Art Farmer - Prestigiosos inicios

Art Farmer ha sido admirado durante mucho tiempo por su interpretación lírica. Comenzó con la trompeta, luego cambió al fliscorno, lo que ayudó a popularizar el instrumento. Eventualmente, Art tocó el flumpet, una combinación de fliscorno y trompeta que fue diseñada especialmente para él.

Tocó profesionalmente desde la década de 1940 y comenzó a grabar en bandas a los 19 años en 1948, cuando tocó en las bandas de Jay McShann, Benny Carter, Gerald Wilson y otros.

Trabajó con Gigi Gryce , Horace Silver y Gerry Mulligan en la década de 1950 y codirigió el Jazztet con Benny Golson entre 1959 y 1962. Art vivió en Europa desde fines de la década de 1960, pero regresó a los Estados Unidos a menudo para grabar y hacer giras. Grabó numerosos álbumes como líder, incluidos varios en los últimos años de su vida.

Como bien ha señalado el periodista Marc Myers, hay muchas grabaciones perfectas del período inicial de Art Farmer en el sello Prestige como para destacar una en particular. Recorriendo las reseñas del nuevo libro de Carlos Sampayo, se destaca uno de esos discos, compuesto por dos de las primeras sesiones de Art Farmer como líder.

En 1954 ya estaban en funcionamiento los Jazz Messengers y el quinteto de Max Roach. De este —luz que alumbraría a sucesivas generaciones de trompetistas— había sido Art Farmer compañero de filas en la nunca grabada orquesta con que Lionel Hampton viajó a Europa. De ella saldrían grabaciones "fuera de contrato" que dan una pista de qué hablaban los músicos de Hampton cuando no hacían tonterías o trabajaban de simple background para un jefe que (méritos aparte) parece haber sido poco menos que el director del estado de Bananas. En toda esa confusión iba naciendo el hardbop o, mejor aún, saliendo el bebop a la superficie después de un largo período de apogeo blanco y californiano.

Las divisiones, no obstante, no eran tan diáfanas: Farmer suplantaría a Chet Baker en el cuarteto de Mulligan, epítome del llamado West Coast Jazz (del que Shorty Rogers opinaba que nunca existió); esta militancia no significaba navegar entre dos aguas sino estar en el meollo de todo lo que se hacía en jazz y, fundamentalmente, tener trabajo.

Las cuatro tomas de enero de 1954 de este disco —Art Farmer (trompeta), Horace Silver (piano), Percy Heath (contrabajo), Kenny Clarke (batería), Sonny Rollins (saxo tenor)—, una especie de quinteto de Silver, sirven para comprobar el talento de aquellos jóvenes y poco más: Rollins aún no estaba maduro para su aventura colosal y Farmer se muestra demasiado ligado al bebop (aunque completamente reconocible) como para extraer su arte de una corriente vulgaris.

Por el contrario, el resto del material —Art Farmer (trompeta), Wynton Kelly (piano), Addison Farmer (contrabajo), Bernie Lovelle (batería), grabado once meses más tarde— es especial: la magia del cuarteto con trompeta está presente y Farmer despliega su gran talento de solista, hecho de concisión, fluidez, lógica formal y belleza de sonido.

Pocos trompetistas han sabido pasar como él la prueba de la soledad al frente de una sección rítmica, combinación que parece hecha para otros instrumentos. Como podía esperarse, la presencia de Wynton Kelly agregó esplendor a este momento feliz para el jazz y la trompeta, en plena Guerra Fría y caza de brujas del senador Joe McCarthy. *Carlos Sampayo (tomado de Discografía Personal del Jazz)*

Art Farmer

Early Art

1 - Autumn Nocturne

2 - Soft Shoe

3 - Confab In Tempo

4 - I'll Take Romance

5 - Wisteria

6 - I've Never Been In Love Before

7 - I'll Walk Alone

8 - Gone With The Wind

9 - Alone Together

10 - Preamp

Art Farmer  (trompeta), secundado por:

#2, #3, #4, #5:

Sonny Rollins (saxo tenor [#2, #3 y #4]), Horace Silver (piano), Percy Heath (contrabajo), Kenny Clarke (batería).

Grabados en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 20 de enero de 1954.

#1, #6, #7, #8, #9, #10:

Wynton Kelly (piano), Addison Farmer (contrabajo), Herbie Lovelle (batería).

Grabados en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 9 de noviembre de 1954. 

Sonny Rollins ~ Thad Jones - Extrañas partes y un todo

Period Records fue un efímero sello discográfico fundado por el húngaro Vilmos "William" Avar en 1949. Después de casi una década de actividad, vendió toda su producción a la compañía Bethlehem Records. Contaba con un amplio catálogo de grabaciones clásicas y de opereta, música popular y jazz. En cuanto al área jazzística, Leonard Feather fue su director de A&R, es decir, la persona responsable de la búsqueda de nuevos artistas y talentos, encargándose de supervisar el desarrollo artístico y la dirección musical de aquellos que iba "descubriendo".

Una de sus piezas es considerada como "muy rara" (principalmente en los sitios de remates de vinilos históricos). Más aún si se tiene en cuenta que, aunque se titule Sonny Rollins Plays, no se trata de un disco completo de Rollins, sino de una producción auspiciada por Leonard Feather, para reunir "piezas sueltas" de sesiones que, por separado, no alcanzaban para conformar un álbum completo de ninguno de sus protagonistas. 

Corría el año 1958 y Feather nos introduce al disco de la siguiente manera: "Period Records se enorgullece de presentar, un par de combos liderados por dos músicos que, durante el año pasado, han disfrutado de un extraordinario reconocimiento entre una red intercontinental de fanáticos del jazz". El ascenso de Rollins durante 1957 fue inesperadamente rápido, después de hacerse conocer en los círculos del jazz moderno desde 1948, cuando hizo su gran debut con Babs Gonzales, a la edad de 19 años. Por eso, resaltando más la figura de Sonny que la de Thad, expresa Feather: "Sonny Rollins ha comenzado a ganar los mismos elogios que la crítica otorgó a Thad Jones cuando este último emergió de las filas de la banda de Count Basie. Al escuchar estas grabaciones, se comprende por qué Sonny Rollins fue votado como la nueva estrella del saxofón del año en la encuesta de críticos de Down Beat de 1957 y por qué, cuando 1957 llegaba a su fin, se reveló que él había subido de la nada al segundo lugar en la encuesta de lectores de esa revista".

Muchas son las conjeturas que podrían elaborarse a propósito de estos únicos y obscure tres temas que Sonny grabó para Period Records aquel 4 de noviembre de 1957. El día anterior debe haber sido muy ajetreado y excitante debido a su célebre concierto ocurrido en el Village Vanguard, inmortalizado por el Live At Village Vanguard producido para el sello Blue Note. Las especulaciones plantean más preguntas que respuestas: ¿se estaba preparando un álbum completo y la fecha no pudo posponerse? ¿Razones contractuales con otros sellos impedían por entonces el lanzamiento de un disco en otra compañía? ¿Necesitaba Sonny la "urgencia" de expresarse fuera del contexto revolucionario de trío sin piano con el que había asombrado los clientes del Village Vanguard, apelando al formato más ortodoxo de un quinteto? No hay respuestas... Ni de la sesión en cuestión ni del enigmático arte de tapa con el busto de un emperador que... ¿lo protege? ¿lo desafía? Tampoco el sitio oficial del legendario saxofonista arroja alguna luz. Sonny Rollins Plays no figura dentro de la interminable lista de sus producciones como líder.

En resumen, este disco, originalmente aparecido como un LP compuesto por un lado a cargo de Sonny Rollins y el otro bajo la conducción de Thad Jones, ofrece una magnífica oportunidad de disfrute para los aficionados a las raras piezas discográficas.

Sonny Rollins

Sonny Rollins Plays

Sonny Rollins Quintet

1 - Sonnymoon For Two

2 - Like Someone In Love

3 - Theme From Pathetique Symphony

Thad Jones Ensemble

4 - Lust For Life

5 - I Got It That Ain't Bad

6 - Ballad Medley:

Flamingo / If You Were Mine / I'm Through With Love / Love Walked In

#1 a #3:

Sonny Rollins (saxo tenor), Jimmy Cleveland (trombón), Gil Coggins (piano), Wendell Marshall (contrabajo), Kenny Dennis (batería).

Grabados Belton Studios, Nueva York, el 4 de noviembre de 1957.

#4 y #5:

Thad Jones (trompeta), Frank Foster (saxo tenor), Jimmy Jones (piano), Doug Watkins (contrabajo), Jo Jones (batería).

Grabados Esoteric Sound Studios, Nueva York, el 24 de diciembre de 1956.

#6:

Thad Jones (trompeta), Henry Coker (trombón), Frank Wess (saxo tenor), Tommy Flanagan (piano), Eddie Jones (contrabajo), Elvin Jones (batería).

Grabado en Esoteric Sound Studios, Nueva York, el 6 de enero de 1957.

⁂

Thad Jones sí tuvo la posibilidad de un álbum completo a su nombre para Period Records. De hecho, las tres pistas aparecidas en el anterior Sonny Rollins Plays, estaban planificadas para dicho álbum, pero no fueron incluidas por falta del espacio físico que ofrecía un LP de 12 pulgadas.

Aunque todavía era miembro de la banda de Count Basie, Thad estaba empezando a dejar su huella como un trompetista y compositor con visión de futuro como lo demuestran estas grabaciones de 1956 y 1957 que finalmente vieron la luz bajo el título Mad Thad.

Es bien conocida la "gentileza" de Basie al permitir que sus músicos se desarrollaran por fuera de los compromisos con su orquesta y es por ello que Thad, pese a que se encontraba en medio de una gratificante actividad discográfica, se hizo un espacio para componer, arreglar y tocar con una excepcional creatividad. Hasta Charles Mingus llegó a dar una opinión, considerándolo como "la trompeta más grande que he escuchado en esta vida". 

Para Mad Thad, Jones reclutó a algunos de sus colegas favoritos de la orquesta de Basie y a uno de sus veteranos como el baterista Jo Jones. También convocó a su hermano Elvin para la batería y a otro compañero de Detroit, el pianista Tommy Flanagan. 

Justificando plenamente el entusiasmo de Mingus, Thad logró en este disco uno de sus máximos picos de invención melódica y armónica.

Thad Jones

Mad Thad

1 - Jumpin' For Jane

2 - Whisper Not

3 - Mad Thad

4 - Bird Song

5 - Cat Meets Chick

6 - Quiet Sip

#1 a #3:

Thad Jones (trompeta), Frank Foster (saxo tenor), Jimmy Jones (piano), Doug Watkins (contrabajo), Jo Jones (batería).

Grabados en Esoteric Sound Studios, Nueva York, el 12 de diciembre de 1956.

#4 a #6:

Thad Jones (trompeta), Henry Coker (trombón), Frank Wess (saxo tenor y flauta [#6]), Tommy Flanagan (piano), Eddie Jones (contrabajo), Elvin Jones (batería).

Grabados en Esoteric Sound Studios, Nueva York, el 6 de enero de 1957. 

Murakami y el Jazz #9

"After Dark" está ambientada en el área metropolitana de Tokio en el transcurso de una noche. Los personajes principales son: Mari Asai —estudiante de 19 años que aprende filología china—, Eri Asai —hermana de Mari y modelo profesional—, Tetsuya Takahashi —un estudiante de trombón que, sin embargo, quiere dejar de practicar música y empezar a aprender leyes—, y Kaoru, una luchadora jubilada que ahora trabaja como gerente en el "love-hotel" Alphaville, un lugar para encuentros de parejas por horas.

Cerca de la medianoche, mientras Mari toma un café, fuma y lee en un restaurante, es interrumpida por Takahashi, músico al que ha visto solo una vez, en una cita de su hermana Eri que, mientras tanto, duerme en su habitación, sumida en un sueño profundo, "demasiado perfecto, demasiado puro". Mari ha perdido el último tren de vuelta a casa y piensa pasarse la noche leyendo en el restaurante. Takahashi se va a ensayar con su grupo, pero promete regresar antes del alba. Mari sufre una segunda interrupción: Kaoru, que viene a solicitar su ayuda debido a que Mari habla chino y una prostituta de esa nacionalidad ha sido brutalmente agredida por un cliente. Dan las doce. En la habitación donde Eri sigue sumida en una dulce inconsciencia, el televisor cobra vida y poco a poco empieza a distinguirse en la pantalla una imagen turbadora: una amplia sala amueblada con una única silla en la que está sentado un hombre vestido de negro. Lo más inquietante es que el televisor no está enchufado... 

Todo sucede en solo siete horas con ritmo cinematográfico: Eri, Mari, Takahashi y Kaoru, la prostituta china y su maltratador en el nocturno ambiente de Tokio, esas horas entre la medianoche y el alba en que todo se torna dolorosamente nítido o angustiosamente desdibujado.

La historia se divide en pequeños capítulos de diferente duración y en tiempo real. Algunos describen lo que sucedió con Eri Asai, otros cuentan la noche de su hermana Mari. Y, como siempre, Murakami unirá las dos historias al final, en una característica vuelta de tuerca de su conocido universo. Su mirada recorre escenarios habitados por personajes solitarios, reproduce encuentros accidentales que más parecen desencuentros, y capta una amenazadora pero difusa sensación de peligro que lo impregna todo, como la omnipresente música de fondo. 

Pero vayamos a nuestro "juego". Precisamente, el título del libro proviene de un tema de jazz, y de ello nos enteramos al comienzo mismo, en el Capítulo 1. Faltan cuatro minutos para la medianoche y se produce el encuentro de Mari con Takahasi en el restaurante Denny's. Él la interrumpe en su lectura y a ella le llama la atención lo que él lleva consigo:

Mari dirige una mirada al estuche.

—¿Es un trombón?

—Sí. ¿Cómo lo sabes? —dice él ligeramente sorprendido.

—Sé qué forma tiene un trombón. Hasta ahí alcanzo.

—Sí, ya. Pero este mundo está lleno de chicas que ni siquiera saben que el trombón existe. En fin, supongo que es inevitable. Ni Mick Jagger ni Eric Clapton se convirtieron en estrellas del rock tocando el trombón precisamente. ¿Y has visto alguna vez a Jimi Hendrix o a Pete Townshend destrozando un trombón en el escenario? Ni pensarlo. Todos destrozan guitarras eléctricas. Si machacaran un trombón, lo único que harían es el ridículo.

—Entonces ¿por qué lo has elegido tú?

El hombre se echa crema de leche en el café que le acaban de servir y da un sorbo.

—Cuando estaba en secundaria, un día, por casualidad, encontré un disco de jazz que se llamaba "Blues-ette" en una tienda de discos de segunda mano. Un elepé muy, muy viejo. No tengo ni idea de por qué lo compré. Ya ni me acuerdo. Porque yo, hasta entonces, no había escuchado nunca jazz. En fin, sea como sea, la primera melodía de la cara A se llamaba "Five Spot After Dark" y era alucinante. El trombón lo tocaba Curtis Fuller. La primera vez que lo oí tuve una especie de revelación. ¡Sí! ¡Ése es mi instrumento! El trombón y yo. El destino nos había unido.

El hombre tarareó los primeros ocho compases de "Five Spot After Dark".

—La conozco —dice Mari.

Él pone cara de pasmo.

—¿La conoces?

Mari tararea los ocho compases siguientes.

—¿Y cómo es que la conoces? —pregunta él.

—¿Hay algo malo en ello?

Él deja la taza de café sobre la mesa y sacude ligeramente la cabeza.

—No, no hay nada malo. Sólo es que... Es que no me lo puedo creer. Que, hoy en día, una chica conozca "Five Spot After Dark"... En fin, el caso es que Curtis Fuller me alucinó y, a raíz de eso, empecé a tocar el trombón. Les pedí a mis padres que me prestaran algo de dinero, me compré un trombón de segunda mano, entré en el club de música de la escuela y, desde el bachillerato, voy tocando en uno u otro grupo.

Curtis Fuller

Blues-ette

1 - Five Spot After Dark

2 - Undecided

3 - Blues-ette

4 - Minor Vamp

5 - Love Your Spell Is Everywhere

6 -Twelve-Inch

Curtis Fuller (reombón), Benny Golson (saxo tenor), Tommy Flannagan (piano), Jimmy Garrison (contrabajo), Al Harewood (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 21 de mayo de 1959.

****

Las siguientes dos "pistas" jazzísticas las encontramos en el Capítulo 5. Se trata de dos vinilos famosos y extraordinarios.

Faltan doce minutos para la una y media de la madrugada, mientras Mari y Kaoru caminan por una callejuela desierta...

—Oye, si tienes tiempo, podemos pasarnos un momento por un sitio —dice Kaoru.

—¿Por un sitio?

—Es que tengo sed. Me muero de ganas de tomarme una cerveza fría. ¿Y tú?

—Yo no puedo beber alcohol —responde Mari.

—Pues tómate un zumo o algo. Total, has de matar el tiempo hasta mañana, ¿no? 

Las dos se sientan a la barra de un pequeño bar. No hay ningún otro cliente. Suena un viejo disco de Ben Webster. "My Ideal". Una interpretación de los años cincuenta. No hay cedés sino elepés, unos cuarenta o cincuenta alineados en las estanterías. Kaoru se está tomando una cerveza de presión servida en un vaso largo. Frente a Mari, hay una Perrier con zumo de lima. Un barman entrado en años pica hielo en silencio detrás de la barra.

The Art Tatum • Ben Webster Quartet

Lado 1

1 - All the Things You Are

2 - My One And Only Love

3 - My Ideal

Lado 2

4 - Gone with the Wind

5 - Have You Met Miss Jones?

6 - Night And Day

7 - Where Or When

Art Tatum (piano), Ben Webster (saxo tenor), Red Callender (contrabajo), Bill Douglass (batería).

Grabado en Los Angeles, California, el 11 de setiembre de 1956.

****

Con la música del disco de Tatum y Webster de fondo, Mari y Kaoru conversan y se cuentan cosas de sus vidas. Kaoru se entera que Mari se pasará la noche leyendo en alguna parte, y le propone algo mejor para esperar la hora del próximo tren que la lleve de vuelta a su casa...

—Aquí cerca hay un Skylark. Te acompañaré hasta allí —dice Kaoru—. El encargado es amigo mío y le diré que te cuide. Te dejará pasar allí toda la noche. ¿Vale?

Mari asiente. El disco se acaba y, de forma automática, la aguja sube, el brazo vuelve a su sitio. El barman se acerca al tocadiscos, cambia el disco. Despacio, lo quita y lo guarda en la funda. Saca otro disco, lo inspecciona a la luz y lo pone sobre el plato. Al pulsar el botón, la aguja desciende. Se oye un crepitar casi imperceptible. Luego empieza a sonar "Sophisticated Lady", de Duke Ellington. El solo del lánguido clarinete bajo de Harry Carney. Los movimientos pausados del barman confieren al local una manera muy particular de fluir el tiempo.

Mari le pregunta al barman:

—¿Usted sólo pone elepés?

—Es que los cedés no me gustan —responde el barman.

—¿Por qué?

—Porque brillan demasiado.

—¿Eres un cuervo o qué? —interviene Kaoru.

—Pero los elepés dan muchísimo más trabajo, ¿no? Hay que ir cambiando el disco todo el rato —dice Mari.

El barman se ríe.

—¡Ya me dirás! ¡A estas horas! No hay tren hasta mañana. ¿Qué sentido tiene apresurarse?

—Este tipo es un poco raro, ¿sabes? —dice Kaoru.

—Es que, a medianoche, el tiempo transcurre de una manera especial —aclara el barman. Con un fuerte chasquido, enciende una cerilla de cartón y prende un cigarrillo—. Y es inútil oponerse a ello.

Duke Ellington

Masterpieces By Ellington

Lado 1

1 - Mood Indigo

2 - Sophisticated Lady

Lado 2

3 - The Tattooed Bride

4 - Solitude

Duke Ellington, Billy Strayhorn (pianos); Cat Anderson, Harold "Shorty" Baker, Nelson Williams, Andres Merenghito [aka Andrew "Fats" Ford] (trompetas); Lawrence Brown, Quentin Jackson, Tyree Glenn (trombones); Mercer Ellington (corno francés); Johnny Hodges (saxo alto); Russell Procope (saxo alto y clarinete); Jimmy Hamilton (saxo tenor y clarinete); Paul Gonsalves (saxo tenor); Harry Carney (saxo barítono y clarinete bajo); Wendell Marshall (contrabajo); Sonny Greer (batería); Yvonne Lanuaze (vocalista en #1 y #2).

Grabado en el Columbia's 30th St. Studio de Nueva York, el 19 de diciembre de 1950.

****

Finalmente, la última "pista" es una "intervención", ya que no se menciona explícitamente un disco. Sin embargo, a juicio del lector, Murakami da muy buenas referencias del álbum que tendría en mente para "construir" el clima de la escena. 

En ocho minutos serán las cinco de la madrugada. Faltan dos capítulos para terminar la novela y Takahashi está ensayando con su grupo en un lugar que, por sus características, bien podría estar ambientado en el sótano del edificio en forma de cuña de la esquina de la Séptima Avenida y Waverly Place, en el Greenwich Village de Nueva York: el célebre Village Vanguard...

El sótano, con aspecto de almacén, donde dejan ensayar a la banda de madrugada. No hay ventanas. El techo es alto, las cañerías están al descubierto. Debido al deficiente sistema de ventilación no se puede fumar dentro. Por hoy, están a punto de terminar. El ensayo propiamente dicho ya ha llegado a su fin y ahora están enfrascados en improvisaciones libres de jazz. Hay diez personas en total. Entre ellas, dos mujeres. Una toca el piano, la otra descansa con el saxo soprano en la mano. El resto son hombres.

Acompañado por el trío compuesto por el piano eléctrico, el bajo acústico y la batería, Takahashi ejecuta un solo de trombón. "Sonnymoon for Two", de Sonny Rollins. Un blues con un tempo no muy rápido. No toca mal. Lo mejor de su interpretación, más que la técnica, es su manera de ir acumulando frases, casi como si mantuviera una conversación. Quizá sea un reflejo de su personalidad. Con los ojos cerrados, Takahashi se sumerge en la música. De vez en cuando, el saxo tenor, el saxo alto y la trompeta añaden sencillos riffs a su espalda. Los que no participan están escuchando mientras beben café del termo, leen la partitura o cuidan el instrumento musical. En los intervalos del solo, lanzan, de vez en cuando, voces de aliento a Takahashi. Como el sonido reverbera mucho en las paredes desnudas, tienen que tocar la batería con escobilla. Esparcidos sobre una mesa improvisada con una larga tabla y sillas tubulares, hay una caja de pizza, un termo de café y vasos de papel.

Sonny Rollins

A Night At The Village Vanguard

CD 1

1 - A Night In Tunisia

2 - I've Got You Under My Skin

3 - A Night In Tunisia (evening take)

4 - Softly As In A Morning Sunrise (alternate take)

5 - Four

6 - Introduction

7 - Woody 'N' You

8 - Introduction

9 - Old Devil Moon

CD 2

1 - What Is This Thing Called Love

2 - Softly As In A Morning Sunrise

3 - Sonnymoon For Two

4 - I Can't Get Started

5 - I'll Remember April

6 - Get Happy

7 - Striver's Row

8 - All The Things You Are

9 - Get Happy (short version)

Sonny Rollins (saxo tenor); Donald Bailey [#1], Wilbur Ware (contrabajos); Pete La Roca [#1], Elvin Jones (baterías).

Grabado en vivo en el club Village Vanguard de Nueva York, el 3 de noviembre de 1957.  

Retratos en Jazz #34 - Clifford Brown

Clifford Brown (1930-1956)

Nació en Delaware. Se le conoce cariñosamente como Brownie. Descubierto por Fats Navarro y Dizzie Gillespie, a partir 1951 formó parte de muchas orquestas. En 1954, junto a Max Roach, forma el Brown-Roach Quintet, dejando una huella destacada en la historia del modern jazz. Su breve carrera duró solo hasta sus 25 años, cuando muere en un accidente automovilístico. Sin embargo, registró varios discos exitosos para un sello del nivel de EmArcy. Acompañó a varias vocalistas, siendo particularmente famosa su participación junto a Helen Merrill.

Study In Brown (EmArcy MG-36037)

****

Clifford Brown And Max Roach

Study In Brown

Lado 1

1 - Cherokee

2 - Jacqui

3 - Swingin'

4 - Lands End

Lado 2

5 - George's Dilemma

6 - Sandu

7 - Gerkin For Perkin

8 - If I Love Again

9 - Take The A Train

Clifford Brown (trompeta), Harold Land (saxo tenor), Richie Powell (piano), George Morrow (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en Nueva York, el 23, 24 y 25 de febrero de 1955.

****

~ Extras ~

Al Study In Brown, se impone casi naturalmente sumar los registros que estuvieron "durmiendo" en las bóvedas de la EmArcy hasta su hallazgo en 1981 y lanzados en 1983 bajo el título de More Study In Brown. El contenido se compone principalmente de tomas alternativas de las sesiones del Clifford Brown / Max Roach Quintet, más otros registros del año siguiente con la participación de Sonny Rollins que bien sirven para contrastar su poderoso saxo con el de Harold Land.

Clifford Brown

More Study In Brown

1 - I'll Remember April

2 - Junior's Arrival

3 - Flossie Lou

4 - Mildama

5 - Jordu

6 - These Foolish Things

7 - Lands End

8 - The Blues Walk

Clifford Brown (trompeta), Sonny Rollins (saxo tenor en #1, #2, #3 y #4), Harold Land (saxo tenor en #5, #6, #7 y #8), Richie Powell (piano), George Morrow (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabaciones realizadas en Nueva York el 3 de agosto de 1954 (#5), el 6 de agosto de 1954 (#4 y #6), el 23 de febrero de 1955 (#7), el 24 de febrero de 1955 (#8), el 4 de enero de 1956 (#2) y el 17 de febrero de 1956 (#1 y #3).

****

Respecto a la colaboración de Clifford con la cantante Helen Merrill, el disco al que refiere Murakami es, probablemente, el mejor registro discográfico de la extensa y prolífica carrera de Merrill, vocalista de ascendencia yugoslava, nacida en Nueva York en 1930 cuyo verdadero nombre es Jelena Ana Milčetić. Con excelentes arreglos de Quincy Jones, este álbum debut de Helen es un auténtico manifiesto de originalidad vocal y marca un hito, no solo en su carrera, sino también en el mundo del género, por ser considerado, más de sesenta y seis años después de ser grabado, como uno de los cien mejores disco de jazz vocal de todos los tiempos.

Helen Merrill

Helen Merrill

1 - Don't Explain

2 - You'd Be So Nice To Come Home To

3 - What's New

4 - Falling In Love With Love

5 - Yesterdays

6 - Born To Be Blue

7 - 'S Wonderful

Helen Merrill (vocalista), Clifford Brown (trompeta), Danny Bank (saxo barítono, flauta y clarinete bajo), Jimmy Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Milt Hinton (contrabajo en #1, #2, #6 y #7), Oscar Pettiford (violonchelo y contrabajo en #3, #4 y #5), Osie Johnson (batería en #1,#2, #6 y #7), Bobby Donaldson (batería en #3, #4 y #5), Quincy Jones (dirección y arreglos).

Grabado en Nueva York, entre el 22 y el 24 de diciembre de 1954. 

Retratos en Jazz #27 - Sonny Rollins

Sonny Rollins (1930)

Nació en Nueva York. Es el último gigante del jazz moderno contemporáneo. En los años dorados de la década de 1950 dominó la escena junto a Miles Davis, y en 1956 adquirió fama mundial con ese trabajo monumental que es el disco Saxophone Colossus. Su brillante técnica es conocida como "Rollins' principle". Como perfeccionista, busca constantemente nuevas oportunidades para improvisar. Anunció su retiro varias veces, pero siempre resucitó de las cenizas. Incluso ahora su encanto es único.

The Bridge (RCA Victor LPM-2527)

****

Sonny Rollins

The Bridge

1 - Without A Song

2 - Where Are You

3 - John S.

4 - The Bridge

5 - God Bless The Child

6 - You Do Something To Me

Sonny Rollins (saxo tenor), Jim Hall (guitarra), Bob Cranshaw (contrabajo), Ben Riley (batería de #1 a #4 y en #6), Harry T. Saunders (batería en #5).

Grabado en el Estudio "B" de RCA Victor, Nueva York, el 30 de enero (#5), el 13 de febrero (#2, #3 y #6) y el 14 de febrero (#1 y #4) de 1962.

****

~ Extra ~

Ante la mención de Murakami, es casi imposible no agregar a esta entrada ese monumento musical que constituye Saxophone Colossus.

Sonny Rollins grabó muchas sesiones memorables, pero Saxophone Colossus es posiblemente una de sus mejores obras que sigue dando batalla aun tras el paso de los años. Un coloso que dejó muchas influencias en lo que podría llamarse el free jazz contemporáneo. El hard-bop que Sony Rollins y sus compañeros despliegan en este disco es clave para el desarrollo de la historia del jazz. Hablar de Saxophone Colossus y no repetir obviedades es casi imposible. Cualquier cosa que se agregue será poco, parecerá obsoleto o simplemente sobrará. Mejor repasarla en atento silencio...

Sonny Rollins

Saxophone Colossus

1 - St. Thomas

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Strode Rode

4 - Moritat

5 - Blue Seven

Sonny Rollins (saxo tenor), Tommy Flanagan (piano), Doug Watkins (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 22 de junio de 1956. 

El Canon del Jazz #8 - All The Things You Are

All the Things You Are

Compuesta por Jerome Kern, 

con letra de Oscar Hammerstein II 

Estoy tentado de afirmar que "All the Things You Are" es mi estándar de jazz favorito, pero si lo hiciese tendría que matizar esa declaración al instante. Para ser sincero, la canción, tal como la compuso Jerome Kern, no me divierte especialmente —la melodía, con esas redondas y esas notas reales tan predecibles (se conocen como notas reales aquellas que forman parte del acorde que rige en un momento dado), discurre con una precisión cuasimatemática que me deja frío—; pero la pieza, a mi modo de ver, ofrece un abanico de posibilidades emocionantes para la improvisación jazzís tica. "All the Things You Are" me encanta no tanto por lo que es, sino por lo que puede llegar a ser.

Cuando era veinteañero tocaba la canción casi a diario, a menudo durante un buen rato, y siempre me solazaba construyendo variaciones melódicas sobre la secuencia de acordes. Me consta que no soy el único: muchos músicos de jazz han vuelto una y otra vez a esta canción a lo largo de sus carreras. Recuerdo una charla con el saxofonista Bud Shank, pocos meses antes de que muriese a la edad de ochenta y dos años, durante la cual me dijo que nunca tuvo la sensación de haber agotado las posibilidades que encierra esta canción, pese a los casi sesenta años transcurridos desde que la grabase por primera vez. El pianista Lennie Tristano y sus epígonos también han dado muestras de una fijación casi obsesiva con esta pieza, en la que, al parecer, encuentran una inspiración similar al zen para desarrollar improvisaciones creativas de alto nivel (actitud que comparto, lo reconozco).

Estamos ante una paradoja de cierto calado. Jerome Kern tenía fama de ser hostil con los músicos de jazz que se tomaban libertades con sus canciones, y, en su opinión, casi cualquier cosa que hiciese un músico ya era demasiada libertad. Los improvisadores, no obstante, insistieron a despecho de ese antagonismo, y a lo largo de los años se han esforzado sin desmayo por exhibir —y mantener vivo— el legado de este compositor nacido en el siglo XIX, cuando el jazz ni siquiera existía. Tan sólo en la última década se han grabado más de trescientas versiones jazz de "All the Things You Are", lo que demuestra que la pieza, en su día una tonada de Broadway, es hoy una composición fundamentalmente jazzística que tiene más probabilidades de sonar allí donde se junten unos improvisadores que en la televisión o la radio.

"All the Things You Are" apareció por primera vez en el musical Very Warm for May (Mucho calor para mayo), un fiasco que apenas permaneció siete semanas en cartel y sufrió unas críticas tan virulentas que la segunda noche sólo pasaron por taquilla veinte personas. (Stephen Sondheim, sin embargo, que asistió con nueve años de edad a una de las cincuenta y nueve funciones del malhadado espectáculo, lo citaría años después entre los motivos que lo animaron a convertirse en compositor de Broadway). Los músicos de jazz, en cambio, no tardaron en cogerle el gusto a la pieza de Kern, y en febrero de 1940 tanto Tommy Dorsey como Artie Shaw situaron sus respectivas grabaciones entre las diez canciones del momento.

Fue la última vez que la composición figuró en las listas de éxitos, y con razón: al público mayoritario se le escapan las virtudes más notables de la pieza. Para el oyente no iniciado, los segundos ocho compases pueden parecer idénticos a los ocho primeros, cuando cualquier músico aprecia la insólita modulación en virtud de la cual la misma melodía se transpone cuatro grados de escala más abajo, una alteración que me resulta atractiva por cuanto intensifica el clima anímico de la pieza. A lo largo de casi toda la composición, la línea de bajo recorre el círculo de quintas con tal fervor que cuando Kern abandona esta pauta —al final del puente y en el último y prolongado tema A— la variación añade más picante al asunto. Al parecer, el propio Kern opinaba que la composición era demasiado compleja para convertirse en un éxito perdurable, y Alec Wilder, tras darle vueltas a este dictamen, propuso la intrigante teoría de que si los compases iniciales de una canción son lo bastante pegadizos, el público se tragará el resto de la pieza, por muy laberíntica que sea su estructura.

"All the Things You Are" ha sobrellevado el paso de las modas y estilos del mundo del jazz con una entereza y una capacidad de adaptación admirables. La canción permaneció en el repertorio de las grandes orquestas durante los primeros años de la década de 1940, y los músicos de bebop la adoptaron casi desde un primer momento. En 1945, Dizzy Gillespie la versionó con Charlie Parker en una grabación muy influyente (como demuestran las numerosas imitaciones de la introducción, que en un primer momento bien pudo concebirse como parodia del Preludio en Do sostenido menor de  Rachmaninoff), y nueve años después el dúo volvió a tocar el estándar de Kern en el recital que grabaron en el Massey Hall de Toronto. Parker, por su parte, solía incluir la canción en sus actuaciones, y de hecho sirvió de base para "Bird of Paradise", la pieza que grabó con Miles Davis en 1947. Pero los músicos de cool jazz y de la costa oeste de la década de 1950 sintonizaban igual de bien con "All the Things You Are", y la canción aparece en discos

grabados en esa época por el Modern Jazz Quartet, Stan Getz, Chet Baker, Art Pepper y, de hecho, casi cualquier artista vinculado a esas corrientes. El auge del hard bop, el free jazz, la fusión y otros estilos antagónicos tampoco logró desplazar a la composición de su posición eminente en el repertorio jazzístico.

La fama y la familiaridad transgeneracional de la canción la han convertido en una opción muy socorrida para los proyectos de colaboración entre músicos de épocas distintas. Los resultados pueden ser tan extraños como estimulantes. Sonny Rollins (con la ayuda de un competente Paul Bley) ofrece una de las interpretaciones más vanguardistas de su carrera en la versión que grabó con Coleman Hawkins en 1963, una oportunidad de lo más singular para explorar los límites del tonalismo. No menos fascinante resulta la osada combinación de Dave Brubeck, Anthony Braxton, Lee Konitz y Roy Haynes en una sesión de 1974, en la que Brubeck, el más veterano de los presentes, rebusca en su equipaje politonal para demostrar que es capaz de impulsar cambios con tanto afán y mordiente como cualquiera de sus colegas más jóvenes.

La canción no ha agotado todas sus posibilidades ni mucho menos, lo cual es extraordinario dada la frecuencia con que se ha diseccionado y reconstruido esta reliquia de la década de 1930. En la versión de trece minutos que Brad Mehldau llevó a cabo con su trío en 1999, el pianista ejecuta "All the Things You Are" en un rapidísimo compás de 7/4, una lectura que hizo mucho por popularizar entre los músicos de jazz más jóvenes la interpretación de clásicos bien conocidos en compases inesperados. La canción, no obstante, también puede resultar emocionante en una simple jam session, como demuestran el enardecido toma y daca que mantienen Phil Woods, Vincent Herring y Antonio Hart en el disco Alto Summit, de 1995; el mano a mano entre Woody Shaw y Bobby Hutcherson en Night Music, un álbum de 1982; y el enfrentamiento entre Johnny Griffin y un plantel de auténticas luminarias, en el que figuraban John Coltrane y Lee Morgan, incluido en A Blowing Session, de 1957.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Tommy Dorsey (con Jack Leonard), Chicago, 20 de octubre de 1939
2 - Artie Shaw (con Helen Forrest), Nueva York, 26 de octubre de 1939
3 - Dizzy Gillespie (con Charlie Parker), Nueva York, 28 de febrero de 1945
4 - Johnny Griffin (con John Coltrane y Lee Morgan), extraída de A Blowing Session, Hackensack (New Jersey), 6 de abril de 1957
5 - Sonny Rollins y Coleman Hawkins (con Paul Bley), extraída de Sonny Meets Hawk!, Nueva York, 15 de julio de 1963
6 - Dave Brubeck (con Anthony Braxton y Lee Konitz), extraída de All the Things We Are, Nueva York, 3 de octubre de 1974
7 - Woody Shaw (con Bobby Hutcherson), extraída de Night Music, directo en el Jazz Forum de Nueva York, 25 de febrero de 1982
8 - Keith Jarrett (con Gary Peacock y Jack DeJohnette), extraída de Standards, Vol. 1, Nueva York, 11-12 de enero de 1983
9 - Gonzalo Rubalcaba (con Charlie Haden y Paul Motian), extraída de Discovery: Live at Montreux, grabado en directo en el festival de jazz de Montreux (Suiza), 15 de julio de 1990
10 - Phil Woods, Vincent Herring y Antonio Hart, extraída de Alto Summit, Nueva York, 4 y 5 de junio de 1995
11 - Brad Mehldau, extraída de Art of the Trio 4-Back at the Vanguard, grabado en directo en el Village Vanguard, Nueva York, 5-10 de enero de 1999

****

-- Disco Elegido --

Sonny Rollins And Coleman Hawkins

Sonny Meets Hawk!

El productor George Avakian, responsable de este notable encuentro, comenta en las notas que preparó para este disco:

"Esta grabación es extraordinaria en todos los sentidos, y no solo porque marca la primera vez (excepto por una breve aparición en el escenario en el Festival de Jazz de Newport de 1963, que inspiró esta grabación de estudio) que estos grandes músicos tocan juntos.

Cada uno ha mezclado su fuerte personalidad con la del otro, pero ninguno ha perdido su individualidad. Cuando uno mete la mano en el "bolso" del otro, lo hace con lógica musical y respeto; siempre, el objetivo de una relación cohesiva a dúo fue lo que primó en cada una de sus mentes. Y quizás el aspecto más extraordinario de este álbum es que ninguno de los músicos está a salvo; cada uno ejercita su poderosa imaginación en todo momento, corriendo todos los riesgos que implica una improvisación atrevida, pero obteniendo también las satisfacciones inherentes a cada uno de sus enfoques".

Esta es una reunión memorable de un par de gigantes: Sonny Rollins, quien ha sido llamado una y otra vez "el jefe" del saxo tenor moderno, y Coleman Hawkins, reconocido también como "el padre" del saxofón del jazz. Cada uno ha hecho enormes contribuciones a la improvisación del jazz, más allá de los límites de su instrumento. La suma total de su trabajo es la base impresionante de este álbum único. 

Una obra maestra para demostrar que el "antiguo" es moderno y el "coloso" un gigante amable... en todos los sentidos, un disco para revelar el "cuerpo y el alma" del saxo tenor.

1 - Yesterdays

2 - All The Things You Are

3 - Summertime

4 - Just Friends

5 - Lover Man

6 - At McKies'

Sonny Rollins y Coleman Hawkins (saxos tenores); Paul Bley (piano); Bob Cranshaw (#1, #2 y #5), Henry Grimes (#3, #4 y #6) (contrabajos); Roy McCurdy (batería)

Grabado en RCA Victor's Studio 'B', Nueva York, el 15 y 18 de julio de 1963 

Blue Note #11 – Sonny Rollins

Sonny Rollins

A Night At The Village Vanguard

Este LP Cuenta con dos novedades. Es el primero en el que Sonny Rollins toca ante el público como líder de su propio combo y también es el primer disco en directo que se graba en el Village Vanguard.

**Leonard Feather (notas del album original)**

Sonny grabó primero para Blue Note con Bud Powell’s Modernists en 1949. A esta le siguieron tres sesiones de estudio en 1956 y 1957 antes de la actuación del saxofonista de veintisiete años en The Village Vanguard, en el Nro. 178 de la Séptima Avenida, en Greenwich Village, Nueva York. El material en realidad lo grabó Rudy Van Gelder con dos actuaciones distintas celebradas un domingo a finales de 1957, una por la tarde y otra por la noche. Todos los temas de la Cara 1 se corresponden con el concierto de la noche, aunque con un baterista y un contrabajista distintos respecto a los de la tarde, y en las dos primeras piezas Sonny brilla con todo su esplendor. Al dejar que su saxofón urda un nuevo tipo de magia, lleva a cabo una fenomenal exploración del bop.

"A Night In Tunisia", de Dizzy Gillespie, es el único tema de la sesión de la tarde y, al igual que los demás temas, despliega el talento musical de Rollins como jamás antes se había visto al acompañarse del telón de fondo del bajo y la batería. Es jazz al desnudo.

Al carecer del eje musical que aporta el pianista, Sonny Rollins se permite deambular con bastante libertad por la melodía y estructura de la pieza y, a pesar de que se lleva al público consigo, nunca deja al oyente con la sensación de haber perdido el contacto con él.

La publicación en formato de doble CD ampliado de esta actuación sirvió para acentuar el carácter legendario de la misma. Es tal la imaginación musical de Sonny Rollins que incluso llega a dar la sensación de que debe haber más de una mente al mando de su instrumento. Es hard bop esencial, ejecutado con crudeza y seducción por este coloso del saxo tenor.

CD 1

(Volume 1)

1 - A Night In Tunisia (afternoon take)

2 - I've Got You Under My Skin

3 - A Night In Tunisia (evening take)

4 - Softly As In A Morning Sunrise

5 - Four

6 - Woody 'N You

7 - Old Devil Moon

CD 2

(Volume 2)

1 - What Is This Thing Called Love

2 - Softly As In A Morning Sunrise (take 2)

3 - Sonnymoon For Two

4 - I Can't Get Started

5 - I'll Remember April

6 - Get Happy

7 - Strivers Row

8 - All The Things You Are

9 - Get Happy (short version)

Sonny Rollins (saxo tenor); Donald Bailey, Wilbur Ware (contrabajos); Pete La Roca, Elvin Jones (baterías)

Village Vanguard, Nueva York, 3 de Noviembre de 1957.

Blue Note #5 - Thelonious Monk

Thelonious Monk

Genius Of Modern Music (Vols. 1 & 2)

Thelonious Monk, uno de los máximos exponentes de la música moderna, nos brinda enérgicas composiciones de estilo bop en este disco, de las cuales todas, excepto dos, están firmadas por el propio bopster. Los aficionados al estilo cool y muchos coleccionistas desearán adquirir esta nueva publicación de Blue Note.

** Billboard, Noviembre de 1952 (reseña del Vol.2)**

Además de la sesión de 1944 con Coleman Hawkins, la que se celebró en los neoyorkinos WOR Studios el 15 de Octubre de 1947 fue la primera de Monk; además, en ella debutó como líder.

Muchas de estas piezas aparecieron originalmente en discos de 78 rpm, y estas grabaciones son la base del jazz moderno.

De esa primera grabación de Thelonious Monk se cuenta que fue la cuarta de las siete sesiones que Alfred Lion produjo aquel año. El primer disco de 78rpm de aquella sesión, el BN 542, contó, adecuadamente, con “Thelonious”, que iba precedida por “Suburban Eyes”. Down Beat otorgó al disco dos estrellas de un máximo de cuatro y señaló lo siguiente en su reseña: “De Monk se esperan mejores canciones”.

En la segunda placa de 78 rpm, Monk incluyó la pieza que, aunque por aquel entonces se tituló “Round Midnight”, Pasó a conocerse como “Round About Midnight”, además de “Well You Needn’t”. Tras su lanzamiento en 1948, la publicación Billboard dijo: “Interesante material bop de manos del precursor de los bopsters”.

Ya en la nota de prensa que redactó la Blue Note para acompañar aquellas primeras placas de 78rpm queda claro que Lion tenía la sensación de haber encontrado el Santo Grial del jazz: “En realidad, hemos hallado la persona responsable de este nuevo estilo de música –y hemos tenido el privilegio de ser los primeros en registrar sus radicales y heterodoxas ideas-; se trata de un inusual y misterioso personaje que responde al no menos común nombre de Thelonious Monk. Entre los músicos, Thelonious es tratado con respeto y admiración, pues es un extraño individuo cuyas dotes pianísticas siguen desconcertando a todos los que lo escuchan".

Art Blakey, que acababa de cumplir 28 años y participaba por primera vez en una sesión de Blue Note, está en muy buena forma. Pero es tal el genio del que hace gala Monk que hay momentos en los que incluso el portentoso baterista se las ve para estar a la altura del espíritu musical del pianista.

Todos los temas que se refieran al estos dos volúmenes de Genius Of Modern Music, han sido recopilados, con el correr del tiempo en incontables formatos.

Como en una serie anterior de Quintaesencia ya fueron publicados individualmente, esta vez elegimos una magnífica edición de la Blue Note de 1994 que reúne la totalidad de los registros de Monk en su sello. Además de aquellas célebre tomas, registros alternativos y -aunque se repitan cuando les toque el turno a cada uno de ellos-, encuentros que Monk tuvo, entre 1947 y 1958 con otros colegas como Kenny Dorham, Idrees Sulieman, Max Roach, Milt Jackson, Lou Donaldson y Lucky Thompson, entre otros.

Thelonious Monk

The Complete Blue Note Recordings

CD 1

1 - Humph

2 - Evonce (alternate take)

3 - Evonce

4 - Suburban Eyes

5 - Suburban Eyes (alternate take)

6 - Thelonious

7 - Nice Work If You Can Get It (alternate take)

8 - Nice Work If You Can Get It

9 - Ruby My Dear

10 - Ruby My Dear (alternate take)

11 - Well You Needn't

12 - Well You Needn't (alternate take)

13 - April In Paris (alternate take)

14 - April In Paris

15 - Off Minor

16 - Introspection

17 - In Walked Bud

18 - Monk's Mood

19 - Who Knows

20 - Round Midnight

21 - Who Knows (alternate take)

CD 2

1 - All The Things You Are

2 - I Should Care (alternate take)

3 - I Should Care

4 - Evidence

5 - Misterioso

6 - Misterioso (alternate take)

7 - Epistrophy

8 - I Mean You

9 - Four In One

10 - Four In One (alternate take)

11 - Criss Cross

12 - Criss Cross (alternate take)

13 - Eronel

14 - Straight No Chaser

15 - Ask Me Now

16 - Ask Me Now (alternate take)

17 - Willow Weep For Me

CD 3

1 - Skippy

2 - Skippy (alternate take)

3 - Hornin' In (alternate take)

4 - Hornin' In

5 - Sixteen (first take)

6 - Sixteen (second take)

7 - Carolina Moon (alternate take)

8 - Let's Cool One

9 - I'll Follow You

10 - Reflections

11 - Misterioso

CD 4 

1 - Crepuscule With Nellie

2 - Trinkle Tinkle

3 - In Walked Bud

4. I Mean You

5 - Epistrophy

Thelonious Monk (piano) con: Milt Jackson (vibráfono); Idrees Sulieman, George Taitt, Kenny Dorham (trompetas); Danny Quebec West, Sahib Shihab, Lou Donaldson (saxos altos); Billy Smith, Lucky Thompson, Sonny Rollins (saxos tenores); Paul Chambers, Gene Ramey, Bob Paige, John Simmons, Al McKibbon, Nelson Boyd (contrabajos); Art Blakey, Shadow Wilson, Max Roach (baterías), Kenny "Pancho" Hagood (vocales).

Van Gelder Studio, Hackensack; WOR Studios y Apex Studio, Nueva York; Setiembre, Octubre y Noviembre de 1947; Julio de 1948; Julio de 1951; Mayo de 1952; Abril de 1957; En directo desde club Five Spot, Nueva York, Setiembre de 1958.

Blue Note #4 - Fats Navarro

Aunque Fat Girl no tocaba los solos de Dizzy nota por nota, sus ideas acerca de las partes de Dizzy y la sensación eran idénticas y lo hacía con mucho swing.

**Billy Eckstine**

El floridense Theodore “Fats” Navarro falleció con veintiséis años en Julio de 1950. En este disco (Memorial Album), publicado poco antes del segundo aniversario de su muerte, se reunieron algunas de las mejores interpretaciones que realizó para Blue Note durante un bienio. Las dos primeras sesiones quedaron registradas como grabaciones de Tadd Dameron; la tercera, del McGhee – Navarro Boptet, y la última, de Bud Powell’s Modernists.

El LP de diez pulgadas empieza con “The Squirrell”, compuesta por Tadd Dameron al igual que las demás piezas de la cara 1, excepto “52nd St. Theme”. La que abre el disco catapulta al oyente al terreno propio de Navarro, algo parecido a lo que sucede con “The Chase”.

“52nd St. Theme”, de Thelonious Monk, cuenta con una certera interpretación de un Sonny Rollins de 18 años que pisaba un estudio de grabación por quinta vez en su vida.

Resulta apropiado el título de “Double Talk” (“Charla Entre Dos”), que, con su doble ración de trompetas de la mano de Howard McGhee y Fats Navaro, nos brinda una conversación entre dos hombres que compiten por sus derechos a fanfarronear, y no defrauda. Esta pieza resulta aún más impresionante si se tiene en cuenta que la grabaron con la primera toma. Blue Note publicó “Double Talk” segmentada en las dos caras del single de diez pulgadas, y es para muchos su tema favorito del disco. “Dameronia”, al igual que sucede con el último tema del disco, es otra composición de Dameron en la que el tono más relajado permite que Navarro demuestre su lado más sutil y por qué fue considerado el principal rival de Dizzy Gillespie.

Así se presenta esta pieza de colección en el libro que nos ocupa. Sería delicioso contar con unas de sus copias. Sin embargo, la “modernidad” del disco compacto, permite, como se ha hecho habitual, reunir mucho más sin perder el espíritu (más bien aumentándolo) de lo que se quiere presentar.

Como el título lo dice, aquí hay mucho más de lo registrado en la casa Blue Note. Sucede que la asociación de Navarro con Tadd Dameron trascendió este sellos y alcanzó para que la casa Capiltol también los contara en sus estudios.

Así entonces, este doble CD incluye muchas de las más grandes interpretaciones de la era más poderosa del bop. La edición consta de 23 temas y 13 tomas alternativas en las que aparece Fats en su momento más elevado junto a tres grupos encabezados por el pianista Tadd Dameron, en batallas trompetísticas con Howard McGhee -uno de sus principales influencias-, y en notables agrupamientos que fueron completados con pesos pesados como, por nombrar sólo algunos: Bud Powell, Sonny Rollins, Charlie Rouse, Allen Eager, Wardell Gray, Dexter Gordon, Miles Davis y el vibrafonista Milt Jackson. 

Fats Navarro & Tadd Dameron

The Complete Blue Note & Capitol Recordings

CD 1

1 - The Chase (alternate take)

2 - The Chase

3 - The Squirrel (alternate take)

4 - The Squirrel

5 - Our Delight (alternate take)

6 - Our Delight

7 - Dameronia (alternate take)

8 - Dameronia

9 - Jahbero (alternate take)

10 - Jahbero

11 - Lady Bird (alternate take)

12 - Lady Bird

13 - Symphonette

14 - Symphonette (alternate take)

15 - I Think I'll Go Away

16 - Sid's Delight

17 - Casbah

18 - John's Delight

19 - What's New

20 - Heaven's Doors Are Wide Open

21 - Focus

CD 2

1 - The Skunk (LP master)

2 - Boperation

3 - Boperation (alternate take)

4 - The Skunk (78 master)

5 - Double Talk

6 - Double Talk (alternate take)

7 - Bouncing With Bud (alternate #1)

8 - Bouncing With Bud (alternate #2)

9 - Bouncing With Bud (master take)

10 - Wail (alternate take)

11 - Wail

12 - Dance Of The Infidels (alternate take)

13 - Dance Of The Infidels

14 - 52nd Street Theme

15 - Stealin' Apples

Fats Navarro (trompeta) con: Cecil Payne (saxo barítono); Ernie Henry, Sahib Shihab (saxos altos); Wardell Gray, Allen Eager, Dexter Gordon, Sonny Rollins, Charlie Rouse, Benjamin Lundy (saxos tenores); Tadd Dameron, Bud Powell, Gene DiNovi (pianos), Miles Davis, Howard McGhee (trompetas); Kenny Clarke, Roy Haynes, Shadow Wilson, Mel Zelnick (baterías); Benny Goodman (clarinete); Milt Jackson (vibráfono); J.J. Johnson, Kai Winding (trombones), Nelson Boyd, Curly Russell, Tommy Potter, Clyde Lombardi (contrabajos).

Nueva York, Setiembre 1947, Setiembre y Octubre 1948, Enero, Abril y Agosto 1949.

Blue Note #3 - Bud Powell

Si tuviera que escoger a un solo músico por su mérito artístico y la originalidad de sus creaciones, así como por la grandeza de su obra, me quedaría con Bud Powell. No hay nadie que lo iguale.

**Bill Evans**

Ya lo dice el título de este disco: Bud Powell es increíble. Con todo, esta aseveración no era una mera hipérbole discográfica: en realidad lo era y, para muchos, un genio, aunque es cierto que problemático.

Las drogas acabaron por afectarle y Powell tuvo que ser recluido en una institución psiquiátrica durante más de un año entre las sesiones que dieron lugar a ests disco y los que darían lugar al segundo volumen del mismo.

Según Miles Davis. "Bud fue el mejor pianista de su época", hecho que puede corroborarse en este disco. Thelonious Monk, por su parte, afirmaba: "Nadie podía tocar como Bud; era demasiado difícil, demasiado rápido, increíble!".

La noche antes de la sesión de grabación de este disco, Alfred Lion invitó al pianista a que se quedase en su apartamento, ya que no quería "perderle de vista". A la mañana siguiente, durante el desayuno, a Bud le molestaba tanto el gato de Lion que intentó matarlo con un cuchillo. No lo consiguió.

 "Ornithology" es la lectura que hace Bud del "High High The Moon" de Charlie Parker, aunque si se quiere originalidad, basta con escuchar "Bouncing With Bud", que era una de sus nuevas composiciones por entonces. En ella, al igual que en "52nd Street Theme", de Monk, participan tanto Sonny Rollins como Fats Navarro: es una brillante evocación de Nueva York, hogar espiritual del jazz y un ejemplo perfecto del bop.

Son muchos los que consideran que es de este disco, y de Bud Powell en particular, de donde bebe el piano del jazz moderno. 

Como do dijo Herbie Hancock en 1966: " Sentó las bases sobre las que se desarrolló el piano del jazz moderno; todos los pianistas de jazz desde Bud tienen influencias suyas o se esfuerzan de forma deliberada en tocar de un modo distinto del suyo".

En esta reedición de 2001 se pueden apreciar, además, las tomas alternativas no conocidas hasta entonces, que sirven para confirmar la genialidad de Bud probando diferentes tempos y ritmos sobre un mismo tema.

Lo logrado en estos registros muestra la fotografía más fiel del éxtasis del bebop en acción

Bud Powell

Amazing Bud Powell (Volume 1)

1 - Bouncing With Bud

2 - Wail

3 - Dance Of The Infidels

4 - 52nd Street Theme

5 - You Go To My Head

6 - Ornithology

7 - Bouncing With Bud (alternate take #1)

8 - Bouncing With Bud (alternate take #2)

9 - Wail (alternate take)

10 - Dance Of The Infidels (alternate take)

11 - Ornithology (alternate take)

12 - Un Poco Loco

13 - Over The Rainbow

14 - A Night In Tunisia

15 - It Could Happen To You

16 - Parisian Thoroughfare

17 - Un Poco Loco (alternate take #1)

18 - Un Poco Loco (alternate take #2)

19 - A Night In Tunisia (alternate take)

20 - It Could Happen To You (alternate take)

Bud Powell (piano); Fats Navarro (trompeta); Sonny Rollins (saxo tenor); Tommy Potter, Curly Russell (contrabajos); Roy Haynes, Max Roach (baterías)

WOR Studios, Nueva York, 8 de Agosto de 1949 y 1 de Mayo de 1951