West Coast Jazz #11 - Curtis Counce

Dotado de una excelente técnica, de un agudo sentido del ritmo y de un gusto exquisito en sus composiciones, el contrabajista Curtis Counce fue uno de los primeros músicos negros que intervino de manera decisiva en la consolidación del movimiento "cool", esencialmente caracterizado por músicos blancos.
Nació en Kansas City el 23 de Enero de 1926. Además de contrabajo estudió violín y tuba antes de salir de su ciudad natal para trabajar con la banda de Nat Towles -su primer contrato profesional-, en Omaha, a los 16 años, con el que trabajaría hasta Diciembre de 1944.
Se mudó a Los Ángeles en 1945 para trabajar con Johnny Otis en el Club Alabam y con 20 años realizó su primera grabación acompañando nada menos que a Lester Young.
Estudió composición y arreglos con Lyle Murphy y su siguiente trabajo, durante cuatro años, fue en el grupo del pianista Edgar Hayes.
Varios años como sideman, acompañando a músicos de la talla del baterista Shelly Manne, los saxofonistas Benny Carter y Wardel Gray, el cantante Billy Eckstine o al maestro del piano bop Bud Powell, lo convirtieron en uno de los músicos de estudio más solicitados en toda la Costa Oeste de los Estados Unidos, apareciendo en varios discos junto a Art Pepper, Chet Baker, Teddy Charles, Clifford Brown y Maynard Ferguson.
En 1954 realizó una gira con el grupo del trompetista Shorty Rogers y en marzo de 1956, tras colaborar con el clarinetista Buddy de Franco, realizó una gira por Europa que duró hasta mayo de ese año con la extraordinaria orquesta de Stan Kenton.
Algunos meses después formó un grupo propio, The Curtis Counce Group, uno de los mejores combos que pudieron verse en la escena jazzística desde 1956 hasta 1958.
En 1959 trabajó con Coleman Hawkins interviniendo en una de las ediciones del Festival de Jazz de Monterrey y se mantuvo activo hasta su prematura muerte a causa de un ataque cardíaco el 31 de Julio de 1963.

El Curtis Counce Group se formó en un momento en que el concepto de “grupo” tenía una gran importancia. Los jóvenes jazzmen de la época veían en ese tipo de formación un espacio perfecto para crear su música. Hasta entonces el énfasis del jazz se había centrado en los solistas por lo que el "grupo" era un lugar de libertad donde expresar ideas; varias personas tras un objetivo común, la victoria del colectivo por encima del individualismo. Al fin y al cabo una fiel representación de lo que sucedía con las ideas sociales en la década de 1950. No es de extrañar que el jazz fuera el complemento perfecto a la Beat Generation.

En esta singular formación además de Counce, el quinteto se completaba con auténticos genios del jazz: Harold Land -pieza básica del conjunto de Max Roach y Clifford Brown-, Jack Sheldon -trompetista que estaba a la altura de Chet Baker o Miles Davis pero que su carrera posterior como cómico en la televisión privó de ser reconocido por el mundo “intelectual” del jazz-, Carl Perkins -uno de los pianistas con más destrezas pora el blues y poseedor de una técnica irrepetible pese a estar casi impedido de mover el brazo izquierdo a causa de una secuela de poliomielitis- y Frank Butler, uno de los mejores complementos al bajo de Curtis Counce.

El disco de Curtis Counce que Ted Gioia elige en su selección de 50 fue originalmente editado bajo el título de Counceltation, Volume 2, segunda obra para el sello Contemporary que incluía cinco clásicos y dos originales de Counce. Una excelente música a medio camino entre el hard bop y el cool jazz.
Posteriormente fue cambiada su foto de portada y, además de contener un corte extra a manera de "bonus track" ("Woody 'n You"), cambió también su título por You Get More Bounce.

You Get More Bounce With Curtis Counce
(Contemporary 7539)

Según Ted Gioia: La banda de Counce fue, en la Costa Oeste, la sucesora del quinteto de hard bop de Clifford Brown y Max Roach , y una de las más finas agrupaciones de su época.

1 - Complete
2 - How Deep Is The Ocean
3 - Too Close For Comfort
4 - Mean To Me
5 - Stranger In Paradise
6 - Counceltation
7 - Big Foot
8 - Woody'n You

West Coast Jazz #10 - Bob Cooper

Al igual que muchos saxofonistas tenores de la Costa Oeste de su generación, el estilo de Bob Cooper se basó en la emulación hábil del aterciopelado sonido de Lester Young.
Nacido el 6 de diciembre de 1925 en Pittsburgh, capital del condado de Allegheny, en Pensilvania, Robert Cooper estudió el clarinete en la escuela secundaria, tomó el saxofón tenor en 1941, y no tardó en caer rápidamente bajo la influencia de Don Byas y Lucky Thompson. Se convirtió en un destacado miembro de la Orquesta de Stan Kenton en 1945 y añadió el oboe a su equipamiento musical.
En 1947, Coop tuvo la suerte de casarse con June Christy, una de las vocalistas más exitosas del cool jazz y en 1951, tras alejarse de la orquesta de Kenton, se convirtió en un reclamado “sideman” de la Costa Oeste absorbiendo lo más fresco de la corriente bop, renovando así su maestría musical.
Añadió el corno inglés y el clarinete a su arsenal de instrumentos de viento, así como también la flauta y saxos barítono y soprano.
Durante este período, tiempos en el que grababa con el baterista Shelly Manne, la cantante Annie Ross y el guitarrista Barney Kessel, se volvió un acólito de Lester Young y Sonny Stitt, lo que lo colocó en la liga de los llamados "greys boys" junto a Brew Moore, Stan Getz y Zoot Sims.
Durante la segunda mitad de la década actuó con la Howard Rumsey's Lighthouse All Stars en Hermosa Beach, acompañó a su esposa June Christy en numerosas grabaciones y giras a través de Japón, Sudáfrica y Europa.

En 1958 Bob Cooper incursionó en lo que después calificaría como música arquetípica de salón (archetypal lounge music), asistiendo a Juan García Esquivel en su álbum histórico "Other Worlds Other Sounds" y en 1959 asumió parcialmente la propiedad de la Lighthouse Records Inc.. Estuvo involucrado en otro proyecto llamativo de la misma época: “Manteca: Afro-Cuban Influence" del trompetista Shorty Rogers y estuvo presente cuando la orquesta de Russ García grabó con el pianista Oscar Peterson ayudando a la realización de la partitura de Elmer Bernstein para la película "The Man with the Golden Arm" de Otto Preminger.

Las aventuras de Cooper en la década de 1970 fueron lo suficientemente variadas como para participar en sesiones con la banda Frank Capp/Nat Pierce Juggernaut, con el cantante Paul Williams, con la orquesta de Michel Legrand acompañando a Sarah Vaughan, con el vibrafonista Terry Gibbs y con el guitarrista de blues John Mooney. Y esa amplia gama de estilos también lo convocaron en la década de 1980, apareciendo tanto en el grupo liderado por el baterista Jeff Hamilton como en la orquesta de Nelson Riddle acompañando a la cantante de country-pop Linda Ronstadt; tanto con el trompetista Snooky Young como con la Charlie Shoemake Orchestra; tanto como con el saxofonista Bill Holman como con la "West Coast All Star" y su tributo al compositor Jimmy Van Heusen desde una reunión de grandes músicos liderados por el baterista Vic Lewis.

Inauguró la década de 1990 haciendo sonar su saxo tenor en el álbum "I'm Breathless" de Madonna, asistiendo tanto al cuarteto Manhattan Transfer como al pianista
Frank Strazzeri o participando en el suceso comercial del "Duets" de Frank Sinatra.
La última grabación en vivo de Bob Cooper tuvo lugar durante un concierto del trompetista Conte Candoli. Semanas más tarde, el 5 de agosto de 1993, empezó a experimentar dolores en el pecho mientras conducía a su casa después de una sesión en la que había acompañado a la cantante Karrin Allyson.
Frenó, detuvo su coche al costado de la autopista de Hollywood y en silencio, sucumbió a un ataque cardíaco a la edad de 67 años.
Sin dudas que la mejor introducción a este artista es este disco que completa la primera decena de los 50 elegidos para esta serie: Coop! The Music Of Bob Cooper
Grabado el 26 y 27 de Agosto de 1958 para el sello Contemporary junto al trombonista Frank Rosolino, a los hermanos Conte y Pete Candoli en trompetas, al vibrafonista Víctor Feldman, al pianista Lou Levy, al bajista Max Bennett y al baterista Mel Lewis, este conjunto es una joya subestimada.

Coop! The Music Of Bob Cooper
(Contemporary 7544)

Según Ted Gioia: Acompañado por un excelente grupo de la Costa Oeste de primera línea -incluyendo a los hermanos Candoli, Victor Feldman, Frank Rosolino y Lou Levy-, Cooper presenta en este disco cinco clásicos y su ambicioso "Jazz Theme and Four Variations".

1 - Jazz Theme & Four Variations: Sunday Mood (Main Theme)
2 - Jazz Theme & Four Variations: A Blue Period
3 - Jazz Theme & Four Variations: Happy Changes
4 - Jazz Theme & Four Variations: Night Stroll
5 - Jazz Theme & Four Variations: Saturday Dance
6 - Confirmation
7 - Easy Living
8 - Frankie and Johnny
9 - Day Dream
10 - Somebody Loves Me

West Coast Jazz #9 - Buddy Collette

Era miércoles y la noticia me conmovió.
No se trataba simplemente de otra mala nueva como lo es la muerte de una figura relevante del jazz.
Me sobrevino mientras preparaba esta entrada al blog.
Vaya pues como mi más humilde pero sincero homenaje.

Cuando se trata de héroes no reconocidos del jazz, Buddy Collette y su talento en el saxo, flauta y clarinete es uno de los ejemplos.
William Marcel "Buddy" Collette nació en el distrito de Watts de Los Ángeles, el 6 de agosto de 1921 . Junto con el saxofonista Dexter Gordon, el bajista Charles Mingus, y el baterista Chico Hamilton, ayudó a mantener vivo el bebop en la histórica Avenida Central y ni que hablar del papel importante que jugó en el desarrollo del cool jazz.
Su idea de dedicarse al jazz le aconteció a muy temprana edad después de asistir junto a sus padres - Willie Collette, un pianista de Knoxville, Tennessee y Goldie Marie, una cantante de Kansas City- a un concierto de Louis Armstrong. Los logros sociales y el estilo de vida alcanzados por el gran Satchmo se le presentaron como una alternativa seductora a la hora de imaginarse en alguno de los puestos de trabajo degradantes y serviles que se ofrecían a los afroamericanos durante la Gran Depresión de entonces.

En 1933, a la edad de 12 años, Collette formó su primera banda de jazz en la que figuraba un adolescente llamado Charles Mingus al que Buddy convenció para que cambiara su violoncello por un contrabajo. Mingus ya era reconocido como poseedor de un gran talento pero también era bien afamado su agrio temperamento.
En los años que siguieron, Collette fue una figura clave para que Mingus mejorase las relaciones con varios músicos y productores.
La amabilidad de Buddy operó como un contrapunto perfecto para el bajista intratable e hizo que se convirtieran en amigos de por vida.
"Nunca habían oído hablar de Parker o de Monk antes de los años cincuenta. Por mi parte, tengo que decir que en esa época no me gustaba mucho Bird. Prefería a músicos como Buddy Collette", dijo Mingus en 1965.

Collette se alistó en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Cuando regresó a Los Ángeles, se convirtió rápidamente en uno de los principales boppers de la ciudad. En 1949 fue el primer afroamericano que pisó un estudio de televisión, participando en una banda que tocó en el programa "You Bet Your Life" de Groucho Marx, superando las duras barreras raciales de la industria del espectáculo.
Con el tiempo se convirtió en un activista político y cultural en la batalla contra la segregación en la industria de la música y la nefasta influencia creciente del Macartismo.
También ayudó a organizar un concierto y una manifestación protestando por la represión del gobierno contra el cantante, actor y activista político Paul Robeson, activismo artístico y social que Collette continuó al liderar una campaña para abolir la segregación del sindicato de músicos de Los Ángeles. Gerald Wilson, Frank Sinatra, Nat "King" Cole, y el saxofonista Benny Carter fueron algunos de los primeros seguidores de Collette.

En la década de 1950, las carreras de Collette y sus contemporáneos de la Costa Oeste estaban despegando. Pero mientras la mayoría de ellos como CharlesMingus, Chico Hamilton y los saxofonistas Eric Dolphy y Charles Lloyd se trasladaban a Nueva York por conciertos más lucrativos, Collette apostaba a quedarse en Los Ángeles.
Se convirtió en un educador notable en la década de 1960 siendo algunos de sus discípulos: James Newton, Frank Morgan, Sonny Criss, Eric Dolphy y Charles Lloyd.
En 1955 se convirtió en uno de los miembros fundadores del legendario quinteto del baterista Chico Hamilton y un año después grabó su primer álbum como líder: Man of Many Parts que no sólo muestra su maestría en saxo alto, saxo tenor, flauta y clarinete, sino también su talento compositivo.
En 1998, un derrame cerebral puso fin a su carrera artística pero siguió siendo una fuente principal de inspiración para jóvenes músicos y un participante importante en el mundo del jazz.
El pasado 19 de Setiembre Buddy murió en el Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles.
Tenía 89 años. Le sobreviven sus hijas Cheryl, Veda y Crystal, su hijo Zan, ocho nietos y nueve bisnietos.
Heredamos todos una buena parte de la mejor música de jazz grabada siempre.
Que descanse en paz.

Man Of Many Parts
(Contemporary 3522)

Según Ted Gioia: Un largo alejamiento de los estudios de grabación mantuvo a Collette alejado de la escena jazzística por mucho tiempo. Esta grabación muestra la versatilidad y profundidad de un músico ignorado muy a menudo.

1 - Cycle
2 - Makin' Whoopee
3 - Ruby
4 - St. Andrews Place Blues
5 - Cheryl Ann
6 - Sunset Drive
7 - Jazz City Blues
8 - Slappy's Tune
9 - Frenesi
10 - Santa Monica
11 - Jungle Pipe
12 - Zan

West Coast Jazz #8 - Ornette Coleman

Ornette Coleman nació en Fort Worth, Texas, el 9 de marzo de 1930. Saxofonista, trompetista, violinista y compositor, sigue en plena actividad y es considerado como uno de los más importantes y controversiales innovadores del jazz de vanguardia.

Inspirado en sus orígenes por Charlie Parker, comenzó a tocar el saxo alto a los 14 años y el tenor dos años después. Sus primeras experiencias musicales fueron en bandas de Rhythm and Blues de su ciudad natal, entre las que estaban las de Red Connors y Pee Wee Crayton, pero su tendencia a ser original estilísticamente le granjeó hostilidades entre las audiencias y los músicos.
Coleman se trasladó a Los Ángeles a comienzos de 1950, donde trabajó como técnico de ascensores mientras estudiaba libros de música. Conoció a músicos con aspiraciones similares en cuanto a la originalidad: Don Cherry, Charlie Haden, Ed Blackwell, Bobby Bradford, Charles Moffett y Billy Higgins, pero no fue hasta 1958, tras numerosos intentos de tocar con los mejores músicos de Los Ángeles, en que Coleman consiguió un núcleo de artistas con los que poder tocar su música.
Con la ayuda de John Lewis, Coleman y Cherry entraron en la Lenox School of Jazz en 1959 y estuvieron durante un largo período actuando en el club nocturno Five Spot de Nueva York, etapa que alertó al mundo jazístico acerca de la llegada de una nueva y radical forma de hacer jazz. Desde ese mismo momento, Coleman fue calificado a partes iguales como genio y como fraude.
Es difícil imaginar hoy en día que una persona tal armara el escándalo que armó cuando se presentó en el Five Spot a finales de los años cincuenta, que despertara tanta adversión apasionada entre tantos buenos músicos (especialmente los hardboppers), aficionados y gente del jazz. Como botón de muestra basta citar el puñetazo que le propinó Max Roach al acabar el último set uno de los días de dicha presentación. La noche siguiente, Max Roach fue hasta su casa y desde la calle le desafiaba a bajar para resolver las diferencias musicales a puñetazo limpio.
Fue acusado, ni más ni menos, de asesinar al jazz. Su delito fue haber grabado para el sello Contemporary, un par de discos bajo el patrocinio del productor Lester Koening, que transgredía los espacios cerrados del jazz inmerso en un debate interiorista que estuvo a punto de reducirlo a cenizas.
En realidad, Ornette Coleman, agregó a su música la libertad intrínseca en el jazz, rompió moldes armónicos que establecía que la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que hasta ese momento, solo merecían el despectivo calificativo de cacofonías; alteró la métrica rítmica -base canónica del jazz- sin perder el swing (lo cual hasta ese momento parecía un contrasentido) y dejaba libertad para que sus músicos avanzaran por su cuenta sin más norma que la atención a una suerte de comunidad emocional.

Entre el 10 de Febrero y el 24 de Marzo de 1958, grabó este disco que compartimos esta vez. Fue el debut de Ornette como líder dentro de un estudio y a su saxo alto de plástico blanco lo acompañaron entonces Don Cherry en tompeta, Walter Norris al piano, Don Payne en contrabajo y Billy Higgins en la batería.
Como lo comentara John Barret Jr.: "...este disco fue un pie en la puerta... el gran ruido (y grande que era) vendría más tarde".
Something Else!!!! sacudió el mundo del jazz, especialmente a los músicos y críticos que habían entrado en la era del hard bop con mucho brío y recién comenzaban a ocuparse en analizar cómo en un blues se podía crear, dentro de grandes espacios en solitario, líneas melódicas apretadas y cortas.

Something Else!!!!
(Contemporary 7551)

Según Ted Gioia: El trabajo de Coleman para el sello Contemporary significó una inflexión decisiva en el jazz moderno y la mayor de las declaraciones de estética del free jazz.

1 - Invisible
2 - The Blessing
3 - Jayne
4 - Chippie
5 - The Disguise
6 - Angel Voice
7 - Alpha
8 - When Will The Blues Leave?
9 - The Sphinx

West Coast Jazz #5·#6·#7 - Dave Brubeck

Dave Brubeck nació en Concord, California, el 6 de Diciembre de 1920 y es reconocido como "Leyenda Viviente" al continuar aún siendo uno de los músicos más activos tanto en el jazz como en el ámbito de la música clásica.
En su hogar la música ocupaba un lugar preponderante: su madre era pianista, sus dos hermanos mayores estudiaban música clásica y a los cuatro años comenzaron sus lecciones de piano a cargo de su madre. Profundiza sus estudios de piano, teoría y composición en el "College of Pacific" tras renunciar a sus estudios de veterinario.
Ídolo manifiesto de Duke Ellington -su música hizo que Brubeck abandonara los terrenos de la música clásica por el jazz- soportó al principio de su carrera, críticas durísimas sobre su forma de tocar, sobre su música y sobre su calidad como pianista. Con la perspectiva histórica que da el tiempo, se le reconoce el haber intentado, y en cierto modo logrado, una fusión entre elementos de la música europea y el jazz, sobre todo en su faceta de compositor.
El ejército lo envió en 1944 a combatir con las fuerzas aliadas en Francia y tras el armisticio, dirigió una pequeña orquesta militar. Cuando vuelve a Estados Unidos estudia con el prestigioso compositor francés Darius Milhaud y organiza un octeto experimental con otros alumnos del maestro francés cuyos resultados ocupan el primer disco de la serie de esta entrada de Quintaesencia, que reúne en una sola vez los tres que sugiere Ted Gioia en su libro.

En el Dave Brubeck Octet se refleja, en muchos aspectos, lo más innovador que hiciera el pianista. Pese a que se ha tratado de crear un paralelismo entre estas grabaciones y las del noneto de Miles Davis en su Birth of the Cool, cabe mencionar que estas últimas aparecieron recién tres años después, hechando por tierra las suposiciones de muchos comentaristas en cuanto a que esta música intenta seguir los pasos de las célebres grabaciones de Miles.
Quizá más aún: pese a que estas grabaciones fueron realizadas en 1946, cuando se escucha a este maravilloso conjunto, inmediatamente surgen hilos de conexión entre las composiciones y los arreglos de bandas de finales de 1950 como las de Stan Kenton, Gerry Mulligan, Holman Bill, Albam Manny, Gil Evans y Bob Brookmeyer.

Dave Brubeck Octet
(Fantasy 3-239)

Según Ted Gioia: El enorme suceso que obtuvo Brubeck con su cuarteto, tendió a eclipsar la música pionera de esta formación. Una de las bandas más innovadoras de su época.

1 - TheWay You Look Tonight
2 - Love Walked In
3 - What Is This Thing Called Love?
4 - September in the Rain
5 - Prelude
6 - Fugue on Bop Themes
7 - Let's Fall in Love
8 - Ipca
9 - How High the Moon
10 - Serenade Suite
11 - Playland at the Beach
12 - Prisoner's Song, The
13 - Schizophrenic Scherzo
14 - Rondo
15 - I Hear a Rhapsody
16 - You Go to My Head
17 - Laura
18 - Closing Theme

A pesar de que Jazz at Oberlin es algo subestimado, es uno de los primeros registros clásicos de Dave Brubeck. Para la crítica especializada que sí lo considera altamente recomendable, la interacción entre Brubeck y Paul Desmond en "Perdido" raya en lo milagroso, y sus versiones de "The Way You Look Tonight," "How High the Moon" y "Stardust" son absolutamente memorables. El piano de Brubeck en "These Foolish Things" es tan percusivo y atonal que suena al mejor estilo de Cecil Taylor, pese a que Taylor no aparecería en el panorama del jazz hasta recién dos años después de esta grabación.

Jazz At Oberlin
(Fantasy 3-245)

Según Ted Gioia: Este registro en la Universidad de Oberlin es considerado como uno de los más finos conciertos en vivo de Brubeck.

1 - These Foolish Things
2 - Perdido
3 - Stardust
4 - The Way You Look Tonight
5 - How High the Moon

La tercera mención de Ted Gioia sobre Dave Brubeck refiere a su actuación en vivo en el club Storyville de Boston en Octubre de 1952 y registrada para el sello Fantasy. Lo menciono por dos razones: una: que existe otro documento grabado de sus presentaciones en dicho club pero editadas en el sello Columbia y otra: que en esta reedición, además de las que interesan se recoge, como plus, algunas del mismo cuarteto pero en el club Black Hawk de San Francisco y en el Surf Club de Hollywood.

Jazz At Storyville
(Fantasy 3-240)

Según Ted Gioia: Una de las mejores grabaciones en vivo de Brubeck y Desmond, en la que se incluye las memorables interpretaciones de "You Go To My Head" y "Over The Rainbow".

1 - Jeepers Creepers
2 - On a Little Street in Singapore
3 - The Trolley Song (tomas de ensayo)
4 - The Trolley Song
5 - I May Be Wrong
6 - Blue Moon
7 - My Heart Stood Still
8 - Let's Fall in Love
9 - Over the Rainbow
10 - You Go to My Head
11 - Crazy Chris
12 - Give a Little Whistle / Oh, Lady Be Good
13 - Tea For Two
14 - This Can't Be Love

West Coast Jazz #4 - Clifford & Max

Clifford Brown & Max Roach en el pináculo de su carrera

El quinteto de Max Roach-Cliofford Brown inició sus actividades en 1954 en California.
Max ya era un precoz veterano, reconocido como uno de los más importantes desarrolladores del lenguaje bop en la batería.
Clifford, mientras tanto, apenas estaba comenzando su segundo año de actividades constantes tanto en estudio como en presentaciones en vivo: en 1952 con el percusionista y vocalista Chris Powell, el los "The Five Blue Flames", en 1953 coliderando un quinteto con Lou Donaldson, como miembro del tenteto de Tadd Dameron, en el sexteto del trombonista J. J. Johnson, asociado al saxofonista Gigi Gryce y viajando por Europa con la banda del vibrafonista Lionel Hampton.
1954 encuentra a Brownie actuando con el quinteto de Art Blakey en actuaciones en el Birdland registrando grabaciones para el sello Blue Note que se volvieron inmortales y embrionarias del célebre Jazz Messengers.
En Abril se ese año, recibe la invitación de Max Roach para coliderar un quinteto y marchar a las nuevas mecas del jazz: California y el sello Pacific Jazz.
El quinteto se presenta en el "California Club" en abril de 1954 y comienzan a delinear un quinteto estable que reunía al pianista Richie Powell -hermano menor de Bud Powell-, al contrabajista George Morrow y al talentoso saxo tenor Harold Land, un grande devenido de la escuela de Lester Young.
Este nuevo súper combo, grabó entre el 2 y el 11 de agosto de 1954, la joya de esta entrada que se volvió imprescindible en los anales del la historia del jazz, con una sonoridad y unidad fuera de lo común.
Pero todo fue rápido y efímero. Dos años después de estas grabaciones Clifford, el pianista Richie Powell y la esposa de este último, sucumbían ante un accidente automovilístico, quitándole al jazz un futuro inimaginable.

Clifford Brown - Max Roach Quintet
(Emarcy 814 645-2)

Según Ted Gioia: Estos fueron los más finos registros del quinteto en su paso por Los Angeles. Incluye clásicas ejecuciones de Brown como "Joy Spring", "Jordu", y "Daahoud"

01 - Delilah
02 - Parisian Thoroughfare
03 - Daahoud
04 - Joy Spring
05 - Jordu
06 - The Blues Walk
07 - What Am I Here For?
08 - These Fooling Things
09 - The Blues Walk (alternative take)
10 - Daahoud (altrnative take)
11 - Joy Spring (alternative take)

Información completa en los scans que se incluyen en descarga

West Coast Jazz #3 - Black California

Disculpándome por haber "faltado sin aviso" a
este compromiso de ir completando la serie semana a semana, felizmente puedo compartir esta tercera entrega bastante accidentada.
Sucede que el disco que Ted Gioia refiere en tercer lugar de su lista es hoy en día una verdadera pieza de colección de difícil acceso aún no editada en disco compacto.
Para conseguirla hubo que recurrir a una disquería de usados en Japón. Vaya desde ya mi profundo agradecimiento a mi amigo Sten por su trabajo y generosidad.

En esta compilación reunida en dos gloriosos LP's se registran músicas características de una época fundamental en el desarrollo del West Coast Jazz.
Corrían los años finales de 1940 y los primeros de 1950, y la Avenida Central de Los Angeles comenzaba a adquirir el mismo estatus de barrios de jazz míticos como el Storyville de nueva Orleans, el Suth Side de Chicago, el distrito Tenderloin de Kansas City's o el Harlem y la Calle 52 deNew York.
Como bien refiere Roberto Barahona en su elocuente resumen de dicho período: El estilo Cool Jazz eliminó las disonancias del Bop, suavizó su tono y redujo los acentos de la sección rítmica, dándoles un enfoque más suave. Al mismo tiempo se le dio más importancia a los arreglos. Como la mayor parte de los músicos que abrazaron este estilo eran de Los Angeles, es decir, de la costa oeste de Estados Unidos, también se llamó West Coast Jazz. Aunque el bebop tuvo sus primeros pasos y popularidad en Nueva York, y a pesar que inicialmente cuando Dizzy Gillespie y Charlie Parker llegaron a Los Angeles a mediado de los años 40, no fueron recibidos con el mismo entusiasmo que gozaban en el Este. Pero en sólo dos años la semilla del bebop había germinado y una potente escena se creaba en el Oeste. Sin embargo, a fines de los años 50 el Hard Bop de la costa este de EEUU reemplazó al Cool Jazz / West Coast Jazz. Algunos de sus exponentes son los legendarios Dexter Gordon, Lucky Thompson, Teddy Edwards, Shorty Rogers, Shelly Mann, Gerry Mulligan, Chet Baker, Dave Brubeck, Stan Getz, y Art Pepper entre muchos.

Dejo a los lectores el desafío de buscar la otra información necesaria para comprender dicho período. Hay litros de tinta bien empleados para relacionar las circunstancias históricas que acompañaron a la explosión del jazz en California y, más específicamente, en su célebre Avenida Central, el corazón de la comunidad afroamericana de Los Angeles de entonces y de las más efervescentes actividades del rhythm and blues y del jazz. Para empezar sugiero Los Ángeles del sur como para comenzar la búsqueda. O también el libro Central Avenue Sounds: Jazz in Los Angeles que puede leerse parcialmente a través de google books. Pero no se conformen con eso. A través del estudio del West Coast Jazz en California también puede aprenderse sobre la perfecta interrelación entre blancos y negros en una época que tendía a separarlos o de como la música pudo prevalecer sobre el racismo.

Ahora sí, la "figurita sellada" tan esperada.

Black California
(Savoy SVL 2215)

Según Ted Gioia: Esta compilación del sello Savoy presenta importantes grabaciones de Harol Land, Sonny Criss, Art pepper and the Roy Porter Big Band.

Lado 1
1 - Backbreaker
2 - Laguna
3 - Boogin' at Berg's
4 - Dunki' Bagel

Lado 2
1 - Pete's Beat
2 - Sippin' With Cisco
3 - This Is You
4 - Gassin' The Wig
5 - Phantom Moon
6 - Howard's Idea
7 - Love Is Laughing At Me
8 - Little Wig

Lado 3
1 - Helen's Advice
2 - Airplane Blues
3 - Knockin' Myself Out
4 - Ain't Gonna Quit You Baby
5 - Outlandish
6 - Swingin' On Savoy
7 - San Diego Bounce
8 - I'll Remember April

Lado 4
1 - Brown Gold
2 - These Foolish Things
3 - Surf Ride
4 - Holiday Flight
5 - Jumpin' Jacque
6 - Don't Get Around Much Anymore
7 - It's You Or No One
8 - Thou Swell

Toda la información de personal y fechas de grabación en la excelente página jazzdisco.org y en la contratapa del disco que se incluye en la descarga.