Wynton Kelly - Elegante maestría

Wynton Charles Kelly nació en Jamaica el 2 de diciembre de 1931. Cuatro años más tarde, su familia se trasladó a los Estados Unidos, estableciéndose en Nueva York, más precisamente en el distrito de Brooklyn. 

Comenzó su carrera profesional siendo aún adolescente, iniciándose como músico de rhythm and blues con artistas como Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Destacó como acompañante de Lester Young entre 1951 y 1952 y, tras su servicio militar volvió al mundo musical colaborando con Dinah Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), y con la Big Band de Dizzy Gillespie (1957). En 1959 comenzó su colaboración con Miles Davis (1959-1963) con quien grabaría álbumes como Kind Of Blue, At The Blackhawk, o Someday My Prince Will Come. Tras abandonar a Davis formó su propio trío con el resto de la sección rítmica de la banda.

Su temprana muerte, ocurrida en Toronto, Canadá, e 12 de abril de 1971, privó al jazz de una de sus figuras más inventivas. La crítica especializada es coincidente en dos aspectos: su enorme figura nunca recibió la atención que merecía y su maestría quedó de manifiesto en sus pianos tríos, a través de los que exhibió un estilo impecable, elegante y rebosante de swing, creando escuela entre muchos pianistas.

Wynton Kelly dejó un valioso legado discográfico para los sellos Blue Note, Riverside, Verve, Milestone y Vee-Jay. Y son los tres álbumes como líder para este último los que reseña Carlos Sampayo en el libro que estamos repasando:

El estilo de Wynton Kelly dio pautas rotundas para la formación de secciones rítmicas durante los años sesenta. Esencial y práctico, su modo de afrontar el teclado no daba lugar a descartes ni dudas. Poseía una colosal fuerza de arrastre y supo congeniar el swing (que Cannonball Adderley le atribuía como cualidad "natural") con las sutilezas propias del artista con un discurso individual y solo en apariencia simple.

La complejidad oculta de Kelly reside en el poder de persuasión sobre los otros solistas sin invadir su terreno, la facilidad para poner en marcha una maquinaria sin grietas y la llaneza con que usaba pocas ideas básicas para expresar argumentos diferentes.

Como acompañante era el non plus ultra codiciado por todos (allí está la segunda época dorada de Miles Davis como testimonio), mientras que como solista aportó algunas ideas y recursos que, siendo en él originales, usadas por otros suenan a pegote pringoso: nadie ha podido emular sus escalas ascendentes y descendentes, con interrupciones leves, retardos y aceleraciones apenas perceptibles que las transformaban en algo más que una escala y la divorciaban del estereotipo.

Kelly representa esa suerte de gran talento reposado que es sustento de encanto y armonía. No era un genio del piano (hay pocos), pero sí un artista íntegro y fiel a un lenguaje personal.

Las tres referencias del sello Vee Jay muestran a un pianista en el mejor momento de su carrera.

Cuando grabó Kelly Great —su única experiencia como líder de un quinteto con Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería)— ya había grabado varios discos para otros sellos, era un partenaire muy solicitado e integraba el quinteto de Miles Davis. Esta sesión fue también un banco de pruebas para Wayne Shorter, que haría su primera grabación como líder cuatro meses después; se trata de un disco especial para apreciar las cualidades de Kelly como acompañante (aquí en situación de liderazgo), de una música muy estimulante y sin edad.

Wynton Kelly

Kelly Great

1 - Wrinkles

2 - Mama G

3 - June Night

4 - What Know

5 - Sidney

Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Fine Sound Studios, Nueva York, el 12 de agosto de 1959.

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En Kelly at Midnite (hubo una versión en pseudo vinilo titulado, británicamente Kelly at Midnight), el pianista y quienes mejores conjugaron con sus intenciones —Paul Chambers (contrabajo), rotundo, y Philly Joe Jones (batería), angelical— vuelven a redondear —años más tarde en forma de reedición— el ideal del trío; Kelly exige aquí proezas novedosas a su mano izquierda, con éxito.

Wynton Kelly

Kelly At Midnite

1 - Temperence

2 - The Weird Lullaby

3 - On Stage

4 - Skatin'

5 - Pot Luck 

Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Bell Sound Studios, Nueva York, el 27 de abril de 1960.

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En Wynton Kelly!, un doble que incluye —en el segundo CD— el entero set de tomas alternativas en su momento editadas en Japón en un CD independiente, se presenta la que fue la gran sección rítmica de Davis con Kelly (con la excepción de Sam Jones en algunos temas y Jimmy Cobb en batería). Un disco que no pasó inadvertido a la crítica de la época y cosechó elogios encendidos. Solo puedo decir que quizás aquí se encierre lo mejor de su música grabada; y esta acotación no es trivial porque quienes lo escucharon en vivo y directo afirman que era capaz de promover las mayores exaltaciones en el público presente.

Wynton Kelly Trio

Wynton Kelly!

*CD 1*

1 - Come Rain Or Come Shine [**]

2 - Make The Man Love Me [**] 

3 - Autumn Leaves [*]

4 - Surrey With The Fringe On Top [**]

5 - Joe's Avenue [*]

6 - Sassy [**]

7 - Love, I've Found You [**]

8 - Gone With The Wind [**]

9 - Someday My Prince Will Come [*]

10 - Char's Blues [**]

*CD2*

1 - Autumn Leaves (take 1) [*]

2 - Autumn Leaves (take 2) [*]

3 - Autumn Leaves (take 3) [*]

4 - Char's Blues (take 1) [**]

5 - Char's Blues (take 2) [**]

6 - Joe's Avenue (take 1) [*]

7 - Joe's Avenue (take 4) [*]

8 - Joe's Avenue (take 8) [*]

9 - Joe's Avenue (take 9) [*] 

10 -  Someday My Prince Will Come (take 6) [*]

11 - Surrey With The Fringe On Top (take 3) [**]

Wynton Kelly (piano); Paul Chambers [*], Sam Jones [**] (contrabajos); Jimmy Cobb (batería).

Grabaciones realizadas Bell Sound Studios, Nueva York, el 20 [*] y el 21 [**] de julio de 1961. 

Phineas Newborn Jr. - Prodigioso mundo aparte

De padre baterista y director de orquesta y de madre pianista y cantante, Phineas Newborn Jr. emprendió estudios musicales desde niño profundizándolos después en el bachillerato y en la Universidad. Debutó en 1947 con Saunders King y estuvo en Memphis con diversas formaciones locales hasta 1950, año en que se unió a la orquesta de Lionel Hampton, con quien permaneció dos años, hasta 1952. Tras una efímera colaboración con los "Tennessee State Collegians", en 1953 tocó con Willis Jackson hasta que tuvo que hacer el servicio militar.

Entre 1955 y 1956 formó su propio cuarteto, con el que, en mayo de 1956, se trasladó a Nueva York para firmar un contrato por dos años en el afamado club "Bassin Street". Más adelante convirtió su cuarteto en un trío y en 1958 todavía redujo más el grupo formando un dúo con el contrabajista Charles Mingus, con quien apareció en la película "Shadows", de John Cassavettes.

En el otoño de ese mismo año, viajó por primera vez a Europa, alcanzando un gran éxito y demostrándole al entendido público francés, que su preparación técnica y su dominio del piano no tenía nada que envidiarle a los más grandes. A mediados de 1960, una larga y penosa enfermedad, sumada a una lesión en una de sus manos, le obligó suspender por una larga temporada su carrera profesional dado que tuvo que ser ingresado en el Camarillo Hospital, la misma clínica donde estuvo internado Charlie Parker. Cuando reanudó su actividad, a finales de 1970, se dedicó a tocar de manera habitual con su trío en la zona de Los Angeles, donde demostró que su feeling estaba intacto. Según el crítico e historiador de jazz Nat Hentoff, su muerte llevó a la creación de la "Jazz Foundation of America", una organización dedicada subvencionar los gastos médicos de importantes artistas del mundo del jazz.

Sus grabaciones para el sello Contemporary, en especial el debut para dicho sello —A World Of Piano!— siguen siendo consideradas de máximo interés jazzístico y Carlos Sampayo reseña este álbum de la siguiente manera: 

Leonard Feather opinaba que Newborn era el más grande pianista de jazz de todos los tiempos después de Art Tatum y Bud Powell. Es una opinión extrema, pero Feather no era amigo de hipérboles.

Newborn, que nació en 1931 en un pueblo de Tennessee, fue un niño prodigio y un adulto inestable. Su carrera comenzó en los primeros años cincuenta en bandas de rhythm and blues y tras su traslado a Nueva York en 1956 se dedicó exclusivamente al jazz. En palabras de George Avakian, "parecía nacido para esto".

Una serie de discos grabados para el sello Contemporary pone en evidencia esa predisposición sustentada en un talento creador que en la improvisación no muestra grietas; pero no es lo único: poseedor de una técnica deslumbrante inventó (más bien perfeccionó) un modo de improvisación a dos manos concordante donde los acordes estaban implícitos y se insertaban como por arte de magia en la melodía que estaba creando... mientras la creaba.

También fue un maestro absoluto en el arte del tiempo, secreto jazzístico por excelencia; el ritmo fluía con llaneza y aparentemente sin obstáculos.

De los discos de Newborn para Contemporary —ambién muy buenos los Atlantic y los Roulette— elegimos este porque condensa y resume todas sus cualidades. Sus versiones de "Cheryl" (Charlie Parker), "Daahoud" (Clifford Brown) y "Oleo" (Sonny Rollins) son casi insuperables en trío de piano.

Una versión muy emotiva de "Lush Life" (Strayhorn) es precedida por la introducción de la "Sonatine" de Maurice Ravel, como si se tratara de la misma música. Acompañan al pianista Paul Chambers o Sam Jones (contrabajo) y Philly Joe Jones o Louis Hayes (batería).

Enfermo de esquizofrenia, afección que lo llevó a períodos de interrupción profesional y hospitalización, Phineas Newborn Jr. murió en Memphis en 1989.

Phineas Newborn Jr.

A World Of Piano!

1 - Cheryl

2 - Manteca

3 - Lush Life

4 - Dahoud

5 - Oleo

6 - Juicy Lucy

7 - For Carl

8 - Cabu 

Phineas Newborn Jr. (piano) en trío con:

#1 a #4:

Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabados en Comtemporary Records' Studio, Los Angeles, California, el 16 de octubre de 1961.

#5 a #8:

Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Grabados en Comtemporary Records' Studio, Los Angeles, California, el 21 de noviembre de 1961. 

Obscure #10 - Joe Alexander

Joe Alexander nació como Huntington Kendrick Alexander en 1929. Subestimado por los estudios biográficos de la historia del jazz, la escasa información que arrojan las páginas de internet al poner su nombre en el "buscador" citan dos ciudades como su lugar de nacimiento: o bien Birmingham, Alabama, o bien Cleveland, Ohio.

Sin embargo, otras fuentes informan que se graduó en el Conservatorio de Música de Detroit y que llegó a Cleveland desde Pittsburgh cuando su esposa, una enfermera, consiguió un trabajo en dicha ciudad. Pero en todos los casos hay una coincidencia: es considerado como uno de los saxofonistas legendarios del jazz moderno. 

Su alta reputación quedó de manifiesto cuando, a mediados de 1960, los propietarios del Club 100 comenzaron a promocionarlo como "Alexander the Great" ("Alejandro Magno"). Había llegado al Club 100 para reemplazar a Roland Kirk, presentándose frecuentemente en forma de trío con el organista Eddie Baccus o con el pianista Butch Strong.

Pero el "reinado" de Alexander en Cleveland se interrumpió en el verano 1966 debido a los Houg Riots, violentos disturbios de la comunidad afroamericana que abarcó un espectro que iba desde protestas furiosas hasta el desenfrenado vandalismo, con el trágico resultado de cuatro personas muertas y más de 50 heridas. Ante un nuevo desorden civil en 1968, Joe se alejó de la ciudad aprovechando una gira por Europa con la Orquesta Woody Herman, con la que también apareció en el Festival de Jazz de Newport de dicho año.

Entre 1960 y 1968 fueron numerosos los locales en los que se lo vio tocar y triunfar. Sin embargo, lo que lo vuelve un músico obscure es su escasa discografía. Rastreándola, volvemos a los inicios de su carrera profesional, encontrándolo como integrante de la banda del saxofonista Paul "Hucklebuck" Williams en 1950. Tres "lados" registrados para el sello Savoy testifican su presencia con "Paul Williams & His Hucklebuckers", aunque en ninguno destaca más que como parte de la sección de saxos.

Rye Boogie

Jeep’s Blues

Weasel Swing

Paul Williams & His Hucklebuckers 

Paul Williams (saxos barítono y alto); Phil Gilbeaux (trompeta), Joe Alexander, Sam Miller (saxos tenores); Lee Anderson (piano); John Murphy (contrabajo); William Benjamin (batería).

Grabados en Nueva York, el 18 de mayo de 1950.

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A continuación, en 1952, aparece con la banda "Good Humor Six", liderada por el saxofonista Gay Crosse, en la cual coincidió con un joven John Coltrane y llegando a decirse que fue la influencia más temprana de "Trane". Pero no existen grabaciones actuando en conjunto. 

Tampoco existen registros grabados de sus trabajos siguientes: con el trompetista Eddie Preston y el baterista Lawrence Jackson actuando en el Cotton Club de Cleveland en setiembre de 1954 y con el grupo del pianista Jimmy Saunders actuando en el Congo Lounge a comienzos de 1956.

A partir de entonces, su carrera comenzó a expandirse fuera de Cleveland, arribando a Nueva York para un compromiso de seis meses con el grupo de Charlie Mingus, una breve gira con la orquesta de Lionel Hampton y, al fin, su primer y estelar participación en el álbum Fountainebleau, una grabación liderada por otro nativo de Cleveland, el pianista Tadd Dameron, y considerada como la obra más lograda de Dameron. Concebida como una suite en tres partes, inspirada en el Château de Fontainebleau —uno de los mayores palacios reales franceses—, Fountainebleau es una composición de carácter impresionista que Dameron, gran conocedor de la obra de Ravel, y acérrimo admirador de Duke Ellington, grabó a comienzos de 1957, con excepcionales solos de tres subestimados músicos de entonces: el trompetista Kenny Dorham, el trombonista Henry Coker y el mayor descubrimiento de Dameron, Joe Alexander.

Tadd Dameron

Fontainebleau

1 - Fontainebleau

2 - Delirium

3 - The Scene Is Clean

4 - Flossie Lou

5 - Bula-Beige

Tadd Dameron (piano), Kenny Dorham (trompeta), Sahib Shihab (saxo alto), Joe Alexander (saxo tenor), Cecil Payne (saxo barítono), Henry Coker (trombón), John Simmons (contrabajo), Shadow Wilson (batería).

Grabado en Nueva York, el 9 de marzo de 1956.

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En 1960, Joe Alexander actuaba regularmente en el Modern Jazz Room, antes conocido como el Cotton Club de Cleveland  —acompañado por el baterista y gerente del club Fats Heard y el pianista Hugh Thompson—, como también en el Café Tia Juana y en el Park-Lane Ballroom los domingos por la tarde.

En junio de ese año, auspiciado por Cannonball Adderley, le llegó el momento de grabar su único y obscure disco como líder, siendo también el último álbum de su carrera discográfica. Realizado para el sello Jazzland y secundado por una sección rítmica de primer nivel —Bobby Timmons, Sam Jones y Tootie —, Blue Jubilee contó también con otro músico olvidado, el trompetista John Hunt. Como un crítico sentenció, Blue Jubilee es una verdadera "fiesta de alegría, catarsis y esperanza muy bien aprovechada".

Poco después de la grabación, nació su hija Deborah y Joe decidió volver a Cleveland. Con la excepción de una gira con la Woody Herman Orchestra en 1968, pasó el resto de su corta vida tocando principalmente en el Club 100.

En 1969, a Joe se le diagnosticó un problema cardíaco grave y tuvo que someterse a una cirugía a corazón abierto de la cual nunca pudo recuperarse. 

Alexander murió a la edad de 41 años en octubre de 1970. En el funeral, el reverendo Albert Hart dijo algo que aún tiene vigencia: "La escena del jazz de Cleveland lo extrañará, y la escena del jazz nacional, en su mayor parte, nunca sabrá lo que se perdió".

Joe Alexander

Blue Jubilee

Lado 1

1 - Blue Jubilee

2 - Brown's Town

3 - I'll Close My Eyes

Lado 2

4 - Terri's Blues

5 - Weird Beard

Joe Alexander (saxo tenor), John Hunt (fliscorno), Bobby Timmons (piano), Sam Jones (contrabajo), Albert Heath (batería).

Grabado en Nueva York, el 20 de junio de 1960. 

Obscure #8 - Les Spann

Les nació en Pine Bluff, Arkansas, el 23 de mayo de 1932. Bautizado como como Leslie Spann Jr., aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta mientras asistía al instituto Jamaica High School en Queens, Nueva York, donde prosiguió sus estudios musicales con el objetivo de dedicarse a la docencia. En 1949, tras debutar con la big band de Frazier Benefield, se trasladó a Nashville para matricularse en música y composición en la Tennessee State University, donde eligió la flauta, ya que era un requisito aprender un segundo instrumento. Entre 1950 y 1957 integró la banda universitaria Tennessee State Jazz Collegians como músico y arreglista.

Su verdadera carrera profesional comienza en Nueva York en 1957 para tocar con la banda del pianista Phineas Newborn, Jr., y continuó en 1958 para tocar con el pianista Ronnel Bright. Pero lo que le dio el renombre musical fue su asociación con Dizzy Gillespie —entre 1958 y 1959— y con Quincy Jones —entre 1959 y 1961—, con quien realizó su primera gira por Europa en 1960. Posteriormente pasó a formar parte del cuarteto del saxofonista Jerome Richardson, volviendo a Europa en 1963 con Ella Fitzgerald, con quien actuó en la televisión pública de Estocolmo en abril, y en el Olympia de París en marzo de ese mismo año, con un cuarteto formado por Tommy Flanagan al piano, Jim Hughart al contrabajo y Gus Johnson a la batería. Su prolífica carrera como músico de estudio quedó testificada en 78 sesiones de jazz de primera línea desde 1957 a 1967, grabando con, entre otros, Nat Adderley, Benny Bailey, Bill Coleman, Eddie "Lockjaw" Davis, Curtis Fuller, Red Garland, Benny Goodman, Sam Jones, Abbey Lincoln, Charles Mingus, Duke Pearson, Jerome Richardson, Charlie Shavers, Sonny Stitt, Billy Taylor, Randy Weston y Ben Webster. 

Según el periodista y divulgador Marc Myers, lo que hacía especial a Spann era que dominaba tanto la flauta como la guitarra y tal como reconoció el productor y fundador de Riverside Records, Orrin Keepnews, estos dos instrumentos eran muy solicitados durante sus años de actividad y no había disponibles muchos músicos de sesión de primera categoría que tocaran los dos.

Sin embargo, como líder estuvo al frente de sólo cuatro fechas y únicamente el resultado de dos de ellas fueron publicadas. El 3 y el 8 de noviembre de 1965 grabó 8 temas que nunca vieron la luz, en los que Spann lideraba un quinteto formado por George Coleman (saxo tenor), Willie Ruff (corno francés), Tommy Flanagan (piano), Paul West (contrabajo) y otros dos bateristas que se alternaban en los distintos temas, Grady Tate y Frankie Dunlop. Presumiblemente, los másteres de dichas sesiones se perdieron en el terrible incendio de los depósitos de Atlantic Records, en Long Branch, Nueva Jersey, ocurrido en la madrugada del 8 de febrero de 1978.

Lo único que quedó de Les como líder es el obscure de hoy: Gemini.

Estas grabaciones datan de la época en la que formaba parte del quinteto de Dizzy Gillespie y de la big band de Quincy Jones y el título del álbum refiere al signo del zodiaco de Spann. Los ocho temas del álbum se grabaron en dos sesiones diferentes, en las cuales Spann demostró sus habilidades interpretativas con los dos instrumentos: la flauta en una de ellas, con Tootie Heath a la batería y la guitarra en la otra, con Louis Hayes a la batería. El crítico Alex Henderson, en su reseña para el sitio AllMusic, lamenta que Les no dejara más grabaciones como líder y considera que "Gemini sigue siendo una excelente cita con el hard bop", donde "Spann da el cien por ciento en las dos sesiones", describiéndolo como "blusero y expresivo en los temas a la guitarra e igualmente impresionante, melancólico y lírico en sus interpretaciones con la flauta". 

Su última grabación conocida fue colaborando con el saxofonista Johnny Hodges —como uno de los guitarristas en su álbum Triple Play, realizado en 1967 para el sello RCA—, desapareciendo de la escena musical a finales de la década de 1960.

Les murió en Nueva York el 24 de enero de 1989.

Les Spann

Gemini

1 - Smile 

2 - Con Alma

3 - Q's Dues Blues

4 - It Might as Well Be Spring

5 - Stockholm Sweetnin'

6 - Blues for Gemini

7 - Afterthought

8 - (There Is) No Greater Love

Les Spann (flauta [#1, #4, #6 y #7] y guitarra [#2, #3, #5 y #8]), Julius Watkins (corno francés), Tommy Flanagan (piano), Sam Jones (contrabajo), Albert "Tootie" Heath (batería [#1, #4, #6 y #7]), Louis Hayes (batería [#2, #3, #5 y #8]).

Grabado en Plaza Sound Studios, Nueva York, el 8 (#1, #4, #6 y #7) y el 16 (#2, #3, #5 y #8) de diciembre de 1960. 

Retratos en Jazz #44 - Bobby Timmons

Bobby Timmons (1935-1974)

Nació en Filadelfia. Compositor y pianista que combinó el gospel con el jazz. Gracias a su padre, un pastor protestante, desde muy pequeño se familiarizó con la música de iglesia, que fue la base de su trabajo. En 1955 comenzó a tocar profesionalmente. En 1958 se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey y compuso Moanin', que se convirtió en un big hit. En 1959 se integró al quinteto Cannonball Adderley y compuso This Here. A partir de 1961 comenzó a presentarse con su proprio trío.

Art Blakey and the Jazz Messengers. A Night in Tunisia (Blue Note BST-84049)

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Art Blakey & The Jazz Messengers

A Night In Tunisia 

Lado 1

1 - A Night In Tunisia

2 - Sincerely Diana

Lado 2

3 - So Tired

4 - Yama

5 -Kozo's Waltz

Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Bobby Timmons (piano), Jymie Merritt (contrabajo), Art Blakey (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 14 de agosto de 1960.

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~ Extras ~

Murakami menciona tres composiciones famosas y dos hitos importantes en la carrera de Bobby Timmons como artista "secundario". Por un lado, su ingreso en julio de 1958, con sólo 23 años, a los Jazz Messengers de Art Blakey, a la que ingresó por recomendación de Benny Golson, por entonces director musical del grupo. Golson dijo entonces: "Era ingenioso... Podía tocar bebop y podía tocar funky, podía tocar muchas cosas y pensé que era el elemento que Art necesitaba. No había tenido a nadie como Bobby, que pudiera transitar por distintos senderos musicales en lugar de por uno solo". Y el mejor ejemplo es el primer álbum del baterista para el sello Blue Note, originalmente editado simplemente como Art Blakey & The Jazz Messengers pero rebautizado después como Moanin' gracias al éxito de la composición de Timmons.

Art Blakey And The Jazz Messengers

Moanin'

1 - Warm-Up And Dialogue Between Lee And Rudy

2 - Moanin'

3 - Are You Real?

4 - Along Came Betty

5 - The Drum Thunder Suite

a. Drum Thunder

b. Cry A Blue Tear

c. Harlem's Disciples

6 - Blues March

7 - Come Rain Or Come Shine

8 - Moanin' (alternate Take)

Lee Morgan (trompeta), Benny Golson (saxo tenor), Bobby Timmons (piano), Jymie Merritt (contrabajo), Art Blakey (batería). 

Grabado en Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, el 30 de octubre de 1958.

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Las otras dos composiciones de Timmons a las que refiere Murakami pertenecen a su período como pianista del grupo de Cannonball Adderley. Una de ellas, "This Here", puro gospel a tempo de vals, aparece en el álbum que el quinteto de Cannonball registrara en vivo en el célebre club nocturno Jazz Workshop de San Francisco. La otra, "Dat There", integra el disco de estudio Them Dirty Blues, con igual formación que el antes mencionado más la participación del pianista Barry Harris en algunos de los temas. Cabe decir que esta asociación con Adderley, pese al éxito que alcanzó la banda debido a Timmons en su formación, no fue muy buena para Bobby quien tuvo que alejarse insatisfecho por el dinero cobrado por sus composiciones. Fue cuando regresó a su "segundo período" con Art Blakey que le ofreció una mejor retribución económica.

Cannonball Adderley

The Cannonball Adderley Quintet In San Francisco

1 - This Here

2 - Spontaneous Combustion

3 - Hi-Fly

4 - You Got It!

5 - Bohemia After Dark (aka Birdland After Dark)

6 - Straight, No Chaser

7 - This Here (alternate take)

8 - You Got It! (alternate take)

Cannonball Adderley (saxo alto), Nat Adderley (corneta), Bobby Timmons (piano), Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Grabaciones registradas en vivo en el Jazz Workshop, San Francisco, California, el 18 y el 20  de octubre de 1959.

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Cannonball Adderley

Them Dirty Blues

1 - Work Song

2 - Jeannine

3 - Easy Living

4 - Them Dirty Blues

5 - Dat Dere

6 - Del Sasser

7 - Soon

8 - Work Song (alternate version)

9 - Dat Dere (alternate take)

Cannonball Adderley (saxo alto), Nat Adderley (corneta), Barry Harris (piano #1 a #4), Bobby Timmons (piano #5 a #9), Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Grabaciones realizadas en Ter-Mar Recording Studio, Chicago, Illinois, el 29 de marzo de 1960 (#1 a #4) y en Reeves Sound Studio, Nueva York, e 1 de febrero de 1960. (#5 a #9).

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En varios de los perfiles que Murakami escribió para el libro que nos ocupa, hay una curiosa particularidad. Refiere a un músico, pero a partir de discos liderados por otros. En el caso de Bobby Timmons no deja de ser, en mi opinión, una forma más de clásica subestimación. Varios críticos sostienen que la contribución de Timmons al jazz sigue siendo infravalorada.

Durante los primeros años de la década de 1960, la lista de colaboraciones y sesiones de grabación que realizó hace pensar que Bobby Timmons debió haber estado constantemente en los estudios de grabación, sin contar las actuaciones en vivo a lo largo de continuas giras. También por entonces comenzó a presentarse como líder, componiendo y grabando para sellos como Blue Note, Riverside, Prestige y Milestone, generando un extenso cuerpo de creaciones al frente de sus propias formaciones, en especial en formato trío. También actuaba en diversos lugares y clubes, sobre todo en el área de Nueva York.

Para mi gusto, ya que Murakami centró su artículo en tres de sus célebres composiciones, lo adecuado habría sido recomendar su primer álbum como líder para el sello Riverside: This Here Is Bobby Timmons. 

Bobby Timmons

This Here Is Bobby Timmons

1 - This Here

2 - Moanin’

3 - Lush Life

4 - The Party’s Over

5 - Prelude To A Kiss

6 - Dat Dere

7 - My Funny Valentine

8 - Come Rain or Come Shine

9 - Joy Ride

Bobby Timmons (piano), Sam Jones (contrabajo), Jimmy Cobb (batería).

Grabado en Reeves Sound Studios, Nueva York, el 13 y el 14 de enero de 1960.

 

Retratos en Jazz #25 - Thelonious Monk

Thelonious Monk (1920-1982)

Nació en Carolina del Norte. En 1940 tocó en el club Milton's Playhouse, en Harlem, consolidándose como un pianista de primera. En 1947 realizó su primera grabación como líder. Compuso bellísimas canciones como 'Round About Midnight, Blue Monk, Epistrophy y muchas otras que, con una armonía disonante y un sentido del ritmo disontinuo e imperfecto, crearon un mundo musical de gran originalidad y espléndido aislamiento.

5 By Monk By 5 (Riverside RLP-1150)

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Thelonious Monk

5 By Monk By 5

1 - Jackie-Ing

2 - Straight, No Chaser

3 - I Mean You

4 - Ask Me Now

5 - Played Twice (take 2)

6 - Played Twice (take 3)

7 - Played Twice (take 1)

Thelonious Monk (piano), Thad Jones (corneta), Charlie Rouse (saxo tenor), Sam Jones (contrabajo), Art Taylor (batería)

Grabado en Nueva York, el 1 y el 2 de junio de 1959 

Retratos en Jazz #13 - Julian Cannonball Adderley

Julian Cannonball Adderley (1928-1975)

Nació en Florida. En 1955 se mudó a Nueva York. Reemplazó a Charlie Parker, recibiendo el debido reconocimiento como destacado saxo alto. Durante algún tiempo tocó con su hermano menor, el cornetista Nat Adderley. Con la aprobación de Miles Davis, participó en varias grabaciones históricas, entre ellas Milestones (1958) y Kind of Blue (1959). Posteriormente volvió a tocar con Nat, desempeñando un papel importante en la promoción del funky jazz.

1958) y Kind of Blue (1959). Posteriormente vuelve a tocar con Nat, desempeñando un papel importante en la promoción del funky jazz.

Cannonball Adderley Live! (Capitol ST-2399)

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Cannonball Adderley

Live!

Lado 1

1 - Little Boy With The Sad Eyes

2 - Work Song

Lado 2

3 - Sweet Georgia Bright

4 - The Song My Lady Sings

5 - Theme

Cannonball Adderley (saxo alto), Charles Lloyd (saxo tenor y flauta), Nat Adderley (corneta), Joe Zawinul (piano), Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería) 

Grabado en vivo en el club Shelly's Manne-Hole, Los Angeles, California, el 31 de julio y el 1 y 2 de agosto de 1964 

Thelonious Monk, Nellie, Nica y Marcel Romano - Relaciones Peligrosas (II)

~ Les Liaisons Dangereuses ~

La otra música: el "santo grial" de Thelonious Monk 

La fascinación de los cineastas franceses por incluir música de jazz en sus producciones era indiscutible en las décadas de 1950 y 1960. 

En julio de 1959, uno de ellos, Roger Vadim, junto al reconocido productor parisino Marcel Romano, pensaron que sería un boom contar con las angulosas y personalísimas composiciones de Thelonious Monk para su siguiente película, que imaginaban precedida por un documental que pretendían filmar mostrando a Monk actuando en París. Pero la gira por Europa fue cancelada y cambiaron el plan: si la montaña no viene, iremos a la montaña. 

Marcel Romano viajó entonces a Nueva York y visitó a Monk llevando consigo dos elementos esenciales, un guion detallado que contenía tiempos precisos para cada escena que requería música, y una copia de la película con algunas grabaciones de estudio de Monk insertadas sólo como sugerencias. 

Simultáneamente, aplicó presión al entorno de Monk —su mujer Nellie, su mecenas la baronesa Nica de Koenigswarter, el agente Harry Colomby— para que convencieran al pianista. No era fácil lograrlo con un Thelonious siempre alerta ante posibles explotaciones abusivas de su trabajo y algo debilitado ante una serie de incidentes recientes: una golpiza policial racista en Delaware, la pérdida de su "licencia de cabaret" que le impedía trabajar en Nueva York, la cancelación de su gira europea, una internación por depresión en un hospital psiquiátrico de Massachusetts, la muerte de queridos colegas como Shadow Wilson y su admirada Billie Holiday, una muy mala respuesta de la prensa después del célebre Concierto en el Town Hall de Nueva York, grabado cinco meses antes. Además, y eso no era poco, sabía de antemano que la película estaba al borde de la censura en Francia, sabía que también Art Blakey había sido convocado para introducir música de su grupo a partir de composiciones de su colega Duke Jordan y que el propio Duke Jordan intentaba detener la película debido a que su música no estaba debidamente acreditada.

Además, dijo Monk, no tenía tiempo para componer música nueva. Aceptaba si le permitían utilizar composiciones ya conocidas de su repertorio. Acordaron, pero le solicitaron que "respetara" los tiempos precisos del guion... algo que, por supuesto, no fue tenido en cuenta. Para el pianista era más importante la trama y su atmósfera emocional que el guion de la película que le habían mostrado.

Como cuenta en las liner notes Robin D. G. Kelley, autor de Thelonious Monk, Life and Times of an American Original, Thelonious "eligió el repertorio basándose en su comprensión de la historia y jugó con los tempos para capturar el estado emocional o las circunstancias del personaje. Junto a su grupo, entregó una música extraordinaria que desafió la concepción de Vadim y Romano sobre cómo funciona una banda sonora en una película. No es exagerado sostener que Monk transformó lo que habría sido una película narrativa atrevida pero relativamente estándar en un cine de vanguardia".

Como buena negociadora y mecenas, Nica de Koenigswarter invitó a la familia Monk y a Romano a su casa en Nueva Jersey. No sólo una vez. Hicieron falta dos largas noches de socialización y ambiente familiar antes de que Monk firmara.

Al fin, en la tarde del lunes 27 de julio de 1959, Thelonious Sphere Monk llevó su cuarteto (Charlie Rouse, Sam Jones, Art Taylor) y al saxofonista francés Barney Wilen como invitado a los Nola Penthouse Sound Studios en la 111 W.57th St. de Nueva York para hacer su magia y grabó ocho composiciones.

Marcel Romano preparó el botín monkeano, pero también se llevó un segundo conjunto de cintas grabadas por Art Blakey & The Jazz Messengers con música compuesta por Duke Jordan (que ya conocemos) y regresó urgente a París, justo a tiempo para la fecha límite de edición del 31 de julio. 

Sin embargo, a pesar de la jazzmanía imperante en Francia, la música de Monk no se editó como disco y sí la de Art Blakey (que ya conocemos), mucho menos presente en la pantalla. Un misterio quizás atribuible a las delicadas relaciones de Monk con las discográficas. Frustrado, Romano se queda con los siete rollos y un esquema de lo que pudo haber sido el LP con 44 minutos de música. Duermen en su archivo personal hasta que, en 2014, su albacea permite que unos amantes del jazz indaguen allí. Maravillados, hallan las cintas, respaldadas por un reportaje fotográfico que, aparte del sombrero fulani de Monk, muestra la tranquila convivencia entre su esposa y la baronesa Nica.

Afortunadamente, en 2017, 57 años después de su creación, el sello Sam Records /Saga, lanzó al mundo estos registros considerados como una de las grabaciones más importantes de Monk, preparado en forma de doble álbum.

El primer disco es el LP que concibió Romano: miniaturas de piano solo y "Rhythm-A-Ning" o "Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are" vigorizados por las aportaciones de los saxofonistas Barney Wilen y Charlie Rouse. Como novedad, un tema góspel y el novísimo "Light Blue".

En el segundo disco, entre tomas alternativas, aparecen intimidades de estudio como los 15 minutos donde Monk intenta explicar a Taylor el ritmo que necesita. Se palpa la frustración, pero también deslumbra una confirmación: "Melodious Thunk" tenía una visión nítida de una música que algunos creían pura torpeza o extravagancia.

Thelonious Monk

Les Liaisons Dangereuses ~ 1960

CD 1

1 - Rhythm-A-Ning

2 - Crepuscule With Nellie

3 - Six In One

4 - Well, You Needn't

5 - Pannonica (solo)

6 - Pannonica (solo)

7 - Pannonica (quartet)

8 - Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are

9 - Light Blue

10 - By And By (We'll Understand It Better By And By)

CD 2

1 - Rhythm-A-Ning (alternate)

2 - Crepuscule With Nellie (take 1)

3 - Pannonica (45 master)

4 - Light Blue (45 master)

5 - Well, You Needn't (unedited)

6 - Light Blue (making of)

Thelonious Monk (piano), Charlie Rouse (saxo tenor), Barney Wilen (saxo tenor :CD1 #1, #2, #8; CD2 #1), Sam Jones (contrabajo), Art Taylor (batería) 

Grabado en Nola Penthouse Sound Studios, Nueva York, el 27 de julio de 1959 

Blue Note #21 - Tina Brooks

Tina Brooks

True Blue

Era un sensible y excepcional improvisador que podía tejer hermosos y complejos tapices con la corneta. Su lirismo, unidad de ideas y lógica interna eran asombrosos.

**Michael Cuscuna, notas originales de “Back To The Tracks”**

Este álbum tomó forma en medio de un par de agitadas semanas de grabación con Rudy Van Gelder, un período en el que vieron la luz algunos discos estelares, entre ellos Open Sesame de Freddie Hubbard y Blue Hour de Stanley Turrentine con The Three Sounds. El segundo disco de Brooks como líder se grabó poco después del vigesimoctavo cumpleaños del saxofonista, y cuenta con unos excelentes vientos por parte de este y de Hubbard. Además, fue el único disco de Brooks que vio publicado en vida; el segundo, Minor Move, salió bastante después de la temprana muerte del saxofonista, acaecida en 1974. Puede que su grave adicción a la heroína fuera también responsable de que Blue Note postergase tanto el lanzamiento de sus otros dos álbumes: el primero y el otro, publicado más adelante con el título Back To The Tracks, que se grabó en octubre de 1960.

Con excepción de la última canción de la cara 2, todas las demás están compuestas por Brooks. El poderío y la suavidad de su saxofón tenor demuestran que es un intérprete y compositor de considerable mérito, que es mayor del que puede inferirse de su escasa fama (al margen de aquellos que conocen su obra). Se trata de un magnífico grupo cuya interpretación de “Up Tight’s Creek”, firmada por Duke Jordan e inspirada en Horace Silver, destaca en todos los sentidos.

Veterano de varios grupos de rhythm and blues, Brooks aprendió el oficio se saxofonista en una escuela latina de Nueva York y perfeccionó sus habilidades como compositor con Herbert Bourne, violinista y músico clásico. Tras una temporada con la big band de Lionel Hampton, Lion le ofreció a Brooks su gran oportunidad en 1958 al invitarlo a tocar en The Sermon, el álbum de Jimmy Smith.

Brooks no volvió a grabar más hasta su último álbum, The Waiting Game, en Marzo de 1961; las drogas, inevitablemente, le llevaron a prisión y, después, a recibir tratamiento hospitalario. Al final, sólo podía dar conciertos de forma esporádica. Con todo, este álbum destaca de forma ejemplar y proporciona pistas de lo que podría haber sido. Lo más irónico es que Brooks era el suplente de Jackie McLean en la obra de teatro The Connection, que trata de los peligros de la adicción. Brooks tenía sólo cuarenta y dos años cuando murió por una insuficiencia hepática.

1 - Good Old Soul

2 - Up Tight's Creek

3 - Theme For Doris

4 - True Blue

5 - Miss Hazel

6 - Nothing Ever Changes My Love

7 - True Blue (alternate take)

8 - Good Old Soul (alternate take)

Tina Brooks (saxo tenor), Freddie Hubbard (trompeta), Duke Jordan (piano), Sam Jones (contrabajo), Art Taylor (batería)

 Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 25 de Junio de 1960

Blue Note #20 - Freddie Hubbard

Freddie Hubbard

Open Sesame

Este álbum es un “ábrete, sésamo” que abre dos puertas. Una es la que abre Blue Note a un joven trompetista de increíble talento llamado Freddie Hubbard al ofrecerle su primera grabación como líder; la otra es la que abre el propio Hubbard con su interpretación en esta actuación.

**Ira Gitler, notas del álbum original**

Freddie Hubbard había cumplido veintidós años hacía sólo un par de meses cuando grabó su debut con Blue Note; de hecho, era su segunda sesión de grabación, aunque esto es algo que jamás podría inferirse de su actuación. Formaba también parte del quinteto el subestimado saxofonista Tina Brooks, quien ya había grabado con la discográfica y se encargó de la composición de dos de las piezas del álbum, incluida la que toma su nombre. Al piano también había un músico en los albores de su carrera: McCoy Tyner tenía veintiún años y estaba a punto de unirse al grupo de John Coltrane. Es imposible no darse cuenta de por qué motivo se le tenía en tal alta estima.

Aunque a Hubbard le influyeron tanto Clifford Brown como Lee Morgan, donde realmente brilla la característica pulcritud de su estilo en el estándar “But Beautiful”, que realza con elegancia el bajo de Sam Jones.

El otro estándar del disco es la animada versión de “All Or Nothing At All”, en la que, aunque Hubbard resulta el menos convincente de la pieza, puede verse a Brooks y a Tyner haciendo un buen trabajo.

También es una versión el penúltimo tema: “One Mint Julep”, el éxito jump blues que habían lanzado The Clovers en 1951. De este disco se ha dicho que es un modelo para el funk jazz, estilo que sin duda se encuentra en el disco, aunque sin comprometerlo. Para la última pieza, Hubbard sitúa su nombre en los créditos con “Hub’s Nub”. A medida que se va desarrollando el tema, su trompeta y el saxo tenor de Brooks producen unos sonidos que resultan muy atractivos.

Este es un debut más impresionante que el de casi cualquier otro músico de jazz. En su variedad estilística está la clave de por qué Freddie Hubbard obtuvo tanto éxito. Versatilidad, destreza musical y madurez contribuirían en conjunto a su popularidad, y las décadas que duró su carrera, en la que tocó prácticamente con todo el mundo, incluido Elton John, son testimonio de su talento.

1 - Open Sesame

2 - But Beautiful

3 - Gypsy Blue

4 - All Or Nothing At All

5 - One Mint Julep

6 - Hub's Nub

7 - Open Sesame (alternate tke)

8 - Gypsy Blue (alternate take)

Freddie Hubbard (trompeta), Tina Brooks (saxo tenor), McCoy Tyner (piano), Sam Jones (contrabajo), Clifford Jarvis (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de Junio de 1960

Blue Note #15 - Cannonball Adderley

Cannonball Adderley

Somethin' Else

Para aquellos que no estén familiarizados con la terminología más novedosa, el título de la composición de Miles Davis, que también da nombre al disco, es una frase de alabanza. Y si se me permite dar mi opinión personal, me gustaría hacer hincapié en que Cannonball, Miles y toda la sección rítmica y, de hecho, todo el disco, se pueden describir de manera enfática como “algo más”.

**Leonard Feather, notas del álbum original**

Habían transcurrido casi cuatro años desde que Miles Davis grabara para Blue Note, y volvía de nuevo a estudio para realizar otro álbum para la discográfica, aunque esta vez no como líder. El liderazgo del grupo recaía en un Julian “Cannonball” Adderley de veintinueve años. Y qué grupo. Adderley formaba parte del Davis’s Sextet cuando se llevó a cabo esta grabación y, una año después, el saxofonista participó en el álbum seminal Kind Of Blue. La sensación que deja este álbum es la de algo parecido a un ensayo general de lo que habría de llegar después: todo aquel que ame el jazz debe poseerlo.

La diferencia principal entre Somethin’ Else y el Kind Of Blue es que primero cuenta con tres recreaciones de estándares –al parecer seleccionados por Davis-, que acentúan la sensación de suma comodidad que desprenden todas las piezas. De las dos composiciones originales, Miles es autor de la que da título al disco, mientras que “One For Dady-O” es una cocreación del pianista Hank Jones y del hermano del saxofonista, Nat Adderley.

Durante gran parte del disco, Adderley y Davis parecen estar inmersos en su propia conversación privada, que tenemos el privilegio de escuchar a escondidas. El tema estrella para la mayoría de las personas es “Autumn Leaves”, del que, igual que de “Love For Sale”, pueden decirse que es muy gratificante y que no se limita a ser un mero refrito. Se ha dicho que no hay ni un solo “momento de rutina” en el disco, y que estas dos piezas dan muestra de ello.

Para comprender por qué es Adderley el maestro que es, basta con escuchar “Dancing In The Dark”. Si a este tema se le añadiesen cuerdas, parecería que estamos escuchando a Charlie Parker.

1. Autumn Leaves

2. Love For Sale

3. Somethin' Else

4. One For Daddy-O

5. Dancing In The Dark (4:08)

6. Bangoon

7. Autumn Leaves (alternate take)

Cannonball Adderley (saxo alto), Miles Davis (trompeta), Hank Jones (piano), Sam Jones (contrabajo), Art Blakey (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 9 de Mayo de 1958.

Blue Note #9 - Kenny Dorham

Kenny Dorham

'Round About Midnight At The Cafe Bohemia

Dorham, quien fuera primera trompeta de The JazzMessengers, se rodea aquí de un grupo de jóvenes promesas que no han grabado en exceso y que sienten simpatía por su forma de trabajar. La música es muy moderna, indómita y en cierto modo experimental y bop en sus fundamentos.

**Billboard, 19 de Enero de 1957**

Texano de nacimiento, Kenny Dorham ya había participado en varias sesiones para Blue Note antes de la grabación de este disco: como miembro de The Jazz Messengers, incluido un disco grabado en directo en el Café Bohemia seis meses antes, con Thelonious Monk y Horace Silver, y también como líder de su propio grupo. Sin embrago, como señala Leonard Feather en las notas del disco: “…fue un artista al que se le ha conocido muy poco durante mucho tiempo y cuya fama nunca ha estado a la altura de sus capacidades creativas”.

Esta sesión tuvo lugar poco después de que Dorham abandonase The Jazz Messengers de Art Blakey, para enfatizar la relación, llamó a su grupo The Jazz Prophets. Sin embargo, no hay nada de repetición, del mismo modo que tampoco existe ningún parecido con nada de lo que hubiera hecho con anterioridad. Se trata de música ambiental en la que Dorham hace gala de sus notables habilidades, sobre todo en “Autumn In New York”.

Sin embargo, son las propias composiciones de Dorham las que más resplandecen: tanto “Monaco” como el bebop “Mexico City” Y “Hill’s Edge” demuestran que el trompetista era un “modelo de gracia y tacto”, como afirmó de él un crítico.

Aunque puede que el nombre del músico de veintinueve años no sea familiar para muchas personas, no hay que subestimar el saxo tenor de J. R. Monterose. Descrito como “el mejor tenor que jamás se haya oído”, Monterose, junto con los demás miembros del grupo, no estaba allí solo para hacer bulto. Kenny Burrell, en particular, deja claro por qué había tan pocos guitarristas que pudieran hacerle sombra: basta con oír la pasmosa rapidez con la que mueve los dedos en “Hill’s Edge”.

El disco original representa en torno a la tercera parte del concierto. En los siguientes años se lanzaron en Volume 2 y Volume 3, y la actuación acabó por salir al completo en un par de discos compactos que se presentan aquí.

Se trata, en suma, de un material imprescindible.

CD 1

1 - K.D.'s Blues (alternate take)

2 - Autumn In New York

3 - Monaco (alternate take)

4 - N.Y. Theme

5 - K.D.'s Blues

6 - Hill's Edge

7 - A Night In Tunisia

8 - Who Cares? (alternate take)

9 - Royal Roost

CD 2

1 - Mexico City

2 - 'Round About Midnight

3 - Monaco

4 - Who Cares?

5 - My Heart Stood Still

6 - Riffin'

7 - Mexico City (alternate take)

8 - The Prophet

Kenny Dorham (trompeta), J.R. Monterose (saxo tenor), Kenny Burrell (guitarra), Bobby Timmons (piano), Sam Jones (contrabajo), Arthur Edgehill (batería)

Café Bohemia, Nueva York, 31 de Mayo de 1956.

A este set de discos los encontré y perdí dos veces. Hoy vuelvo a recuperarlo (y compartirlo) gracias a la colaboración de tres amables colegas: el inefable Rab Hines (mentor de muchos blogeros como el que escribe), prowita y Radiodada.

A ellos mi agradecimiento!

Don Wilkerson, un tornado pre-Blue Note

Don Wilkerson

The Texas Twister

Al revisar la discografía que propone el libro de la Blue Note que justificará la nueva serie de Quintaesencia, se encuentran algunos nombres como el de Don Wilkerson, uno de los héroes anónimos y olvidados del saxo tenor.

Don nació en Moreauville el 6 de julio de 1932 e inició sus estudios musicales con el saxo alto. En plena adolescencia se trasladó a Houston y se pasó al saxo tenor para tocar junto a Amos Milburn y Charles Brown. Respaldó a un pesos pesado como B. B. King y en las primeras Ray Charles de mediados de 1950, interviniendo en solos especialmente memorables en clásicos como "I Got a Woman", "This Little Girl of Mine" y "Hallelujah I Love Her So".

Lideró un grupo en Miami durante un breve espacio de tiempo, y participó en numerosas jam sessions con Cannonball Adderley quién, con gran olfato artístico, produjo la primera sesión de grabación de Wilkerson, en 1960 para el sello Riverside, titulada The Texas Twister. Luego la historia cambiaría firmando para la casa Blue Note y grabando en ella tres discos entre 1962 y 1963: Elder Don, Preach, Brother! y Shoutin', en los que colaboró Grant Green a la guitarra.

Sin mayores explicaciones, dio por terminada su carrera a mediados de 1960 y se retiró a Houston, donde vivió hasta su muerte ocurrida el 18 de julio de 1986.

The Texas Twister resulta ser un discos muy poco difundido pero con un potencial impresionante y muy recomendable para los admiradores de la escuela tenorista "Lone Star", presente en las voces de Arnett Cobb, David "Fathead" Newman y James Clay, hombres que provienen del mismo estado de Texas. Pero no sólo los texanos influyeron en su técnica. Algunos críticos especializados "oyeron" en Wilkerson algunas inspiraciones provenientes del Gene Ammons (Chicago) y Wardell Gray (Los Ángeles). Pero este disco lleva bien impreso el corazón texano, algo difícil de ignorar en estas sesiones en las que Don es secundado por un grupo de grandes estrellas como Nat Adderley en corneta, Barry Harris al piano, Leroy Vinnegar y Sam Jones en contrabajos y Billy Higgins en batería.

Un verdadero tornado de swing...

1 - The Twister

2 - Morning Coffee 

3 - Idiom

4 - Jelly Roll

5 - Easy To Love

6 - Where Or When

7 - Media 

Don Wilkerson (saxo tenor); Nat Adderley (corneta); Barry Harris (piano); Sam Jones, Leroy Vinnegar (contrabajos); Billy Higgins (batería).

San Francisco, 19 y 20 de Mayo de 1960.