henderson, este lo hizo en la siguiente generación, sobre todo en Joe Lovano.

1 - A Shade of Jade

2 - Mode for Joe

3 - Black

4 - Caribbean Fire Dance

5 - Granted

6 - Free Wheelin'

7 - Black (alternate take)

Joe Henderson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Bobby Hutcherson (vibráfono), Cedar Walton (piano), Ron Carter (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 27 de Enero de 1966

Blue Note #46 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson

Dialogue

A veces toco de ese modo y otras no; todo depende de con quien trabaje.

**Bobby Hutcherson a propósito de la vanguardia**

De las cinco piezas de este álbum, que constituyó el debut de un Hutcherson de veinticuatro años como líder de grupo, el pianista Andrew Hill compuso tres –“Catta”, “Les Noirs Marchant” y “Ghetto Lights” –, mientras que las otras dos las firmó Joe Chambers. Aunque estos son hechos indiscutibles, también lo es que estamos ante un disco colosal en el que se desarrollan ideas que ya se habían explorado en Out To Lunch, álbum de Eric Dolphy en el que habían participado Hutcherson, Hubbard y Davis el año anterior. Este es un disco en el que se fusionan con estilo la música de las marching bands, la latina, el bop y el blues.

Dialogue es un disco arriesgado en todos los sentidos, un auténtico puente entre el hard bop y la vanguardia. “Catta” es el perfecto inicio de disco y sirve para señalar desde el comienzo cuál es el rumbo que seguirá. Trompeta, vibráfono y flauta compiten por llamar la atención a la vez que llevan la emoción y la tensión auténticas a la interpretación. “Idle While” es una composición bastante impresionante del batería Joe Chambers, quien tenía veintidós años cuando la firmó. El título es un juego de palabras (idle while significa “a la espera mientras tanto”) con Idlewild, el aeropuerto principal de Nueva York, que había pasado a llamarse John F. Kennedy International justo un año antes de la grabación. Para muchos la mejor pieza del disco es la última, “Ghetto Lights”, donde se halla uno de los mejores solos blues de Hubbard.

En 1964, Hutcherson había resultado vencedor en una votación de los lectores de Down Beat, según la cual era el músico que merecía el mayor reconocimiento, por lo que este disco se lanzó en el momento justo y, además, no hay duda de que estuvo a la altura de las expectativas. De Dialogue se ha dicho que es “un clásico del post bop vanguardista”, afirmación que se debe casi con toda seguridad a la emocionante interpretación de Hubbard, Rivers y Hill. Aunque Hutcherson produjo después una serie de buenos discos, éste, definitivamente, representa la cima de su carrera.

1 - Catta

2 - Idle While

3 - Les Noirs Marchent

4 - Dialogue

5 - Ghetto Lights

6 - Jasper

Bobby Hutcherson (vibráfono y marimba), Freddie Hubbard (trompeta), Sam Rivers (saxos tenor y soprano, clarinete bajo y flauta), Andrew Hill (piano), Richard Davis (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 3 de Abril de 1965

Blue Note #39 - Anthony Williams

Anthony Williams

Life Time

Desde el viento al grito, todo aquello a lo que el universo ha dado vida tiene derecho a la misma y a insuflarle a esa vida todos los valores que pueda. Que estos cuenten con la aprobación de la mente humana o pueda verlos el ojo humano son cuestiones que quedan al margen de ese derecho.

**Lawrence Rutter, notas del LP original**

Tony Williams, aún llamado Anthony, no había cumplido veinte años cuando le propusieron que grabara Life Time, su primera colaboración como líder del grupo para Blue Note. Su primera sesión con la discográfica tuvo lugar unos dieciocho meses antes para la grabación de My Point Of View, de Herbie Hancock, y en el período entre ambas tocó en algunos de los más importantes de Blue Note.

Williams, vanguardista, es la antítesis de Art Blakey en cuanto a la forma de liderar un grupo, y este disco, compuesto en su totalidad por el primero, no se parece a nada de lo que había publicado Blue Note hasta aquel momento.

“Memory”, en la que Williams toca casi todo el espectro de la percusión –batería, timbales, bloques de madera, maracas y triángulo–, con algunas modestas incursiones por parte de Hancock y Hutcherson, es una jam libre, y tal vez lo que se podría esperar de la composición de un batería. El resto del disco es del todo distinto. A la inversa, “Barb’s Song To The Wizard”, que no cuenta con Williams, es sencillamente un dueto entre Hancock y Ron Carter, quienes por aquel entonces tocaban en la banda de Miles Davis con Williams.

En la suite que ocupa la primera cara entera tocan sobre todo Sam Rivers, con quien había trabajado Williams desde los trece años, y el batería. Pero no nos engañemos: se trata de música sin concesiones, y muchos no lo escucharán más que una vez, lo que no significa que exista ningún problema ni con la música ni con el oyente, pues se trata de arte.

1 - Two Pieces Of One: Red 

2 - Two Pieces Of One: Green

3 - Tomorrow Afternoon

4 - Memory

5 - Barb's Song To The Wizard

Anthony "Tony" Williams (batería, timbales, bloques de madera, maracas, triángulo); Sam Rivers (saxo tenor), Richard Davis, Gary Peacock, Ron Carter (contrabajos); Bobby Hutcherson (vibráfono, marimba); Herbie Hancock (piano)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 y 24 de Agosto de 1964

Blue Note #34 - Eric Dolphy

Eric Dolphy

Out To Lunch!

Me marcho a vivir una temporada a Europa. ¿Por qué? Porque allí consigo más trabajo al tocar mi propia música y porque cuando uno intenta hacer algo distinto en este país la gente lo critica.

**Eric Dolphy**

Grabado en febrero y con las notas redactadas poco después, este álbum se lanzó en pleno agosto de 1964. Por desgracia, Dolphy falleció en Berlín a finales de junio de 1964 a causa de una afección diabética no diagnosticada, por lo que, sin saberlo, estaba grabando su propio epitafio. Son pocos los artistas que han disfrutado de uno más inmediato o más certero. Dolphy, que había sido fiel a su mundo, salió de Estados Unidos para realizar una gira europea con Charles Mingus, tras la cual se dirigió a París para encontrarse con su novia. Mientras participaba en una actuación en Berlín, enfermó.

En este, su primer y único disco para Blue Note como líder, Dolphy destaca ante todo; además, lo que pudo haber sido hace que sean más conmovedores los logros de los que él dejó constancia. La primera pieza, titulada “Hat And Beard” (“Sombrero y Barba”), como homenaje a Monk, sirve de arranque increíble para el disco. La interacción entre el vibráfono de Hutcherson y un Anthony Williams de dieciocho años resulta fascinante, aunque, de nuevo, este es un adjetivo que se puede aplicar a cualquier aspecto de este disco.

Dolphy compuso todas las piezas de este disco, que destaca bastante de los anteriores, y no deja de ser una gran ironía que Dolphy muriera a los treinta y seis años, justo después de alcanzar su objetivo musical. Puede que su clarinete bajo en “Something Sweet, Something Tender” sea el punto álgido de todo el disco. Pero no nos confundamos: no es este un disco que se deje escuchar con facilidad, aunque una vez que uno se deja llevar por las imágenes musicales de Dolphy, todo se revela. Dolphy toca el saxofón alto en la cara 2 y, en mi opinión, es aquí desde donde comenzar a seguir su exploración del free jazz.

Con una maravillosa portada de Reid Miles, en la cual figura una de sus fotografías –imaginemos a Miles saliendo de su despacho a la hora de la comida, con un expediente para el diseño de la portada y el título del disco rondándole la cabeza y, de repente, sus ojos se fijan en el cartel ideal-, este disco se considera en la actualidad uno de los más importantes del free jazz que se hayan grabado, y no sólo (como algunos han sugerido) por la prematura muerte de Dolphy. Si uno lo deja pasar será bajo su propio riesgo.

1 - Hat And Beard

2 - Something Sweet, Something Tender

3 - Gazzelloni

4 - Out To Lunch

5 - Straight Up And Down

6 - Hat And Beard (alternate take)

7 - Something Sweet, Something Tender (alternate take)

Eric Dolphy (saxo alto, flauta, clarinete bajo), Freddie Hubbard (trompeta), Bobby Hutcherson (vibráfono), Richard Davis (contrabajo), Anthony Williams (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 25 de Febrero de 1964

Blue Note #32 - Grant Green

Grant Green

Idle Moments

No suelo escuchar muchos guitarristas, sólo a cornetistas. Creo que me han influido mucho más estos últimos que los guitarristas. Solía pasarme la noche entera copiando solos de Charlie Parker nota por nota.

**Grant Green, 1961**

La primera pieza, “Idle Moments”, es uno de aquellos felices accidentes que tienen lugar en el estudio y, como tal, supone uno de los momentos más destacados de todas las grabaciones que realizó Blue Note a mediados de la década de 1960. Green tocó treinta y dos compases en lugar de dieciséis en el primer segmento del tema, y todos los demás solistas siguieron su ejemplo, por lo que la primera toma acabó por tener una duración de más de quince minutos. Alfred Lion quería que la pieza durase la mitad, por lo que volvieron a grabarla con solos de dieciséis compases. Ninguna de las posteriores tomas podía compararse a la versión larga y, cuando llegaron a la decimocuarta, volvieron al esquema de los treinta compases y se forjó una obra maestra.

Puede que este disco no marcase el nacimiento de lo cool, aunque no cabe duda de que fue su encarnación. Es, a su vez, un álbum de una enorme diversidad, lo que puede apreciarse en la emotiva sensualidad de la primera pieza, en el estilo swing de “Jean De Fleur”, firmada por Green, o la versión de “Dajango”, de John Lewis, que sirve a Green para tocar los licks que hacen que la guitarra jazzística suene tan bien. Por último, con “Nomad”, de Pearson, el disco se adentra en territorios del bop más convencionales con unas formas magistrales por parte de Henderson; con todo, incluso el solo de este se ve superado por Green, que se saca del archivo uno que estaba en la sección de “brillantes”. Aquellos a los que les encante este disco deberían escuchar Street Of Dreams, que se grabó un año después.

Así, cabe preguntarse por qué el talento de Grant Green no es tan conocido como el de muchos de sus coetáneos. Participó en su primera sesión con Blue Note en 1960 cuando tenía veinticinco años. Llegó a grabar veintinueve discos para la discográfica, de los cuales casi la tercera parte se publicó en fechas recientes a las correspondientes grabaciones, mientras que los demás vieron luz tras la muerte del músico, que tuvo lugar en 1979. El propio Lion quedó tan impresionado que le concedió a Green una sesión como líder sin la habitual insistencia en hacer que tocase primero como músico de acompañamiento.

Con el paso del tiempo, la reputación de Green ha aumentado, en parte gracias a la influencia que ha ejercido en el acid jazz: grupos tales como A Tibe Called Quest han sampleado sus temas.

1 - Idle Moments

2 - Jean De Fleur

3 - Django

4 - Nomad

5 - Jean De Fleur (alternate version)

6 - Django (alternate version)

Grant Green (guitarra), Joe Henderson (saxo tenor), Bobby Hutcherson (vibráfono), Duke Pearson (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Al Harewood (batería)

 Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 4 y 15 de Noviembre de 1963

Blue Note #32 - Grant Green

Grant Green

Idle Moments

No suelo escuchar muchos guitarristas, sólo a cornetistas. Creo que me han influido mucho más estos últimos que los guitarristas. Solía pasarme la noche entera copiando solos de Charlie Parker nota por nota.

**Grant Green, 1961**

La primera pieza, “Idle Moments”, es uno de aquellos felices accidentes que tienen lugar en el estudio y, como tal, supone uno de los momentos más destacados de todas las grabaciones que realizó Blue Note a mediados de la década de 1960. Green tocó treinta y dos compases en lugar de dieciséis en el primer segmento del tema, y todos los demás solistas siguieron su ejemplo, por lo que la primera toma acabó por tener una duración de más de quince minutos. Alfred Lion quería que la pieza durase la mitad, por lo que volvieron a grabarla con solos de dieciséis compases. Ninguna de las posteriores tomas podía compararse a la versión larga y, cuando llegaron a la decimocuarta, volvieron al esquema de los treinta compases y se forjó una obra maestra.

Puede que este disco no marcase el nacimiento de lo cool, aunque no cabe duda de que fue su encarnación. Es, a su vez, un álbum de una enorme diversidad, lo que puede apreciarse en la emotiva sensualidad de la primera pieza, en el estilo swing de “Jean De Fleur”, firmada por Green, o la versión de “Dajango”, de John Lewis, que sirve a Green para tocar los licks que hacen que la guitarra jazzística suene tan bien. Por último, con “Nomad”, de Pearson, el disco se adentra en territorios del bop más convencionales con unas formas magistrales por parte de Henderson; con todo, incluso el solo de este se ve superado por Green, que se saca del archivo uno que estaba en la sección de “brillantes”. Aquellos a los que les encante este disco deberían escuchar Street Of Dreams, que se grabó un año después.

Así, cabe preguntarse por qué el talento de Grant Green no es tan conocido como el de muchos de sus coetáneos. Participó en su primera sesión con Blue Note en 1960 cuando tenía veinticinco años. Llegó a grabar veintinueve discos para la discográfica, de los cuales casi la tercera parte se publicó en fechas recientes a las correspondientes grabaciones, mientras que los demás vieron luz tras la muerte del músico, que tuvo lugar en 1979. El propio Lion quedó tan impresionado que le concedió a Green una sesión como líder sin la habitual insistencia en hacer que tocase primero como músico de acompañamiento.

Con el paso del tiempo, la reputación de Green ha aumentado, en parte gracias a la influencia que ha ejercido en el acid jazz: grupos tales como A Tibe Called Quest han sampleado sus temas.

1 - Idle Moments

2 - Jean De Fleur

3 - Django

4 - Nomad

5 - Jean De Fleur (alternate version)

6 - Django (alternate version)

Grant Green (guitarra), Joe Henderson (saxo tenor), Bobby Hutcherson (vibráfono), Duke Pearson (piano), Bob Cranshaw (contrabajo), Al Harewood (batería)

 Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 4 y 15 de Noviembre de 1963

Blue Note #31 - Grachan Moncur III

Grachan Moncur III

Evolution

Esta es una colección provocativa, tanto por la promesa que encierra como por la propia música. Estos músicos se la juegan para abrir nuevos y arriesgados caminos.

**Pete Welding, Down Beat, Septiembre de 1964**

Además del debut del trombonista de veintiséis años como líder, Evolution es uno de los mejores discos de vanguardia lanzados por Blue Note. Moncur participó en una gira con Ray Charles tras abandonar la educación secundaria y antes de unirse al grupo de Art Farmer y Benny Golson para, después, unirse a Sonny Rollins. Comenzó a destacar con su participación con Jackie McLean en los discos del saxofonista One Step Beyond y Destination… Out!, ambos para Blue Note.

Grabado el dìa antes del asesinato de John Fitzgerald Kennedy, y con la colaboración de McLean, Evolution marcó la pauta del jazz atmosférico. La primera pieza, “Air Raid”, determina el tono general del álbum. Al igual que los otros tres temas, su estructura es la propia de un miniconcierto. Con el diestro fondo construido por el vibráfono, el bajo y la batería, cada uno de los vientos toca su propia parte antes de unirse para rematar la pieza. La destreza musical con la que interpretan es precisa y definida; de lo contrario, este disco podría haber degenerado hasta convertirse en esa suerte de caos vanguardista que da al jazz mala fama. El disciplinado enfoque se hace evidente en la pieza que da título al disco y que tiene ciertos tintes orientales: respaldado por la batería y el bajo, el austero vibráfono suena como el tañido de una campana de funeral. La segunda cara se abre con “The Coaster”, que presenta un tema recurrente y un alegre y animado blues que hace que los doce minutos que dura transcurran sin que nos demos cuenta.

“Monk In Wonderland” captó la “agria y epigramática sensación” de la obra de Thelonious, tal como señaló Pete Welding en Down Beat. El título (traducible por “Monk en el País de las Maravillas”) queda perfecto, aunque más perfecta es aún su ejecución. Down Beat también acertó respecto a la promesa del disco en su totalidad como colección, y no deja de ser lamentable que Moncur no tuviera otra oportunidad de volver a grabar como líder.

1 - Air Raid

2 - Evolution

3 - The Coaster

4 - Monk In Wonderland

Grachan Moncur III (trombón), Lee Morgan (trompeta), Jackie McLean (saxo alto), Bobby Hutcherson (vibráfono), Bob Cranshaw (contrabajo, Tony Williams (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 21 de Noviembre de 1963