Obscure #12 - Tommy Turrentine

Thomas Walter Turrentine, Jr. nació el 22 de abril de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. Conocido en el mundo del jazz simplemente como Tommy Turrentine, fue un trompetista con todas las cualidades para la grandeza.

Aunque no se lo pueda considerar ni desconocido ni olvidado, hubo quizá tres razones que le impidieron una mayor trascendencia: cierta falta de audacia para "sobresalir", algunos problemas de salud que restringieron su trabajo y "la sombra" de su exitoso hermano menor Stanley.

Se unió a la Big Band de Benny Carter a los dieciocho años y, a los veinte, a las orquestas de Billy Eckstine y Dizzy Gillespie. Brevemente, también integró la banda de Count Basie. Entre 1952 y 1955, formó parte de la banda de Earl Bostic.

Discográficamente, participó en 25 grabaciones ya consideradas clásicas, acompañando a figuras tan variadas como Ahmed Abdul-Malik, Paul Chambers, Sonny Clark, Lou Donaldson, Booker Ervin, Dexter Gordon, Rufus Jones, Philly Joe Jones, Abbey Lincoln, Jackie McLean, Horace Parlan, John Patton, Max Roach, Archie Shepp, Sun Ra y su hermano Stanley.

Para los expertos en "lo técnico", su talento para la improvisación se diferenció marcadamente de sus colegas de entonces, distinguiéndose por un sonido amplio, cálido y melódico con el que era capaz de crear solos de líneas largas e ininterrumpidas.

Tommy Turrentine también fue un experto pianista y compositor. La crítica considera que sus composiciones combinaron una sofisticación y un lirismo que recuerda "la pluma" de Benny Golson.

¿Qué lo convirtió en obscure y en leyenda? Su único disco como líder, grabado a comienzos de 1960.

Por entonces, Tommy formaba parte del combo de Max Roach. Para su primer y único álbum, respaldado por sus compañeros del grupo de Roach más el pianista Horace Parlan, Tommy compuso cinco de los siete temas que lo conforman.

En esta sólida y vibrante grabación cada uno de los integrantes del sexteto "rindió" a la par, logrando un excelente resultado que se orientó firmemente a los estándares del hard bop de la época. Según Max Roach —el "jefe" de todos por entonces—, ninguno de ellos cayó en imitaciones. En la manera que tocan se pueden escuchar influencias, por supuesto. Pero cada uno se apegó a sus "propias armas".

Paradójicamente, a partir de esta pieza de colección, mientras su hermano Stanley iba rumbo al pináculo, Tommy ya comenzaba a "desvanecerse" en la oscuridad.

También paradójico es que las liner notes de Nat Hentoff sigan teniendo vigencia más de 60 años después: Durante varios años, los jazzistas de Pittsburgh o aquellos que han pasado por la ciudad suelen citar al trompetista Tommy Turrentine como un excelente ejemplo del músico imaginativo. Más allá de un círculo reducido de compañeros, aún no ha recibido merecida atención, debido a que eligió trabajar en su ciudad de origen en vez de instalarse en Nueva York, Chicago, Los Ángeles o San Francisco, lugares adecuados para volverse popular y donde están los principales compositores y las más importantes compañías discográficas.

Sin embargo, el nombre de Tommy se está volviendo reconocido, gracias a sus actuaciones con los grupos de Max Roach desde marzo de 1958. Ahora, este primer disco bajo su propio nombre debería servir para aumentar el tamaño de su audiencia.

Tommy recién se mudó a Nueva York en 1970. Junto a su esposa Jane se instaló en una de las clásicas casas de ladrillos rojos de la calle 82 Oeste, entre Broadway y Central Park. Murió de cáncer a los 69 años, el 15 de mayo de 1997.

Tommy Turrentine

Tommy Turrentine

1 - Gunga Din

2 - Webb City

3 - Time’s Up

4 - Long As You’re Living

5 - Too Clean

6 - Two, Three, One, Oh!

7 - Blues For J.P.

Tommy Turrentine (trompeta), Stanley Turrentine (saxo tenor), Julian Priester (trombón), Horace Parlan (piano), Bob Boswell (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en Capitol Studios, Nueva York, el 19 de enero de 1960. 

Obscure #11 - John Dennis

John Dennis nació en Filadelfia en 1930. A falta de datos biográficos, lo poco que se puede rastrear sobre su personalidad proviene de recuerdos de otros colegas. 

Por ejemplo: en una entrevista a Jimmy Heath realizada en 1990 por el periodista y divulgador Gene Santoro, el saxofonista recordó que en los círculos filadelfianos a John se le conocía como "Fat Genius" (el "gordo genio"). Por su parte, el pianista Muhal Richard Abrams, lo consideraba un músico con un "enfoque pianístico completo", capaz de "combinar la música clásica con el jazz o bien ser el invitado perfecto para una velada de cóctel".

También en una entrevista, otro nativo de Filadelfia, el vibrafonista Walt Dickerson, dijo: "Con John éramos como hermanos inseparables. Tenía una memoria fotográfica y todos los que pasaban por Filadelfia le tenían un gran respeto. Era simplemente increíble. No estaba nada interesado en lo que sucedía alrededor porque sabía que artísticamente estaba muy por delante de lo que estaba pasando. Pero sus padres eran personas muy fundamentalistas y lo presionaban mucho para que no tocara lo que para ellos era 'música del diablo'. Y eso a un artista como John lo afectó muchísimo. Cuando una persona no puede continuar buscando y desarrollando su arte, algo le pasa, tanto física como mentalmente. Conocí a muchas personas que, aunque no les pasara nada físicamente, morían con el corazón roto. No les pasa nada, pero se les rompe el corazón y simplemente se dan por vencidos. Y eso es lo que le pasó a John".

Lo que mejor se sabe de él es lo que sucedió el 10 de marzo de 1955.

Atentos a nuevos talentos con mente aventurera y creativa, Charles Mingus y Max Roach, en búsqueda de nuevas figuras para el sello discográfico Debut que habían fundado tres años antes, convocaron a John para que los acompañara a grabar una sesión y así completar la sección rítmica que acompañaría al trompetista Thad Jones. Instalados en el famosos living de la casa de los padres de Rudy Van Gelder, registraron lo que formaría parte del disco Collaboration. Con el agregado de otra sesión de Thad como líder, dichas grabaciones aparecieron después bajo el título The Fabulous Thad Jones.

Thad Jones

Thad Jones

(The Fabulous Thad Jones)

1 - Get Out Of Town

2 - One More

3 - Bitty Ditty

4 - More Of The Same

5 - Elusive

6 - Sombre Intrusion

7 - I Can't Get Started

8 - I'll Remember April

9 - You Don't Know What Love Is

10 - Chazzanova

11 - Get Out Of Town (alternate take)

12 - One More (alternate take)

#1, #2, #4, #7, #11, #12:

Thad Jones (trompeta), John Dennis (piano), Charles Mingus (contrabajo), Max Roach (batería).

#3, #5, #6, #8, #9, #10:

Thad Jones (trompeta), Frank Wess (saxo tenor y flauta), Hank Jones (piano), Charles Mingus (contrabajo), Kenny Clarke (batería).

Grabaciones realizadas en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 11 de agosto de 1954 (#3, #5, #6, #8, #9, #10) y el 10 de marzo de 1955 (#1, #2, #4, #7, #11, #12). 

⁂

Pero volvamos al 10 de marzo de 1955 y al verdadero obscure de esta vez.

Finalizada la grabación de los cuatro temas secundando a Thad Jones, Mingus y Roach, asombrados con el desempeño de John y conscientes de la brillante imaginación y elocuencia del pianista de 25 años que tenían delante, decidieron grabar ese mismo día otro álbum, pero con Dennis como líder. Ellos mismos decidieron acompañarlo y el título que eligieron para el álbum reflejó lo que sintieron al escucharlo: New Piano Expressions. Fue el único disco de Dennis como líder y sus avanzadas ideas dejaron a toda la escena del jazz asombrada e intrigada.

Afortunadamente, la edición en CD de 1994 recoge todo lo que sobrevivió para la posteridad. Los ocho temas del LP original más tomas alternativas y dos versiones de "All The Things You Are" que no formaron parte de aquel raro y obscure vinilo. Estas pistas y las que figuran junto a Thad Jones son los únicos y claros testimonios de lo lejos que podría haber llegado John Dennis si su carrera no se hubiera interrumpido tan repentinamente.

Murió en 1963, ocho años después de estas singulares grabaciones, a la temprana edad de 33 años.

John Dennis

New Piano Expressions

1 - Ensenada

2 - Machajo

3 - Cherokee

4 - Seven Moons

5 - Seven Moons (alternate take)

6 - All The Things You Are (take one)

7 - All The Things You Are (take two)

8 - Cherokee (alternate take)

9 - Odyssey

10 - Chartreuse

11 - Variegations

12 - Someone To Watch Over Me

John Dennis (piano), Charles Mingus (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 10 de marzo de 1955. 

Obscure #10 - Joe Alexander

Joe Alexander nació como Huntington Kendrick Alexander en 1929. Subestimado por los estudios biográficos de la historia del jazz, la escasa información que arrojan las páginas de internet al poner su nombre en el "buscador" citan dos ciudades como su lugar de nacimiento: o bien Birmingham, Alabama, o bien Cleveland, Ohio.

Sin embargo, otras fuentes informan que se graduó en el Conservatorio de Música de Detroit y que llegó a Cleveland desde Pittsburgh cuando su esposa, una enfermera, consiguió un trabajo en dicha ciudad. Pero en todos los casos hay una coincidencia: es considerado como uno de los saxofonistas legendarios del jazz moderno. 

Su alta reputación quedó de manifiesto cuando, a mediados de 1960, los propietarios del Club 100 comenzaron a promocionarlo como "Alexander the Great" ("Alejandro Magno"). Había llegado al Club 100 para reemplazar a Roland Kirk, presentándose frecuentemente en forma de trío con el organista Eddie Baccus o con el pianista Butch Strong.

Pero el "reinado" de Alexander en Cleveland se interrumpió en el verano 1966 debido a los Houg Riots, violentos disturbios de la comunidad afroamericana que abarcó un espectro que iba desde protestas furiosas hasta el desenfrenado vandalismo, con el trágico resultado de cuatro personas muertas y más de 50 heridas. Ante un nuevo desorden civil en 1968, Joe se alejó de la ciudad aprovechando una gira por Europa con la Orquesta Woody Herman, con la que también apareció en el Festival de Jazz de Newport de dicho año.

Entre 1960 y 1968 fueron numerosos los locales en los que se lo vio tocar y triunfar. Sin embargo, lo que lo vuelve un músico obscure es su escasa discografía. Rastreándola, volvemos a los inicios de su carrera profesional, encontrándolo como integrante de la banda del saxofonista Paul "Hucklebuck" Williams en 1950. Tres "lados" registrados para el sello Savoy testifican su presencia con "Paul Williams & His Hucklebuckers", aunque en ninguno destaca más que como parte de la sección de saxos.

Rye Boogie

Jeep’s Blues

Weasel Swing

Paul Williams & His Hucklebuckers 

Paul Williams (saxos barítono y alto); Phil Gilbeaux (trompeta), Joe Alexander, Sam Miller (saxos tenores); Lee Anderson (piano); John Murphy (contrabajo); William Benjamin (batería).

Grabados en Nueva York, el 18 de mayo de 1950.

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A continuación, en 1952, aparece con la banda "Good Humor Six", liderada por el saxofonista Gay Crosse, en la cual coincidió con un joven John Coltrane y llegando a decirse que fue la influencia más temprana de "Trane". Pero no existen grabaciones actuando en conjunto. 

Tampoco existen registros grabados de sus trabajos siguientes: con el trompetista Eddie Preston y el baterista Lawrence Jackson actuando en el Cotton Club de Cleveland en setiembre de 1954 y con el grupo del pianista Jimmy Saunders actuando en el Congo Lounge a comienzos de 1956.

A partir de entonces, su carrera comenzó a expandirse fuera de Cleveland, arribando a Nueva York para un compromiso de seis meses con el grupo de Charlie Mingus, una breve gira con la orquesta de Lionel Hampton y, al fin, su primer y estelar participación en el álbum Fountainebleau, una grabación liderada por otro nativo de Cleveland, el pianista Tadd Dameron, y considerada como la obra más lograda de Dameron. Concebida como una suite en tres partes, inspirada en el Château de Fontainebleau —uno de los mayores palacios reales franceses—, Fountainebleau es una composición de carácter impresionista que Dameron, gran conocedor de la obra de Ravel, y acérrimo admirador de Duke Ellington, grabó a comienzos de 1957, con excepcionales solos de tres subestimados músicos de entonces: el trompetista Kenny Dorham, el trombonista Henry Coker y el mayor descubrimiento de Dameron, Joe Alexander.

Tadd Dameron

Fontainebleau

1 - Fontainebleau

2 - Delirium

3 - The Scene Is Clean

4 - Flossie Lou

5 - Bula-Beige

Tadd Dameron (piano), Kenny Dorham (trompeta), Sahib Shihab (saxo alto), Joe Alexander (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Henry Coker (trombón), John Simmons (contrabajo), Shadow Wilson (batería).

Grabado en Nueva York, el 9 de marzo de 1956.

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En 1960, Joe Alexander actuaba regularmente en el Modern Jazz Room, antes conocido como el Cotton Club de Cleveland  —acompañado por el baterista y gerente del club Fats Heard y el pianista Hugh Thompson—, como también en el Café Tia Juana y en el Park-Lane Ballroom los domingos por la tarde.

En junio de ese año, auspiciado por Cannonball Adderley, le llegó el momento de grabar su único y obscure disco como líder, siendo también el último álbum de su carrera discográfica. Realizado para el sello Jazzland y secundado por una sección rítmica de primer nivel —Bobby Timmons, Sam Jones y Tootie —, Blue Jubilee contó también con otro músico olvidado, el trompetista John Hunt. Como un crítico sentenció, Blue Jubilee es una verdadera "fiesta de alegría, catarsis y esperanza muy bien aprovechada".

Poco después de la grabación, nació su hija Deborah y Joe decidió volver a Cleveland. Con la excepción de una gira con la Woody Herman Orchestra en 1968, pasó el resto de su corta vida tocando principalmente en el Club 100.

En 1969, a Joe se le diagnosticó un problema cardíaco grave y tuvo que someterse a una cirugía a corazón abierto de la cual nunca pudo recuperarse. 

Alexander murió a la edad de 41 años en octubre de 1970. En el funeral, el reverendo Albert Hart dijo algo que aún tiene vigencia: "La escena del jazz de Cleveland lo extrañará, y la escena del jazz nacional, en su mayor parte, nunca sabrá lo que se perdió".

Joe Alexander

Blue Jubilee

Lado 1

1 - Blue Jubilee

2 - Brown's Town

3 - I'll Close My Eyes

Lado 2

4 - Terri's Blues

5 - Weird Beard

Joe Alexander (saxo tenor), John Hunt (fliscorno), Bobby Timmons (piano), Sam Jones (contrabajo), Albert Heath (batería).

Grabado en Nueva York, el 20 de junio de 1960. 

Obscure #9 - Ronny Lang

Ronald Langinger tiene 92 años. Para el mundo del jazz, su nombre artístico es Ronny —o también Ronnie— Lang.

Nació en Chicago, Illinois, el 24 de julio de 1929 y ha pasado gran parte de su carrera trabajando como musico de sesión. Su debut profesional fue en 1946 con los Teenagers de Hoagy Carmichael. A continuación, integró las orquestas de Earl Spencer (1946) y Ike Carpenter y Skinnay Ennis (1947). Pero la mayor atención la concitó en sus dos períodos junto a la Orquesta de Les Brown (1949-1950 y 1953-1956). También grabó con el Dave Pell Octet a mediados de la década de 1950, mientras estudiaba el manejo de la flauta y toda la gama de saxos en el instituto Los Angeles State College of Applied Arts and Sciences. 

A partir de 1958 se convirtió en uno de los músicos de mayor presencia en los estudios de Los Angeles, grabando músicas para el cine y la televisión, requerido por Henry Mancini, John Barry y Bernard Herrmann. Lang también grabó con Pete Rugolo, Bob Thiele, Peggy Lee, Anita O'Day, Ray Anthony, Ella Fitzgerald y Rosemary Clooney, entre otros. Si bien esas participaciones fueron realizadas en entornos bastante anónimos, bastaría con recordar una sola banda sonora. Deben ser muy pocos los que aseguren no conocerla: Ronny es el saxo alto del icónico tema principal del film "Taxi Driver" de Martin Scorsese.

Música de Taxi Driver (títulos)

Ronny Lang (solo de saxo alto), Bernard Herrmann (director)

Música de Taxi Driver (tema central)

Ronny Lang (solo de saxo alto), Bernard Herrmann (director)

Sin embargo, registró tan solo dos sesiones como líder, y la primera ellas eclipsado por el nombre de su jefe de entonces, Les Brown, que ideó un disco titulado The Les Brown All Stars, dedicado a resaltar los talentos personales de músicos de su orquesta como Lang, el saxofonista Dave Pell, el trompetista Don Fagerquist y el trombonista Ray Sims.

Si estuviéramos a finales de la década de 1950, para encontrar las grabaciones completas de Ronny Lang como líder, deberíamos conseguir tres LP's: El mencionado The Les Brown All Stars del sello Columbia, el Modern Jazz del sello Tops —considerado el único y verdadero obscure bajo su nombre—, y el Jazz Jackpot, una "ensalada" económica del sello Golden Tone compuesto por temas del George Wettling Jazz Trio, del Barney Bigard Quintet, de The Lion's Jazz Band y una selección del disco Modern Jazz que incluye un tema de misma sesión que no fue incluido en el disco original quizá por falta de espacio.

Afortunadamente, hoy alcanza con un disco compacto ya que, en 1999, el sello Fresh Sound las reunió integralmente, con el solo defecto de adjudicarle a Lang el manejo del saxo tenor en temas que se encarga del saxo alto de la manera que siempre lo caracterizó: habilidad en lo técnico y excelencia en la improvisación.

Ronny Lang And His All Stars

Basie Street

1 - Thou Swell 

2 - Sorta Moonlight 

3 - Love Me Or Leave Me

4 - Between The Devil And The Deep Blue Sea 

5 - How About You? 

6 - They Can't Take That Away From Me 

7 - I'll Be Around 

8 - Basie Street 

9 - Taking A Chance On Love 

10 - Skylark 

11 - Midnight Sun 

12 - How High The Moon 

13 - A Foggy Day 

14 - Cantara 

15 - Lullaby In Rhythm 

16 - 'S Wonderful

#1, #2 y #3: Ronny Lang Sextet

Bob Drasnin, Ronny Lang (saxos altos); Abe Aaron, Dave Pell (saxos tenores); Butch Stone (saxo barítono); Donn Trenner (piano); Buddy Clark (contrabajo); Bill Richmond (batería); Les Brown (director)

Grabado en Capitol Studios, Los Angeles, California, el 23 de junio de 1955.

#4 a #9: Ronny Lang And His All Stars

Ronny Lang (saxo alto), Bob Enevoldsen (trombón a válvulas), Dave Pell (saxos tenor y barítono), Marty Paich (piano), Ray Leatherwood (contrabajo), Johnny Loais (batería).

Grabado en Los Angeles, California, en 1957.

#10 a #16: Ronny Lang Quartet:

Ronny Lang (saxo alto, flauta [#14] y saxo barítono [#16]), Marty Paich (piano), Ray Leatherwood (contrabajo), Johnny Loais (batería).

Grabado en Los Angeles, California, en 1957. 

Obscure #8 - Les Spann

Les nació en Pine Bluff, Arkansas, el 23 de mayo de 1932. Bautizado como como Leslie Spann Jr., aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta mientras asistía al instituto Jamaica High School en Queens, Nueva York, donde prosiguió sus estudios musicales con el objetivo de dedicarse a la docencia. En 1949, tras debutar con la big band de Frazier Benefield, se trasladó a Nashville para matricularse en música y composición en la Tennessee State University, donde eligió la flauta, ya que era un requisito aprender un segundo instrumento. Entre 1950 y 1957 integró la banda universitaria Tennessee State Jazz Collegians como músico y arreglista.

Su verdadera carrera profesional comienza en Nueva York en 1957 para tocar con la banda del pianista Phineas Newborn, Jr., y continuó en 1958 para tocar con el pianista Ronnel Bright. Pero lo que le dio el renombre musical fue su asociación con Dizzy Gillespie —entre 1958 y 1959— y con Quincy Jones —entre 1959 y 1961—, con quien realizó su primera gira por Europa en 1960. Posteriormente pasó a formar parte del cuarteto del saxofonista Jerome Richardson, volviendo a Europa en 1963 con Ella Fitzgerald, con quien actuó en la televisión pública de Estocolmo en abril, y en el Olympia de París en marzo de ese mismo año, con un cuarteto formado por Tommy Flanagan al piano, Jim Hughart al contrabajo y Gus Johnson a la batería. Su prolífica carrera como músico de estudio quedó testificada en 78 sesiones de jazz de primera línea desde 1957 a 1967, grabando con, entre otros, Nat Adderley, Benny Bailey, Bill Coleman, Eddie "Lockjaw" Davis, Curtis Fuller, Red Garland, Benny Goodman, Sam Jones, Abbey Lincoln, Charles Mingus, Duke Pearson, Jerome Richardson, Charlie Shavers, Sonny Stitt, Billy Taylor, Randy Weston y Ben Webster. 

Según el periodista y divulgador Marc Myers, lo que hacía especial a Spann era que dominaba tanto la flauta como la guitarra y tal como reconoció el productor y fundador de Riverside Records, Orrin Keepnews, estos dos instrumentos eran muy solicitados durante sus años de actividad y no había disponibles muchos músicos de sesión de primera categoría que tocaran los dos.

Sin embargo, como líder estuvo al frente de sólo cuatro fechas y únicamente el resultado de dos de ellas fueron publicadas. El 3 y el 8 de noviembre de 1965 grabó 8 temas que nunca vieron la luz, en los que Spann lideraba un quinteto formado por George Coleman (saxo tenor), Willie Ruff (corno francés), Tommy Flanagan (piano), Paul West (contrabajo) y otros dos bateristas que se alternaban en los distintos temas, Grady Tate y Frankie Dunlop. Presumiblemente, los másteres de dichas sesiones se perdieron en el terrible incendio de los depósitos de Atlantic Records, en Long Branch, Nueva Jersey, ocurrido en la madrugada del 8 de febrero de 1978.

Lo único que quedó de Les como líder es el obscure de hoy: Gemini.

Estas grabaciones datan de la época en la que formaba parte del quinteto de Dizzy Gillespie y de la big band de Quincy Jones y el título del álbum refiere al signo del zodiaco de Spann. Los ocho temas del álbum se grabaron en dos sesiones diferentes, en las cuales Spann demostró sus habilidades interpretativas con los dos instrumentos: la flauta en una de ellas, con Tootie Heath a la batería y la guitarra en la otra, con Louis Hayes a la batería. El crítico Alex Henderson, en su reseña para el sitio AllMusic, lamenta que Les no dejara más grabaciones como líder y considera que "Gemini sigue siendo una excelente cita con el hard bop", donde "Spann da el cien por ciento en las dos sesiones", describiéndolo como "blusero y expresivo en los temas a la guitarra e igualmente impresionante, melancólico y lírico en sus interpretaciones con la flauta". 

Su última grabación conocida fue colaborando con el saxofonista Johnny Hodges —como uno de los guitarristas en su álbum Triple Play, realizado en 1967 para el sello RCA—, desapareciendo de la escena musical a finales de la década de 1960.

Les murió en Nueva York el 24 de enero de 1989.

Les Spann

Gemini

1 - Smile 

2 - Con Alma

3 - Q's Dues Blues

4 - It Might as Well Be Spring

5 - Stockholm Sweetnin'

6 - Blues for Gemini

7 - Afterthought

8 - (There Is) No Greater Love

Les Spann (flauta [#1, #4, #6 y #7] y guitarra [#2, #3, #5 y #8]), Julius Watkins (corno francés), Tommy Flanagan (piano), Sam Jones (contrabajo), Albert "Tootie" Heath (batería [#1, #4, #6 y #7]), Louis Hayes (batería [#2, #3, #5 y #8]).

Grabado en Plaza Sound Studios, Nueva York, el 8 (#1, #4, #6 y #7) y el 16 (#2, #3, #5 y #8) de diciembre de 1960. 

Obscure #7 - El "vibories"

Aunque Swingin' On The Vibories sea un LP "raro" (nunca tuvo su versión en disco compacto), no son los prestigiosos músicos intervinientes los que le dan su carácter de extraño. Lo verdadero obscure aquí es el instrumento "estrella" que aparece, haciendo su debut y despedida.

Fue la primera y única vez en aparecer en un álbum grabado y nunca más se supo algo del aparato. Aparte de la que muestra tapa del disco —nada descriptiva, por cierto—, no existe siquiera una foto para hacernos una idea de su apariencia.

El responsable de esta pieza de colección fue Leonard Feather que, aunque no necesite presentación, cabe recordarlo como el escritor que más influyó y aportó al mundo del jazz, al que dedicó seis décadas de su vida. Bastaría recordar la publicación de su libro Inside Be-Bop, de 1949, con el que sentó cátedra y evitó que cientos de puristas escépticos pasaran por alto al bop. Sin embargo, sus escritos eclipsaron su faceta de productor, compositor y músico.

Pero para introducirnos al "vibories", nada mejor que las propias liner notes de Feather:

En la constante búsqueda de nuevas ideas y de inusuales enfoques y técnicas para la improvisación en el jazz, no es frecuente encontrarse con el surgimiento de algo que verdaderamente represente un sonido nuevo. Puedo asegurar que esta sesión para el sello ABC-Paramount, en la que aparece el “vibories” por primera vez, no solo es excitante, sino que se trata algo único en los anales del Jazz grabado.

Cuando supe de su existencia, el instrumento aun no tenía nombre. Fue Pete Rugolo el que me comentó que Jack Harris —uno de sus viejos amigos, baterista de una orquesta de San Francisco en la que habían coincidido en 1936 y en la que Pete era el pianista—, había inventado un accesorio que hacía posible tocar un vibráfono como si fuera un piano.

Harris había dejado su carrera como baterista y director de banda en San Francisco para dedicarse a la ingeniería a tiempo completo. Un día se le ocurrió que el invento, al que había dejado abandonado en su garaje tras la disolución de su banda, podría interesarle a Rugolo. Lo dejó en el apartamento de Pete y una noche nos juntamos para probarlo. El sonido era tan diferente a todo lo que había escuchado antes en un vibráfono que decidí presentarlo en un disco lo antes posible.

Para sugerir los marfiles ("ivories" en inglés) del teclado del piano y al mismo tiempo dejar en claro que el "vibe" (apócope de vibráfono en inglés) estaba involucrado, Feather propuso bautizar al instrumento como "vibories" (contracción sin traducción pero que bien podría ser "vibratecláfono"). En realidad, el instrumento consiste en el teclado de un piano de tres octavas conectado a una caja que se coloca en la parte superior del vibráfono. La caja contiene pequeñas electroválvulas, una para cada nota, a las que se le añaden pequeños mazos de baquelita con puntas de corcho.

Continúa Feather:

Todo lo que hay que hacer es colocar el teclado frente al vibráfono, encender el mecanismo, tocar como si fuera un piano (pero usando el pedal del vibráfono para sostener las notas) y ¡listo! De esa manera se pueden tocar notas individuales, pero también acordes que serían absolutamente imposibles con la técnica tradicional de los mazos. La mayoría de los vibrafonistas utilizan dos o cuatro mazos para sus solos de jazz. Sin embargo, con el "vibories" es como disponer de los diez mazos más flexibles del mundo: los dedos.

Para comprobar el nuevo horizonte que podría abrirse ante esta notable innovación, tuve la suerte de contar con cuatro de los músicos modernos más destacados de la costa oeste, alternándose entre el piano y el "vibories". Lo que sucedió el 25 y el 26 de enero de 1956, y que quedó registrado en este disco, es la mejor manera de demostrar su versatilidad.

Pero lo más importante de todo es que, Jack Harris y su "vibories", ha mostrado una nueva dirección que bien puede ser seguida en un futuro no muy lejano por todo aquel pianista que alguna vez haya anhelado tocar el vibráfono, ¡sin mencionar a todos los vibrafonistas que hayan deseado no depender más de sus mazos!

⁂

Una "nota de color" sobre el instrumento la aportó el saxofonista Dave Pell el 4 de abril de 1956. En su habitual columna periodística para la revista Down Beat titulada "Pell Mell", luego de relatar a sus lectores el funcionamiento del "vibories", Dave relata:

La otra noche, André Previn me contó que probó un instrumento hallado por Leonard Feather, inventado y registrado por Jack Harris para la firma Trikon Manufacturing. De repente, mientras tocaba la primera pieza algo sucedió con el sistema eléctrico y una nube de humo surgió del dispositivo. Inmediatamente desconectaron el aparato para encontrar la causa del cortocircuito. Mientras tanto el tiempo corría (un tiempo invaluable para una sesión de grabación). Finalmente, el inventor Harris dio el visto bueno para seguir adelante, pero sugirió a los músicos que desenchufaran el aparato después de cada uno de sus solos.

André comenzó nuevamente, esta vez desde el piano, pero al volver al "vibories" para atacar un solo muy rápido, el instrumento comenzó a humear otra vez, por lo que el trompetista Don Fagerquist tuvo que alejarse del humo para poder respirar y ver correctamente su partitura.

En la sesión de grabación del día siguiente, con Gerry Wiggins y Leonard Feather alternándose entre el piano y el "vibories", todo transcurrió más fluidamente y sin inconvenientes. Hubo interesantes contrapuntos entre Red (Mitchell) al piano, Gerry (Wiggins) en el "vibories" y Bob (Enevoldsen) en el saxo tenor y el trombón de válvulas, resultando una de las fechas más interesantes y llena de swing.

El relato de André Previn a Dave Pell sugiere que tanto él como Don Fagerquist participaron de la sesión. Sin embargo, a ninguno de los dos se los menciona en los créditos. Cabe preguntarse entonces: ¿aparecerán algún día esas grabaciones? ¿Estarán aun guardadas en alguna bóveda esperando el "redescubrimiento" o se habrán perdido para siempre?

Mientras tanto... contentémonos con apreciar lo que se conoce...

Leonard Feather's West Coast Jazzmen

Swingin' On The Vibories

Lado 1

1 - Stompin' At The Savoy

2 - Charcoal

3 - Overtime

4 - Bluesology

Lado 2

5 - Swingin' On The Vibories

6 - People Will Say We're In Love

7 - Ornithology

8 - Body And Soul

#1 a #4:

Bob Enevoldsen (trombón a válvulas), Leonar Feather (vibories), Gerry Wiggins (piano), Red Mitchell (contrabajo), Stan Levey (batería).

Grabado en Los Angeles, California, el 25 de enero de 1956.

#5 a #8:

Sonny Clark, Kenny Drew (piano y vibories); Leroy Vinnegar (contrabajo); Lawrence Marable (batería).

Grabado en Los Angeles, California, el 26 de enero de 1956.