On the road... Rollins!

Sonny Rollins nació en Nueva York el 7 de septiembre de 1930.
El lugar que ocupa en el jazz es tan particular que no puede comparárselo con nadie... no tiene paralelos.
Junto con Coleman Hawkins, Lester Young y John Coltrane, está considerado uno de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz. Sus estilos son el bop y el hard bop, aunque se ha aproximado en varias ocasiones al free jazz en la estela de las innovaciones de Ornette Coleman, contando en ocasiones con la colaboración del cornetista de éste, Don Cherry.
En su estilo siempre se ha notado la presencia de Coleman Hawkins, por su sonido denso y voluminoso, y de Charlie Parker, por la libertad de improvisación.

Comenzó como intérprete de piano, para luego centrarse en el saxo, primero en el alto y luego ya permanentemente en el tenor a partir de 1946. Tras realizar su grabación de debut con Babs Gonzales en 1949, Rollins logró un gran éxito con sus grabaciones con J. J. Johnson y Bud Powell ese mismo año; la última sesión le hizo tocar junto a Fats Navarro. El talento como saxofonista de Rollins fue evidente desde sus comienzos, y así consiguió tocar con Miles Davis en 1951 y con Thelonious Monk. Tras un periodo de retiro, Rollins se unió al Max Roach-Clifford Brown Quintet a finales de 1955, continuando tras la muerte de Brown hasta 1957. Desde ese momento, desempeñó funciones de líder en sus grupos.

La serie de brillantes grabaciones de Rollins para Prestige Records, Blue Note Records, Contemporary y Riverside Records durante los años cincuenta le llevaron a ser aclamado como el mejor saxofonista tenor de la época, al menos hasta la irrupción en escena de John Coltrane.
Se retiró de nuevo entre 1959 y 1961. En esos años, Sonny se había revelado también como un formidable compositor, con temas tan emblemáticos como "Airegin" (Nigeria al revés), "Oleo" o su calipso "St. Thomas". Por eso, dejar un lugar de preeminencia durante tres años, dejó estupefacta a la efervescente escena jazzística. Los rumores y especulaciones estaban a la orden del día y la leyenda de que un saxofonista tocaba en solitario en un puente en Manhattan, fue la más difundida, y más certera a la postre. Porque en efecto, parece ser que Rollins tocaba en el puente Williamsburg... lo cuenta George Avakian en las notas de contraportada de The Bridge (un disco para mí tan imprescindible como el Kind Of Blue de Miles Davis), y lo pemizó el leonés Luis Artigue en su libro Tres, dos, uno....jazz

La ascesis monacal del poeta Sonny Rollins
aislado y ensayando en el puente de Williamsburg;
ese sonido puro de conductor abstemio
me recuerda que es fácil parecer uno más
y difícil ser libre
La luna roza y ama el saxo alto
del tipo que parece trabajar en pompas fúnebres
y toca a la intemperie dibujando en el aire
ebrio de claridad.

Al fin regresó con un cuarteto que incluía a Jim Hall, hasta que en 1968 decidió retirarse de nuevo hasta 1971, época en la que se mostró más abierto a las influencias de los ritmos del Rhythm & Blues y de la música pop.
Su último disco grabado en estudio es de 2006: Sonny, please para el sello Doxy Records, el mismo que publica ahora esta novedad repleta de emocionantes y desconocidas grabaciones.

Road Shows Vol. 1 es el lanzamiento inaugural de una serie de grabaciones en vivo registradas en más de 600 conciertos realizados, desde 1980 a la fecha, en Estados Unidos, Canadá, Polonia, Japón, Francia y Suecia.
Se dice que Sonny tiene alrededor de un tercio de dichas actuaciones guardadas y estaba en su cabeza publicarlas desde hacía mucho tiempo por temor a que las mismas se convirtieran en "bootlegs" (término que significa grabación pirata o no reconocida oficialmente). Corresponden a registros que, por alguna razón técnica o de tiempos, no habían sido editados aún.

Algo al respecto puede apreciarse en el video que anuncia oficialmente la publicación del Road Shows Vol. 1



El hombre sigue, afortunadamente, por la vida muy campante... y los siete temas que integran este primer volúmen, con los músicos que intervienen acompañando su inconfudible saxo tenor y el lugar de actuación son:

1 - Best Wishes
Clifton Anderson, trombón; Mark Soskin, piano; Bobby Broom, guitarra; Jerome Harris, bajo eléctrico; Al Foster, batería. Grabado en el Kosei Nenkin Hall, Tokyo, Japón, el 25 de Mayo de 1986

2 - More Than You Know
Clifton Anderson, trombón; Bobby Broom, guitarra; Bob Cranshaw, contrabajo; Victor Lewis, batería; Kimati Dinizulu, percusión. Grabado en La Halle aux Grains, Toulouse, Francia, el 15 de Mayo de 2006

3 - Blossom
Mark Soskin, piano; Jerome Harris, bajo eléctrico; Al Foster, batería. Grabado en el Umea Jazz Festival de Suiza el 25 de Octubre de 1980

4 - Easy Living
Mark Soskin, piano; Jerome Harris, bajo eléctrico; Al Foster, Batería. Grabado en el Congress Hall, durante el Warsaw Jazz Jamboree, en Polonia, el 23 de Octubre de 1980

5 - Tenor Madness
Clifton Anderson, trombón; Stephen Scott, piano; Bob Cranshaw, contrabajo; Perry Wilson, batería; Victor See-Yuen, percusión. Grabado en el Pantheon Tama, Tama City, Japón, el 8 de junio de 2000

6 - Nice Lady
Clifton Anderson, trombón; Bobby Broom, guitarra; Bob Cranshaw, contrabajo; Steve Jordan, batería; Kimati Dinizulu, percusión. Grabado en el Royal Theatre, Victoria, B.C. Canada, el 24 de Junio de 2007

7 - Some Enchanted Evening
Christian McBride, contrabajo; Roy Haynes, batería. Grabado en el Carnegie Hall de Nueva York el 18 de Setiembre de 2007

Radiografías... un chileno en Monterey

La radio no sólo es para escuchar. Lo fascinante de lla es que "del otro lado" te hablen, te informen, te acompañen.
Para escuchar música sola están los reproductores y giradiscos.
Como en la actualidad la radio ha sido incluída también a la "super planta emisora" de Internét, la variedad de programas amigos va afortunadamente creciendo y con un agregado magnífico: puedes escucharlos a la hora que quieras.
Una ejemplo de ello es el programa de Roberto Barahona, un ex ejecutivo del mundo de la banca que, desde 1997, dirige su programa desde su sitio Purojazz.
Reside en Monterey (California), su audición es transmitida cada fin de semana por Radio Beethoven de Chile pero, gracias a la web, podemos escucharlo el dia y a la hora que se nos antoje.

Para los que gusten, QUINTAESENCIA también ha creado un vínculo directo para disfrutar de Purojazz.

Radiografías... un ángel en el SODRE

Angel Atienza es uruguayo. Es editor y productor discográfico, fundador y director del sello fonográfico Perro Andaluz, que lleva editados cerca de doscientos títulos de intérpretes nacionales y extranjeros, como Hugo Fattoruso, Jorge Galemire, Leo Maslíah, Lágrima Ríos, Luis Di Matteo, Roberto Darvin, Samantha Navarro, Urbano Moraes, Cristina García Banegas, y Eduardo Mateo. Editó los libros De las Cuevas al Solis de Fernando Peláez y ¡Salve Baltasar! del musicólogo Gustavo Goldman.
Como músico y cantante, integró los coros de la Universidad San Felipe y Santiago, del Crandon, Alemán, Upsala, Juventus, Ciudad de Montevideo, y Lourdes, con los que giró por América Latina y Europa.
Es consultor y antólogo en materia musical para varios sellos musicales nacionales y extranjeros.
Fue reconocido con una mención especial del jurado en los premios Graffiti 2009 por su aporte a la música uruguaya.

Cada Jueves de 11.00 a 12.00 horas (de Uruguay) y en reiteración cada domingo de 18.00 a 19.00 horas, conduce "El jardín de las delicias", un apasionante espacio de música para sensibilidades exquisitas a través "Emisora del Sur" (1290 en AM o 94.7 en FM). Un espacio donde se se la la bienvenida a los placeres exquisitos, a suculentos bocados especiales degustados en una hora cautivante y dinámica. Un ecléctico paseo por toda la música del mundo, recorriendo diversos senderos estilísticos, que se confunden en sus cruces y plazas donde surgen las fusiones más excitantes de los distintos géneros.

Para aquellos que mantengan aún la extraña pasión de escuchar radio, QUINTAESENCIA ha incluído un enlace directo para encontrarse con el programa.

Permítanse disfrutar

Un hombre y una mujer

Cada vez que escucho tan sólo el nombre Nnenna Freelon, la memoria porfiada me redirige automáticamente a otra voz... masculina... la de Willis Conover.
Es que al talento de Nnenna lo descubrí a comienzo de los 1990 cuando su primer disco fue presentado por Willis en su antológico programa radial "The Jazz Hour" en la Voice of America.
No eran tiempos de Internet para mí, por lo que me las tenía que arreglar con la Onda Corta, es decir, cero de calidad sonora.
Sin embargo, es el programa de jazz por excelencia que recuerdo de todos los que conocí y que me contagiaron para siempre con el virus del jazz, el que me enseñó a escuchar atentamente a Nnenna. Es por ello que también su imagen, desde una instantánea de alrededor de 1969 y como mi tributo personal, aparece en esta entrada.

Nnenna nació como Nnenna Chinyere Pierce el 28 de julio de 1954.
No sólo su voz la hizo famosa en la escena jazzística (nominada cinco veces a los premios Grammy), sino que también destaca como compositora, productora y arreglista.
Como casi siempre sucede, sus comienzos fueron cantando en su comunidad religiosa, en la Union Baptist Church y St. Paul AM. Pero sus estudios no comenzaron con la música sino que Nnenna se graduó en el colegio Simmons de Massachusetts con un título de Administración de Centros de Cuidados Sanitarios, por lo que su primer trabajo fue para Durham County Hospital Corporation, en Durham, Carolina del Norte.
Su carrera profesional y la fama le llegaron después de haber cumplido los 37 años, de haber terminado sus estudios universitarios, de casarse con el arquitecto Philip G. Freelon y de tener tres hijos.
No fue hasta 1990 en que, habiendo decidido dedicarse profesionalmente a la canción, conoció a Ellis Marsalis, el padre de Wynton, que le facilito el ser contratada por el sello Columbia Records para el que grabó sus tres primeros discos: Nnenna Freelon (1992), Heritage (1993) y Listen (1994).
En 1996 cambió al sello Concord trabajando para él hasta el presente.
Homefree es el más reciente, grabado entre el 19 y el 21 de Setiembre de 2009 y lanzado al mercado el 20 de Abril de 2010.
Es el primero disco grabado en estudio desde 2005 y lleva el orgullo de haber sido grabado "en casa", en los Sound Pure Studios de Durham, Carolina del Norte, donde Freelon vive.
"El hogar es donde está el corazón...", explica Nnenna, "...así, que decidí grabar mi nuevo disco en casa rodeada de todas las cosas que me ayudaron a formarme como persona y como cantante."

En él está acompañada por un cuarteto en la línea principal: Brandon McCune al piano, Wayne Batcheloren el contrabajo, Kinah Ayah en la batería y el percusionista Beverly Botsford.
Pero hay también invitados especiales en este trabajo hogareño.
Colegas que la han acompañado con frecuencia en su carrera: Ray Codrington en fliscornio, Scott Sawyer en guitarra, Ira Wiggins en saxo tenor y el contrabajista John Brown en la impecable toma del tema "Skylark" a dos bajos y voz.
Dos himnos cierran el disco: "America The Beautiful" al final pero, antes, con su su propio hijo Pierce Freelon -para asegurarse que nada "de casa" falte-, "Lift Every Voice and Sing", todo un significado para la comunidad afroamericana.

Los temas:
01 - The Lamp Is Low
02 - I Feel Pretty
03 - The Very Thought of You
04 - Theme from Valley of the Dolls
05 - Smile
06 - You and the Night and the Music
07 - Cell Phone Blues
08 - Get Out of Town
09 - Skylark
10 - Lift Every Voice and Sing
11 - America the Beautiful

Hasta siempre Hank...

A los 91 años murió ayer, en Nueva York, Hank Jones, conocido como "el decano de los pianistas de jazz".

Jones, famoso por acompañar tanto a Ella Fitzgerald como a Marilyn Monroe mientras ésta le deseaba un feliz cumpleaños cantando al presidente John F. Kennedy en 1962, había nacido en Misisipi en 1918.
Permanecía aún en activo tras siete décadas sobre los escenarios e incluso tenía previstas varias actuaciones junto a otros músicos para finales de este mes en el conocido club Birdland de Nueva York, uno de los templos del jazz de la Gran Manzana.

Durante casi tres décadas, Jones, respetado por sus compañeros de profesión por su gran creatividad y versatilidad, se especializó como acompañante de grandes voces, como Ella Fitzgerald (1917-1996), y ejercitó su pasión por la música en varios programas de radio y televisión, aunque también destacó como músico de estudio.

Esos trabajos le otorgaron un segundo plano que empezó a fundirse cuando Jones cumplió los 60 años, una época en la que empezó a ofrecer actuaciones con su propio nombre en cartel y a liderar varios tríos que consiguieron el apoyo del público y la crítica neoyorquinos y con los que viajó por medio mundo.

En ese tiempo unió fuerzas con el bajista Ron Carter y Tony Williams, que provenían del quinteto de Miles Davis (1926-1991), para formar el llamado Great Jazz Trio en 1976, un grupo que fue cambiando de integrantes a lo largo de los años.

En las dos últimas décadas, Jones aprovechó para grabar multitud de álbumes y colaboraciones en directo y, según su página web, apareció en más de 500 discos en solitario y junto a las figuras más importantes del jazz de su tiempo.

Miembro de una familia de músicos de jazz en la que destacaban sus hermanos Thad y Elvin, Jones recibió numerosos galardones a lo largo de una carrera en la que firmó cinco nominaciones a los premios Grammy de la música, cuya organización lo premió en 2009 con el galardón a toda una carrera.

Aquí mismo... desde otro lugar

Nacido el 16 de junio de 1946 en Urbana, Illinois, Tom Harrell ha sido capaz de enfrentarse con coraje a una grave enfermedad, y de salir adelante para convertirse en uno de los mejores trompetistas de jazz de las últimas tres décadas.
Sufre de esquizofrenia, una de las enfermedades mentales más preocupantes de nuestra época. Por eso sobre el escenario, se concentra absolutamente en su música y sólo parece estar vivo cuando improvisa.
Con un estilo que combina el poder de Clifford Brown con el lirismo de Chet Baker, Tom Harrell es uno de los mejores trompetistas de jazz actuales, con conocimientos musicales enciclopédicos, admirado por su capacidad para improvisar de una manera cerebral, pero emocionalmente conmovedora.

Harrell ha explicado que los medicamentos le ayudan a mantener la calma y a concentrarse, pero que a veces también le hacen sentirse cansado. No oye voces, pero tiene problemas para pensar con claridad, algo que él define como “si no tuviera suficiente oxígeno en la cabeza.”
Sin embargo ha conseguido trabajar y escribir a diario, e incluso cree que la esquizofrenia le ha hecho más productivo. “Una cosa que ha pasado con la enfermedad mental es que me ha forzado a adentrarme más en mi mismo”, ha dicho. Y explica que “en cierto modo, me aísla socialmente. No tengo tantas opciones sociales como tienen otras personas.”
Harrell escucha acordes y percusión en los sonidos cotidianos que la mayoría de nosotros filtramos para rechazar (el tintineo de unas copas o un dedo que tamborilea en una mesa, por ejemplo) y las canciones le llegan en fragmentos, a menudo por la noche cuando se “abre una puerta en mi mente.”
Parece tímido en el escenario, pero dice que a él le gusta la comunicación con el público. Piensa que la mejor manera de escuchar música es con los ojos cerrados. Pero, además, teme caer en una metedura de pata social por mirar a alguien de forma inadecuada. “Sería bueno comprobar cuál es la reacción del público, pero me da pavor ofender a alguien.”

Se crió en el norte de California y, a partir de 1967, se vio sometido a un constante tratamiento con fármacos, que no le impidió graduarse en Stanford en 1969. Sus primeros trabajos fueron en las orquestas de Stan Kenton (1969), Woody Herman (1970-71), y en el quinteto de Horace Silver (1973-77). Se trasladó a Nueva York a mediados de 1970 y tocó en ese periodo con Cecil Payne, Bill Evans (1979), el noneto de Lee Konitz (1979-81) y George Russell (1982). En 1983 conoció a Phil Woods, quien lo integró en su grupo, el Phil Woods Quintet, con el que recorrió el mundo y al que perteneció hasta 1989.
También ha trabajado con Carlos Santana, Cold Blood, Azteca, Vince Guaraldi, Hank Jones, Kenny Barron, la Vanguard Jazz Orchestra, la Danish Radio Big Band, la WDR Big Band, la Brussels Jazz Orchestra, la Metropole Orchestra y con Arturo O'Farrill & The Afro-Latin Jazz Orchestra.

Roman Nights se llama su más reciente trabajo grabado el 27 de Noviembre de 2009 para el sello Highnote Records en el Bennet Studios de New Jersey y publicado el pasado 23 de Marzo.
Es el tercer disco con un quinteto de lujo que incluye al notable saxofonista tenor Wayne Escoffery, al pianista Danny Grissett, al baterista Johnathan Blake, y al bajista que lo viene acompañando en los últimos 12 años: Ugonna Okegwo.

Los temas, todos propios, son:

1 - Storm Approaching
2 - Let the Children Play
3 - Roman Nights
4 - Study In Sound
5 - Agua
6 - Obsession
7 - Harvest Song
8 - Bird In Flight
9 - Year of the Ox

Empujando hacia adelante

Desde que destacó en 1993 al ganar el Concurso de Piano Thelonious Monk, Jacky Terrasson es considerado ya como uno de los más brillantes "jóvenes leones" en la escena del jazz.
Su delicado toque de piano se complementa con una gran fuerza y pasión, una completa comprensión del blues y de la improvisación, unido a unas grandes dotes como arreglista, dejando su sello personal en conocidos standards. Desde que en 1993 se hizo con el galardón de la "Thelonious Monk Competition", atrajo enormemente la atención de todo el mundo del Jazz.

De madre francesa y padre americano, nació en Berlín, Alemania, el 27 de Noviembre de 1966 y creció en París. Comenzó sus estudios de piano clásico a los cinco años de edad. En su juventud pasó mucho tiempo estudiando y escuchando las grabaciones de Bud Powell, Bill Evans y Thelonious Monk. Gran influencia le ejerció, también, el que su padre escuchase música clásica en casa. El hecho de que, con la edad de once años, empezara a conocer la música de Billie Holiday y Miles Davis a través de la colección de discos de su madre, le impulsó definitivamente a tocar jazz.

Estudió en la Berklee College of Music de Boston junto a, entre otros, Danilo Perez o Javon Jackson. Después de su graduación pasó un año participando en "jam sessions" en clubes de Chicago y New York antes de formar parte de los grupos de Athur Taylor y Betty Carter, a la que conoció en una sesión de grabación. La cantante le ofreció comenzar una gira al día siguiente como integrante de su banda, situación que Terrasson aceptó y que se prolongó durante un año. Realizó giras con Ray Brown, Dee Dee Bridgewater, Guy Lafitte o Barney Wein, entre otros.

Lleva grabados 10 discos para el sello Blue Note y esta nueva aventura llamada Push (otra vez titulando con una simple palabra), es su primer registro para el sello Concord Jazz y una joya de 11 dinámicas pistas que abre una nueva puerta en su técnica creativa e ingenio.

"Definitivamente es un momento decisivo para mí", dice Jacky. "Estoy con un nuevo sello, por lo que es importante para mí hacer las cosas de manera diferente. Quería otro sonido, explorar lo que me ha estado pasando personalmente en los últimos años. Hay diferentes aires, diferentes golpes, otros "grooves".
Y, como sugiere el título del álbum, la música es impulsada por un empuje hacia adelante inherente. Terrasson explica, "Push es un vehículo para hacer que las cosas sucedan, para empujar en direcciones nuevas. Eso es lo que este álbum es.
Parte de este avance incluye al pianista en su debut vocal en dos canciones." Sé que no soy un cantante ", dice. "Pero me he oído en mi cabeza durante años, así que ¿por qué no? imaginé." Se ríe y añade: "He empujado (pushed) para que sucediera."
Para Michael G. Nastos (uno de mis críticos favoritos), el disco es considerado así: "Push es una de las grabaciones más agradable y diversa de Terrasson, una fina muestra de su crecimiento que se ha producido en forma exponencial".
Jacky cuenta sobre su Push:



El álbum fue grabado entre el 28 y el 30 de Setiempre de 2009 y lanzado al mercado el pasado 27 de abril.
Cuenta con un nuevo trío de trabajo que incluye los últimos ganadores del premio que lo catapultó a la fama: el Thelonious Monk Competition: Ben Williams en el bajo, Jamire Williams en la batería más un puñado de invitados especiales: Gregoire Maret en armónica, Jacques Schwarz-Bart en saxo tenor y Cyro Baptista en percusión.

Los temas:

01 - Gaux Girl
02 - Beat It/Body and Soul
03 - Ruby My Dear
04 - Beat Bop
05 - Round Midnight
06 - Morning
07 - My Church
08 - Say Yeah
09 - You'd Be So Nice to Come Home To
10 - Carry Me Away
11 - O Cafe, O Soleil

Con la vanguardia en los genes

Henry Threadgill ( Chicago,15 de Febrero, 1944) es una figura fundamental dentro de la vanguardia de la música instrumental contemporánea.
Su relación con la música comienza por el piano a los 5 años de edad; tras éste, el contrabajo, influenciado por un tío suyo que tocaba ese instrumento en la banda de Amad Jamal, pero cuando tuvo la suficiente estatura para poder tocarlo ya se le había pasado la fiebre por él. A continuación estudió saxo tenor, barítono, clarinete y clarinete bajo, optando al fin por el saxo contralto y la flauta.

A comienzos de la década de 1960 formó parte de la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians). Entre 1965 y 1967 fue de gira con la cantante de gospel Jo Jo Morris. Luego sirvió en el ejército durante un tiempo, tocando con una banda de rock ejército y al licenciarse de la milicia regresó a Chicago y encontró que su ciudad natal era un hervidero artístico donde la vanguardia estaba presente en todo género de actividades. Por entonces decidió formar su primer grupo, un trío llamado Air, formado por él mismo en los vientos, Fred Hopkins al contrabajo y el gran percusionista Steve McCall; con ellos estuvo hasta mediados los 1980.
Su siguiente grupo fue el Henry Threadgill Sextet, que curiosamente estaba integrado por siete músicos, para reunir después un nuevo grupo, el Very Very Circus, esta vez un septeto real formado por dos tubas, dos guitarras un trombón, una trompeta y dos baterías. Este grupo significó su salida del llamado jazz radical y con él fundió jazz de vanguardia, funk, salsa y música del este de Europa.

En la década que va de 1980 a 1990 la música de Threadgill se fue volviendo cada vez más pulida y sofisticada, su alma siempre inquieta lo llevó a la creación de una variedad de conjuntos de primer nivel.
Así lo encontró el nuevo siglo y éste nuevo trabajo al frente de su grupo Zooide para el sello independiente Pi Recordings lo está posicionando como lo merece en el mundo de la experimentación.

El jazz avantgarde ha producido docenas de notables improvisadores, pero relativamente pocos grandes compositores. Henry Threadgill es miembro de ese club exclusivo. Con sus compañeros de Chicago Anthony Braxton y Muhal Richard Abrams es uno de los compositores de jazz más originales de su generación.
El arte de Threadgill trasciende las fronteras estilísticas. Él abraza al mundo de la música en su totalidad, desde el ragtime al bop, free jazz, y más allá. En cualquier caso Threadgill siempre suena como Threadgill. Un proyecto determinado puede explotar un género en particular o instrumentación extraña, pero cualquiera que sea el punto de vista, siempre lleva la marca indeleble de su personalidad.

Zooide son: Henry Threadgill en flauta y saxo alto, Liberty Ellman en guitarra, José Dávila en trombón y tuba, Stomu Takeishi en contrabajo y guitarra baja y Elliot Humberto Kavee en batería.

Los temas de este This Brings Us To, Vol. 1, nominado para Mejor Disco de Año:

1 - White Wednesday off the Wall
2 - To Undertake My Corners Open
3 - Chairmaster
4 - After Some Time
5 - Sap
6 - Mirror Mirror the Verb