Retratos en Jazz #43 - Jimmy Rushing

Jimmy Rushing (1901-1972)

Nació en Oklahoma. Criado en una familia de músicos, en 1923 comenzó a cantar en clubes nocturnos y, después de trabajar en varias orquestas, se convirtió en el vocalista exclusivo de la orquesta de Count Basie. El potente volumen de su voz y su rica forma de cantar contribuyeron en gran medida al éxito de la orquesta. En 1950 abandonó la banda, organizó un septeto, pero pronto se convirtió en un músico autónomo, trabajando como cantante solista, principalmente en el Savoy Ballroom. Sus obras más representativas son The Jazz Odyssey y Goin' to Chicago.

Little Jimmy Rushing and the Big Brass (Columbia CS-8060)

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Jimmy Rushing

Little Jimmy Rushing And The Big Brass

Lado 1

1 - I'm Coming Virginia

2 - Knock Me A Kiss

3 - Harvard Blues

4 - Mister Five By Five

5 - Trav'lin' Light

6 - June Night

Lado 2

7 - It's A Sin To Tell A Lie

8 - Rosalie

9 - Jimmy's Blues

10 - Someday Sweetheart

11 - When You're Smiling

12 - Somebody Stole My Gal

Jimmy Rushing (vocalista), acompañado por:

Bernie Glow, Buck Clayton, Doc Cheatham, Emmett Berry, Mel Davis (trompetas); Buddy Tate, Coleman Hawkins, Danny Banks, Earle Warren, Rudy Powell (saxos); Dickie Wells, Frank Rehak, Urbie Green, Vic Dickenson (trombones); Nat Pierce (piano); Danny Barker (guitarra); Milt Hinton (contrabajo); Jo Jones, Osie Johnson (baterías).

Grabado en Nueva York, el 20, 26 y 27 de febrero de 1958.

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~ Extras ~

Las "obras más representativas" de Jimmy Rushing que Murakami menciona en la minibiografía, datan de la segunda mitad de la década de 1950. 

The Jazz Odyssey fue el resultado de la reunión por separado de Rushing con cuatros grupos representativos de la música de Chicago, New Orleans, Kansas City y New York bajo la dirección y arreglos del extraordinario trompetista Buck Clayton. Es considerada una de sus obras maestras. En 2008, el sello LonehillJazz lo incluyó en una edición en disco compacto al que fueron agregados los registros completos del disco The Smith Girls más tres temas del álbum Cat Meets Chicks.

Jimmy Rushing

The Jazz Odyssey & The Smith Girls

1 - New Orleans

2 - Tricks Ain't Walkin' No More

3 - Baby Won't You Please Come Home

4 - Piney Brown Blues

5 - 'Tain't Nobody's Biz-Ness If I Do

6 - I'M Gonna Move To The Outskirts Of Town

7 - Careless Love

8 - Doctor Blues

9 - Rosetta

10 - Lullaby Of Broadway

11 - Old Fashioned Love

12 - Some Of These Days

13 - Arkansas Blues

14 - Downhearted Blues

15 - How Come You Do Me Like You Do

16 - Crazy Blues

17 - Squeeze Me

18 - Trouble In Mind

19 - Muddy Water

20 - Gulf Coast Blues

21 - Everybody Loves My Baby

22 - Shipwrecked Blues

23 - Gee Baby, Ain't I Good To You

24 - Cool Breeze Woman

25 - Pretty Little Baby

Jimmy Rushing (vocalista), acompañado por:

Ernie Royal, Emmett Berry, Billy Butterfield, Ed "Tiger" Lewis, (trompetas); Urbie Green, Vick Dickenson, Dickie Wells, Benny Morton (trombones); Buddy Tate, Budd Johnson, Danny Bank, Coleman Hawkins, Hilton Jefferson, Rudy Powell, Dave McRae, Wilard Brown (saxos), Buster Bailey, Tony Parenti (clarinetes); Cliff Jackson, Hank Jones, Claude Hopkins, Sir Charles Thompson, Ken Kersey (pianos); Skeeter Best, Everett Barksdale, Steve Jordan (guitarras), Milt Hinton, Gene Ramey, Walter Page, Aaron Bell (contrabajos); Osie Johnson, Jo Jones, Jimmy Crawford (baterías).

Grabaciones realizadas en Nueva York, el 6, 7 y 8 de noviembre de 1956 (#1 a #12), el 7 y el 13 de julio de 1960 (#13 a #22) y entre el 18 y el 23 de agostode 1955 (#23 a #25).

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Por su parte, Goin' to Chicago corresponde a la tercera etapa de su carrera, tras la disolución de la orquesta de Count Basie, donde Jimmy llevaba cantando cerca de veinte años. Es uno de los tres discos que Rushing realizó para el sello Vanguard. Dos de ellos (el mencionado y Listen To The Blues) fueron reunidos en un solo disco compacto por parte del sello Phoenix en 2011. Concebidos como autografías musicales, los registros para Vanguard rehacen muchas de las canciones que se convirtieron en estándares del jazz con la orquesta de Count Basie. Según John Henry Hammond, Jr. el célebre productor musical, músico, cazatalentos y crítico desde la década de 1930 hasta la de 1970, estas grabaciones de Jimmy Rushing se posicionan entre las mejores que jamás haya hecho.

Jimmy Rushing

Complete Goin' To Chicago & Listen To The Blues

1 - How Long

2 - Boogie Woogie (I May Be Wrong)

3 - How You Want Your Lovin' Done

4 - Goin' To Chicago

5 - I Want A Little Girl

6 - Sent For You Yesterday

7 - Leave Me

8 - See See Rider

9 - It's Hard To Laugh Or Smile

10 - Everyday I Have The Blues

11 - Good Morning Blues

12 - Take Me Back, Baby

13 - Rock And Roll

14 - Evenin'

15 - Don't Cry Baby

16 - Roll 'Em Pete

17 - Sometimes I Think I Do

Jimmy Rushing (vocalista), acompañado por:

Pat Jenkins, Emmett Berry (trompetas); Henderson Chambers, Lawrence Brown, Vic Dickenson (trombones); Ben Richardson, Buddy Tate, Rudy Powell (saxos y clarinetes); Freddy Green, Roy Gaines (guitarras); Sammy Price, Pete Johnson, Clarence Johnson (pianos); Marlowe Morris (órgano); Walter page, Aaron Bell (contrabajos), Jo Jones (batería).

Grabaciones realizadas en Nueva York, el 1 de diciembre de 1954 (#1 a #7), el 16 de agosto de 1955 (#8 a #16) y el 5 de marzo de 1957 (#17). 

El Canon del Jazz #6 - All Of Me

 All of Me

Compuesta por Gerald Marks y SeymourSimons

"All of Me" es la única canción de Gerald Marks y Seymour Simons que ha logrado hacerse hueco en el repertorio jazzístico. Los vocalistas la adoptaron desde un primer momento, y dos versiones distintas, a cargo respectivamente de Louis Armstrong y Mildred Bailey (al frente de la Paul Whiteman Orchestra), se encaramaron a lo más alto de las listas de éxitos en 1932. Louis Armstrong sentía un cariño especial por "All of Me" y en las décadas posteriores la cantó con frecuencia, pero no puedo evitar percibir una discrepancia entre el texto, que describe una claudicación romántica, y el ademán triunfal de la interpretación de Satchmo, más propia de un conquistador que de un pretendiente deshecho en súplicas. Bailey se ciñe más al espíritu de la letra, aunque el acompañamiento de la orquesta de Paul Whiteman es demasiado primoroso tanto para la canción como para la vocalista.

Hubo que esperar una década para que apareciese la versión definitiva de "All of Me", pero desde entonces nadie ha sido capaz de arrebatar a Billie Holiday el título de propiedad que se arrogó con aquella grabación, para la que contó con el acompañamiento de Lester Young al saxofón tenor. (Y no sólo con la versión incluida en el disco de 78 R.P.M.: si el lector es capaz de encontrar las tomas descartadas, no deje de oír la tercera que se grabó ese día, una obra maestra por derecho propio). En lugar de la confiada sensación de conquista de Armstrong, Holiday describe un romance más complicado, que tiene las mismas probabilidades de resolverse con un final feliz que de saldarse con un corazón roto. Este clima de ambigüedad resulta difícil de evocar dado el ritmo al que suele tocarse la canción, un medio tiempo saltarín; pero Holiday ofrece un ejemplo magistral de cómo conseguirlo.

Los escollos emocionales que refiere la canción permiten al cantante escoger entre una amplia horquilla de actitudes interpretativas, desde la coqueta a la fatalista. Frank Sinatra, que grabó varias versiones de "All of Me", adoptó diversos enfoques a lo largo de los años. Mi favorita es una de las primeras, de 1946, donde el artista muestra su lado más vulnerable. Sinatra contribuyó a dar a conocer la canción a muchas personas ajenas al jazz, y lo

propio hizo Willie Nelson, quien incluyó una interpretación conmovedora en su disco Stardust, un éxito rotundo que permaneció una década entera —de 1978 a 1988— en la lista de los álbumes más vendidos. La canción también ha aparecido en varias películas —Lady Sings the Blues, All of Me (Dos veces yo), Bird— y, de manera insólita, en series de televisión como Sanford & Son, Los Soprano o Los teleñecos.

La melodía, por su parte, condensa las posibilidades contradictorias de la canción. La brusca inflexión descendente de las primeras frases apunta a cierta desesperación emocional, mientras que el verso de cierre, con esas notas agudas que se repiten, parece casi jubiloso. Los acordes son bastante sencillos, pero tienen su interés. Warne Marsh los usaría posteriormente para su composición "Background Music", y lo mismo haría Lennie Tristano para su canción "Line Up". Pero el atractivo principal de "All of Me" es la letra, que constituye la razón fundamental por la cual la canción sigue formando parte viva del canon jazzístico tantas décadas después de haber sido compuesta.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Paul Whiteman (con Mildred Bailey), Chicago, 1 de diciembre de 1931
2 - Louis Armstrong, Chicago, 27 de enero de 1932
3 - Billie Holiday (toma maestra y tercer descarte), Nueva York, 21 de marzo de 1941
4  - Frank Sinatra, Hollywood, 7 de noviembre de 1946.
5 - Charlie Parker (con Lennie Tristano), Nueva York, agosto de 1951
6 - Duke Ellington, extraída de Jazz Party, Nueva York, 19 de febrero de 1959
7 -  Earl Hines, extraída de An Evening with Earl Hines, Nueva York, 1972
8 - Willie Nelson, extraída de Stardust, sur de California, diciembre de 1977
9 - Dee Dee Bridgewater, extraída de In Montreux, grabado en directo en el festival de jazz de Montreux (Suiza), 18 de julio de 1990
10 - Luciana Souza, extraída de North and South, 2003

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-- Disco Elegido --

Duke Ellington

Jazz Party

Algunos críticos subestimaron este álbum de 1959, quizás porque no sonaba como el Duke Ellington conocido.  Sin embargo, el disco es un buen ejemplo de la maestría de Ellington en la innovación y en la amalgama de sonidos nuevos y antiguos para crear su magia inimitable.

Lo que pensaba ser una grabación más de la extensa discografía de Duke, se convirtió en una verdadera fiesta, como cuenta Irving Townsend, el productor del registro, en sus liner notes: "El álbum comenzó como una simple sesión de grabación durante la cual teníamos la intención de grabar tres o cuatro de las nuevas composiciones de Duke para lanzarlas en un futuro cercano. Comenzó una tarde de febrero cuando la banda regresó a Nueva York después de una larga estadía en Florida, y antes de que comenzáramos, la sesión se estaba convirtiendo en una fiesta de bienvenida a casa para Duke". 

Decenas de fanáticos aparecieron en el estudio, entre ellos Dizzy Gillespie (con su trompeta), Jimmy Rushing (a quien le gustaba escuchar big bands mientras grababan), y el pianista Jimmy Jones, que simplemente estaba de paso. Mientras la multitud se reunía, Duke hablaba con un grupo de nueve percusionistas. Había seleccionado nueve hombres para tocar un par de piezas cortas escritas para presentar un conjunto completo de timbales y una línea de vibráfonos, marimbas y xilófonos lo suficientemente larga como para extenderse de un lado al otro del gran escenario. 

El vestíbulo del estudio se llenó de tambores y xilófonos. Se instalaron sillas para la inesperada audiencia y Duke, con la expresión inocente de un niño pequeño que acaba de dejar caer un fósforo en un tanque de gasolina, dijo: "Veamos qué pasa".

La primera pieza, "Malletoba Spank", abre el disco con un ritmo y un sonido increíble. 

Los siguientes seis títulos constituyen una suite que Duke escribió durante la temporada de festivales del año anterior, demasiado tarde para grabarla antes de que se fuera a Europa. Lo llamó “Toot Suite”. Como cuenta Townsend, "...al final de la suite, todos tuvimos claro que esta era una de las grandes actuaciones de la banda de Ellington. Decidimos quedarnos toda la noche grabando".

A continuación, aunque "Satin Doll" se haya vuelto trillado a lo largo de los años, aquí resulta ser otra cosa. Como dice la nota de la portada, “es poco probable que lo escuches mejor interpretado o grabado que aquí”. En esta edición es un "bonus track", ya que no aparece en el LP original.

Y, enseguida, una gran sorpresa... Se sabe que Duke y Dizzie Gillespie estaban unidos por un respeto mutuo desde lo artístico, pero, también, por un cierto desprecio el uno por el otro debido a sus estilos tan diferentes e implacables. Sin embargo, fue el momento justo para unirlos de una vez. Después de una pequeña búsqueda, Ellington encontró todas las partes de uno de sus originales llamado "U.M.M.G." (las siglas de Upper Manhattan Medical Group) y dedicado al Dr. Arthur Logan, que también estaba presente para escuchar su grabación. Dizzy aprendió la pieza en poco tiempo y comenzó con un solo emocionante y asordinado. Pero después de la intervención de la banda completa, Gillespie regresó con su trompeta lo más abierta posible para dejar registrada una actuación histórica ya que fue la primera y última vez que tocó con Ellington.

Como solía decir Duke a mitad de camino en sus conciertos: "¡Es la hora de Johnny Hodges!" Y el conocido "All Of Me", aunque se convirtió en uno de los temas más requeridos del repertorio Ellington-Hodges, nunca lo habían grabado antes, y basta con escucharlo para no agregar nada más al respecto.

A continuación, volvieron los percusionistas para el siguiente número: "Tymperturbably Blue". Para ello se instaló una fila de nueve timbales para ofrecer a los fanáticos del estéreo la experiencia única de escuchar la escala musical completa que se extiende por todo el espectro de sonido, explotando una melodía de Ellington como nunca se había escuchado. Comienza con ocho acordes discordantes, seguidos de enigmáticos sonidos de la orquesta, y la percusión llega gradualmente en números cada vez mayores. Es más bien una versión de vanguardia de "Malletoba Spank" y muestra el grado experimentador de Ellington.

"Fillie Trillie", que tampoco apareció en el LP original, es una pieza breve, pero con dulces riffs de blues, con un solo típicamente lírico de Johnny Hodges.

Y hubo tiempo para un número más. Duke le pidió a Jimmy Jones que se sentara al piano, eligió un blues de su autoría llamado "Hello Little Girl" y Jimmy Rushing se acercó para aplaudir y poner su parte para hacer subir la temperatura para un gran final.

Después de ocho horas seguidas ya era hora de que cada uno volviera conforme a casa. Lo que había comenzado como una sesión de grabación más de Ellington, terminó como un festival de jazz, celebrado, afortunadamente, en una sala llena de micrófonos.

Irving Townsend se confiesa al final de sus notas: "Si me perdonan, me gustaría agregar, finalmente, y en voz baja, una opinión. Resultó ser el álbum de jazz más emocionante que he escuchado en mi vida".

En definitiva, una obra maestra totalmente olvidada del ducado Ellingtoniano.

1 - Malletoba Spank

2 - Toot Suite: a. Red Garter

3 - Toot Suite: b. Red Shoes

4 - Toot Suite: c. Red Carpet (parte 1)

5 - Toot Suite: d. Red Carpet (parte 2)

6 - Toot Suite: e. Red Carpet (parte 3)

7 - Toot Suite: f. Ready Go!

8 - Satin Doll

9 - U.M.M.G.  (Upper Manhattan Medical Group)

10 - All Of Me

11 - Tymperturbably Blue

12 - Fillie Trillie

13 - Hello Little Girl

Duke Ellington (piano); Ray Nance, Clark Terry, Cat Anderson, Shorty Baker, Andres Ford (trompetas); Britt Woodman, Quentin Jackson, John Sanders (trombones); Johnny Hodges (saxo alto); Paul Gonzalves (saxo tenor); Harry Carney (saxo barítono); Jimmy Hamilton (clarinete y saxo tenor); Russell Procope (clarinete y saxo alto); Jimmy Woode (contrabajo); Sam Woodyard (batería)

Invitados: Dizzy Gillespie (trompeta en #9 y 13); Jimmy Jones (piano en #13); Jimmy Rushing (vocalista en #13); Morris Goldenberg, George Gaber, Elden C. Bailey, Chauncey Morehouse, Harry Breuer, Robert M. Rosengarden, Walter E. Rosenberger, Bradley Spinney, Milton Schlesinger (percusiones en #1 y 11)

Grabado en Columbia 30th Street Studio, Nueva York, el 19 y el 25 de febrero de 1959