Heinie Beau ~ Milt Bernhart - Al ritmo de Hollywood

En cuanto a datos biográficos puros: Heinie Beau nació en Calvary, Wisconsin, el 8 de marzo de 1911 y murió el 19 de abril de 1987 en Burbank, California. Milt Bernhart (a veces también identificado como Bernhardt) nació en Valparaíso, Indiana, el 25 de mayo de 1926 y murió en Glendale, California, el 22 de enero de 2004.

Ambos cuentan con un abultado currículo profesional: Beau como integrante de innumerables orquestas como las de Tommy Dorsey, Red Nichols, Axel Stordahl y Paul Weston, mientras que a Bernhart se lo puede encontrar en las formaciones de Boyd Raeburn, Buddy Franklyn, Jimmy James, Teddy Powell y  Stan Kenton.

Heinie Beau, excelente instrumentista de clarinete, saxo alto y flauta y considerado como uno de los mejores arregladores independientes de Hollywood, fue responsable de los arreglos para importantes programas de radio y televisión, colaborador en muchas bandas sonoras de películas y encargado de gran parte de los últimos álbumes de Frank Sinatra para el sello Capitol, cuando Nelson Riddle o Billy May, habituales conductores de las orquestas que secundaban a "La Voz", estaban demasiado ocupados con otros proyectos de grabación.

Milt Bernhart, por su parte, adquirió una considerable popularidad en sus años junto a Kenton —entre 1946 y 1951—, consolidándola después al dedicar todo su tiempo al trabajo de estudio en incontables grabaciones como músico de sesión en los estudios de Hollywood.

Sin embargo, pocos fueron los trabajos de cada uno como "líder" de grabación y, aunque los cuatro de Heinie y los tres de Bernhart caben perfectamente dentro de la categoría hard to find, dos de finales de 1950 fueron los elegidos por el sello Fresh Sound para "resctarlos" del olvido y digitalizarlos por primera vez. Se trata de una clara muestra de los discos que abundaban por entonces, orientados principalmente a registar música instrumental de buen gusto, sin otra intención más que "agradar".

Moviesville Jazz, un disco originalmente realizado para el sello Coral, es una colección de músicas "incidentales" características del ambiente cinematográfico traducidas al mejor idioma del jazz. Cada tema cuenta con excelentes solos de algunos de los mejores músicos de jazz que frecuentaban los estudios de Hollywood. Por su parte, The Sound of Bernhart, originalmente publicado por el sello Decca y considerado como un verdadero tour de force, está protagonizado por cinco grupos diferentes y compuesto por ocho estándares y dos originales, uno de Calvin Jackson y otro de Fred Katz, quienes también estuvieron encargados de los arreglos. 

Heinie Beau & Milt Bernhart

Rare And Obscure Jazz Albums

Heinie Beau

Moviesville Jazz

1 - Scotland Yardbird

2 - The House On Olvera Street

3 - In Your Private Eye

4 - The Man With The Golden Embouchure

5 - The Three Heads Of Adam

6 - The Tattoed Street Car Named Baby

7 - Under The Blowtop

8 - The Five And A Half Gallon Hat Story

9 - The Gina Pastrami Cha Cha Cha

10 - Gullible Travels

11 - Moonset Boulevard

12 - The Cool Tin Roof Story

Heinie Beau (clarinete, saxo alto y flauta), acompañado por:

#2, #5, #8, #9, #10 y #11:

Don Fagerquist (trompeta), Jack Cave (corno francés), Bill Ulyate (trombón, saxo barítono y clarinete bajo), Ted Nash (flauta, saxo alto y clarinete), Tony Rizzi (guitarra), Red Callender (contrabajo), Jack Sperling (batería), Frank Flynn (percusión).

Grabados en Decca Studios, Hollywood, el 24 de junio de 1958.

#1, #3, #4, #6, #7 y #12:

Don Fagerquist (trompeta), John Graas (corno francés), Buddy Collette (flauta, saxo tenor y clarinete), Chuck Gentry (saxos bajo y barítono), Howard Roberts (guitarra), Red Mitchell (contrabajo), Bill Richmond (batería).

Grabados en Decca Studios, Hollywood, el 30 de junio de 1958.

Milt Bernhart

The Sound Of Bernhart

13 - Love Is Sweeping The Country

14 - Don't Blame Me

15 - Get Out Of Town

16 - Valvitation Trombosis

17 - Poor Pierrot

18 - Martie's Tune

19 - Carte Blanche

20 - I'm Beginning To See The Light

21 - Legend

22 - Jungle Drums (Canto Karabali)

23 - Balleta

Milt Bernhart (trombón), acompañado por:

#15, #17, #21 y #23:

Victor Gottlieb, Ed Lustgarten, George Neikrug, Kurt Reher (violonchelos); Red Mitchell (contrabajo).

Grabados en Decca Studios, Hollywood, el 17 de marzo de 1958.

#14, #16, #18 y #19:

Pete Candoli, Ray Linn (trompetas); Vince De Rosa (corno francés); Tommy Johnson (tuba); Bob Enelvoldsen (trombón a válvulas y bombardino); Billy Bean (guitarra); Red Mitchell (contrabajo); Larry Bunker (batería).

Grabados en Decca Studios, Hollywood, el 21 de abril de 1958.

#13 y #20:

Frank Flynn (vibráfono), Milt Raskin (piano), George Van Eps (guitarra), Red Mitchell (contrabajo), Mel Lewis (batería, conga y bongós [#22]), Frank Flynn (timbales [#22]).

Grabado en Decca Studios, Hollywood, el 28 de mayo de 1958.

El Canon del Jazz #3 - Airegin

 Airegin

Compuesta por Sonny Rollins

El título de la canción es "Nigeria" escrito al revés, y su autor, Sonny Rollins, no fue sino uno más de los muchos compositores punteros de jazz moderno que jugaban a estos retruécanos con sus oyentes. En 1946, Dizzy Gillespie ya había alumbrado "Emanon" (al revés: No name, "sin nombre"). En 1952, Horace Silver había grabado "Ecaroh" (su nombre de pila invertido). Otro tanto haría Miles Davis años después con "Selim" y "Sivad". Y Thelonious

Monk es teóricamente el autor de "Eronel" (inversión de "Lenore", nombre de una antigua novia de Sadik Hakim, el pianista que, en colaboración con Idrees Sulieman, compuso la mayor parte de la pieza).

Algunos verán en estos títulos un síntoma de la idiosincrasia lúdica e informal del jazz, y otros, queriendo encontrar razones más profundas, señalarán la larga tradición de intérpretes afroamericanos que han sembrado su obra de significados ocultos y cifrados. En este caso concreto, los juegos lingüísticos de Rollins representaron un obstáculo cuando el cantante y letrista Jon Hendricks trató de encajar en la melodía una letra que aludiese al título. En la versión incluida en The Swingers!, disco publicado en 1958 por el trío Lambert, Hendricks & Ross, el primer verso dice: "Wait’ll y’dig it on the map; Airegin spelled backwards" (Espera a encontrarlo en el mapa: Airegin escrito al revés), que rima con el neologismo "gone fac’wards" (fue hacia delantrás). El señor Rollins no se lo puso muy fácil a sus futuros colaboradores, desde luego.

La canción adquirió notoriedad gracias a Bags’ Groove, de Miles Davis, un disco de 1954 mucho menos conocido que los álbumes que el trompetista publicaría en la segunda mitad de esa década. El disco, no obstante, contenía varias canciones que estaban destinadas a convertirse en clásicos, entre

ellas tres de las mejores composiciones de Rollins: "Airegin", "Doxy" y "Oleo". En términos de concepción, la primera es la más interesante de la serie: tras un comienzo que insinúa un blues en tonalidad menor, se transforma en una estructura asimétrica de treinta y seis compases —una rareza: veinte compases antes de la repetición, y luego sólo dieciséis antes de regresar al principio de la estructura—, toda ella repleta de movimiento armónico para estimular a los solistas. Los acordes iniciales recuerdan a "Opus V", una pieza de J. J. Johnson que Rollins había grabado en 1949, mientras que los segundos ocho compases evocan el puente de "Day Dream", la canción de Billy Strayhorn. Pero el conjunto, tal como lo construyó Rollins, resulta inconfundible, y la pieza figura entre las más intrincadas de sus composiciones más conocidas. "Airegin" es la prueba fehaciente de que en una época en la que otros músicos de jazz, deseosos de ampliar su popularidad, estaban inclinándose hacia el énfasis melódico del cool, o bien hacia el desenfado y la sencillez del funk, Rollins estaba decidido a componer piezas que sedujesen a otros solistas de viento, no a los usuarios de las gramolas.

Y así ocurrió con "Airegin". Dos años después, Miles Davis resucitó la canción en otra sesión para el sello Prestige, esta vez con la participación de John Coltrane, el único titán capaz de discutirle a Rollins el trono de monarca absoluto del saxofón tenor en la corte del jazz moderno. Davis tomó una decisión sorprendente al sustituir la progresión armónica original de Rollins en la repetición del tema A, o tema principal, por una breve secuencia de ocho compases en torno a Fa menor, un anticipo del enfoque modal que habría de dominar su obra a finales de esa década. El movimiento es más rápido y la atmósfera mucho más agresiva: Coltrane nos informa de que era capaz de tocar esa composición con tanta maestría como el propio Rollins.

Otros solistas de renombre tomaron nota. Phil Woods grabó "Airegin" en su sesión de 1957 con Gene Quill y durante los años siguientes retomaría periódicamente la canción con diversos arreglos. Art Pepper le plantó cara en su disco Art Pepper Plus Eleven, de 1959, y a comienzos de la década de 1960 pudo oírse interpretar el estándar de Rollins a Stan Getz, Chet Baker y Maynard Ferguson, entre otros músicos.

La canción ha conservado su lugar en el repertorio clásico, aunque no se oye tan a menudo como "Oleo" o "St. Thomas", también del mismo compositor. Este hecho, sin embargo, quizá se deba sencillamente a que esas dos canciones son más fáciles de tocar, pues la primera se basa en la socorrida secuencia de acordes de "I Got Rhythm", el clásico de Gershwin, y la segunda es tan simple que puede tocarse de oído sin haberla ensayado. Los solistas más avezados, en cambio, siguen sacándole jugo a "Airegin". El lector interesado en oír dos ejemplos estimulantes hará bien en buscar las versiones de Chris Potter y Michael Brecker, ambas de 1993.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Miles Davis (con Sonny Rollins), extraída de Bag’s Groove, Hackensack (New Jersey) 29 de junio de 1954

2 - Miles Davis (con John Coltrane), extraída de Cookin’, Hackensack (New Jersey), 26 de octubre de 1956

3 - Art Pepper (con arreglo de Marty Paich), extraída de Art Pepper Plus Eleven, Los Ángeles, 14 de marzo de 1959

4 - Wes Montgomery (con Tommy Flanagan), extraída de The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, Nueva York, 26 de enero de 1960

5 - Phil Woods (con Jaki Byard), extraída de Musique du Bois, Nueva York, 14 de enero de 1974

6 - Maynard Ferguson, extraída de New Vintage, Nueva York, 10 de julio de 1977

7 - Michael Brecker y David Friesen, extraída de Two for the Show, Portland, 25 de abril de 1993

8 - Chris Potter, extraída de Sundiata, Nueva York, 13 de diciembre de 1993

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-- Disco Elegido --

Art Pepper - Art Pepper + Eleven

A Treasury Of Modern Jazz Classics

Este álbum, junto al Art Pepper Meets The Rhythm representan, según la crítica especializada, las dos sesiones más importantes en toda la carrera discográfica de Art Pepper. Y, a pesar de que el saxofonista había participado en grabaciones de muchas grandes bandas, esta era la primera vez que lo hacía como líder, razón por la cual muchos de sus colegas querían participar en ella.

Anotaba Nat Hentoff en su liner notes para este disco, el 21 de octubre de 1959.

En un período en que las calificaciones para tener un álbum de jazz propio siguen siendo nebulosas, ha sido aún más asombroso que Art Pepper haya estado a cargo de tan pocos. Pepper ha crecido notablemente en imaginación y profundidad emocional en los últimos años, como quedó muy claro en Art Pepper Meets The Rhythm Section. En esta nueva grabación, Pepper recibe de Marty Paich un marco desafiante diferente al que él, o la mayoría de los otros solistas, ha recibido hasta ahora en los discos. Y Art responde acorde a su constante brillantez.

Lo que ha hecho Paich ha sido brindarle a Art más que un simple acompañamiento. Ha integrado una banda para que estimule la interpretación de Art, pero sin que obstruya las improvisaciones que fluyen de sus ideas. Paich pudo lograr esta fusión porque conoce bien el estilo de Pepper a través de varios años de asociación, incluidas las sesiones en las que ofició como pianista.

Según expresó Paich, referente a los arreglos: "Quería darle un tipo de inspiración diferente a la que está acostumbrado con sólo un cuarteto detrás de él. Quería que Art sintiera el impacto de la banda, y pensé que este escenario lo impulsaría a tocar diferente de lo habitual, aunque manteniendo la libetad de su estilo natural. Y así fue. Art y yo siempre pensamos muy parecido. No podría haber pedido un solista más compatible". 

En esencia, Art Pepper + Eleven demuestra, en primer lugar, lo maduro que se ha vuelto Art Pepper como solista. También vuelve a enfatizar la cantidad de material con el que los jazzistas tienen que trabajar, y ayuda considerablemente para mostrar las calidad de Marty Paich como un arreglista de jazz particularmente conocedor y sensible.

1 - Move

2 - Groovin' High

3 - Opus De Funk

4 - 'Round Midnight

5 - Four Brothers

6 - Shaw Nuff

7 - Bernie's Tune

8 - Walkin' Shoes

9 - Anthropology

10 - Airegin

11 - Walkin' (original take)

12 - Walkin' (alternate take 1)

13 - Walkin' (alternate take 2)

14 - Donna Lee (original take)

15 - Donna Lee (alternate take)

Art Pepper (saxo alto); Pete Candoli (#3,4,8,10), Jack Sheldon, Al Porcino (#2,6,9,12) (trompetas); Dick Nash (trombón); Bob Enevoldsen (saxo tenor y trombón a válvulas); Vince de Rosa (corno francés); Herb Geller (#3,4,8,10), Bud Shank (#2,6,9,12), Charlie Kennedy (#1,5,7,11) (saxos altos); Bill Perkins (#2-4,6,8-10,12), Richie Kamuca (#1,5,7,11) (saxo tenores); Med Flory (saxo barítono); Russ Freeman (piano); Joe Mondragon (contrabajo); Mel Lewis (batería).

Grabado en Contemporary's Studio, Los Angeles, el 14 de marzo(#3,4,8,10), 28 de marzo (#2,6,9,12) y 12 de mayo (#1,5,7,11) de 1959.