Booker Little - Los discos de la gran incógnita

Dotado del oído de un mago, Booker Little poseía un lirismo innato y la consistencia firme que otorga el dominio total de la trompeta. Dueño de una técnica impecable, así como poseedor de una facilidad asombrosa para crear efectos dramáticos, puede ser considerado como el gran olvidado y a la vez el gran comodín para los entendidos; sin embargo, su importancia y legado están aún pendientes de ser reivindicados como merecen.

Booker Little Jr. nació el 2 de abril de 1938 en Memphis y falleció el 5 de octubre de 1961 en Nueva York. Era el cuarto hijo de una humilde familia trabajadora con una fuerte inclinación musical; su padre, portero de hotel, había aprendido a tocar el trombón de manera autodidacta, y su madre tocaba el piano en la parroquia. Tras probar con el trombón y el clarinete, se decidió por la trompeta, con la que comienza a presentarse en hoteles y clubes. El 1954, con 16 años, se inscribe en el Conservatorio de Chicago, donde perfecciona su maestría en trompeta e inicia estudios de composición, teoría musical y orquestación. Durante su segundo año en Chicago, compartió habitación con Sonny Rollins, quien le presentó a Max Roach (desde ese momento, su más íntimo e importante "protector").

Tras graduarse en 1958, Roach lo reclama para su grupo y se traslada a Nueva York, donde se codea con Coltrane en el Five Spot Café, estrecha amistad con nuevos músicos y se le empieza a conocer como un versátil e interesante trompetista influenciado fuertemente por Fats Navarro, Clifford Brown e, inevitablemente, Miles Davis. 

Como líder, dejó registrado tan solo cuatro álbumes: Booker Little 4 and Max Roach (1958), Booker Little (1960), Out Front (1961) y Victory and Sorrow (1961, también conocido como Booker Little and Friend).

Nuevamente es el libro de Carlos Sampayo el que nos induce a repasar el "fundamental" Out Front, registrado durante dos sesiones en la primavera de 1961 y producidas por el crítico Nat Hentoff. Entre los numerosos factores que contribuyen a hacer de éste un álbum clásico, destaca principalmente la capacidad compositiva de Booker Little. Tanto por la fecha de su grabación como por lo contenido en ella, Out Front puede ser considerado el disco de la gran incógnita —como lo definió el gran divulgador parisino Juan Claudio Cifuentes (aunque instalado en España desde 1961, "Cifu, para los amigos", como decía en sus programas radiales)—, que no es otra que saber qué camino hubiera tomado el jazz de haber continuado por lo ahí expuesto en lugar del beligerante free atonal de los convulsos años de la década de 1960.  

En su reseña, consigna Sampayo:

De vivir hoy, Booker Little tendría una edad en que los trompetistas cuidadosos de la salud ya han hecho las cuentas con sus labios, y cálculos de tiempo, firmeza de sonido, agilidad mental y estado de la dentadura o prótesis. Si además de instrumentistas son artistas, es el momento de resumir lo hecho, de pensar en la obra propia, de recrearse con la estirpe generada. No cabe duda de que Little habría expandido su música prolongándola en otros, pero el modo en que lo hubiera hecho es solo figuración.

El protagonista de nuestra fábula —y de esta reedición imprescindible— murió a los veintitrés años. La discografía a su nombre se reduce a cuatro títulos, de los cuales Out Front es el penúltimo; el último, Victory and Sorrow, también en sexteto, precedió en una semana a su muerte.

Hay, por otro lado, suficiente testimonio discográfico de su valía y talento: grabaciones en vivo junto a Eric Dolphy en el Five Spot de Nueva York, y sobre todo como integrante de diferentes formaciones de Max Roach, quien lo había escogido como reemplazo de Clifford Brown.

El de 1961 habría sido el año de la consagración prematura de Little como una de las grandes figuras del jazz. Su estilo —si podemos reducir sus modos poéticos a una categoría tan escueta— proponía espacios abiertos, conllevaba la libertad, esencia del jazz desde que Louis Armstrong lo indicara en 1928. En otro lugar de la sensibilidad jazzística colectiva, Don Ellis estaba haciendo otro tanto. Como Ellis, Little no fue un fracturador a la manera de Bill Dixon o Don Cherry sino un reelaborador de formas, un demoledor de clichés. No perteneció a la primera camada del free jazz porque su exploración había enfilado hacia otros senderos.

¿Otra forma de free? ¿Una anticipación de lo que ocurriría en los años ochenta, con el reflujo hacia las formas canónicas? No podemos saberlo. La música de Little, rica en matices y evidencias, no rehuía el virtuosismo, del que el artista se servía para llenar espacios vacíos e incertidumbres y burlarse de los tópicos. Siempre apoyado en el esquema rítmico bopper, que le daba la comodidad de un sostén amortiguado, Little expresó ideas hasta entonces inéditas, complementarias de las de Eric Dolphy, que fue su más ajustado compañero de ruta.

Out Front cayó en manos del público en un momento de convulsiones jazzísticas, pero no fue inadvertido, muy al contrario. La crítica no faltó al elogio y algunos jazzmen de prestigio (Charles Mingus, Gunther Schuller, John Coltrane) manifestaron su felicidad ante la aparición de esta auténtica obra unitaria. Las ocho composiciones originales de Little no son una simple suma de invenciones aisladas —muy meritorias cada una de ellas— sino una invitación a una percepción total. Al extraordinario dominio de su instrumento Little sumaba una aguda pericia en los arreglos. Combinación de timbres, saltos tonales, expansiones rítmicas sirven aquí para expresar efectos que traducen diferentes estados de ánimo; júbilo, dramatismo, ligereza, humor y, sobre todo, curiosidad. Como la música de todo creador contemporáneo, la de Little deja la sensación de no concluida, aun en su perfección formal. Esta inquietud es la que lleva a preguntarse sobre los resultados de la evolución del arte de este joven del pasado moderno del jazz, una forma de expresión que ya no admite ni perdona frustraciones como las de Little, Clifford Brown, Fats Navarro o Bix Beiderbecke.

En Out Front, con él están Eric Dolphy (saxo alto, clarinete bajo, flauta), Julian Priester (trombón), Don Friedman (piano), Art Davis o Ron Carter (contrabajo), Max Roach (batería, vibráfono, timbales). A la consagración prematura de Booker Little, 1961 trajo la muerte prematura, hecho mínimamente compensado con una reedición como esta.

Nota: Sampayo menciona en su reseña "ocho composiciones". Seguramente se está refiriendo a una reedición japonesa de 1991 en disco compacto, en la que se agregó una toma alternativa de "Strength And Sanitys", no presente el el vinilo editado en 1977 por Barnaby/Candid Jazz (BR-5019) que se presenta aquí.

Booker Little

Out Front

Lado 1

1 - We Speak

2 - Strength And Sanity

3 - Quiet Please

Lado 2

4 - Moods in Free Time

5 - Man Of Words

6 - Hazy Blues

7 - A New Day

Booker Little (trompeta); Julian Priester (trombón); Eric Dolphy (saxo alto, clarinete bajo y flauta); Don Friedman (piano); Art Davis [#1, #3, #7], Ron Carter [#2, #4, #5, #6] (contrabajos); Max Roach (batería, timbales y vibráfono).

Grabaciones realizadas en Nola Penthouse Sound Studios, Nueva York, el 17 de marzo (#1, #3, #7) y el 4 de abril (#2, #4, #5, #6) de 1961.

⁂

Si Out Front mereció tantos encendidos análisis por parte de la crítica especializada, el álbum final de Little, Victory And Sorrow, grabado apenas pocas semanas después, demostró que cualquiera fuese el lugar al cual el jazz se estaba dirigiendo en aquellos turbulentos y estimulantes años, el trompetista sabía que tenía que formar parte de esa "nueva corriente". Debido a la asombrosa concepción musical y al talento para explotar los recursos instrumentales que Little utilizó en ambos, Quintaesencia se permite considerar a Victory And Sorrow como la continuación natural de Out Front y así contribuir a "alimentar la sospecha" ante la interrogante de qué hubiese sucedido en el mundo del jazz si Booker Little no hubiera fallecido tan pronto.

En sus liner notes, el productor Michael Cuscuna lo deja más claro:

En sus cuatro años de actividad verdaderamente profesional, Booker Little tuvo un impacto extraordinario en la forma y el estilo del jazz en su transición del hard bop a formas más amplias y libres. Fue un instrumentista y compositor asertivo, imaginativo y reflexivo. Es asombroso darse cuenta del nivel de realización y madurez alcanzados en una vida que terminó a la edad de 23 años.

Al igual que (Eric) Dolphy, Booker Little, pensando en términos de música pura, consideraba que "no existen las notas equivocadas", una actitud que le permitió superar las reglas tradicionales de armonía, estructura y tono. Esta expansión de horizontes podía parecer un lugar común en los setenta, pero el público aficionado al jazz se mostraba sorprendentemente resistente a cambios tan inteligentes a finales de los cincuenta y principios de los sesenta.

Si bien es triste darse cuenta de que este álbum ambicioso y prometedor es el capítulo final de la brillante y efímera carrera de Booker Little, la música que reúne ciertamente se destaca y resiste la prueba del tiempo.

Booker Little

Victory And Sorrow

Lado 1

1 - Victory And Sorrow

2 - Forward Flight

3 - Looking Ahead

Lado 2

4 - If I Should Lose You

5 - Calling Softly

6 - Booker's Blues

7 - Matilde

Booker Little (trompeta), Julian Priester (trombón), George Coleman (saxo tenor), Don Freedman (piano), Reggie Workman (contrabajo),  Pete La Roca (batería).

Grabado en Nueva York, en el verano (agosto o setiembre) de 1961. 

Retratos en Jazz #46 - Herbie Hancock

Herbie Hancock (1940)

Nació en Chicago. Desde 1963 hasta 1968, aun trabajando con Miles Davis, dirigió sus propios grupos que incluían hasta seis músicos, con los que creó el disco Maiden Voyage. Cuando se separó de Miles Davis, se involucró profundamente en la música electrónica y, en 1973, logró un gran éxito con el disco Head Hunters, tocando el sintetizador. Por cierto, ha sido un músico muy consciente de las épocas por las que ha pasado.

Maiden Voyage (Blue Note BST-84195)

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Herbie Hancock

Maiden Voyage

Lado 1

1 - Maiden Voyage

2 - The Eye Of The Hurricane

3 - Little One

Lado 2

4 - Survival Of The Fittest

5 - Dolphin Dance

Herbie Hancock (piano), Freddie Hubbard (trompeta), George Coleman (saxo tenor), Ron Carter (contrabajo), Anthony Williams (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 17 de marzo de 1965.

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~ Extra ~

"No hay ningún otro (de sus discos) que quiera tener siempre a mano", dice Murakami honestamente al referirse al Maiden Voyage. Por eso no es casual que elija mencionar Head Hunters en la mini biografía de Hancock. Para los puristas fue una herejía de otro pionero disidente del jazz. Para los más abiertos a las nuevas tendencias fue un punto fundamental en la carrera de Herbie Hancock, una pieza que lo llevó a la vanguardia de lo denominado "jazz fusión" y que influenció en el funk, el soul y el hip-hop.

Herbie Hancock

Head Hunters

1 - Chameleon

2 - Watermelon Man

3 - Sly

4 - Vein Melter

Herbie Hancock (piano Fender Rhodes, Clavinet Hohner D6, Arp Odyssey, sintetizador); Bennie Maupin (saxos tenor y soprano, saxello, clarinete bajo y flauta alta); Paul Jackson (marimba y bajo); Harvey Mason (batería); Bill Summers (percusión).

Grabado en Wally Heider Studios, San Francisco, California, en setiembre de 1973. 

Retratos en Jazz #16 - Miles Davis

Miles Davis (1926-1991)

Nació en Illinois. A partir de 1945 comienzó a tocar su trompeta junto a Charlie Parker. En 1948, con la colaboración de Gil Evans, creó una formación completamente original, nunca vista en la historia del jazz, un "noneto". En 1959, tras su experiencia con el hard bop, grabó Kinf of Blue, esa obra maestra del jazz modal. Más tarde, experimentó audazmente con el sonido electrónico, ejerciendo una gran influencia en la dirección que tomaría el jazz. Ha grabado una gran cantidad de álbumes. En 1975 se retiró de la música, pero en 1981 volvió a los escenarios.

'Four' & More (Columbia CL-2453)

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 Miles Davis

"Four" & More

Lado 1

1 - So What

2 - Walkin'

3 - Joshua ~ Go-Go (Theme And Announcement)

Lado 2

4 - Four

5 - Seven Steps To Heaven

6 - There Is No Greater Love ~ Go-Go (Theme And Announcement)

Miles Davis (trompeta), George Coleman (saxo tenor), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería)

Grabado en vivo en The Philharmonic Hall, Nueva York, el 12 de febrero de 1964

El Canon del Jazz #5 - All Blues

 All Blues

Compuesta por Miles Davis

El disco de Miles Davis Kind of Blue —a decir de la mayoría, el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos, cuya condición de cuádruple platino quedó ratificada en 2008 por la Recording Association of America— es famoso por las estructuras modales de sus temas, basadas en escalas. Pero esta canción, incluida en ese elepé e interpretada con mucha frecuencia, no posee ningún elemento modal, sino que presenta una estructura de blues modificada. Aun así, la composición no tiene nada de convencional, habida cuenta del compás de 6/8 —fuera de lo común para un blues —, el peculiar ostinato de piano y el sorprendente aumento de un semitono respecto del acorde dominante antes de proceder al turnaround, o pasaje de transición entre secciones.

A pesar de su audacia, "All Blues" es bastante fácil de tocar y no plantea demasiadas exigencias, ni siquiera al solista bisoño. Dicho sea de paso, he notado que los intérpretes de jazz —un gremio verboso, en la mayoría de los casos— tienden a reprimirse más de la cuenta al tocar esta pieza. Sospecho que la mesura se debe al empuje del ostinato de piano, que tiende a impulsar la canción hacia delante aunque los solistas guarden silencio. Este fenómeno concuerda con un viejo principio del jazz de cuya validez puedo dar fe por experiencia, y es que si la sección rítmica toca con swing, la sección de vientos no necesita usar muchas notas. Y en esta canción, ese motivo insistente del piano, un ejemplo de lo que en la jerga del género se conoce como vamp, casi sostiene el swing por sí solo.

La grabación original es difícil de superar, pero si alguien podía lograrlo era el propio Miles. A mi juicio, resulta imposible decidirse entre la versión del Kind of Blue y la interpretación en directo que Davis ofreció cinco años más tarde en el Lincoln Center de Nueva York. La segunda es más rápida y da la sensación constante de que los músicos están forzando la máquina, de que la estructura subyacente va a desmoronarse y hundirse en el caos de un momento a otro. El conjunto, sin embargo, resulta coherente, gracias a la pura fuerza de voluntad colectiva de todos los integrantes del quinteto, si bien no exhibe la limpidez introspectiva de la original de 1959.

Las composiciones tan emblemáticas motivan adaptaciones radicalmente nuevas, y "All Blues" no es una excepción. Tres reinterpretaciones innovadoras me han impresionado por su audacia. La primera, una versión en compás de 5/4, incluida en el álbum Miles from India, que reúne a Jimmy Cobb y Ron Carter, discípulos de Davis, con un sitarista y un percusionista de ghatam en una sección rítmica que hermana Oriente y Occidente, y a Rudresh Mahanthappa y Gary Bartz en la sección melódica. La segunda, el osado arreglo posmoderno de Vince Mendoza para una banda de estrellas internacionales, encargado por el Festival Traumzeit de Duisburgo para su edición de 2007. Y por último, la zapatiesta de blues guasón que grabó en 1998 el World Saxophone Quartet, donde el compás de 6/8 original se sustituye por un ritmo binario africanizado.

Por desgracia, estas tentativas provocadoras de reorientar un estándar familiar son la excepción y no la regla. La mayoría de intérpretes trata la pieza con un respeto reverencial propio de un museólogo, llegando incluso a calcar el groove original de la sección rítmica. Uno entiende la atracción de la versión primigenia —la concepción primitiva de Davis es digna de admiración—; pero, dada la proverbial predisposición del trompetista a trastocarlo todo, no estaría de más un poco de infidelidad a la hora de rendir homenaje a su obra.

Años después, Oscar Brown Jr. puso letra a la composición y su texto está más logrado que la mayoría de letras añadidas a posteriori, pues se ajusta de forma convincente a la temperatura anímica de la pieza. Una interpretación vocal particularmente eficaz es la que incluyó Mark Murphy en su álbum Bop for Miles, de 1990.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Miles Davis, extraída de Kind of Blue, Nueva York, 22 de abril de 1959
2 - Miles Davis, extraída de My Funny Valentine, grabada en directo en el Philharmonic Hall, Nueva York, 12 de febrero de 1964
3 - Mary Lou Williams, extraída de Live at the Cookery, Nueva York, noviembre de 1975
4 - Mark Murphy, extraída de Bop for Miles, grabado en directo en Viena, 10 de mayo de 1990
5 - World Saxophone Quartet, extraída de Selim Sivad: The Music of Miles Davis, Nueva York, 2 y 3 de marzo de 1998
6 - Vince Mendoza, extraída de Blauklang, grabado en directo en Duisburgo (Alemania), 7 de julio de 2007
7 - Rudresh Mahanthappa, Gary Bartz y otros, extraída de Miles from India, lugar y fecha de grabación no especificados (cedé publicado en 2008).

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-- Disco(s) Elegido(s) --

(Concierto Elegido)

Fecha:12 de febrero de 1964.

Lugar: Philharmonic Hall de Nueva York, 

Los músicos: Miles Davis, George Coleman, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams.

Este notable quinteto es a veces pasado por alto en la carrera de Miles Davis como líder por estar entremedio del "primer gran quinteto" (con John Coltrane, Bill Evans, Paul Chambers, Philly Joe Jones) y el "segundo gran quinteto" (con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams). Tras el abrumador éxito de Kind Of Blue, Miles Davis parecía reacio a grabar y aún más reacio a escribir material nuevo él mismo o encargarlo a los acompañantes. 

Miles estaba más interesado en giras con repertorios basados en estándares que en los materiales que había ido perfeccionado en estilo y enfoque del primer gran quinteto. Quizás sintió que el desempeño de esta banda tendría que ser probada por la fuerza de las actuaciones en directo si quería alcanzar los logros anteriores. Cualquiera que sea el razonamiento, 1963 y 1964 vieron a esta nueva banda actuar ante grandes audiencias.

Los propios comentarios de Miles en su autobiografía dan una idea muy clara de su renuencia a entrar en un estudio de grabación por entonces. Se había enojado cuando se lanzó el proyecto iniciado por CBS para producir un álbum navideño a pesar de que tanto él como Gil Evans lo desaprobaron: "No iba a ir a los estudios... porque todavía estaba enojado con Teo Macero (productor de Miles en CBS) por aquella mierda del Quiet Nights, y también porque me estaba cansando de grabar en estudios y solo quería hacer más música en vivo. Siempre pensé que los músicos tocan mejor en vivo... y esa mierda del estudio se me había vuelto aburrida".

Columbia respondió grabando conciertos en vivo, lanzado en materiales como Miles In Antibes, Miles In Europe y los que nos ocupa en esta entrada: My Funny Valentine y Four & More que reúne "casi todo" el concierto ya que hubo un tema de este que nunca fue liberado por la casa Columbia: "Autumn Leaves".

La nueva fuerza impulsora del quinteto fue el descubrimiento del baterista Tony Wiliams. Según Miles, “él simplemente encendió un gran fuego debajo de todos en el grupo ... Estaba comenzando a darme cuenta de que Tony y este grupo podían tocar lo que quisieran. Tony siempre fue el centro alrededor del cual giraba el sonido del grupo. Él era otra cosa, hombre... Todo esto de un chico de diecisiete años del que nadie había oído hablar antes del comienzo del año... nadie tocó conmigo como lo hizo Tony. Quiero decir que fue aterrador". George Coleman había sido recomendado a Miles Davis por John Coltrane. Su solo en “My Funny Valentine” es posiblemente uno de los mejores solos de saxo de todos los tiempos. En cuanto a Herbie Hancock, Miles lo había escuchado mientras estaba en la banda de Donald Byrd. Ron Carter, por entonces, tocaba en el grupo de Art Farmer. 

Miles organizó una forma inusual de audición para el nuevo grupo: los cuatro nuevos integrantes fueron al apartamento de Miles en Nueva York y tocaron mientras Miles los escuchaba desde la planta alta mediante un intercomunicador que había instalado. Después de más o menos dos días de esas sesiones de improvisación, Miles se les unió, dándose cuenta de que había encontrado un reemplazo completo para el “gran primer quinteto”. 

Cuando una banda es tan grandiosa, no es de extrañar que el concierto grabado en el Philharmonic Hall del Lincoln Center, Nueva York, el 12 de febrero de 1964 merezca tanta atención. Hubo una química especial esa noche… una intensidad y un lirismo que rara vez se ha igualado en ninguna era del jazz. El evento en sí y su sincronización hicieron de esta música algo único.

El concierto fue organizado para recaudar fondos para las campañas de registro de votantes que a principios de 1964 estaban en el centro de las demandas por los derechos civiles entre los estadounidenses negros que, particularmente en el sur, durante generaciones no habían podido votar y habían tenido que soportar una segregación que se había aplicado rígidamente, algo que se conoció como el Jim Crow, leyes que operaban desde la década de 1890 en estados del sur y que hacían obligatoria dicha discriminación.

En febrero de 1964, cuando el concierto de la Philharmonic Hall, la campaña por los derechos civiles estaba en su apogeo y se encaminaba hacia la victoria. Para el verano de ese año, el presidente Lyndon Johnson habría aprobado leyes (originalmente presentadas por John F. Kennedy) que acabaron con la mayoría de los restos de Jim Crow. Pero la batalla aún se libraba en el momento del concierto.

Según Ian Carr (en su biografía del trompetista), Miles Davis le había confiado que uno de los dos conciertos estaría dedicado al presidente John F. Kennedy, que había sido asesinado a tiros unos meses antes. 

También se sabe que, momentos antes de subir al escenario, la banda tuvo una fuerte discusión. Un miembro de la banda, a quien Miles nunca mencionó, estaba descontento por tocar y no recibir un pago; sin embargo, Miles había accedido a tocar gratis para que las ganancias pudieran destinarse a la campaña. El problema se resolvió así: “Está bien, tocaremos sin paga, pero solo esta vez…” Quizás parte de la pasión en estas actuaciones surgió de algo tan simple como la ira juvenil. Como recordó Miles: "Cuando salimos a tocar, todos estaban enojados de "puta madre" entre ellos y, por lo tanto, creo que la ira creó un fuego, una tensión que se apoderó de la forma de tocar de todos, y tal vez esa sea una de las razones por las que todos tocaron con tanta intensidad."

CBS publicó esta música en discos separados. Ni My Funny Valentine ni Four & More permiten al oyente escuchar todo el concierto. Columbia extrajo para My Funny Valentine la mayor parte del material baladístico interpretado y reunió el material más up tempo en el Four & More. En el camino, la versión de "Autumn Leaves" fue rechazada. 

Pero sea como sea, aún sin esa canción, estos dos discos registraron, probablemente, el mejor concierto de jazz en vivo grabado de todos los tiempos.

Miles Davis - My Funny Valentine

Miles Davis in Concert

1 - My Funny Valentine

2 - All of You

3 - Stella by Starlight

4 - All Blues

5 - I Thought About You

Miles Davis (trompeta), George Coleman (saxo tenor), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería)

Grabado en vivo en el Philharmonic Hall, Lincoln Center, Nueva York, el 12 de febrero de 1964

Miles Davis - 'Four' & More

Recorded Live in Concert

1 - So What

2 - Walkin'

3 - Joshua

4 - Go-Go (Theme And Announcement)

5 - Four

6 - 7 Steps To Heaven

7 - There Is No Greater Love

8 - Go-Go (Theme And Announcement)

Miles Davis (trompeta), George Coleman (saxo tenor), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería)

Grabado en vivo en el Philharmonic Hall, Lincoln Center, Nueva York, el 12 de febrero de 1964

Blue Note #44 - Herbie Hancock

Herbie Hancock

Maiden Voyage

Cuando estaba en el grupo de Miles, se nos permitía tocar lo que queríamos y dar forma a la música mediante los esfuerzos de todos y no según los dictámenes de Miles. Intento hacer lo mismo con mi grupo.

**Herbie Hancock**

La grabación de Maiden Voyage no fue tan sencilla como la de muchos de los discos de Blue Note, que a menudo era el resultado de permanecer durante un solo día en el estudio. Al finalizar el día, con independencia de qué hora fuera y de las tomas que hubieran hecho falta, se tenía el producto finalizado. Herbie ya había participado en una sesión en el estudio de Rudy Van Gelder seis días antes: en esta se habían grabado “Maiden Voyage”, “Little One” y “Dolphin’s Dance”, aunque aún faltaba algo. Para su segundo día en lugar de Stu Martin (que era el batería de Sonny Rollins) contaron con la presencia de Tony Williams, quien tocó en la versión final del disco.

El sucesor de Empyrean Isles es un disco totalmente distinto en cuanto a la forma y a la sensación que transmite, además de por la evidente inclusión del saxofonista tenor George Coleman, quien, al igual que la mayoría de los demás Había tocado con el grupo de Miles Davis durante los dos años anteriores. Al apartarse del hard bop del álbum de 1964, esta suave y melodiosa composición tiene toques de jazz de cámara, y se ha dicho de ella que es una “escultura sónica”. Pero no debemos pensar de ningún modo que por ello se trata de un disco menos emocionante: nos encontramos ante una innovadora exploración musical de primer orden. El tiempo que pasó Hancock con Miles Davis se pone de manifiesto en su forma de tocar, aunque no se trata ni por asomo de un mero pastiche de la música de éste último. Basta con escuchar el crescendo con el que se cierra “Survival Of The Fittest”: le debe más a Rajmáninov que a Miles Davis.

“Maiden Voyage”, que se denominaba “TV Jingle” hasta que Jean Hancock, hermana de Herbie, la rebautizó, establece el tono y el tema del álbum. Irónicamente, un tiempo después Fabergé empleó la canción para un anuncio de televisión. Se trata de una composición que han versionado muchos artistas, entre ellos Dianne Reeves, que grabó una interesante versión vocal en 1996, y el pianista Robert Glasper, quien incluyó su fabulosa interpretación en el disco In My Element, que lanzó Blue Note en 2007.

Aunque la cara 2 abre con la canción más experimental del álbum, esta refleja a la perfección su concepto clave: la evocación de “atmósferas oceánicas”.

Gracias a la diestra composición e igualmente diestra ejecución que lleva a cabo Hancock, “Dolphin’s Dance” es el otro clásico del disco. Es una pieza en la que se brindan sutiles cambios y giros tanto en la clave como en la interacción entre los solistas. Maiden Voyage es la perfección hecha disco.

1 - Maiden Voyage

2 - The Eye Of The Hurricane

3. Little One

4 - Survival Of The Fittest

5 - Dolphin Dance

Herbie Hancock (piano), George Coleman (saxo tenor), Freddie Hubbard (trompeta), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 17 de Marzo de 1965