Tommy Flanagan - Poética esencial

Hojeando el nuevo libro de Carlos Sampayo, y repasando sus recomendaciones del capítulo "Década de 1980", aparece una grabación de Tommy Flanagan —uno de los grandes pianistas del bop del siglo XX— que considerarla muy recomendable es quedarse corto.

Flanagan creció en Detroit, una de las grandes ciudades del jazz de Estados Unidos, al igual que otras luminarias como Hank, Thad y Elvin Jones, Kenny Burrell, Yusef Lateef, Donald Byrd y Barry Harris, entre otros. 

Como cuenta Terry MacDonald (publicista devenido en apasionado comentarista de jazz después de jubilarse), fue en Detroit —tal vez en el club Blue Bird Inn, donde Flanagan se presentaba regularmente—, donde el pianista, que entonces tenía unos 17 años, una noche levantó la vista del piano y vio a uno de sus grandes héroes, el mismísimo Charlie Parker, colocando la boquilla en su saxo alto. "Moon en sol", le dijo Parker, refiriéndose a "How High the Moon". "Dame cuatro compases", le solicitó Bird comenzando a marcar el tempo: "Un-dos, un-dos-tres-cuatro". Y el joven Flanagan se aprontó para seguirlo. 

Debe haber sentido que se desenvolvió bien esa noche con Bird porque poco después, Tommy Flanagan se mudó a Nueva York, haciendo de la "gran manzana" su base de operaciones por el resto de su vida.

Durante gran parte de su carrera, Flanagan fue muy requerido como sideman, actuando y grabando con artistas como Coleman Hawkins, Thad Jones, Kenny Burrell, Tony Bennett y, en particular, Ella Fitzgerald, con quien se desempeñó como acompañante y director musical durante muchos años.

Como líder su discografía es extensa e impresionante y fue nada menos que el crítico Whitney Balliett quien, ante la habilidad de Flanagan para sacar del piano una serie tan luminosa de colores y texturas, sintió que aquello era pura poesía, apodándolo acertadamente como el "poeta de jazz"... y ese mote fue el apropiado para titular uno de sus hitos, grabado a finales de 1980.

Carlos Sampayo recomienda este disco y lo reseña de la siguiente manera:

Para que se advirtiera que Tommy Flanagan era uno de los grandes pianistas del jazz hubo que pasar mucho tiempo. En los años cincuenta, Sonny Rollins (Saxophone Colossus) y John Coltrane (Giant Steps) lo sospecharon, aunque en el último caso Flanagan parecía perdido en los acordes endiablados y novedosos de Coltrane; era joven y muy bueno, pero no fue hasta los años setenta cuando se lo consideró esencial, como Hank Jones, Barry Harris y aun John Lewis; los cuatro se convirtieron en guardianes de la poesía de la tradición moderna en piano.

Delicadeza, energía, sensibilidad, sentido del blues, maestría en la interpretación de standards, colocación en medio del trío cuando tocaba con ese tipo de formación, aunque era un gran maestro en piano solo. 

Esta sesión de 1989, con George Mraz (contrabajo) y Kenny Washington (batería), no tenía título, pero la intensa poesía emanada del resultado hizo que el Jazz Poet cayera solo. Inolvidables versiones de "Lament" y "Willow Weep For Me", fantástica colocación del tempo en "Caravan" y exposición reflexiva en "Glad To Be Unhappy", evocación emocional extrema en "I'm Old Fashioned", y todas las virtudes que quieran colocársele después de la audición. Flanagan, que había nacido en Detroit en 1930, murió en Nueva York en 2001. El pianista es mencionado por el escritor Haruki Murakami en uno de sus cuentos, donde se describe una experiencia personal durante una interpretación de Tommy Flanagan.

Nota: Para los que hayan seguido la serie "Murakami y el Jazz", presentada por Quintaesencia el año pasado, el cuento al que refiere Sampayo es "Viajero por azar", relato que integra el libro "Sauce ciego, mujer dormida".

Tommy Flanagan

Jazz Poet

1 - Raincheck

2 - Lament

3 - Willow Weep For Me

4 - Caravan

5 - That Tired Routine Called Love

6 - Glad To Be Unhappy

7 - St. Louis Blues

8 - Mean Streets

9 - I'm Old Fashioned

10 - Voce Abuso

Tommy Flanagan (piano), George Mraz (contrabajo), Kenny Washington (batería).

Grabaciones realizadas en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 17 y el 19 de enero de 1989. 

Obscure #13 - The New York Jazz Sextet

Art Farmer fue el artífice de estas grabaciones, pero considerarlo como un músico ignorado u olvidado es lo más alejado de la realidad. "Como trompetista fue el más consistentemente efectivo de su generación", según Ralph Gleason, crítico de la publicación Downbeat.

Sin embargo, este obscure disco del sello Scepter Records —titulado originariamente Group Therapy— quedó en el olvido y descatalogado hasta que en 2004 el sello Lone Hill Jazz lo publicó en formato de disco compacto, rescate considerado como "posiblemente la reedición más importante del año". Y con una ventaja adicional: reunió todas las tomas estéreo y monoaurales originales.

El sexteto fue creado en 1965 —no mucho después de que Farmer cambiara definitivamente de la trompeta al fliscorno—, y se trató de una "adaptación libre" del famoso Jazztet de 1959 que Art Farmer colideró con Benny Golson. De hecho, muchos de los participantes de estos registros llegaron a formar parte del célebre combo antes de unirse al New York Jazz Sextet.

Esta valiosa música se volvió memorable gracias a los arreglos del trombonista Tom McIntosh y a las originales composiciones de los hermanos Dennis y Adolph Sandole. No es nada extraño para el jazz una banda formada por renombradas figuras, pero lo "incomparable" de esta formación fue la química que lograron alcanzar sus integrantes en el breve lapso que duró el New York Jazz Sextet, tan solo un año. Nunca obtuvo la aclamación que alcanzaron los conjuntos más conocidos que lideró Farmer, pero sigue siendo considerado como uno de los más destacados del extenso legado del trompetista. La abrumadora discografía de cada uno de los músicos intervinientes quizá también colaboró para que estas grabaciones fueran olvidadas. 

Que sea esta entrada una buena excusa para que la única grabación de este efímero sexteto vuelva a ser "iluminada". 

New York Jazz Sextet

Group Therapy

Art Farmer

New York Jazz Sextet

*Versiones en estéreo*

1 - Signature

2 - Bottom On Top

3 - Supplication

4 - Another Look

5 - Dim After Day

6 - Indian Summer

7 - Joy Shout

8 - Giant Steps

*Versiones monoaurales*

9 - Signature

10 - Bottom On Top

11 - Supplication

12 - Another Look

13 - Dim After Day

14 - Indian Summer

15 - Joy Shout

16 - Giant Steps

Art Farmer (fliscorno); Tom McIntosh (trombón); James Moody (saxo tenor y flauta); Tommy Flanagan y Patti Bown [en #8 y #16] (pianos); Richard Davis y Reggie Workman [en #8 y #16] (contrabajos); Albert Heath (batería); Marie Volpee (vocalista en #8 y #16).

Grabaciones realizadas en Nueva York, el 27 de diciembre de 1965 y el 17 de enero de 1966 (#1 a #7 y #9 a #15) y el 17 de enero de 1966 (#8 y #16).

Obscure #8 - Les Spann

Les nació en Pine Bluff, Arkansas, el 23 de mayo de 1932. Bautizado como como Leslie Spann Jr., aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta mientras asistía al instituto Jamaica High School en Queens, Nueva York, donde prosiguió sus estudios musicales con el objetivo de dedicarse a la docencia. En 1949, tras debutar con la big band de Frazier Benefield, se trasladó a Nashville para matricularse en música y composición en la Tennessee State University, donde eligió la flauta, ya que era un requisito aprender un segundo instrumento. Entre 1950 y 1957 integró la banda universitaria Tennessee State Jazz Collegians como músico y arreglista.

Su verdadera carrera profesional comienza en Nueva York en 1957 para tocar con la banda del pianista Phineas Newborn, Jr., y continuó en 1958 para tocar con el pianista Ronnel Bright. Pero lo que le dio el renombre musical fue su asociación con Dizzy Gillespie —entre 1958 y 1959— y con Quincy Jones —entre 1959 y 1961—, con quien realizó su primera gira por Europa en 1960. Posteriormente pasó a formar parte del cuarteto del saxofonista Jerome Richardson, volviendo a Europa en 1963 con Ella Fitzgerald, con quien actuó en la televisión pública de Estocolmo en abril, y en el Olympia de París en marzo de ese mismo año, con un cuarteto formado por Tommy Flanagan al piano, Jim Hughart al contrabajo y Gus Johnson a la batería. Su prolífica carrera como músico de estudio quedó testificada en 78 sesiones de jazz de primera línea desde 1957 a 1967, grabando con, entre otros, Nat Adderley, Benny Bailey, Bill Coleman, Eddie "Lockjaw" Davis, Curtis Fuller, Red Garland, Benny Goodman, Sam Jones, Abbey Lincoln, Charles Mingus, Duke Pearson, Jerome Richardson, Charlie Shavers, Sonny Stitt, Billy Taylor, Randy Weston y Ben Webster. 

Según el periodista y divulgador Marc Myers, lo que hacía especial a Spann era que dominaba tanto la flauta como la guitarra y tal como reconoció el productor y fundador de Riverside Records, Orrin Keepnews, estos dos instrumentos eran muy solicitados durante sus años de actividad y no había disponibles muchos músicos de sesión de primera categoría que tocaran los dos.

Sin embargo, como líder estuvo al frente de sólo cuatro fechas y únicamente el resultado de dos de ellas fueron publicadas. El 3 y el 8 de noviembre de 1965 grabó 8 temas que nunca vieron la luz, en los que Spann lideraba un quinteto formado por George Coleman (saxo tenor), Willie Ruff (corno francés), Tommy Flanagan (piano), Paul West (contrabajo) y otros dos bateristas que se alternaban en los distintos temas, Grady Tate y Frankie Dunlop. Presumiblemente, los másteres de dichas sesiones se perdieron en el terrible incendio de los depósitos de Atlantic Records, en Long Branch, Nueva Jersey, ocurrido en la madrugada del 8 de febrero de 1978.

Lo único que quedó de Les como líder es el obscure de hoy: Gemini.

Estas grabaciones datan de la época en la que formaba parte del quinteto de Dizzy Gillespie y de la big band de Quincy Jones y el título del álbum refiere al signo del zodiaco de Spann. Los ocho temas del álbum se grabaron en dos sesiones diferentes, en las cuales Spann demostró sus habilidades interpretativas con los dos instrumentos: la flauta en una de ellas, con Tootie Heath a la batería y la guitarra en la otra, con Louis Hayes a la batería. El crítico Alex Henderson, en su reseña para el sitio AllMusic, lamenta que Les no dejara más grabaciones como líder y considera que "Gemini sigue siendo una excelente cita con el hard bop", donde "Spann da el cien por ciento en las dos sesiones", describiéndolo como "blusero y expresivo en los temas a la guitarra e igualmente impresionante, melancólico y lírico en sus interpretaciones con la flauta". 

Su última grabación conocida fue colaborando con el saxofonista Johnny Hodges —como uno de los guitarristas en su álbum Triple Play, realizado en 1967 para el sello RCA—, desapareciendo de la escena musical a finales de la década de 1960.

Les murió en Nueva York el 24 de enero de 1989.

Les Spann

Gemini

1 - Smile 

2 - Con Alma

3 - Q's Dues Blues

4 - It Might as Well Be Spring

5 - Stockholm Sweetnin'

6 - Blues for Gemini

7 - Afterthought

8 - (There Is) No Greater Love

Les Spann (flauta [#1, #4, #6 y #7] y guitarra [#2, #3, #5 y #8]), Julius Watkins (corno francés), Tommy Flanagan (piano), Sam Jones (contrabajo), Albert "Tootie" Heath (batería [#1, #4, #6 y #7]), Louis Hayes (batería [#2, #3, #5 y #8]).

Grabado en Plaza Sound Studios, Nueva York, el 8 (#1, #4, #6 y #7) y el 16 (#2, #3, #5 y #8) de diciembre de 1960. 

Obscure #1 - Wilbur Harden

Hay vocablos del idioma inglés que son intraducibles al español. No porque no tengan una traslación literal sino porque la conversión resultante no conserva la "potencia" del significado. Uno de ellos, en el idioma jazzístico, es "obscure".

Literalmente cualquier traductor lo convierte al adjetivo "oscuro", pero en inglés es más que eso. Significativamente refiere a algo "poco considerado", "oculto por la niebla del tiempo", "enterrado en el olvido".

Obscure, expresión que a partir de ahora habría que destacarla en cursiva —al igual que swing— por no tener una exacta traducción, es el adjetivo más apropiado para la referirse a la figura de Wilbur Harden y su colección de grabaciones registradas.

Wilbur Harden, nació en Birmingham, Alabama, el 31 de Diciembre de 1924. Su presencia en la historia del jazz está rodeada de un misterio que lo convierte en una figura semi-legendaria. Fue un destacado solista y compositor y se cree que fue el primer trompetista en la historia del jazz en utilizar el fliscorno como segundo instrumento.

Comenzó a tocar profesionalmente en la década de 1940 integrando bandas de Rhythm & Blues como las de Ray Brown e Ivory Joe Hunter. Después de formar parte de las orquestas de Marina estadounidense, se instaló en Detroit y, en la primavera de 1957, reemplazó al trombonista Curtis fuller en el grupo de Yusef Lateef. Desde entonces, influenciado por Miles Davis, se dedicó a tocar casi exclusivamente el fliscorno.

En 1958 grabó cuatro álbumes para el sello Savoy. Tres de ellos junto a John Coltrane y uno en formato de cuarteto junto al pianista Tommy Flanagan. 

Debido a su frágil salud, dejó de tocar y de grabar en 1959 y en 1960 desapareció de la escena del jazz.

Murió en Nueva York el 10 de junio de 1969 con tan solo cuarenta y cinco años de edad. 

Consultada la guía Music Hound Jazz de Steve Holtje y Nancy Ann Lee (que nos inspirará para muchas búsquedas futuras), se nos ocurre repasar tres registros esenciales de su cosecha discográfica de 1958. Por un lado Mainstream 1958, un álbum con una historia muy extraña ya que ha sido reeditado muchas veces como un disco de John Coltrane cuando, en realidad Wilbur Harden es su verdadero líder. El repertorio, además, revela su gran potencial compositivo. 

Wilbur Harden 

Mainstream 1958 ~ The East Coast Jazz Scene

1 - Wells Fargo 

2 - West 42nd Street 

3 - E.F.F.P.H. 

4 - Snuffy 

5 - Rhodomagnetics

Wilbur Harden (fliscorno), John Coltrane (saxo tenor), Tommy Flanagan (piano), Doug Watkins (contrabajo), Louis Hayes (batería). 

Grabado en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 13 de marzo de 1958.

⁂

El segundo disco de Harden que nos interesa repasar, es The King And I, un álbum donde nuevamente la figura del trompetista, en las sucesivas reediciones, quedó eclipsada por la del pianista Tommy Flanagan. El contenido explora jazzísticamente la música de la obra teatral del mismo nombre, escrita por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, cuyo guión se basó en el libro "Anna and the King of Siam" de Margaret Landon, tomado, a su vez, de la autobiografía de Anna Leonowens, una maestra de los hijos del rey Mongkut de Siam durante la década de 1860.

Esta grabación es otro pequeño tesoro del catálogo del sello Savoy donde, si bien ninguna de las improvisaciones de Harden y Flanagan son muy aventuradas, las melodías fueron traducidas al mejor y más perfecto jazz moderno.

Wilbur Harden  

The King And I

1 - Getting To Know You

2 - My Lord And Master

3 - Shall We Dance?

4 - We Kiss In A Shadow

5 - I Have Dreamed

6 - I Whistle A Happy Tune

7 - Hello Young Lovers

8 - Something Wonderful

Wilbur Harden (trompeta y fliscorno), Tommy Flanagan (piano), George Duvivier (contrabajo), Granville T. Hogan (batería).

Grabado en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 23 y el 30 de setiembre de 1958.

⁂

La guía Music Hound Jazz no solo organiza sus reseñas destacando las principales grabaciones de los artistas, sino que agrega, para cada uno, un apartado titulado "Vale la pena buscar" que, en el caso de Harden, sugiere el trabajo del trompetista como acompañante de John Coltrane en la recopilación del sello Prestige titulada The Stardust Session. Allí se indica que, en su contenido, pueden encontrarse algunos de los mejores solos de Wilbur. En particular, recomienda prestar atención a su económico fraseo de "I'm a Dreamer Aren't We All" y a su brillante upbeat de "Spring Is Here".

John Coltrane

The Stardust Session

1 - Spring Is Here

2 - Invitation

3 - I'm a Dreamer Aren't We All

4 - Love Thy Neighbor

5 - Don't Take Your Love from Me

6 - My Ideal

7 - Stardust

8 - I'll Get By

John Coltrane (saxo tenor), Wilbur Harden (trompeta y fliscorno), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería).

Grabado en Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 11 de julio de 1958. 

Retratos en Jazz #53 - Art Pepper

Art Pepper (1925-1982)

Nació en California y es considerado el mejor saxo alto de la escuela West Coast. En 1943 se incorporó a la orquesta de Stan Kenton, de la que se apartó en 1952. Los solos que realizó en el disco Surf Ride, cargados de su energía característica de aquella época, son magníficos. Debido a su adicción a las drogas interrumpió más de una vez su actividad profesional, pasando un largo período en un centro de recuperación especializado. Pero en la década de 1970 renació de sus cenizas. Es interesante comparar la madurez de sus últimas interpretaciones con las grabadas a mediados de la década de 1950, considerada su mejor época. Realizó varias giras por Japón.

Art Pepper Meets the Rhythm Section (Contemporary C-3532)

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Art Pepper

Meets The Rhythm Section

Lado 1

1 - You'd Be So Nice To Come Home To

2 - Red Pepper Blues

3 - Imagination

4 - Waltz Me Blues

5 - Straight Life

Lado 2

6 - Jazz Me Blues

7 - Tin Tin Deo

8 - Star Eyes

9 - Birks' Works

Art Pepper (saxo alto), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Gabado en Contemporary's Studios, Los Angeles, California, el 19 de enero de 1957.

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~ Extras ~

El disco Surf Ride que elogia Murakami reunió una docena de extraordinarias grabaciones de mediados de 1950. Aunque poco importe al oyente, las fechas de grabación que informa el librillo puede que sean incorrectas, si se las contrasta con la información que registra el sitio especializado jazzdisco.com. Lo esencial es la música que creó en formato de cuarteto con los pianistas Russ Freeman y Hampton Hawes, como también los clásicos "duelos" con su colega Jack Montrose en saxo tenor.

Art Pepper

Surf Ride

1 - Tickle Toe

2 - Chili Pepper

3 - Susie The Poodle

4 - Brown Gold

5 - Holiday Flight

6 - Surf Ride

7 - Straight Life

8 - Cinnamon

9 - Thyme Time

10 - The Way You Look Tonight

11 - Nutmeg

12 - Art's Oregano

#1 a #3:

Art Pepper (saxo alto), Russ Freeman (piano), Bob Whitlock (contrabajo), Bobby White (batería).

Grabado en Los Angeles, el 29 de marzo de 1953.

#4 a #6:

Art Pepper (saxo alto), Hampton Hawes (piano), Joe Mondragon (contrabajo), Larry Bunker (batería).

Grabado en Los Angeles, el 7 de febrero de 1952. (jazzdisco.com registra como fecha el 4 de marzo de 1952).

#7 a #12:

Art Pepper (saxo alto), Jack Montrose (saxo tenor), Claude Williamson (piano), Monte Budwig (contrabajo), Larry Bunker (batería). 

Grabado en Los Angeles, el 24 de diciembre de 1953. (jazzdisco.com registra como fecha el 25 de agosto de 1953 y con Paul Bellerina como baterista en #8 y #11)

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Es difícil elegir un disco en particular para seguir el consejo de Murakami: comparar "la madurez de sus últimas interpretaciones con las grabadas a mediados de la década de 1950". Se me ocurre poner a consideración Straight Life. Además de tener un título muy emblemático (lleva el mismo nombre que su célebre autobiografía), es probablemente uno de los mejores que grabó para el sello Galaxy entre 1979 y 1982. En él figuran "Surf Ride" y "Straight Life", dos temas esenciales para "comparar" como los abordó 26 años después de sus versiones originales.

Art Pepper

Straight Life

1 - Surf Ride

2 - Nature Boy

3 - Straight Life

4 - September Song

5 - Make a List (Make a Wish)

6 - Long Ago and Far Away

Art Pepper (saxo alto), Tommy Flanagan (piano), Red Mitchell (contrabajo), Billy Higgins (batería), Kenneth Nash (cencerro y reco-reco en #5).

Grabado en Fantasy Studios, Berkeley, California, el 21 de setiembre de 1979. 

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Pero creo que uno de los mejores "modelos de comparación" de la música de Art Pepper en el correr de toda su carrera la propuso en 2009 su viuda, Laurie Pepper, coautora de su autobiografía y fiel guardiana de su memoria. Laurie sigue publicando con regularidad material inédito de Art desde su sello Widow's Taste y en el cuarto volumen se la serie Unreleased Art que se presenta aquí, se recogen grabaciones que van desde los comienzos de la carrera de Art con la orquesta de Stan Kenton hasta tomas de conciertos realizados días antes de su muerte. Un tercio de la colección contiene registros nunca publicados con anterioridad, como así también grabaciones desconocidas realizadas justo después de la liberación de Pepper de la prisión estatal de San Quintín en 1964.

Art Pepper

The Art History Project

~ Unreleased Art, Vol. IV ~

*CD 1*

Pure Art (1951~1960)

1 - Art Pepper

2 - Fascinatin' Rhythm

3 - Patricia

4 - Tickle Toe

5 - Pepper Returns

6 - Mambo De La Pinta

7 - These Foolish Things

8 - Cool Bunny

9 - Bésame Mucho

10 - Art's Oregano

11 - Diane

12 - I Can't Believe That You're In Love With Me

13 - Straight Life

14 - Everything Happens To Me

15 - Nutmeg

16 - What's New?

17 - Begin The Beguine

*CD 2*

Hard Art (1960~1968)

1 - Rehearsal

2 - Track 2

3 - So In Love

4 - Talk

5 - That Crazy Blues

6 - D Section

7 - Chelsea Bridge

*CD 3*

Consummate Art (1972~1982)

1 - Caravan

2 - Lost Life

3 - Landscape

4 - Angel Wings

5 - Historia De Un Amor

6 - Mambo Koyama

7 - That's Love

Grabaciones realizadas entre 1951 y 1982.

Art Pepper secundado por numerosos artistas [Detalles en el librillo de la colección].

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Y a propósito de las estancias de Art en prisión y su madurez musical: quizá los peores momentos de su vida fueron los tres años que pasó en la penitenciaría de San Quintín. El establecimiento era conocido por ser el lugar donde se realizaban las ejecuciones de todos los presos de California condenados a muerte. Pero en la cárcel conoció el free jazz de la mano de Ornette Coleman y John Coltrane. Cómo ese acercamiento influyó en su música quedó bien reflejado en el programa televisivo Jazz Casual que conducía el crítico musical Ralph Gleason. Sucedió poco después de su liberación de San Quintín. Precisamente, fue el 9 de mayo de 1964, en el que, acompañado por el pianista Frank Strazzeri, el contrabajista Hersh Hamel y Bill Goodwin a la batería, interpretó "The Trip", "D Section" y un tercer tema sin título.

Retratos en Jazz #33 - Wes Montgomery

Wes Montgomery (1923-1968)

Nació en Indianápolis. A los veinticinco años desarrolló la técnica de tocar la misma nota en dos cuerdas diferentes separadas una octava, que se convirtió en su marca registrada. Recomendado por Cannonball Adderley, en 1959 fue contratado por el sello Riverside. En 1960, con The Incredible Jazz Guitar, se convirtió de inmediato en una celebridad. Más tarde grabó Full House y muchos otros álbumes famosos. Murió repentinamente a causa de una insuficiencia cardíaca.

Full House (Riverside RLP12-434)

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Wes Montgomery

Full House

~ Recorded Live at Tsubo in Berkeley, California ~

Lado 1

1 - Full House

2 - I've Grown Accustomed To Her Face

3 - Blue 'n' Boogie

Lado 2

4 - Cariba

5 - Come Rain Or Come Shine

6 - S.O.S.

Wes Montgomery (guitarra), Johnny Griffin (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería).

Grabado en vivo en el club Tsubo, Berkeley, California, el 25 de junio de 1962.

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~ Extras ~

Con esta costumbre de sumar al principal los otros discos mencionados por Murakami, The Incredible Jazz Guitar, es un extra de Wes casi imprescindible, por tratarse quizás (o sin quizás), de su obra maestra. Con sus dos técnicas distintivas —tocar con el pulgar y el uso de octavas—, este disco le valió el premio “New Star” de la revista Down Beat en 1960, fue incluido en el Grammy Hall of Fame en 1999 y en 2017 fue seleccionado para el Registro Nacional de Grabaciones por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos como "cultural, histórica y artísticamente significativo". En sus comentarios para Down Beat, quien mejor lo presentó fue el crítico Ralph J. Gleason: "No se equivoquen, Wes Montgomery es lo mejor que le ha sucedido a la guitarra desde Charlie Christian".

Wes Montgomery

The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery

1 - Airegin

2 - D-Natural Blues

3 - Polka Dots And Moonbeams

4 - Four On Six

5 - West Coast Blues

6 - In Your Own Sweet Way

7 - Mister Walker

8 - Gone With The Wind

Wes Montgomery (guitarra), Tommy Flanagan (piano), Percy Heath (contrabajo), Albert Heath (batería).

Grabado en Nueva York, el 26 y el 28 de enero de 1960.

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En cuanto a Smokin' At The Half Note, esta legendaria actuación de Wes en el club Half Note junto a la sección rítmica de Miles Davis lo muestra en el apogeo de sus capacidades como improvisador. Muchos la consideran la mejor actuación en vivo registrada por uno de los guitarristas más inventivos de la historia del jazz. En su reseña para el Jazz Institute of Chicago, el crítico Stuart Nicolson elogió el álbum destacando: "Su estilo y sonido se convirtieron en el modelo a seguir para las generaciones posteriores de guitarristas y ello se comprueba escuchando, entre otros, a George Benson, Emily Remler, Bruce Forman, Mark Whitfield, Kevin Eubanks y Pat Metheny. Este último declaró abiertamente: "Aprendí a tocar la guitarra escuchando Smokin 'At The Half Note y el solo de Wes en "If You Could See Me Now" es mi favorito de todos los tiempos".

Sin embargo, solo dos temas de los cinco que contiene el LP original son tomas del concierto. Los otros tres fueron regrabados tres meses más tarde en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey. El resto de las tomas en directo aparecen, entre otras, en la edición de Verve en disco compacto de 2005 que aparece aquí.

Wes Montgomery & The Wynton Kelly Trio

Smokin' At The Half Note

1 - No Blues

2 - If You Could See Me Now

3 - Unit 7

4 - Four On Six

5 - What's New?

6 - Willow Weep For Me

7 - Portrait Of Jennie

8 - Surrey With The Fringe On Top

9 - Oh, You Crazy Moon

10 - Misty

11 - Impressions

Wes Montgomery (guitarra), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería).

Grabaciones registradas en vivo en el club Half Note de Nueva York [el 24 de junio (#1 y, #2), el 26 de junio (#6 a #10), entre el 22 y 27 de junio (#11)] y en los estudios Van Gelder, Englewood Cliffs, Nueva Jersey [el 22 de setiembre de 1965 (#3, #4 y #5)].

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En 1965, Wynton Kelly era invitado con asiduidad al club Half Note de la familia Canterino. Unos meses antes del concierto que quedó registrado en el Smokin' At The Half Note, Wes y Wynton protagonizaron otra reunión en el mismo lugar, esta vez secundados por el baterista Jimmy Cobb y los contrabajistas Ron Carter y Larry Ridley. Los conciertos eran transmitidos por radio, y en 2013 fueron incluidos en una edición del sello Jazz on Jazz Records que bien cabe presentar como extra de un extra, tratando de completar las reuniones grabadas de Montgomery y Kelly en el club neoyorkino.

Además de la curiosidad que despierta una grabación que refleja el clima particular de las actuaciones en vivo, se destaca la aparición en ellas de "Mi Cosa", una rara intervención de Wes sin acompañamiento, y de la única versión interpretada por el guitarrista de "Birks' Works", composición de Dizzy Gllespie.

Wes Montgomery & The Wynton Kelly Trio

The Unissued 1965 Half Note Broadcasts

1 - Impressions

2 - Mi Cosa (unaccompanied guitar)

3 - Blues #1

4 - Birks’ Works

5 - Laura

6 - Cariba

7 - Blues #2

8 - Four On Six

9 - Blues #3 ~ Closing announcements

10 - All The Things You Are

11 - I Remember You

Wes Montgomery (guitarra), Wynton Kelly (piano), Ron Carter (contrabajo en #1 a #3), Larry Ridley (contrabajo en #4 a #11), Jimmy Cobb (batería).

Grabado en vivo en el club Half Note de Nueva York, el 12 y el 19 de febrero de 1965, para el programa de radio "Portraits in Jazz", conducido cada viernes por Alan Grant, disc-jockey —nacido como Abraham Grochowsky— fundador de la emisora neoyorkina WABC. 

Retratos en Jazz #27 - Sonny Rollins

Sonny Rollins (1930)

Nació en Nueva York. Es el último gigante del jazz moderno contemporáneo. En los años dorados de la década de 1950 dominó la escena junto a Miles Davis, y en 1956 adquirió fama mundial con ese trabajo monumental que es el disco Saxophone Colossus. Su brillante técnica es conocida como "Rollins' principle". Como perfeccionista, busca constantemente nuevas oportunidades para improvisar. Anunció su retiro varias veces, pero siempre resucitó de las cenizas. Incluso ahora su encanto es único.

The Bridge (RCA Victor LPM-2527)

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Sonny Rollins

The Bridge

1 - Without A Song

2 - Where Are You

3 - John S.

4 - The Bridge

5 - God Bless The Child

6 - You Do Something To Me

Sonny Rollins (saxo tenor), Jim Hall (guitarra), Bob Cranshaw (contrabajo), Ben Riley (batería de #1 a #4 y en #6), Harry T. Saunders (batería en #5).

Grabado en el Estudio "B" de RCA Victor, Nueva York, el 30 de enero (#5), el 13 de febrero (#2, #3 y #6) y el 14 de febrero (#1 y #4) de 1962.

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~ Extra ~

Ante la mención de Murakami, es casi imposible no agregar a esta entrada ese monumento musical que constituye Saxophone Colossus.

Sonny Rollins grabó muchas sesiones memorables, pero Saxophone Colossus es posiblemente una de sus mejores obras que sigue dando batalla aun tras el paso de los años. Un coloso que dejó muchas influencias en lo que podría llamarse el free jazz contemporáneo. El hard-bop que Sony Rollins y sus compañeros despliegan en este disco es clave para el desarrollo de la historia del jazz. Hablar de Saxophone Colossus y no repetir obviedades es casi imposible. Cualquier cosa que se agregue será poco, parecerá obsoleto o simplemente sobrará. Mejor repasarla en atento silencio...

Sonny Rollins

Saxophone Colossus

1 - St. Thomas

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Strode Rode

4 - Moritat

5 - Blue Seven

Sonny Rollins (saxo tenor), Tommy Flanagan (piano), Doug Watkins (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en el Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 22 de junio de 1956.