Jimmy Cleveland - Tetralogía de una misma vara

Aunque de regreso antes de lo pensado, una grata sorpresa me esperaba en el buzón: "Discografía personal del jazz (1920-2011)", el nuevo libro del periodista, crítico literario, novelista y guionista argentino Carlos Sampayo. Esta nueva obra de Sampayo es una guía "de autor" que, sin pretender convertirse en un canon, constituye un interesante listado ascético y razonado de lo más "importante" de la historia del jazz. 

Con la personal mirada del gran estudioso del jazz que es, Sampayo propone una selección de discos que "no tiene pretensión de esencial sino de digno de una consideración sensible y curiosa", sugiriendo un recorrido para que tanto los conocedores que quieran descubrir nuevos recodos de la discografía, como quienes recién se inician, encuentren una inmejorable excusa para escuchar o redescubrir algunas de las músicas más cautivantes grabadas durante los últimos cien años.

Después de un rápido vistazo, me detuve en sus consideraciones sobre la discografía completa del trombonista Jimmy Cleveland como líder. Comenta Sampayo: 

El rescate de la figura de Jimmy Cleveland, y de su música, no es solo un acto de justicia frente a uno de los tantos relegados del jazz. Cleveland ha sido más que eso: el trombonista más importante del jazz moderno después de J. J. Johnson y también, por qué no decirlo, al margen del maestro. El relativo olvido de Cleveland no se debe, como en el caso de otros jazzmen, a la dificultad de su música (legible en todos los sentidos) sino a la parquedad de sus grabaciones y apariciones públicas como líder. En las notas originales de contracubierta de uno de sus cuatro discos, el gran Dickie Wells afirma que se trata de "uno de los mejores jóvenes que nunca hayan tomado en sus manos un trombón". 

La opinión de Wells era un aval de mucho peso: Jimmy Cleveland comenzó a tocar el trombón a los dieciséis años, una edad relativamente tardía para un músico que llegaría en poco tiempo a lograr las más altas cotas en la expresión artística con su instrumento.

Terminada la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Universidad Estatal de Tennessee, donde integró la banda de alumnos. Esta banda ganó un concurso universitario y pudo exhibirse en el Carnegie Hall de Nueva York. Lionel Hampton, cazador de talentos, presenció ese concierto y le propuso ingresar en su orquesta. La orquesta de Hampton era una de las mayores atracciones del panorama jazzístico y del espectáculo de aquel período. El team estaba compuesto por tantos jóvenes talentos que la experiencia fue enriquecedora para el trombonista. Compartía atriles con jazzmen como Jerome Richardson, Gigi Gryce, sus colegas Al Grey y Benny Powell, Quincy Jones, Art Farmer y nada menos que Clifford Brown. En esos primeros años cincuenta Cleveland estaba aún anclado a los modelos del pasado, como Benny Morton, Trummy Young o Jack Teagarden. Se supone que la escucha de la música de J. J. Johnson lo ayudó a dar el paso hacia la modernidad. No ligado al bebop desde un principio, ingresó en la recapitulación de ese estilo directamente, convirtiéndose en el mejor trombonista de la década de los cincuenta y parte de los sesenta. 

Mientras estaba con Hampton, Cleveland grabó con grupos pequeños emanados de la orquesta, con Clifford Brown, Art Farmer y Gigi Gryce y otros, y también con músicos europeos. En noviembre de 1953 abandonó la big band del vibrafonista. Todavía su nombre era desconocido para la mayoría cuando en 1954 participó en la grabación de un disco de Oscar Pettiford (Basically Duke) y en otro de George Wallington (Showcase, en el que sorprendió con su solo en "Summertime"). En 1955 participó en una sesión de Clark Terry, en sexteto. Entonces se decía que lo que había hecho Cleveland en ese disco era "imposible" para ningún otro trombonista. No se trataba solo de la asombrosa habilidad técnica sino también de la sensibilidad del toque y la ilación de su discurso como solista. Desde ese momento fue requerido permanentemente para colaborar en proyectos a nombre de otros. Tuvo tiempo para grabar sus cuatro únicos discos antes de finalizar la década.

A Jimmy Cleveland lo encontramos y escuchamos en muchos discos como sideman de Benny Golson, Randy Weston Sam Jones, Oliver Nelson, Milt Jackson, Gary McFarland, Antonio Carlos Jobim, Gil Evans (quienes consideraban "imprescindible" su aporte en todo sonido orquestal), Sonny Rollins, Manny Albam, Gerald Wilson, Gerry Mulligan y un largo etcétera. Con Golson y Gil Evans grabó solos impresionantes, recuérdese su intervención en Blues in Orbit, donde aplica una técnica que se acerca a las "capas de sonido" de Coltrane.

Sorprende que un músico de su capacidad y talento haya preferido mantenerse en un segundo plano cuando tenía todas las posibilidades de convertirse no solo en una referencia para los trombonistas sino también en una referencia jazzística absoluta.  Que se tenga noticia, tuvo una última intervención en el terreno del jazz puro en 1991, en un disco del saxofonista Teddy Edwards, Mississippi Lad; después, el silencio.

Introducing Jimmy Cleveland fue, además de la presentación oficial de Cleveland, una revelación. Sobre arreglos para octeto de Quincy Jones, consensuados con el propio trombonista, Cleveland despliega su talento, una suma de innovación donde se funde una particular sonoridad y la capacidad de desarrollar ideas originales. Su presentación impresionó tanto al mundo jazzístico que ese mismo año la revista Down  Beat lo eligió como el mejor nuevo trombonista.

Jimmy Cleveland

Introducing Jimmy Cleveland And His All Stars

Lado 1

1 - Hear Ye! Hear Ye!

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Vixen

4 - My One And Only Love

5 - Little Beaver

Lado 2

6 - Our Love Is Here To Stay

7 - Count' Em

8 - Bone Brother

9 - I Hadn't Anyone 'Til You

10 - See Minor

Jimmy Cleveland (trombón), secundado por:

#1, #2 y #5:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), John Williams (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 de agosto de 1955.

#3, #4, #6, #7 y #8:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Hank Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Oscar Pettiford (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, el 22 de noviembre de 1955. 

#9 y #10:

Ernie Royal (trompeta), Jerome Richardson, (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Wade Legge (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Joe Harris (batería).

Grabados en Nueva York, el 4 de agosto de 1955.

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Cleveland Style, grabado dos años después, con arreglos para septeto de Ernie Wilkins y Benny Golson, confirma la naturalidad y lo incisivo del toque de Cleveland, y la importancia que tenía para él un contexto bien organizado. La crítica afirma que fue su estilo el que dio el primer paso a un nuevo lenguaje de trombón que exaltaba el virtuosismo basado en la expresión. Cada nota de sus frases aparece límpida y la conjunción de notas forma un discurso lógico y emotivo. Sus solos siempre traducen la profundidad emocional en que se basa el jazz. El todo se fundamentaba en la no-estridencia; tal como afirmó Wilkins, poseía "una sonoridad ligera pero frágil. (...) Si sus frases son magistrales, también lo es cada una de sus notas", aludiendo a una concisión que proviene de la convicción. Los dos álbumes siguientes dan pie a una tendencia de Cleveland a sobrepasar los límites del solismo convencional.

Jimmy Cleveland

Cleveland Style

Lado 1

1 - Out Of This World

2 - All This And Heaven Too

3 - Posterity

Lado 2

4 - Long Ago And Far Away

5 - A Jazz Ballad

6 - Jimmie's Tune

7 - Goodbye Ebbets Field

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta); Don Butterfield [#1, #4, #7], Jay McAllister [#2, #3, #5, #6] (tubas), Benny Golson (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Eddie Jones (contrabajo), Charlie Persip (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 y 13 de diciembre de 1957.

⁂

En A Map Of Jimmy Cleveland, con arreglos de Wilkins, aparece el deseo de velar el discurso orquestal y darle una tonalidad de trombón, casi como en la Orquesta Capitol o Tuba Band de Gil Evans/Miles Davis. En los solos de Cleveland ha desaparecido cualquier traza dirty, una tentación común en todos los trombonistas hasta el momento (salvo quizá Carl Fontana) y su estilo se apoya en una limpidez sonora que hace diáfana la complejidad de su sintaxis. La aparición de la tuba en el ensemble, en papel rítmico y melódico, y la fuerte preeminencia de los bronces (dos trompetas, trombón, tuba y un solo saxo), retrotrae a la tradición de Nueva Orleans y anticipa las intenciones de Wynton Marsalis de treinta años más tarde.

Jimmy Cleveland

A Map Of Jimmy Cleveland

Lado 1

1 - Swing Low Sweet Chariot

2 - A Hundred Years From Today

3 - Marie

4 - Jay Bird

Lado 2

5 - The Best Things In Life Are Free

6 - Stardust

7 - Jimmy's Old Funky Blues

Jimmy Cleveland (trombón), Ray Copeland (trompeta), Ernie Royal (fliscorno), Don Butterfield (tuba), Jerome Richardson (saxo tenor y flauta), Junior Mance (piano), Bill Crow (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabados en Nueva York, el 16, 17 y 18 de diciembre de 1958.

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El cuarto y último disco, Rhythm Crazy, fue puesto a la venta cinco años después de A Map Of Jimmy Cleveland, cuando Cleveland ya era el trombonista más solicitado para sesiones de big band; no ha circulado desde hace medio siglo y confirma todas las cualidades ya evidenciadas, pero también muestra, si esto era posible, un salto en la técnica instrumental, con tendencia a la expresión con notas agudas, como si se tratara de un fliscorno. Los arreglos eran de Gryce y Golson, presente este último como saxofonista. Si recapitulamos toda la obra grabada por Cleveland como líder, desde este último disco, entendemos que en su intención estaba la consecución de una arquitectura del solo que fuera formalmente perfecta, pero con espacios abiertos a la más explosiva fantasía; en medio: la sonoridad.

Jimmy Cleveland

Rhythm Crazy

Lado 1

1 - Crazy Rhythm

2 - Old Reliable

3 - We Never Kissed

4 - Tom-Kattin'

Lado 2

5 - Our Delight

6 - Reminiscing

7 - Tricotism

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta), Benny Golson (saxo tenor), Jerome Richardson (saxo tenor, saxo barítono y flauta), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, en febrero de 1959.

Retratos en Jazz #44 - Bobby Timmons

Bobby Timmons (1935-1974)

Nació en Filadelfia. Compositor y pianista que combinó el gospel con el jazz. Gracias a su padre, un pastor protestante, desde muy pequeño se familiarizó con la música de iglesia, que fue la base de su trabajo. En 1955 comenzó a tocar profesionalmente. En 1958 se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey y compuso Moanin', que se convirtió en un big hit. En 1959 se integró al quinteto Cannonball Adderley y compuso This Here. A partir de 1961 comenzó a presentarse con su proprio trío.

Art Blakey and the Jazz Messengers. A Night in Tunisia (Blue Note BST-84049)

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Art Blakey & The Jazz Messengers

A Night In Tunisia 

Lado 1

1 - A Night In Tunisia

2 - Sincerely Diana

Lado 2

3 - So Tired

4 - Yama

5 -Kozo's Waltz

Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Bobby Timmons (piano), Jymie Merritt (contrabajo), Art Blakey (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 14 de agosto de 1960.

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~ Extras ~

Murakami menciona tres composiciones famosas y dos hitos importantes en la carrera de Bobby Timmons como artista "secundario". Por un lado, su ingreso en julio de 1958, con sólo 23 años, a los Jazz Messengers de Art Blakey, a la que ingresó por recomendación de Benny Golson, por entonces director musical del grupo. Golson dijo entonces: "Era ingenioso... Podía tocar bebop y podía tocar funky, podía tocar muchas cosas y pensé que era el elemento que Art necesitaba. No había tenido a nadie como Bobby, que pudiera transitar por distintos senderos musicales en lugar de por uno solo". Y el mejor ejemplo es el primer álbum del baterista para el sello Blue Note, originalmente editado simplemente como Art Blakey & The Jazz Messengers pero rebautizado después como Moanin' gracias al éxito de la composición de Timmons.

Art Blakey And The Jazz Messengers

Moanin'

1 - Warm-Up And Dialogue Between Lee And Rudy

2 - Moanin'

3 - Are You Real?

4 - Along Came Betty

5 - The Drum Thunder Suite

a. Drum Thunder

b. Cry A Blue Tear

c. Harlem's Disciples

6 - Blues March

7 - Come Rain Or Come Shine

8 - Moanin' (alternate Take)

Lee Morgan (trompeta), Benny Golson (saxo tenor), Bobby Timmons (piano), Jymie Merritt (contrabajo), Art Blakey (batería). 

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 30 de octubre de 1958.

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Las otras dos composiciones de Timmons a las que refiere Murakami pertenecen a su período como pianista del grupo de Cannonball Adderley. Una de ellas, "This Here", puro gospel a tempo de vals, aparece en el álbum que el quinteto de Cannonball registrara en vivo en el célebre club nocturno Jazz Workshop de San Francisco. La otra, "Dat There", integra el disco de estudio Them Dirty Blues, con igual formación que el antes mencionado más la participación del pianista Barry Harris en algunos de los temas. Cabe decir que esta asociación con Adderley, pese al éxito que alcanzó la banda debido a Timmons en su formación, no fue muy buena para Bobby quien tuvo que alejarse insatisfecho por el dinero cobrado por sus composiciones. Fue cuando regresó a su "segundo período" con Art Blakey que le ofreció una mejor retribución económica.

Cannonball Adderley

The Cannonball Adderley Quintet In San Francisco

1 - This Here

2 - Spontaneous Combustion

3 - Hi-Fly

4 - You Got It!

5 - Bohemia After Dark (aka Birdland After Dark)

6 - Straight, No Chaser

7 - This Here (alternate take)

8 - You Got It! (alternate take)

Cannonball Adderley (saxo alto), Nat Adderley (corneta), Bobby Timmons (piano), Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Grabaciones registradas en vivo en el Jazz Workshop, San Francisco, California, el 18 y el 20  de octubre de 1959.

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Cannonball Adderley

Them Dirty Blues

1 - Work Song

2 - Jeannine

3 - Easy Living

4 - Them Dirty Blues

5 - Dat Dere

6 - Del Sasser

7 - Soon

8 - Work Song (alternate version)

9 - Dat Dere (alternate take)

Cannonball Adderley (saxo alto), Nat Adderley (corneta), Barry Harris (piano #1 a #4), Bobby Timmons (piano #5 a #9), Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Grabaciones realizadas en Ter-Mar Recording Studio, Chicago, Illinois, el 29 de marzo de 1960 (#1 a #4) y en Reeves Sound Studio, Nueva York, e 1 de febrero de 1960. (#5 a #9).

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En varios de los perfiles que Murakami escribió para el libro que nos ocupa, hay una curiosa particularidad. Refiere a un músico, pero a partir de discos liderados por otros. En el caso de Bobby Timmons no deja de ser, en mi opinión, una forma más de clásica subestimación. Varios críticos sostienen que la contribución de Timmons al jazz sigue siendo infravalorada.

Durante los primeros años de la década de 1960, la lista de colaboraciones y sesiones de grabación que realizó hace pensar que Bobby Timmons debió haber estado constantemente en los estudios de grabación, sin contar las actuaciones en vivo a lo largo de continuas giras. También por entonces comenzó a presentarse como líder, componiendo y grabando para sellos como Blue Note, Riverside, Prestige y Milestone, generando un extenso cuerpo de creaciones al frente de sus propias formaciones, en especial en formato trío. También actuaba en diversos lugares y clubes, sobre todo en el área de Nueva York.

Para mi gusto, ya que Murakami centró su artículo en tres de sus célebres composiciones, lo adecuado habría sido recomendar su primer álbum como líder para el sello Riverside: This Here Is Bobby Timmons. 

Bobby Timmons

This Here Is Bobby Timmons

1 - This Here

2 - Moanin’

3 - Lush Life

4 - The Party’s Over

5 - Prelude To A Kiss

6 - Dat Dere

7 - My Funny Valentine

8 - Come Rain or Come Shine

9 - Joy Ride

Bobby Timmons (piano), Sam Jones (contrabajo), Jimmy Cobb (batería).

Grabado en Reeves Sound Studios, Nueva York, el 13 y el 14 de enero de 1960.

 

Retratos en Jazz #22 - Dizzy Gillespie

Dizzy Gillespie (1917-1993)

Nació en Carolina del Sur. Tocó, entre otros, con Cab Calloway, hasta que en el 1944 se incorpora a la orquesta de Billy Eckstine y forma, al año siguiente, su propia big band. Casi al mismo tiempo, junto a Charlie Parker, se convierte en uno de los creadores del bebop. A partir de entonces, se esforzó para que el jazz progresara en el panorama musical, desempeñando un rol de embajador cultural, permaneciendo activo durante toda su vida como trompetista de primer nivel. Su personalidad alegre y su mejilla hinchada mientras tocaba, se ganó la simpatía del todo el mundo.

At Newport (Verve MGV-8242)

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Dizzy Gillespie

At Newport

Lado 1

1 - Dizzy's Blues

2 - School Days

3 - Doodlin'

Lado 2

4 - Manteca Theme

5 - I Remember Clifford

6 - Cool Breeze

Dizzy Gillespie, Lee Morgan, Talib Dawud, E.V. Perry, Carl Warwick (trompetas); Jimmy Powell, Ernie Henry (saxos altos), Benny Golson, Billy Mitchell (saxos tenores); Chuck Conner, Al Grey, Melba Liston (trombones); Pee Wee Moore (saxo barítono); Wynton Kelly (piano); Paul West (contrabajo); Charlie Persip (batería)

Grabado en vivo en el Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, el 6 de julio de 1957

 

Art Blakey - Un diciembre, y en París.

El aterrizaje en Francia, a finales 1958, fue muy productivo para Art Blakey y sus Jazz Messengers de entonces.

El crítico Leonard Feather ya lo había observado:

"No en vano, Art Blakey seleccionó el término Mensajeros para denotar su propósito musical y personal al comienzo de su carrera como líder de banda. Es evidente que todo el significado de la música incorpora su propio mensaje y, en esta medida, el término podría aplicarse razonablemente a cualquier combinación de intérpretes. Lo más importante, en el caso de Blakey, es que su mensaje se transmite no sólo en su música sino también en sus palabras y discursos, en sus acciones y personalidad."

Y Marcel Romano, productor musical y dueño del club de jazz parisino Saint Germain, tomó nota inmediatamente y declaró:

Nacido con el siglo, como el séptimo arte, el jazz se acaba de afirmar de manera definitiva, como un elemento de expresión en el campo de la música para películas de jóvenes directores entre los que se encuentra Édouard Molinaro.

La nueva escuela de cine francesa puede ahora estar orgullosa de haber sido la primera en utilizar el jazz en estado puro, en la tradición de sus creadores.

* La Música*

Así comenzó la historia de la música de Art Blakey para la película Des Femmes Disparaissent (Las Mujeres Desaparecen) y para su disco homónimo para el sello Fontana.

Cuenta Marcel Romano en las liner notes originales:

La grabación de Des Femmes Disparaissent tuvo lugar durante la primera gira de Jazz Messengers por Francia. Unos meses antes, Daniel Filipacchi me había presentado a Art Blakey en Nueva York, y lo contraté inmediatamente para su primera gira europea. (También fue la última vez que los europeos vieron esta formación ya que Wayne Shorter y Walter Davis reemplazarían rápidamente a Benny Golson y Bobby Timmons)

Por entonces eran los días de "Moanin'", "Blues March", etc., y la banda tuvo un suceso fenomenal.

Las grabaciones datan de la misma época de las del Club St-Germain (para el sello RCA) y las del Teatro Olympia (para el sello Fontana), lo que demuestra lo intensos que fueron sus conciertos entonces.

En resumen, fue el comienzo de la "Blues March manía" y Édouard Molinaro decidió aceptar mi consejo y contratar a los Messengers para su nueva película. 

La sesión transcurrió muy rápido, porque Benny Golson, entonces director musical del grupo, estaba familiarizado con este tipo de trabajo. En efecto, tanto como arreglador profesional o como solista, Golson participó de forma anónima en Estados Unidos en numerosas sesiones para televisión o cine. Así que fue él quien se ocupó del asunto y en unas pocas horas todo terminó.

Apenas utilizaron material nuevo y se contentaron con adaptar su repertorio de la época a las imágenes de la película.

Sin embargo, se interpretaron tres blues originales y se bautizaron para la ocasión "Blues por Doudou" (dedicado al director Edouard Molinaro), "Blues pour Vava" (dedicado al productor ruso-francés Jacques Roitfeld -cuyo verdadero nombre era Vladimir-.) y "Blues pour Marcel" (obviamente dedicado al empresario Marcel Romano).

El resultado, aunque inédito (al maridar el hard bop con el thriller francés) pareció agradar, y al año siguiente fui a Nueva York a grabar de nuevo una banda sonora con los Messengers (Les liasons Dangereuses) pero, para esa ocasión, con composiciones totalmente originales.

Cabe destacar que Marcel Romano no sólo supervisó la sesión original de Des Femmes Disparaissent, sino también estuvo detrás de otras famosas producciones como la de  Un témoin dans la ville con Kenny Dorham, Duke Joran y Barney Wilen y como también la de Miles Davis para Ascenseur Pour L'échafaud.

Lee Morgan tenía sólo 20 años en 1958. Su debut discográfico con Blakey se había producido el año anterior en una sesión que incluía una versión ampliada de los Jazz Messengers (llamados "Jazz Messengers más cuatro") el 2 de abril de 1957. El 6 de abril, el baterista lo contrató nuevamente para una sesión de septeto que incluía a John Coltrane. Morgan y Blakey grabarían juntos dos veces a principios de 1958 como acompañantes de sesiones dirigidas por el organista Jimmy Smith y el saxofonista tenor Tina Brooks. El álbum clásico Moanin', grabado el 30 de octubre de 1958, fue el primero sesión auténtica de la tercera unidad de Jazz Messengers. Marcaría el comienzo de una relación musical estable y duradera que duraría hasta 1965, siete años antes de que Morgan fuera asesinado a tiros (a los 33 años) por su esposa de hecho durante una discusión.

En cuanto a Benny Golson, antes de unirse a Blakey (con quien tocaría solo durante el período 1958-1959), había estado en las bandas de Lionel Hampton, Johnny Hodges, Earl Bostic y Dizzy Gillespie. Después de eso, formaría el Jazztet con Art Farmer.

Siendo un excelente tenor, Golson contribuyó al grupo como arreglista y compositor (fue el compositor de la balada clásica "I Remember Clifford", un homenaje personal a Clifford Brown). Escribió más de la mitad de la música de este set. Muchos años después de dejar la banda, Golson recordó:

"Todos los que vinimos a través de la banda de Art, haríamos cualquier cosa por él. Cuando dejé esa banda, estuve en problemas. No podía tocar con otro baterista. Me irritaba, estaba molesto, me enojaba porque no escuchaba lo que estaba acostumbrado a escuchar. Cuando me uní a su banda, tocaba suave y meloso. Para cuando me fui, estaba tocando de otra manera, porque tenía que hacerlo. Hacía uno de esos famosos redobles de batería de cuatro compases que iban al siguiente coro, y yo desaparecía por completo. Me gritaba: '¡Sal de ese agujero!' Nos enseñó mucho.

El pianista Bobby Timmons se quedó con Blakey desde 1958 hasta 1961. Participó en algunas de las mejores grabaciones de los Jazz Messengers y contribuyó con éxitos propios como "Moanin'". Al igual que Morgan, Timmons murió antes de tiempo como resultado de una cirrosis hepática, falleciendo en 1974 a los 38 años.

Nacido en Filadelfia el 3 de mayo de 1926 y muerto en abril de 2020, el bajista Jymie Merritt era el miembro menos conocido del quinteto. Merritt trabajó en jazz, soul y blues. A principios de la década de 1950 realizó una gira con los pioneros del rock and roll Bullmoose Jackson y Chris Powell, y pasó a trabajar con el legendario guitarrista B.B. King de 1955 a 1957. En 1957 se mudó a Manhattan para trabajar con los Jazz Messengers de Blakey. Las giras y grabaciones de Merritt con Blakey duraron hasta 1962, cuando una enfermedad desconocida lo obligó a dejar de viajar. En 1964 Merritt estaba de regreso, trabajando con Chet Baker. De 1965 a 1968, Merritt trabajó con Max Roach, no sólo en la sección rítmica sino también como compositor, grabando Nommo en el aclamado álbum de 1966 de Roach, Tile Drum Also Waltzes. Nommo le valdría a Merritt una nominación a Mejor Compositor de Jazz en la encuesta Critcs de la revista Down Beat. Merritt dejó a Max Roach a fines de la década de 1960 para trabajar con otro ícono del jazz y uno de los fundadores del bebop, Dizzy Gillespie, apareciendo con la banda de Dizzy en el programa televisivo Dick Cavett Show. Una de las presentaciones más productivas de Jymie Merritt como compositor fue cuando se reunió con su ex colega de Jazz Messenger, Lee Morgan. En 1970, el lanzamiento de Blue Note de Morgan, Live At The Lighthouse, presenta la composición de Merritt "Absolutions" (grabada anteriormente por Max Roach). En 1962, Jymie Merritt formó y lideró a los Forerunners en Filadelfia. La banda, que se convirtió en una cooperativa de música que exploraba el propio sistema de acordes de Merritt produjo un léxico propio conocido como el sistema o concepto Forerunner. 

Aparte de los dones individuales de cada miembro, los Jazz Messengers que se escuchan en estos registros formaban una unidad compacta con un sonido cohesivo. "Tocamos jazz moderno", explicó Blakey durante una entrevista en 1958, y para entenderlo hay que ponerse a escuchar...

Art Blakey & The Jazz Messengers - Des Femmes Disparaissent

1 - Générique

2 - Pierre et Béatrice

3 - Nasol

4 - Tom

5 - Poursuite Dans la Ruelle

6 - Ne Chuchote Pas

7 - Mambo Dans la Voiture

8 - Merlin

9 - Juste Pour Eux Seuls

10 - Blues Pour Doudou

11 - Blues Pour Marcel

12 - Blues Pour Vava

13 - Pasquier

14 - Quaglio

15 - La Divorcée de Leo Fall

16 - Suspense, Tom et Nasol

17 - Des Femmes Disparaissent

18 - Final Pour Pierre et Béatrice

Benny Golson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Bobby Timmons (piano), Jymmie Merritt (contrabajo), Art Blakey (batería)

Grabado en París, el 18 y 19 de Diciembre de 1958

  * La película *

Después de Le Dos Au Mur, Des Femmes Disparaissent fue el segundo largometraje de Édouard Molinaro.
La historia, es bastante banal: Beatrice y Pierre, su prometido, son atrapados por las garras de Victor Quaglio, un delincuente de "guante blanco" que dirige una red de prostitución, organizada a partir del secuestro de mujeres.
De hecho, apenas contiene algún mensaje o moralidad, y más bien se convierte en una película de acción con increíbles giros y vueltas. Pero hasta la historia más entretenida tiene un contenido "político" como diría Jean-Luc Godard.
Quizá Molinaro no entendió la profundidad de su tema y vio en él solo una historia de detectives sin gran originalidad.
Se supone que la película tiene lugar en Marsella, pero está filmada en un estudio y el único indicio de que se trata de esa ciudad es la ropa que cuelga de las ventanas de un barrio, y las sirenas de un barco que se escuchará a lo lejos.
La película no es una obra maestra, pero entretiene y los actores son entrañables.
La música de Art Blakey en su apogeo es excelente, obviamente.

Des Femmes Disparaissent (Édouard Molinaro, 1959)

Equipo

Director: Édouard Molinaro

Guión: Gilles Morris-Dumoulin

Adaptación de guión: Albert Simonin

Asistente de dirección: Pierre Cosson

Fotografía: Robert Juillard

Sonido: Jean Rieul

Música: Art Blakey And The Jazz Messengers

Producción: Jacques Roitfeld - Sirius Films

Director de producción: Jean Mottet

Reparto

Robert Hossein - Pierre Rossi

Estella Blain - Béatrice

Philippe Clay - Tom

Magali Noël - Coraline Merlin

Robert Lombard - Georges Merlin

Jean Juillard - Lambert

Jacques Dacqmine - Victor Quaglio

Pierre Collet - Nasol

Jane Marken - Madame Cassini

François Darbon - Camille

William Sabatier - Carel

Monique Vita - Nina

Anita Treyens - Brigitte

Claudie Laurence - Jacqueline

Liliane David - Madeleine

Dominique Boschero - (una de las chicas)

Jacques Seiler,  Marcel Bernier, Jean Degrave - Policías

Blue Note #17 - Art Blakey

Art Blakey And The Jazz Messengers

Moanin'

Dije: “La tenemos”. La tocamos y quedaron boquiabiertos. Les encantó. La pieza se llamaba “Moanin’”

**Benny Golson a propósito de la primera interpretación en público de “Moanin’”**

“Esta es la toma cuatro”, dice Rudy Van Gelder antes de que el grupo arranque con la composición del pianista Bobby Timmons, que es una de las más reconocibles del mundo del jazz. La primera pieza, “Moanin’”, es sencillamente perfecta, una de las melodías más características del hard bop. El tema hizo que este disco de Blakey y The Jazz Messengers fuera conocido como “Moanin’” por casi todo el mundo, y el título acabó por calar. También apareció en Febrero de 1959 a modo de single que se segmentaba en las dos caras de un vinilo de 45 rpm. En Billboard se publicó lo siguiente: “Se trata de una gran propuesta por parte de Blakey y los Messengers. Es una inteligente melodía que cuenta con los buenos solos que se entremezclan con la apremiante percusión de Blakey. Los pinchadiscos de pop también podrán disfrutar de estas caras”.

Puede que “Moanin’” nunca hubiera existido de no haber sido por la insistencia de Golson, que un Timmons de veintinueve años de edad completó con el adorno de ocho compases que solía tocar entre piezas en los conciertos del grupo. Por sí mismo, el tema –del que se dice que logró reintroducir el funk en el jazz y que resulta irresistible- ya habría hecho que el disco fuera memorable y, con todo, es increíble de principio a fin. Golson asume la composición de las demás piezas, excepto de la última, que es un estándar de Johnny Mercer y Harold Arlen.

Tras haber comenzado a grabar con el grupo de Blakey hacía sólo dos años, Lee Morgan tenía tan sólo dos décadas de vida cuando participó en este disco, hecho que resulta difícil de asimilar cuando se oye la sofisticación de su interpretación y se percibe la empatía que establece con Golson, quien tiene casi diez años más que él. “Hoy vengo muy ruidoso”, advirtió Morgan a Van Gelder justo antes de la grabación de la toma 4 de “Moanin’”, y aunque es cierto, no hay nada que pueda restar valor a la emotividad de su forma de tocar la trompeta. Había nacido una estrella.

La cara 2 se inicia con la suite de Blakey, una “obra maestra sinfónica esquizofrénica” en la que tienen cabida movimientos que van del bebop a la bossa nova. Y cuando el disco acaba con “Come Rain Or Come Shine” –pieza en la que Timmons demuestra que no se queda atrás con las teclas-, uno está ya por completo metido en el sonido de The Messengers. Como lo estaba casi todo el mundo en 1959: este disco sirvió para hacer de los Messengers uno de los grupos de jazz más importantes.

1 - Warm-up And Dialogue Between Lee And Rudy

2 - Moanin'

3 - Are You Real

4 - Along Came Betty

5 - The Drum Thunder Suite

* First Theme: Drum Thunder

* Second Theme: Cry A Blue Tear 

* Third Theme: Harlem's Disciples

6 - Blues March

7 - Come Rain Or Come Shine

8 - Moanin' (alternate take)

Art Blakey (batería), Benny Golson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Bobby Timmons (piano), Jymie Merritt (contrabajo).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 30 de Octubre de 1958.