Horace Parlan - Modelo de resiliencia

Horace Parlan nació en Pittsburgh el 19 de enero de 1931. Comenzó a estudiar piano a muy temprana edad, pero tuvo la desgracia de contraer poliomielitis en su niñez lo que le provocó la incapacidad de usar los dos dedos medios de su mano derecha. Sin embargo, con la ayuda de su profesora Mary Alston y del contrabajista Wyatt Ruther, siguió estudiando el instrumento, desarrollando una personalísima forma de tocar con su mano izquierda y siguiendo sus influencias pianísticas: Admah Jamal y Bud Powell. 

Su característico estilo al piano, deudor en parte de sus raíces bluseras y del rhythm and blues, combina unas frenéticas frases de gran energía rítmica con la mano derecha y originales acordes con la mano izquierda.

Entre 1952 y 1957, tocó en los alrededores de Pittsburgh, excepción hecha de una breve estancia en Washington con Sonny Stitt. En octubre de 1957, entró a formar parte del "Jazz Workshop" de Charles Mingus, actuando en distintos clubes y participando en algunas giras del contrabajista. Entre 1959 y 1960, su ámbito de actuación fue Nueva York con el saxofonista Lou Donaldson y, hasta 1961, fue miembro del grupo formado en cooperativa por Booker Erwin, Al Harewood y George Tucker, denominado "Play House Four". Tocó también con el quinteto de Eddie Davis y Johnny Griffin, disuelto poco después en 1962.

Desde noviembre de 1963, hasta marzo de 1966, estuvo con el grupo del multiinstrumentista, Roland Kirk. Viajó a Europa varias veces y en 1973, se afincó en Copenhague, donde aprovechó el auge del jazz en Los Países Bajos y Escandinavia para grabar con músicos locales, con colegas americanos de paso por Europa y con Dexter Gordon, también residente en Europa por aquellas fechas. 

Horace murió en una residencia de ancianos de Korsør, Dinamarca el 23 de febrero de 2017.

Up & Down es uno de sus discos para el sello Blue Note que Carlos Sampayo refiere y recomienda en su libro:

Como tantos discos grabados en los años 1959, 1960 y 1961, este forma parte del corpus del jazz vivo.

Un viaje retrospectivo revelará que en la escena del jazz coexistían Armstrong y Ellington con Max Roach, Booker Little y Eric Dolphy. Que Ornette Coleman podía cruzarse con Bobby Hackett por una calle cualquiera. Todas las generaciones en pie de guerra, o en pie de amor. La música, el jazz, vibraba entonces porque era el único arte donde convivía su génesis con la disolución de sus formas.

Un disco como este pasaría entonces inadvertido, como uno más de Blue Note, y no es injusto que así fuera con la ingente cantidad de buena música que circulaba para solaz de los aficionados. Esta música es inimitable, pero no su espíritu. Tocan Horace Parlan (piano), Booker Ervin (saxo tenor), Grant Green (guitarra), George Tucker (contrabajo), Al Harewood (batería). Hay aquí un ardor clásico, una reverberación propia, un espíritu irrepetible.

Parlan y Ervin eran entonces mingusianos fieles. Fuera de los contextos de Mingus hacían los que casi todos los acólitos del contrabajista: tocar blues, explorar las esencias, volver a las raíces, devolver y mantener con vida el espíritu de los fundadores. Una época irreproducible (salvo una parte, a través de los registros fonográficos). Hoy busca, como toda buena música del pasado, un oído respetuoso y con vocación de disfrute.

Horace Parlan

Up & Down

1 - The Book's Beat

2 - Up and Down

3 - Fugee

4 - The Other Part Of Town

5 - Lonely One

6 - Light Blue

7 - Fugee (alternate take)

Horace Parlan (piano), Booker Ervin (saxo tenor), Grant Green (guitarra), George Tucker (contrabajo), Al Harewood (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 18 de junio de 1961. 

Obscure #12 - Tommy Turrentine

Thomas Walter Turrentine, Jr. nació el 22 de abril de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. Conocido en el mundo del jazz simplemente como Tommy Turrentine, fue un trompetista con todas las cualidades para la grandeza.

Aunque no se lo pueda considerar ni desconocido ni olvidado, hubo quizá tres razones que le impidieron una mayor trascendencia: cierta falta de audacia para "sobresalir", algunos problemas de salud que restringieron su trabajo y "la sombra" de su exitoso hermano menor Stanley.

Se unió a la Big Band de Benny Carter a los dieciocho años y, a los veinte, a las orquestas de Billy Eckstine y Dizzy Gillespie. Brevemente, también integró la banda de Count Basie. Entre 1952 y 1955, formó parte de la banda de Earl Bostic.

Discográficamente, participó en 25 grabaciones ya consideradas clásicas, acompañando a figuras tan variadas como Ahmed Abdul-Malik, Paul Chambers, Sonny Clark, Lou Donaldson, Booker Ervin, Dexter Gordon, Rufus Jones, Philly Joe Jones, Abbey Lincoln, Jackie McLean, Horace Parlan, John Patton, Max Roach, Archie Shepp, Sun Ra y su hermano Stanley.

Para los expertos en "lo técnico", su talento para la improvisación se diferenció marcadamente de sus colegas de entonces, distinguiéndose por un sonido amplio, cálido y melódico con el que era capaz de crear solos de líneas largas e ininterrumpidas.

Tommy Turrentine también fue un experto pianista y compositor. La crítica considera que sus composiciones combinaron una sofisticación y un lirismo que recuerda "la pluma" de Benny Golson.

¿Qué lo convirtió en obscure y en leyenda? Su único disco como líder, grabado a comienzos de 1960.

Por entonces, Tommy formaba parte del combo de Max Roach. Para su primer y único álbum, respaldado por sus compañeros del grupo de Roach más el pianista Horace Parlan, Tommy compuso cinco de los siete temas que lo conforman.

En esta sólida y vibrante grabación cada uno de los integrantes del sexteto "rindió" a la par, logrando un excelente resultado que se orientó firmemente a los estándares del hard bop de la época. Según Max Roach —el "jefe" de todos por entonces—, ninguno de ellos cayó en imitaciones. En la manera que tocan se pueden escuchar influencias, por supuesto. Pero cada uno se apegó a sus "propias armas".

Paradójicamente, a partir de esta pieza de colección, mientras su hermano Stanley iba rumbo al pináculo, Tommy ya comenzaba a "desvanecerse" en la oscuridad.

También paradójico es que las liner notes de Nat Hentoff sigan teniendo vigencia más de 60 años después: Durante varios años, los jazzistas de Pittsburgh o aquellos que han pasado por la ciudad suelen citar al trompetista Tommy Turrentine como un excelente ejemplo del músico imaginativo. Más allá de un círculo reducido de compañeros, aún no ha recibido merecida atención, debido a que eligió trabajar en su ciudad de origen en vez de instalarse en Nueva York, Chicago, Los Ángeles o San Francisco, lugares adecuados para volverse popular y donde están los principales compositores y las más importantes compañías discográficas.

Sin embargo, el nombre de Tommy se está volviendo reconocido, gracias a sus actuaciones con los grupos de Max Roach desde marzo de 1958. Ahora, este primer disco bajo su propio nombre debería servir para aumentar el tamaño de su audiencia.

Tommy recién se mudó a Nueva York en 1970. Junto a su esposa Jane se instaló en una de las clásicas casas de ladrillos rojos de la calle 82 Oeste, entre Broadway y Central Park. Murió de cáncer a los 69 años, el 15 de mayo de 1997.

Tommy Turrentine

Tommy Turrentine

1 - Gunga Din

2 - Webb City

3 - Time’s Up

4 - Long As You’re Living

5 - Too Clean

6 - Two, Three, One, Oh!

7 - Blues For J.P.

Tommy Turrentine (trompeta), Stanley Turrentine (saxo tenor), Julian Priester (trombón), Horace Parlan (piano), Bob Boswell (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en Capitol Studios, Nueva York, el 19 de enero de 1960. 

Asuntos pendientes I - Charles Mingus

Charles Mingus

Mingus Ah Um

Charles Mingus fue uno de esos distinguidos jazzmen a los que se recordará como músico integral, completo, uno de esos enormes compositores y atrevidísimos arreglistas, con independencia del instrumento que tocaran. Esa élite que incluye a gente como Thelonious Monk o Duke Ellington nos dio a un músico capaz de compaginar como nadie la tradición jazzística más profunda (el gospel, el sentido colectivo del jazz de Nueva Orleans, los esquemas de pregunta y respuesta) y la mayor sofisticación teórica proveniente del legado cultural europeo, originando un estilo que muchos situaron en la Tercera Corriente (aquella que buscaba fusionar elementos del jazz y la clásica) y que constituye uno de los sonidos más originales del siglo XX.

Todas esas características se dan de lleno en Mingus Ah Um, disco grabado en 1959, y cuya formación cuenta con dos saxos altos (uno de ellos también al clarinete), un tenor, dos trombones y la sección rítmica de piano, contrabajo y batería. Formación atípica que, gracias a los inspirados arreglos del de Arizona, suena casi como una auténtica big-band (otra de las evidentes características 

de su música).

La grabación, primera de Mingus para Columbia Records, comienza con "Better Git Hit In Your Soul", un espectacular tema en métrica de 6/8 que guarda tanto en forma como en estilo muchas semejanzas con el gospel. "Goodbye Pork Pie Hat" es un blues lento con la armonía muy modificada en homenaje a Lester Young (en el disco Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus aparecería como "Theme For Lester Young") donde la sofisticación armónica sirve como colchón al espacio y la calidad interpretativa. La magnífica "Open Letter To Duke" es una suite de tres temas que comienza a ritmo de bop para caer en un delicado tempo lento donde los vientos acompañan, responden y llevan en volandas al saxo solista hasta la tercera parte del tema, otra vez rápida, pero esta vez con ritmo latino y un final de lo más divertido. Mención especial para "Bird Calls", cuya introducción auténticamente suena a "llamadas de pájaro". El swingueante "Fables Of Faubus" se escribió en referencia a Orval Faubus, Gobernador de Arkansas, por sus tendencias racistas. Completan el disco el delicioso "Self-Portrait In Three Colors", "Boogie Stop Shuffle", "Pussy Cat Dues" y el simpático "Jelly Roll" (también grabado en Blues And Roots como "My Jelly Roll Soul"), blues en homenaje al gran pianista Jelly Roll Morton, y que recuerda mucho a los sonidos del ragtime y el dixieland de su época.

Respecto a la interpretación de los temas (todos ellos composiciones originales de Mingus) cabe destacar el enorme feelin’ de la sección de vientos, la sobriedad del propio Mingus al contrabajo y el enorme swing del batería Dannie Richmond, un habitual en las formaciones mingusianas. En definitiva, Mingus Ah Um es una de las mejores obras de uno de los mejores músicos que la historia del jazz y de la música en general nos ha dado, y merece un lugar de honor en cualquier discografía jazzística. *Arturo Mora Rioja*

1 - Better Git It In Your Soul

2 - Goobye Pork Pie Hat

3 - Boogie Stop Shuffle

4 - Self-Portrait In Three Colors

5 - Open Letter To Duke

6 - Bird Calls

7 - Fables Of Faubus

8 - Pussy Cat Dues

9 - Jelly Roll

10 - Pedal Point Blues

11 - GG Train

12 - Girl Of My Dreams

Charles Mingus (contrabajo); John Handy (saxo alto, saxo tenor, clarinete); Booker Ervin (saxo tenor); , Shafi Hadi (saxo alto); James Knepper, Willie Dennis (trombones); Horace Parlan (piano); Dannie Richmond (batería).
30th Street Studio, Nueva York, 5 y 12 de Mayo de 1959.