Ben Webster - Expresiones del alma

Considerado como uno de los tres grandes saxofonistas tenores del swing, junto con Coleman Hawkins (su principal influencia) y Lester Young, Benjamin Francis Webster, apodado "el rana" por sus ojos saltones, nació en Kansas City —cuna de magníficos saxofonistas como el gran Charlie Parker— el 27 de marzo de 1909.

En su infancia recibió lecciones de violín primero y piano después, con la asistencia de Pete Johnson que le enseñó a tocar blues. Académicamente, estudió música en la Universidad de Wilberforce.

El momento más importante en la carrera de Webster se produjo en 1940 cuando se incorporó a la orquesta de Duke Ellington para convertirse en el primer saxofonista de la banda, llegando a desempeñar un papel crucial en muchas de las obras clásica de Ellington.

Desde 1944, lideró sus propios grupos y trabajó también para otros músicos como Raymond Scott, John Kirby, Sid Catlett y Stuff Smith. Se volvió a juntar con Ellington en 1948 y 1949, realizó giras con Jazz At The Philharmonic en la década de 1950 y fue destacado músico de sesión acompañando a cantantes como Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Carmen McRae.

En 1964 emigró a Europa afincándose primero en Copenhague y después en Holanda, hasta que en 1969 se instaló definitivamente en la capital danesa. El 20 de septiembre de 1973, actuando en la ciudad holandesa de Leyda, sufrió un infarto que acabó con su vida.

Una de las calles de Copenhague lleva su nombre: "Ben Websters Vej".

 

En las reseñas de su libro "Discografía Personal del Jazz", Carlos Sampayo repara en una significativa producción del sello Verve de 1995, en la que se reúnen tres magistrales grabaciones:

Desde que se dio a conocer, en los años treinta, el saxofonista tenor Ben Webster persiguió una perfección, la de la voz instrumental, que en música es relación con el mundo. Su búsqueda tendía a fundir dos personalidades musicales, la del romántico receloso de las aristas y la que no evita la expresión violenta. La primera está en las baladas y algunos blues de tempo lento; la segunda aparece cada vez que la velocidad empuja su música.

Webster nunca logró la síntesis y en esa dicotomía interna —y en haberla podido mostrar sin pudor— reside su grandeza de artista, uno de los más grandes del jazz.

La reedición de Verve trae alguno de los mejores momentos de Webster. The Soul of Ben Webster guarda tres discos originales, interesantes no solo por su óptima calidad sino porque en ellos se distingue a Webster en la diversidad de contextos, en sus dos facetas contrapuestas. Abre con un sexteto de tensión bopper, donde el saxofonista tiene la inestimable compañía del trompetista Art Farmer; le sigue una famosa sesión en quinteto con Harry Edison y Oscar Peterson y finaliza con un Webster integrante de la orquesta de Johnny Hodges, subordinado a deleites y retorcimientos ellingtonianos. La suma es para paladares severos y poco condescendientes con el engaño.

Webster perteneció a una estirpe, muy solicitada en el jazz, de artistas impermeables a cualquier contaminación. Estas grabaciones lo muestran concentrado en su propio lenguaje, en el aprendizaje (que en él fue permanente) de una articulación que sus oyentes extasiados podemos percibir como ejemplar pero que para él habrá sido insuficiente. La lucha entre sus dos voces es nuestro deleite. La posteridad suele ser despiadada.

Ben Webster

The Soul Of Ben Webster

*CD 1*

1 - Fajista

2 - Chelsea Bridge

3 - Charlotte's Piccolo

4 - Coal Train

5 - When I Fall In Love

6 - Ev's Mad

7 - Ash

8 - Blues For The Blues

9 - Blues For Piney Brown

10 - Moonlight In Vermont

11 - Taste On The Place

12 - Blues For The Blues (alternative take)

*CD 2*

1 - Gee, Baby, Ain't I Good To You

2 - Blues For Bill Basie

3 - You're Getting To Be A Habit With Me

4 - I Didn't Know About You

5 - Reelin' And Rockin'

6 - Gone With The Wind

7 - Honey Hill

8 - Blues-A-Plenty

9 - Don't Take Your Love From Me

10 - Saturday Afternoon Blues

11 - Satin Doll

12 - Cool Your Motor

13 - Reelin' And Rockin' (alternative take)

14 - Don't Take Your Love From Me (alternative take)

CD1 [#1 a #7]: del LP The Soul Of Ben Webster

Ben Webster (saxo tenor), Harold Hashby (saxo tenor [#1, #3, #4, #6, #7]), Art Farmer (trompeta [#1, #3, #4, #6, #7], Jimmy Jones (piano), Mundell Lowe (guitarra), Milt Hinton (contrabajo), Dave Bailey (batería).

Grabados en Nueva York, probablemente en julio de 1958.

CD1 [#8 a #12] ~ CD2 [#1, #2 y #3]: del LP Gee, Baby, Ain't I Good to You

Harry "Sweets" Edison (trompeta), Ben Webster (saxo tenor), Oscar Peterson (piano), Barney Kessel (guitarra), Herb Ellis (guitarra [CD1 - #10, #11 ~ CD2 - #2]), Ray Brown (contrabajo), Alvin Stoller (batería).

Grabados en Capitol Studios, Hollywood, Los Angeles, el 5 de marzo [CD1 - #8, #9, #12 ~ CD2 - #1, #2, #3] y el 29 de marzo [CD1 - #10, #11] de 1957.

CD2 [#4 a #14]: del LP Blues-A-Plenty

Johnny Hodges (saxo alto), Ben Webster (saxo tenor [#5, #7, #8, #10, #12, #13]), Roy Eldridge (trompeta [#5, #7, #8, #10, #12, #13]), Vic Dickenson (trombón) [#5, #7, #8, #10, #12, #13]), Billy Strayhorn (piano), Jimmy Woode (contrabajo), Sam Woodyard (batería).

Grabados en Fine Recording, Nueva York, el 5 de abril de 1958. 

Manny Albam - Al frente de los grandes del jazz

Durante una carrera que abarcó siete décadas, el compositor y arreglador Manny Albam colaboró con los grandes del jazz, incluidos Count Basie, Dizzy Gillespie y Stan Getz. 

Emmanuel "Manny" Albam nació el 24 de junio de 1922. Sus padres estaban camino a Nueva York, desde su Rusia natal, cuando su madre se puso de parto mientras el barco estaba fuera del puerto de Samaná, en la República Dominicana. A los siete años, Albam descubrió el jazz después de escuchar un disco de Bix Beiderbecke, y poco después comenzó a estudiar el manejo del clarinete y el saxo alto. A los dieciséis años abandonó los estudios tras una invitación para unirse al combo Dixieland de Muggsy Spanier. Después tocó con Georgie Auld, una experiencia que también le brindó su primera oportunidad de hacer arreglos bajo la tutela de su compañero de banda Budd Johnson. También trabajó en las orquestas de Charlie Barnet y Charlie Spivak. Durante sus dos años con Spivak, sus habilidades de arreglo florecieron y generó un promedio de dos arreglos por semana. Después de servir en el ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, Albam regresó a la banda de Barnet y, a medida que crecía su interés por escribir y hacer arreglos, también crecía su reputación como un profesional independiente codiciado, componiendo y arreglando material para muchos de los talentos más brillantes de la era del bop. Se retiró de las presentaciones como instrumentista en 1950, una decisión que coincidió con los últimos suspiros de la era de las grandes bandas. Albam murió el 2 de octubre de 2001.

Una de las más aclamadas direcciones de Albam fue reeditada por el sello Lonehill Jazz en 2004, y fue reseñada por Carlos Sampayo en el libro que nos está ocupando:

Durante muchos años olvidado o fuera de la "primera línea", Manny Albam fue uno de los motores del jazz y un impulsor de proyectos de gran valor en la década de 1950. En aquellos tiempos (la verdadera golden age de esta música) era un eje alrededor del cual circulaba una pléyade de jazzmen de gran clase, alguno de los cuales ya eran famosos y habían construido sus propias carreras, como Gerry Mulligan, Zoot Sims y Bob Brookmeyer.

Albam era un escritor musical de gran categoría, un Duke Ellington del jazz moderno; él mismo reconocía que el de Ellington era su modelo principal, no en temática musical ni en estilo, sino en la actitud artística, nada menos. En él, el gran modelo asumió otros caminos, pero persistió en el rigor melódico, la preeminencia jazzística y la relación con los músicos de los que se rodeaba. Ellington conocía íntimamente a los músicos de su orquesta; Albam conocía a muchos más y, como el maestro, era capaz de escribir para ellos, pensando en sus estilos.

La carrera de Albam como director de sus propios grupos (no tuvo una orquesta fija pero sí colaboradores incondicionales) comenzó en 1955, cuando tenía poco más de treinta años (Jazz Workshop) y terminó en 1966 (More Double Exposure/The Son Of Drum Suite). Después, trabajos para televisión y cine y alguna brillante intervención como, por ejemplo, orquestador para el álbum Celebrating Sinatra de Joe Lovano. Durante sus años de apogeo grabó dos discos fundamentales que, entonces, se incorporaron a las discotecas más ponderadas: The Jazz Greats of Our Time, Vol.1 y Vol.2 (1957, Coral), ambos repropuestos en esta edición en sus versiones completas. Se trata de un proyecto ambicioso y totalizador: música de Albam interpretada por los más importantes músicos de la Costa Este (Vol.1) y la Costa Oeste (Vol.2). La escritura de Albam, cardinal y sencilla, marcadamente melódica, dejaba espacio al lucimiento de los solistas con intercalaciones orquestales y riffs modernos, dándole comodidad para que expresaran ideas en sus respectivos estilos.

El volumen 1 tal vez sea el más logrado: fue y sigue siendo una obra redonda, de una gran honradez. Los músicos Art Farmer y Nick Travis (trompetas), Bob Brookmeyer (trombón de válvulas), Phil Woods (saxo alto), Al Cohn y Zoot Sims (saxos tenores), Gerry Mulligan (saxo barítono), y una de las secciones rítmicas más perfectas del jazz de los cincuenta, Hank Jones (piano), Mil Hinton (contrabajo) y Osie Johnson (batería). Al margen de las composiciones y arreglos, me animo a escoger un gran momento de la sesión: el solo de Art Farmer en "Blues From Neither Coast", que no se convirtió en referencia canónica porque el disco se perdió en el olvido.

El volumen 2, con Conte Candoli y Jack Sheldon (o Harry Edison) (trompetas), Stu Williamson (trombón de válvulas), Herb Geller (saxo alto), Richie Kamuca y Med Flory (saxos tenores), Charlie Mariano o Bill Hollman (saxos barítonos), Lou Levy (piano), Red Mitchell (contrabajo) y Shelly Manne (batería), es igualmente propicio al disfrute. Quizás exceda en pulcritud —una característica intrínseca del jazz californiano— pero Albam imprime su sello de "calle y nervio" y los solistas emergen en sus respectivos talentos. Mis preferidos: Herb Geller y un Shelly Manne imponente.

El material se completa con cuatro temas grabados durante un concierto en el Tawn Hall de Nueva York, organizado por Down Beat, con Rudy Van Gelder al mando de los aparatos. En este caso, The Jazz Greats son una big band con lo más granado de la Costa Este. Solistas: Dick Katz (piano), Jerome Richardson (saxo tenor), Pepper Adams (saxo barítono), Nick Travis (trompeta), Frank Rehak (trombón), entre otros, en una noche muy inspirada. Pero la parte importante son los dos volúmenes reseñados. Una obra imprescindible en lo musical e histórico.

Nota: Aunque no se mencione expresamente, el doble disco compacto publicado por el sello Lonehill Jazz también incluye dos temas de The Jazz Greats, no aparecidos en los volúmenes 1 y 2, pero que formaron parte del compendio titulado Jazz Cornucopia.

Manny Albam

Jazz Greats Of Our Time

Complete Recordings

*CD 1*

1 - My Sweetie Went Away

2 - See Here, Miss Bromley

3 - Poor Dr. Millmoss

4 - All Too Soon

5 - Minor Matters

6 - Latined Fracture

7 - Blues From Neither Coast

8 - Thurnder Burt

9 - Afterthoughts

10 - How Long Has This Been Going On?

11 - Jive At Five

12 - It's De-Lovely

13 - Sweet's-Bread

14 - Intervowen

*CD 2*

1 - Am I Blue?

2 - Home Brew

3 - My Funny Valentine

4 - Blues Over Easy (part 1)

5 - Blues Over Easy (part 2)

6 - A Little Eye-Opener

Personal en Nueva York [CD 1 (#1 a #7) y CD 2 (#1)]:

Art Farmer, Nick Travis (trompetas); Bob Brookmeyer (trombón de válvulas); Phil Woods (saxo alto); Zoot Sims (saxo tenor); Al Cohn  (saxos tenor y barítono); Gerry Mulligan (saxo barítono); Hank Jones (piano); Milt Hinton (contrabajo); Osie Johnson (batería); Manny Albam (dirección y arreglos). 

Personal en Los Angeles [CD 1 (#8 a #10) y CD 2 (#2)]:

Conte Candoli, Jack Sheldon, Harry "Sweets" Edison (trompetas); Stu Williamson (trombón de válvulas); Herb Geller (saxo alto); Richie Kamuca, Med Flory (saxos tenores); Bill Holman (saxos tenor y barítono); Charlie Mariano (saxos alto, tenor y barítono); Lou Levy (piano); Red Mitchell (contrabajo); Shelly Manne (batería); Manny Albam (dirección y arreglos). 

Actuaciones en vivo en el Tawn Hall de Nueva York [CD 2 (#3 a #6)]:

Bernie Glow, Nick Travis, Ernie Royal (trompetas); Frank Rehak, Jim Dahl, Tom Mitchell Jr. (trombones); Gene Quill (saxo alto); Jerome Richardson  (saxo tenor y flauta); Hal McKusick (saxo alto y clarinete bajo); Paul Horn (saxo alto y flauta); Georgie Auld, Al Cohn (saxos tenores); Pepper Adams (saxo barítono); Don Elliott (melófono); Eddie Costa (vibráfono); Dick Katz, Steve Allen (pianos); Milt Hinton (contrabajo); Osie Johnson (batería); Manny Albam (dirección y arreglos). 

Grabaciones realizadas en Los Angeles (14 y 16 de agosto de 1957) y Nueva York (2 y 4 de abril y 16 de mayo de 1957).

[ver más detalles en el librillo] 

Jimmy Cleveland - Tetralogía de una misma vara

Aunque de regreso antes de lo pensado, una grata sorpresa me esperaba en el buzón: "Discografía personal del jazz (1920-2011)", el nuevo libro del periodista, crítico literario, novelista y guionista argentino Carlos Sampayo. Esta nueva obra de Sampayo es una guía "de autor" que, sin pretender convertirse en un canon, constituye un interesante listado ascético y razonado de lo más "importante" de la historia del jazz. 

Con la personal mirada del gran estudioso del jazz que es, Sampayo propone una selección de discos que "no tiene pretensión de esencial sino de digno de una consideración sensible y curiosa", sugiriendo un recorrido para que tanto los conocedores que quieran descubrir nuevos recodos de la discografía, como quienes recién se inician, encuentren una inmejorable excusa para escuchar o redescubrir algunas de las músicas más cautivantes grabadas durante los últimos cien años.

Después de un rápido vistazo, me detuve en sus consideraciones sobre la discografía completa del trombonista Jimmy Cleveland como líder. Comenta Sampayo: 

El rescate de la figura de Jimmy Cleveland, y de su música, no es solo un acto de justicia frente a uno de los tantos relegados del jazz. Cleveland ha sido más que eso: el trombonista más importante del jazz moderno después de J. J. Johnson y también, por qué no decirlo, al margen del maestro. El relativo olvido de Cleveland no se debe, como en el caso de otros jazzmen, a la dificultad de su música (legible en todos los sentidos) sino a la parquedad de sus grabaciones y apariciones públicas como líder. En las notas originales de contracubierta de uno de sus cuatro discos, el gran Dickie Wells afirma que se trata de "uno de los mejores jóvenes que nunca hayan tomado en sus manos un trombón". 

La opinión de Wells era un aval de mucho peso: Jimmy Cleveland comenzó a tocar el trombón a los dieciséis años, una edad relativamente tardía para un músico que llegaría en poco tiempo a lograr las más altas cotas en la expresión artística con su instrumento.

Terminada la Segunda Guerra Mundial se inscribió en la Universidad Estatal de Tennessee, donde integró la banda de alumnos. Esta banda ganó un concurso universitario y pudo exhibirse en el Carnegie Hall de Nueva York. Lionel Hampton, cazador de talentos, presenció ese concierto y le propuso ingresar en su orquesta. La orquesta de Hampton era una de las mayores atracciones del panorama jazzístico y del espectáculo de aquel período. El team estaba compuesto por tantos jóvenes talentos que la experiencia fue enriquecedora para el trombonista. Compartía atriles con jazzmen como Jerome Richardson, Gigi Gryce, sus colegas Al Grey y Benny Powell, Quincy Jones, Art Farmer y nada menos que Clifford Brown. En esos primeros años cincuenta Cleveland estaba aún anclado a los modelos del pasado, como Benny Morton, Trummy Young o Jack Teagarden. Se supone que la escucha de la música de J. J. Johnson lo ayudó a dar el paso hacia la modernidad. No ligado al bebop desde un principio, ingresó en la recapitulación de ese estilo directamente, convirtiéndose en el mejor trombonista de la década de los cincuenta y parte de los sesenta. 

Mientras estaba con Hampton, Cleveland grabó con grupos pequeños emanados de la orquesta, con Clifford Brown, Art Farmer y Gigi Gryce y otros, y también con músicos europeos. En noviembre de 1953 abandonó la big band del vibrafonista. Todavía su nombre era desconocido para la mayoría cuando en 1954 participó en la grabación de un disco de Oscar Pettiford (Basically Duke) y en otro de George Wallington (Showcase, en el que sorprendió con su solo en "Summertime"). En 1955 participó en una sesión de Clark Terry, en sexteto. Entonces se decía que lo que había hecho Cleveland en ese disco era "imposible" para ningún otro trombonista. No se trataba solo de la asombrosa habilidad técnica sino también de la sensibilidad del toque y la ilación de su discurso como solista. Desde ese momento fue requerido permanentemente para colaborar en proyectos a nombre de otros. Tuvo tiempo para grabar sus cuatro únicos discos antes de finalizar la década.

A Jimmy Cleveland lo encontramos y escuchamos en muchos discos como sideman de Benny Golson, Randy Weston Sam Jones, Oliver Nelson, Milt Jackson, Gary McFarland, Antonio Carlos Jobim, Gil Evans (quienes consideraban "imprescindible" su aporte en todo sonido orquestal), Sonny Rollins, Manny Albam, Gerald Wilson, Gerry Mulligan y un largo etcétera. Con Golson y Gil Evans grabó solos impresionantes, recuérdese su intervención en Blues in Orbit, donde aplica una técnica que se acerca a las "capas de sonido" de Coltrane.

Sorprende que un músico de su capacidad y talento haya preferido mantenerse en un segundo plano cuando tenía todas las posibilidades de convertirse no solo en una referencia para los trombonistas sino también en una referencia jazzística absoluta.  Que se tenga noticia, tuvo una última intervención en el terreno del jazz puro en 1991, en un disco del saxofonista Teddy Edwards, Mississippi Lad; después, el silencio.

Introducing Jimmy Cleveland fue, además de la presentación oficial de Cleveland, una revelación. Sobre arreglos para octeto de Quincy Jones, consensuados con el propio trombonista, Cleveland despliega su talento, una suma de innovación donde se funde una particular sonoridad y la capacidad de desarrollar ideas originales. Su presentación impresionó tanto al mundo jazzístico que ese mismo año la revista Down  Beat lo eligió como el mejor nuevo trombonista.

Jimmy Cleveland

Introducing Jimmy Cleveland And His All Stars

Lado 1

1 - Hear Ye! Hear Ye!

2 - You Don't Know What Love Is

3 - Vixen

4 - My One And Only Love

5 - Little Beaver

Lado 2

6 - Our Love Is Here To Stay

7 - Count' Em

8 - Bone Brother

9 - I Hadn't Anyone 'Til You

10 - See Minor

Jimmy Cleveland (trombón), secundado por:

#1, #2 y #5:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), John Williams (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 de agosto de 1955.

#3, #4, #6, #7 y #8:

Ernie Royal (trompeta), Lucky Thompson (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Hank Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Oscar Pettiford (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, el 22 de noviembre de 1955. 

#9 y #10:

Ernie Royal (trompeta), Jerome Richardson, (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Wade Legge (piano), Barry Galbraith (guitarra), Paul Chambers (contrabajo), Joe Harris (batería).

Grabados en Nueva York, el 4 de agosto de 1955.

⁂

Cleveland Style, grabado dos años después, con arreglos para septeto de Ernie Wilkins y Benny Golson, confirma la naturalidad y lo incisivo del toque de Cleveland, y la importancia que tenía para él un contexto bien organizado. La crítica afirma que fue su estilo el que dio el primer paso a un nuevo lenguaje de trombón que exaltaba el virtuosismo basado en la expresión. Cada nota de sus frases aparece límpida y la conjunción de notas forma un discurso lógico y emotivo. Sus solos siempre traducen la profundidad emocional en que se basa el jazz. El todo se fundamentaba en la no-estridencia; tal como afirmó Wilkins, poseía "una sonoridad ligera pero frágil. (...) Si sus frases son magistrales, también lo es cada una de sus notas", aludiendo a una concisión que proviene de la convicción. Los dos álbumes siguientes dan pie a una tendencia de Cleveland a sobrepasar los límites del solismo convencional.

Jimmy Cleveland

Cleveland Style

Lado 1

1 - Out Of This World

2 - All This And Heaven Too

3 - Posterity

Lado 2

4 - Long Ago And Far Away

5 - A Jazz Ballad

6 - Jimmie's Tune

7 - Goodbye Ebbets Field

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta); Don Butterfield [#1, #4, #7], Jay McAllister [#2, #3, #5, #6] (tubas), Benny Golson (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Eddie Jones (contrabajo), Charlie Persip (batería).

Grabados en Nueva York, el 12 y 13 de diciembre de 1957.

⁂

En A Map Of Jimmy Cleveland, con arreglos de Wilkins, aparece el deseo de velar el discurso orquestal y darle una tonalidad de trombón, casi como en la Orquesta Capitol o Tuba Band de Gil Evans/Miles Davis. En los solos de Cleveland ha desaparecido cualquier traza dirty, una tentación común en todos los trombonistas hasta el momento (salvo quizá Carl Fontana) y su estilo se apoya en una limpidez sonora que hace diáfana la complejidad de su sintaxis. La aparición de la tuba en el ensemble, en papel rítmico y melódico, y la fuerte preeminencia de los bronces (dos trompetas, trombón, tuba y un solo saxo), retrotrae a la tradición de Nueva Orleans y anticipa las intenciones de Wynton Marsalis de treinta años más tarde.

Jimmy Cleveland

A Map Of Jimmy Cleveland

Lado 1

1 - Swing Low Sweet Chariot

2 - A Hundred Years From Today

3 - Marie

4 - Jay Bird

Lado 2

5 - The Best Things In Life Are Free

6 - Stardust

7 - Jimmy's Old Funky Blues

Jimmy Cleveland (trombón), Ray Copeland (trompeta), Ernie Royal (fliscorno), Don Butterfield (tuba), Jerome Richardson (saxo tenor y flauta), Junior Mance (piano), Bill Crow (contrabajo), Art Taylor (batería).

Grabados en Nueva York, el 16, 17 y 18 de diciembre de 1958.

⁂

El cuarto y último disco, Rhythm Crazy, fue puesto a la venta cinco años después de A Map Of Jimmy Cleveland, cuando Cleveland ya era el trombonista más solicitado para sesiones de big band; no ha circulado desde hace medio siglo y confirma todas las cualidades ya evidenciadas, pero también muestra, si esto era posible, un salto en la técnica instrumental, con tendencia a la expresión con notas agudas, como si se tratara de un fliscorno. Los arreglos eran de Gryce y Golson, presente este último como saxofonista. Si recapitulamos toda la obra grabada por Cleveland como líder, desde este último disco, entendemos que en su intención estaba la consecución de una arquitectura del solo que fuera formalmente perfecta, pero con espacios abiertos a la más explosiva fantasía; en medio: la sonoridad.

Jimmy Cleveland

Rhythm Crazy

Lado 1

1 - Crazy Rhythm

2 - Old Reliable

3 - We Never Kissed

4 - Tom-Kattin'

Lado 2

5 - Our Delight

6 - Reminiscing

7 - Tricotism

Jimmy Cleveland (trombón), Art Farmer (trompeta), Benny Golson (saxo tenor), Jerome Richardson (saxo tenor, saxo barítono y flauta), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabados en Nueva York, en febrero de 1959.

Ted McNabb - Todo por un sueño

Ted McNabb tenía un sueño y, aunque parcialmente, se hizo realidad. La curiosa historia del disco que lleva su nombre fue revelada por Marc Myers en uno de sus interesantes relatos para su sitio JazzWax que bien vale la pena repasar.

Pero, para resumirlo como presentación, comencemos con el verdadero responsable de uno de los discos más exuberantes y obscure de la historia del jazz: Marion Evans, un auténtico "músico de músicos" que ocupa un lugar destacado en el universo de los grandes orquestadores de Nueva York que florecieron en las décadas de 1950 y 1960. Arregló más de 100 álbumes para artistas como Tony Bennett, Steve Lawrence, Eydie Gormé, Perry Como y Doc Severinsen, ganó varias nominaciones del premio Grammy y se destacó por sus composiciones para 17 series de televisión y 11 espectáculos de Broadway. Nativo de Alabama, Marion comenzó su carrera escribiendo para la Orquesta Glenn Miller – Tex Beneke a fines de la década de 1940 y también escribió para Tommy Dorsey, Vaughn Monroe, Percy Faith y Count Basie. 

El otro responsable de esta curiosa pieza discográfica fue un señor llamado Ted McNabb que, si bien había estudiado piano, clarinete y batería, nunca ejerció la música profesionalmente. 

Cierta noche de 1959, Ted, quien se presentó como un comerciante de la empresa Bell & Howell Co. de Chicago, se puso en contacto con Marion expresándole su intención de financiar un disco para que su novia cantase acompañada por la mejor banda que pudiera conseguirse, que el dinero no sería un inconveniente, y lo invitó a que se encontraran en el hotel neoyorkino donde se alojaban para una audición. Recuerda Marion: "(...) encontramos una habitación que tenía un piano de media cola blanco y nos acomodamos. Me senté y toqué un par de canciones mientras la novia de Ted cantaba. Ella no era una buena cantante. Musicalmente hablando, era 'sorda'. Cuando terminamos Ted preguntó si haría el álbum y le contesté que había un problema ya que era casi imposible conseguir músicos de primer nivel y un sello discográfico reconocido por el sindicato dispuesto a arriesgarse a costear un disco sin un seguro de éxito comercial. Pero Ted me dijo que, de todos modos, consultara con los sellos principales, que él pagaría lo que fuese necesario".

Para "comprobarlo", Marion lo llevó al límite. Le dijo que, si podía demostrarlo, tendría que conseguir 10.000 dólares en billetes de 100, para comenzar a resolver algo. 

Al día siguiente, recibió un sobre con lo solicitado y no tuvo más remedio que dirigirse a la Columbia Records, mostrar "las pruebas" y conminar a los directivos a firmar un contrato. Si no lo hacían, inmediatamente se dirigiría a sus colegas de la RCA con la misma propuesta. Columbia aceptó el desafío.

Cuenta Marion: "Cuando le dije a Ted que había conseguido un contrato con Columbia, se llenó de alegría y me dejó un cheque considerable como anticipo. Recogí el cheque en su hotel y lo llevé al Manufacturers Hanover Trust Bank para abrir una cuenta".

Y entonces descubrió algo más sorprendente: Ted McNabb no es un simple vendedor. Era el accionista mayoritario del banco. Al parecer, el padre de Ted, J.H. McNabb, había comprado la mitad de la empresa desde el principio y cuando murió, en 1949, Ted se convirtió en un rico heredero y miembro del directorio.

Solucionada la parte comercial, comenzaron las pruebas. Los músicos contratados eran como para un disco de ensueño y el lugar el no menos emblemático estudio de la Calle 30, donde apenas siete meses antes, Miles Davis había grabado su icónico Kind Of Blue. 

En uno de los descansos, Ted invitó al contrabajista de la banda, Milt Hinton, a tomar una copa y expresarle lo bien que sonaba la banda. Pero Milt, sin saber qué relación existía entre la cantante y su interlocutor le dijo: "Sí, pero la cantante es terrible". A Ted no le molestó lo que escuchó, "recogió el guante" y sin hacerse mucho drama replicó: "¿Qué te parece si volvemos al estudio y hacemos el disco de la banda sin ella?"

Como todos los arreglos estaban diseñados para un disco "vocal", tuvieron que ser reelaborados para una sesión puramente instrumental. 

Pero "parte" de su sueño había sido resuelto. Al no estar su novia dentro de los participantes, la única exigencia de Ted fue que el disco llevara su nombre, pero sin dar ninguna explicación sobre su identidad. Apenas si aparece su foto en la portada, destacada por un asterisco que lo diferencia de los demás integrantes.

Cuando se lanzó el álbum, Ted compró 100.000 copias para regalarlas entre los empleados de Bell & Howell Co. y le dijo a Marion: "Dile a los de Columbia que quiero hacer otro disco".

Desafortunadamente, nunca se hizo otro álbum. Ted murió repentinamente a los 40 años.

Ted McNabb & Co.

Big Band Swing

Lado 1

1 - Mountain Greenery

2 - I'll Never Say "Never Again" Again

3 - Blue Moon

4 - Margie

5 - That Old Feeling

6 - Have You Met Miss Jones

Lado 2

7 - Lover

8 - You're My Thrill

9 - It Had To Be You

10 - Three Little Words

11 - Spring Is Here

12 - Close As Pages In A Book

#2, #4, #8 y #9:

Bernie Glow, Burt Collins, Doc Severinsen, John Bello (trompetas); Urbie Green, Sy Berger, Frank Rehak (trombones); Dick Hixon (trombón bajo); Dick Meldonian, Gene Quill (saxos altos); Al Cohn, Zoot Sims (saxos tenores); Sol Schlinger (saxo barítono); Barry Galbraith (guitarra); Milt Hinton (contrabajo); Osie Johnson (batería); Marion Evans (arreglos y dirección).

#1, #3, #7 y #12:

Bernie Glow, Burt Collins, John Frosk, John Bello (trompetas); Urbie Green, Sy Berger, Frank Rehak (trombones); Dick Hixon (trmbón bajo); Dick Meldonian, Herb Geller (saxos altos); Al Cohn, Zoot Sims (saxos tenores); Sol Schlinger (saxo barítono); Barry Galbraith (guitarra); John Drew (contrabajo); Don Lamond (batería); Marion Evans (arreglos y dirección).

#5, #6, #10 y #11:

Al DeRisi, Burt Collins, Doc Severinsen, John Bello (trompetas); Urbie Green, Sy Berger, Frank Rehak (trombones); Dick Hixon (trombón bajo); Dick Meldonian, Gene Quill (saxos altos); Al Cohn, Zoot Sims (saxos tenores); Sol Schlinger (saxo barítono); Barry Galbraith (guitarra); John Drew (contrabajo); Don Lamond (batería); Marion Evans (arreglos y dirección).

Grabaciones realizadas en el 30th Street Studio de Nueva York, el 19 (#2, #4, #8 y #9), el 23 (#1, #3, #7 y #12) y el 25 (#5, #6, #10 y #11) de noviembre de 1959. 

Coleman Hawkins - Gemas restauradas

Nacido en 1904 en Missouri, Coleman Hawkins elevó al saxo a una forma exquisita de arte, siendo el responsable de crear el concepto del saxofonista moderno como solista estrella. Antes de que Hawkins apareciera en escena a fines de la década de 1920, el saxo —patentado por su inventor, el músico belga Adolphe Sax en 1846—, se consideraba un instrumento apenas novedoso. Se había utilizado ocasionalmente en la música clásica, pero en la música popular anterior a 1925, el saxo rara vez se escuchaba. Y cuando era utilizado, se empleaba principalmente para proporcionar ruidos de mugido de baja frecuencia y efectos de sonido cómicos, parecidos a flatulencias. En resumen, no era tomado muy en serio. Además, no había un linaje de grandes músicos que pudieran ser modelos a seguir para los jóvenes aspirantes a músicos. Coleman Hawkins cambió para siempre la percepción del saxo.

Conocido por su afición al alcohol, sucumbió a una enfermedad hepática a la edad de 64 años. Pero en las cinco décadas que estuvo musicalmente activo, demostró ser un verdadero pionero: un revolucionario de buena fe que le dio al saxo tenor su voz única. El rico legado de grabaciones que dejó unió las eras del swing y el bebop y ayudó a dar forma al jazz tal como lo conocemos hoy. Una de esas sesiones de grabación, ahora consideradas históricas, es la que presentaremos esta vez.

El 8 de noviembre de 1954, Coleman y otros cinco ilustres acompañantes "todoterreno" como Milt Hinton, Billy Taylor, Emmett Berry, Eddie Bert y el gran Jo Jones. grabaron una docena de canciones para el sello Jazztone Society, un sello de muy corta vida que se especializaba en la venta de grabaciones por correo. Nueve de estas pistas fueron publicadas como Timeless Jazz: Coleman Hawkins and his All-Stars y las restantes fueron apareciendo en distintas "ensaladas" en formato de LP's o fraccionados en "sencillos" de 7 y 10 pulgadas.

El bop estaba en pleno apogeo y Hawkins, que pasaba por un gran momento de su carrera, demostró en estos registros su total adaptación al estilo.

Hubo que esperar hasta 1980, para que estas grabaciones aparecieran en disco compacto por primera vez, siendo la casa barcelonesa Fresh Sound la encargada de remasterizar Timeless Jazz (respetando los nueve temas del vinilo original), y hasta 2003 para que volviera a hacerlo (esta vez reuniendo la totalidad de los registros realizados) bajo el título The Complete Jazztone Recordings 1954. 

Dadas las condiciones de grabación de sellos como Jazztone en la década de 1950, el sonido de las ediciones en CD es verdaderamente "cavernoso". Hay momentos en los que, en el mejor de los casos, a Jo Jones se le intuye mientras una incómoda reverberación envuelve todo el conjunto.

Pero la música es magnífica. Puede enorgullecerse al lado de sus más famosas grabaciones, a pesar de su origen obscure y su calidad de sonido comprometida. En definitiva, grabaciones de colección para todos los fanáticos de Hawk y para los amantes de los hard to find del jazz en general.

Coleman Hawkins

The Complete Jazztone Recordings 1954

1 - Get Happy

2 - If I Had You

3 - Lullaby Of Birdland

4 - Time On My Hands

5 - Out Of Nowhere

6 - Ain't Misbehavin'

7 - Blue Lou

8 - Stompin' At The Savoy

9 - Cheek To Cheek

10 - Just You, Just Me

11 - Honeysuckle Rose

12 - Undecided

Coleman Hawkins (saxo tenor), Emmett Berry (trompeta [#1, #3, #5, #7, #8 y #10]), Eddie Bert (trombón [#1, #3, #5, #7, #8 y #10]), Billy Taylor (piano), Milt Hinton (contrabajo), Jo Jones (batería).

Grabado en Nueva York, el 8 de noviembre de 1954. 

Murakami y el Jazz #14½

En la selección de discos de la entrada anterior correspondiente al cuento "Náusea, 1979", se mencionaba que no existe un disco titulado "Mainstream Jazz" cuyo líder principal sea Vic Dickenson. Eso es cierto.

Pero, si se considera el título CON Dickerson como músico participante, ¿es "totalmente" cierto? Corresponde decir que no.

Poniendo el título y el músico (por enésima vez) bajo el radar de las discografías, aparece una coincidencia.

Se trata de un ejemplar "raro", producido por Stanley Dance para el sello RCA Camden. Uno de esos discos que nunca se los consideraría para integrar el canon del jazz (parafraseando a Ted Gioia).

En uno de sus lados, figura una orquesta de catorce elementos dirigida por Andy Gibson, el arreglador predilecto de Lester Young, según él mismo. En el otro, un sexteto liderado por el trompetista Shorty Baker. En ambas formaciones aparece el trombón de Vic Dickenson.

De paso, en las notas de contratapa, Stanley Dance, escritor, crítico, productor e historiador británico de la "era del Swing", aprovecha para intentar definir, en pocas palabras, algo tan indefinible como "mainstream" en el contexto del jazz. No en vano, fue el propio Dance quien, instalado en los Estados Unidos en 1958, acuñó el término "mainstream" para definir la corriente musical que se ubica entre el dixieland y el bebop. Cabe señalar que, para ejemplificar el término estilístico que instauró, supervisó nueve célebres álbumes para el sello Felsted con veteranos músicos de swing. 

Nos enseña Dance:

"Mainstream" no es una categoría nueva. En el mejor de los casos, es un rótulo que refiere a un corpus jazzístico muy grande y estilísticamente variado que no puede clasificarse ni como Tradicional ni como Moderno. De alguna manera, como una de las caóticas secuelas de la Segunda Guerra Mundial, la música se encontró dividida por esas dos tendencias, defendidas por sus respectivos aliados, el Dixieland y el Progresivo. Mutuamente excluidas por sus vocingleros partidarios, militantes de las formas más antiguas o de las más nuevas, ambas son expresiones idiomáticas de músicos que florecieron durante más de una década antes de la llegada del Bop.

La principal característica de Mainstream reside más en su estrecha relación con la danza que con la que prevalece en el campo del jazz actual. 

Es decir, su énfasis radica en la interpretación del "swing" con un ritmo bien definido. Sin embargo, no sería apropiado adjudicarle el "swing" como adjetivo calificativo, ya que todos los tipos de jazz están teóricamente basados en el "swing".

Podría decirse que, en comparación con ciertos modismos recientes, el Mainstream es conceptual y expresivamente más cálido que frío, pero ¡también sucede eso con el Dixieland!

Por lo tanto, hasta la llegada del jazz moderno, más allá de lo que se considere por Modernismo, el Mainstream debe ser reconocido como una forma que, sin abandonar los fundamentos, no se priva de ninguna combinación ni formato instrumental. Los incorpora selectivamente y los deja fluir...

En definitiva, este también podría haber sido ese disco "con" Vic Dickenson y titulado "Mainstream Jazz" mencionado por Murakami.

Andy Gibson Orchestra & The Mainstream Sextet

Mainstream Jazz

Lado 1

1 - Blueprint

Lado 2

2 - I Got Nothing But You

3 - Bedroom Eyes

4 - Give The Lady What She Wants Most

#1: Andy Gibson And His Orchestra

Jimmy Nottingham, Emmett Berry (trompetas); George Dorsey, Hilton Jefferson (saxos altos); Prince Robinson (clarinete y saxo tenor); Paul Gonsalves (saxo tenor); Leslie Johnakins (saxo barítono); Vic Dickenson, Eli Robinson, Dickie Wells (trombones); Kenny Burrell (guitarra); Jimmy Jones (piano); Milt Hinton (contrabajo); Jimmie Crawford (batería), Andy Gibson (arreglos y dirección).

Grabado en Nueva York, el 1 de diciembre de 1959.

#2, #3 y #4: The Mainstream Sextet

Harold "Shorty" Baker (trompeta), Jimmy Forrest (saxo tenor); Vic Dickenson (trombón), Jimmy Greene (piano), Francesco Skeets (contrabajo), Oliver Jackson (batería).

Grabado en Nueva York, el 14 de octubre de 1959. 

Retratos en Jazz #52 - Jackie & Roy

Jackie & Roy

Dúo vocal formado por Jackie Cain, nacida en 1928 en Wisconsin, y Roy Kral, nacido en 1921 en Illinois. Se conocieron en Chicago en 1946, entraron a formar parte del combo de Charlie Ventura y configuraron un exitoso y afiatado dueto. En 1948 se casaron y en 1949 crearon su propia marca, Jackie & Roy, convirtiéndose así en una pareja muy unida tanto en público como en privado. Entre sus grandes éxitos se destacan los discos Jackie & Roy y The Glory of Love.

Storyville Presents Jackie & Roy (Storyville LP 322 - 10 pulgadas)

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Jackie & Roy

Storyville Presents Jackie And Roy (I)

1 - Mountain Greenery

2 - Yesterdays

3 - Season In The Sun

4 - Hook, Line And Snare

5 - Cheerful Little Earful

6 - I Didn't Know What Time It Was

7 - Slowly

8 - Thou Swell

Jackie Cain (vocalista), Roy Kral (piano y vocalista), Barry Galbraith (guitarra), Bill Crow (contrabajo), Joe Morello (batería).

Grabado en 1955.

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~ Extras ~

El disco recomendado por Murakami es uno de los dos de la pareja de cantantes para el sello Storyville. En el otro, también sin información sobre lugar y fecha exacta de grabación, cambian los acompañantes, pero no la calidad: Barney Kessel, Red Mitchell y Shelly Manne. La diferencia, para fortuna de los "escuchantes", es que la sesión fue más extensa.

Jackie & Roy 

Storyville Presents Jackie And Roy (II)

1 - Say My Heart

2 - Let's Take a Walk Around The Block

3 - Spring Can Really Hang You Up the Most

4 - Mine

5 - Bill's Bit

6 - Lover

7 - Tiny Told Me

8 - You Smell So Good

9 - Lazy Afternoon

10 - Dahuud

11 - Listen Little Girl

12 - I Wish I Were In Love Again

Jackie Cain (vocalista), Roy Kral (piano y vocalista), Barney Kessel (guitarra), Red Mitchell (contrabajo), Shelly Manne (batería).

Grabado en 1955.

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The Glory Of Love, la otra grabación exitosa del grupo que menciona Murakami, es el primero de los cuatro que el grupo registró para el sello ABC-Paramount y que, en 2008, el sello londinense Jasmine lo integró a los ahora clásicos "2 LP's en 1 CD", sumándolo al segundo opus para la casa Paramount: Bits And Pieces, una experiencia espléndida de estos pioneros del vocalese en compañía de expertos arregladores como Bill Holman y Quincy Jones, junto a grandes representantes del jazz de la costa oeste como Richie Kamuca, Jerome Richardson, y Shelley Manne.

Jackie And Roy

Bits And Pieces & The Glory Of Love

1 - Look Around

2 - Stopping The Clock

3 - Change Of Heart

4 - Honey Did

5 - Whisper Not

6 - Say Cheese

7 - Aura

8 - Darn That Dream

9 - I'm Forever Blowing Bubbles

10 - Walking

11 - The Glory Of Love

12 - The Best Thing For You

13 - I Love You Real

14 - Could You Use Me

15 - Miz' Margret

16 - Love Is Sweeping The Country

17 - You Inspire Me

18 - Looking At You

19 - Where Did The Gentleman Go

20 - Let's Get Away From It All

21 - Tain't No Use

22 - The Winter Of My Discontent

Bits And Pieces (#1 a #10):

Jackie Cain (vocalista); Roy Kral (piano, vocalista); Russ Freeman (piano); Al Porcino, Clark Terry, Bernie Glow, Art Farmer, Stu Williamson (trompetas); Frank Rosolino, Ray Sims, Jimmy Cleveland, Urbie Green (tombones); Richie Kamuca, Anthony Ortega (saxos tenores); Herbie Mann (saxo tenor y flauta); Charlie Mariano, Phil Woods (saxos altos); Jerome Richardson (saxo barítono y flauta); Dave Pell, Marty Berman (saxos barítonos); Max Bennett, Milt Hinton (contrabajos); Osie Johnson, Shelly Manne (baterías).

Arreglos de: Roy Kral (#6), Bill Holman (#1 y #7), Quincy Jones (#2 y #5), Ralph Burns (#3 y #8), Ernie Wilkins (#4, #9 y #10).

Grabado en marzo de 1957.

The Glory Of Love  (#11 a #22):

Jackie Cain (vocalista), Roy Kral (piano, vocalista), Barry Galbraith (guitarra), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabado en marzo de 1956.

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Murakami también elogia al pasar los registros de Jackie & Roy para el sello Columbia. De los tres que realizaron para dicha discográfica, aporto el primero de ellos, un álbum en el que, según Jackie, "…íbamos a hacer con Red Norvo al vibráfono. Eso fue justo después de su gira y grabación en 1959 con Frank Sinatra. Pero el mánager de Sinatra no lo dejó grabar con nosotros, diciendo que no quería a Norvo en el álbum de ningún otro cantante. Así que tuvimos la asistencia de Larry Bunker, que también tiene lo suyo".

Jackie Cain and Roy Kral

Sweet And Low Down

Lado 1

1 - Sweet And Lowdown

2 - 'S Wonderful

3 - Cheek To Cheek

4 - They Can't Take That Away From Me

5 - Hallelujah!

Lado 2

6 - Chicago

7 - Mountain Greenery

8 - Experiment

9 - Fun Life

10 - Wingin' With The Wind

Jackie Cain (vocalista), Roy Kral (piano y vocalista), Anthony Ortega (saxo alto y flauta), Larry Bunker (vibráfono), Barney Kessel (guitarra), Al McKibbon (contrabajo), Frank Butler (batería).

Grabado en Los Angeles, el 23 y el 26 de febrero de 1960.

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Finalmente, para estos "extras" ilustrativos, volvamos a los principios del dúo, a sus comienzos como integrantes de los "combos" de Charlie Ventura. Un material apropiado de aquella época se encuentra en uno de los seis volúmenes que el sello francés Classics dedicó al repaso de la carrera del saxofonista entre 1945 y 1953, para investigar las grabaciones de Ventura, su maravilloso manejo de los saxos tenor y barítono y los excelentes conjuntos que dirigió. En el tomo siguiente aparecen los comienzos de Jackie Cain como cantante solista y complementándose con Roy Kral para sus destacados "bop scats".

Charlie Ventura

The Chronological Classics 1947~1949

1 - Pennies From Heaven

2 - Eleven Sixty

3 - East Of Suez

4 - Baby, Baby All The Time

5 - If I Had You

6 - Euphoria

7 - Lonely Women

8 - F.Y.I.

9 - Oh, Lady Be Good

10 - Deed I Do

11 - Sweet Georgia Brown

12 - Pina Colada

13 - I'm Forever Blowing Bubbles

14 - Gone With The Wind

15 - Once In A While

16 - Whatta Ya Say We Go

17 - Body And Soul

18 - Birdland

19 - Lullaby In Rhythm

20 - Fine And Dandy - Part 1

21 - Fine And Dandy - Part 2

22 - For Bopper's Only

23 - Flamingo

24 - Deed I Do

#1 a #4:

Charlie Ventura (saxo tenor), Kai Winding (trombón), Lou Stein (piano), Bob Carter (contrabajo), Shelly Manne (batería), Buddy Stewart (vocalista).

Grabado en Nueva York, el 11 de setiembre de 1947.

#5 a #15:

Charlie Ventura (saxos tenor y barítono); Norman Faye (trompeta); Benny Green (trombón); Ben Ventura (saxo barítono); Roy Kral (piano, vocalista); Gus Cole, Chubby Jackson (contrabajos); Ed Shaughnessy (batería); Jackie Cain (vocalista).

Grabaciones realizadas en Chicago, en octubre de 1948.

#16 a #19:

Charlie Ventura (saxos tenor y barítono), Norman Faye (trompeta), Benny Green (trombón), Roy Kral (piano, vocalista), Kenny O'Brian (contrabajo), Ed Shaughnessy (batería), Jackie Cain (vocalista).

Grabado en Nueva York, el 6 de enero de 1949.

#20 a #24:

Charlie Ventura (saxos tenor y barítono), Conte Candoli (trompeta), Benny Green (trombón), Henry "Boots" Mussulli (saxos alto y barítono), Roy Kral (piano, vocalista), Kenny O'Brian (contrabajo), Ed Shaughnessy (batería), Jackie Cain (vocalista).

Grabaciones realizadas en Nueva York, el 5 de febrero de 1949 (#20 y #21) y el 7 de abril de 1949 (#23 y #24). 

Retratos en Jazz #47 - Lionel Hampton

Lionel Hampton (1908-2002)

Nació en Kentucky. Introdujo el vibráfono al jazz como instrumento solista. Tocó en diferentes bandas hasta que, en 1936, fue contratado para integrar el cuarteto de Benny Goodman, con quien se hizo de un nombre. También trabajó con Goodman como baterista. Más tarde, en California, cumplió su deseo de formar su propia big band y en 1942 logró un gran éxito con Flying Home, donde también participó Illinois Jacquet en saxo tenor.

You Better Know It!!! (Impulse A-78)

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Lionel Hampton

You Better Know It!!!

Lado 1

1 - Ring Dem Bells

2 - Vibraphone Blues

3 - Tempo's Birthday

4 - Sweethearts On Parade

Lado 2

5 - Pick A Rib

6 - Trick Or Treat

7 - Cute

8 - Swingle Jingle

9 - A Taste Of Honey

Lionel Hampton (vibráfono, vocalista, piano en #8), Clark Terry (trompeta), Ben Webster (saxo tenor), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 28 y 29 de octubre de 1964.

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~ Extras ~

Uno de los opus de la serie francesa Chronological Classics es la adecuada para presentar el exitoso "Flying Home" que menciona Murakami. No sólo incluye el registro original de 1942 con la intervención de Illinois Jacquet en saxo tenor, sino que también agrega la versión aparecida en los célebres V-Discs, destinados al entretenimiento de las tropas norteamericanas que participaban en la Segunda Guerra.

Jacquet estuvo con Hampton por un período de tiempo relativamente breve, pero Arnett Cobb demostró ser un reemplazo perfecto para la banda de 1944. 

Lionel Hampton

The Chronological Classics 1942~1944

1 - Royal Family

2 - I Can't Believe That You're In Love With Me

3 - Blues In The News

4 - Exactly Like You

5 - Now I Know

6 - Half A Love Is Better Than None

7 - Flying Home

8 - In The Bag

9 - Loose Wig

10 - Chop-Chop

11 - Flyin' Home N° 2

12 - Hamp's Boogie Woogie

13 - Flyin' Home - Part I

14 - Flyin' Home - Part II

15 - The Major And The Minor

16 - I Wonder Boogie (Hamp's Boogie Woogie)

17 - Million Dollar Smile

18 - The Lamplighter

19 - Overtime

20 - Tempo's Boogie

#1 a #4:

Lionel Hampton (vibráfono), Marshall Royal (clarinete, saxo alto), Ray Perry (Saxo barítono, violín), Milton Buckner (piano), Irving Ashby (guitarra), Vernon Alley (contrabajo), George Jenkins (batería).

Grabado en Nueva York, el 2 de marzo de 1942.

#5 a #8:

Lionel Hampton (vibráfono); Ernie Royal, Karl George, John Newman (trompetas); Fred Becket, Sonny Craven, Harry Sloan (trombones); Marshall Royal (clarinete, saxo alto), Ray Perry (saxo alto); Dexter Gordon, Illinois Jacquet (saxos tenores); Jack McVea (saxo barítono); Milton Buckner (piano); Irving Ashby (guitarra); Vernon Alley, Wendell Marshall (contrabajos); Lee Young (batería).

Grabado en Nueva York, el 26 de mayo de 1942.

#9 a #12:

Lionel Hampton (vibráfono, piano en #12); Cat Anderson, Lamar Wright, Roy McCoy, Joe Morris (trompetas); Al Hayes, Michael "Booty" Wood, Fred Beckett (trombones); Earl Bostic, Gus Evans (saxos altos); Al Sears, Arnett Cobb (saxos tenores); Charlie Fowlkes (saxo barítono); Milt Buckner (piano); Eric Miller (guitarra); Vernon King (contrabajo); Fred Radcliff (batería).

Grabado en Nueva York, el 2 de marzo de 1944.

#13 a #16:

Lionel Hampton (vibráfono); Cat Anderson, Lamar Wright, Roy McCoy, Joe Morris (trompetas); Al Hayes, Michael "Booty" Wood, Fred Beckett (trombones); Earl Bostic, Gus Evans (saxos altos); Al Sears, Arnett Cobb (saxos tenores); Charlie Fowlkes (saxo barítono); Milt Buckner (piano); Eric Miller (guitarra); Vernon King (contrabajo); Fred Radcliffe (batería).

Grabado en Nueva York, el 10 de marzo de 1944.

#17 a #20:

Lionel Hampton (vibráfono); Eugene "Snooky" Young, Wendell Culley, Joe Morris, Dave Page, Lamar Wright (trompetas), Vernon Porter, Fred Beckett, Andrew Penn, Luther "Sonny" Craven, Allen Durham (trombones); George Dorsey, Gus Evans (saxos altos); Arnett Cobb, Fred Simon (saxos tenores); Charlie Fowlkes (saxo barítono); Milt Buckner (piano); Billy Mackel (guitarra); Charles Harris, Ted Sinclair (contrabajos); Fred Radcliff (batería).

Grabado en Los Angeles, el 16 de octubre de 1944.

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En cuanto a las grabaciones de Hampton "en el contexto de combos reducidos que grabó para los sellos Clef y Norgran", es difícil elegir uno en particular ya que la producción de esa época apareció repartida en quince discos. Por tanto, la solución "salomónica" de esta vez consiste en presentar la colección completa que el sello Verve preparó en 1999. En un momento en que Hampton viajaba por el mundo dirigiendo una gran orquesta, estas grabaciones realizadas entre 1953 y 1954 le sirvieron para reafirmar lo bien que podía sonar en formato de cuartetos y quintetos.

Lionel Hampton

The Complete Quartets And Quintets With Oscar Peterson On Verve

CD 1

1 - Always

2 - 'S Wonderful

3 - Air Mail Special

4 - The Nearness Of You

5 - Soft Winds

6 - Stompin' At The Savoy

7 - Love For Sale

8 - April In Paris

9 - Just One Of Those Things

CD 2

1 - Star Dust

2 - That Old Black Magic (part 1)

3 - That Old Black Magic (part 2)

4 - This Can't Be Love

5 - Willow Weep For Me

6 - How High The Moon

7 - Blues For Norman

8 - I Can't Get Started

9 - Moonglow

CD 3

1 - It's Only A Paper Moon

2 - The Way You Look Tonight

3 - Flying Home

4 - These Foolish Things

5 - Don't Be That Way

6 - Dinah

7 - On The Sunny Side Of The Street

8 - Je Ne Sais Pas

CD 4

1 - It's A Blue World (false start/alternative take)

2 - It's A Blue World (LP master take)

3 - It's A Blue World (78 rpm master take)

4 - The High And The Mighty

5 - When The Saints Go Marching In

6 - Flying Home

7 - Midnight Sun

8 - Tenderly

9 - Hallelujah

10 - Indiana (false start/complete take)

11 - But Beautiful

12 - Indiana

CD 5

1 - Hamp's Boogie Woogie (LP master take)

2 - Hamp's Boogie Woogie (78 rpm master take)

3 - Honeysuckle Rose

4 - Honeysuckle Rose (short version)

5 - China Boy

6 - A Foggy Day (LP master take)

7 - A Foggy Day (78 rpm master take)

8 - Love Is Here To Stay

9 - Body And Soul

10 - It's Only A Paper Moon

11 - Sweethearts On Parade

12 - Date With Oscar

Lionel Hampton (vibráfono y vocalista), Oscar Peterson (piano), Ray Brown (contrabajo), Buddy Rich (batería), Buddy DeFranco (clarinete), Herb Ellis (guitarra).

Grabaciones realizadas en Nueva York, entre setiembre de 1953 y setiembre de 1954.

[Información detallada en el librillo] 

Retratos en Jazz #34 - Clifford Brown

Clifford Brown (1930-1956)

Nació en Delaware. Se le conoce cariñosamente como Brownie. Descubierto por Fats Navarro y Dizzie Gillespie, a partir 1951 formó parte de muchas orquestas. En 1954, junto a Max Roach, forma el Brown-Roach Quintet, dejando una huella destacada en la historia del modern jazz. Su breve carrera duró solo hasta sus 25 años, cuando muere en un accidente automovilístico. Sin embargo, registró varios discos exitosos para un sello del nivel de EmArcy. Acompañó a varias vocalistas, siendo particularmente famosa su participación junto a Helen Merrill.

Study In Brown (EmArcy MG-36037)

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Clifford Brown And Max Roach

Study In Brown

Lado 1

1 - Cherokee

2 - Jacqui

3 - Swingin'

4 - Lands End

Lado 2

5 - George's Dilemma

6 - Sandu

7 - Gerkin For Perkin

8 - If I Love Again

9 - Take The A Train

Clifford Brown (trompeta), Harold Land (saxo tenor), Richie Powell (piano), George Morrow (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabado en Nueva York, el 23, 24 y 25 de febrero de 1955.

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~ Extras ~

Al Study In Brown, se impone casi naturalmente sumar los registros que estuvieron "durmiendo" en las bóvedas de la EmArcy hasta su hallazgo en 1981 y lanzados en 1983 bajo el título de More Study In Brown. El contenido se compone principalmente de tomas alternativas de las sesiones del Clifford Brown / Max Roach Quintet, más otros registros del año siguiente con la participación de Sonny Rollins que bien sirven para contrastar su poderoso saxo con el de Harold Land.

Clifford Brown

More Study In Brown

1 - I'll Remember April

2 - Junior's Arrival

3 - Flossie Lou

4 - Mildama

5 - Jordu

6 - These Foolish Things

7 - Lands End

8 - The Blues Walk

Clifford Brown (trompeta), Sonny Rollins (saxo tenor en #1, #2, #3 y #4), Harold Land (saxo tenor en #5, #6, #7 y #8), Richie Powell (piano), George Morrow (contrabajo), Max Roach (batería).

Grabaciones realizadas en Nueva York el 3 de agosto de 1954 (#5), el 6 de agosto de 1954 (#4 y #6), el 23 de febrero de 1955 (#7), el 24 de febrero de 1955 (#8), el 4 de enero de 1956 (#2) y el 17 de febrero de 1956 (#1 y #3).

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Respecto a la colaboración de Clifford con la cantante Helen Merrill, el disco al que refiere Murakami es, probablemente, el mejor registro discográfico de la extensa y prolífica carrera de Merrill, vocalista de ascendencia yugoslava, nacida en Nueva York en 1930 cuyo verdadero nombre es Jelena Ana Milčetić. Con excelentes arreglos de Quincy Jones, este álbum debut de Helen es un auténtico manifiesto de originalidad vocal y marca un hito, no solo en su carrera, sino también en el mundo del género, por ser considerado, más de sesenta y seis años después de ser grabado, como uno de los cien mejores disco de jazz vocal de todos los tiempos.

Helen Merrill

Helen Merrill

1 - Don't Explain

2 - You'd Be So Nice To Come Home To

3 - What's New

4 - Falling In Love With Love

5 - Yesterdays

6 - Born To Be Blue

7 - 'S Wonderful

Helen Merrill (vocalista), Clifford Brown (trompeta), Danny Bank (saxo barítono, flauta y clarinete bajo), Jimmy Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Milt Hinton (contrabajo en #1, #2, #6 y #7), Oscar Pettiford (violonchelo y contrabajo en #3, #4 y #5), Osie Johnson (batería en #1,#2, #6 y #7), Bobby Donaldson (batería en #3, #4 y #5), Quincy Jones (dirección y arreglos).

Grabado en Nueva York, entre el 22 y el 24 de diciembre de 1954.