Oppenheimer (2023)

Christopher Nolan acaba de estrenar su última película titulada Oppenheimer, un biopic acerca del brillante físico estadounidense que lideró los ensayos nucleares para construir la bomba atómica, que luego sería utilizada por el ejército norteamericano en el final de la II Guerra Mundial, cuando las lanzó sobre Hiroshima y Nagasaki. Nolan hace este film basándose en American Prometheus, la biografía escrita por Kai Bird y Martin J. Sherwin en torno a la figura de Julius Robert Oppenheimer. El director británico ha realizado una obra realmente potente, en la que además ha contado con un elenco extenso y de primer nivel de actores de varias generaciones.

Pero Nolan ha conseguido algo increíble con este film, ya que se reafirma su estatus autoral, que con una ya dilatada trayectoria que abarca casi 25 años, poco le queda por demostrar. Ha hecho thrillers enrevesados, se ha metido con aventuras cuánticas, escenificó un duelo de magos de manera genial, ha explorado como nadie a un gran superhéroe y se ha acercado al cine bélico de manera sublime. Aquí hace una exploración de la figura del padre de la bomba atómica que le consagra definitivamente en un estilo propio y genuino (enseguida te das cuenta de su sello personal) que es amado y odiado a partes iguales por el consumidor (yo soy de los primeros), y que ha conseguido convertir un biopic con una premisa algo sosa, en uno de los espectáculos más intensos, transcendentales y arrolladores de los últimos tiempos, que pienso, creará unanimidad.

Se trata de una cinta de tres horas, que a priori podría parecer un ladrillo, y nada más lejos de la realidad, se te hacen muy llevaderos esos 180 minutos, ya que la historia te engancha de una manera arrebatadora y una de las claves es que con un elenco de hombres salpicado con dos o tres mujeres se inventa una suerte de thriller de acción que tiene un evidente trasfondo bélico pero en el que no se dispara una sola bala. Pero una de las claves de esta obra es el ritmo (algo en lo que me gusta hacer hincapié), y aquí está muy logrado y es implacable, con un montaje excelente en el que se incluyen los juegos temporales que tanto gustan al director, los flashbacks y unos diálogos empleados de tal forma que consiguen moldear un relato tenso y a la vez afilado.

Un momento clave en el film es el 16 de julio de 1945, cuando en el desierto de Nuevo México se producen las pruebas en secreto de la detonación de la primera bomba atómica. Todo esto formaba parte del proyecto Manhattan, liderado por Oppenheimer para construir ese arma de destrucción masiva para su país. Impactado por su poder destructivo (más fuerte de lo que habría podido pensar según sus cálculos), el propio físico se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y durante el resto de su vida, se opondría firmemente a la guerra nuclear y a la todavía más destructiva bomba de hidrógeno. Su vida daría un profundo vuelco, pasando de tener un papel fundamental en el mapa político de la Guerra Fría a ser acusado de comunista en la era McCarthy. Sufrió una caza de brujas (tejida por uno de sus mayores valedores inicialmente y que luego sería su mayor enemigo por pura envidia) en la que se cuestionaba su lealtad al país y fue tachado de espía por su pasado relacionado con el comunismo y obligado de manera poco decorosa a dimitir de cualquier función pública.

Cillian Murphy es un actor que quizás tenía encasillado en papeles de villano, pero aquí consigue una actuación verdaderamente brillante, Emily Blunt hace de Kitty, la que sería su mujer y le dio dos hijos, un papel que acaba siendo clave por muchas circunstancias y que ella borda, Robert Downey Jr. se doctora en el papel de Lewis Strauss, un personaje que llevado por la envidia y el odio intentará acabar con Oppenheimer (maquillaje y caracterización impecables las que le hicieron). Tenemos a Matt Damon como Leslie Groves, alto mando del ejército que reporta directamente con el presidente y que elige a Robert para liderar el proyecto, sólido y consistente. Y luego una serie de grandes actores que arropan de manera coral, entre los que quiero destacar al veterano ya Matthew Modine, Kenneth Branagh, Gary Oldman (en el papel de Truman, tres minutos fantásticos), Rami Malek o el propio Josh Harnett.

La banda sonora corre a cargo de Ludwig Göransson, muy interesante con cosas de antiguas películas como Tenet o Interstellar (de Hans Zimmer). Ni que decir tiene que la fotografía a cargo de Hoyte van Hoytema es de un nivel superlativo.

En definitiva una absoluta delicia de trabajo, que firmemente pienso que pasa a formar parte de las obras más importantes de este director, que ya son unas cuentas.

Os dejo con el tráiler del film.

Las mejores películas de 2022 (6-10) (Parte 2)

Pues ha sido un año donde no he ido demasiado al cine, la verdad sea dicha, lo he hecho en contadas ocasiones, y no es porque me deje de gustar, si no el desarrollo de los acontecimientos. La lista realmente es más amplia, pero este año se queda en 10 películas, eso sí, muy buenas de las que pude ver. Aquí tenemos un film que en un principio me resultó atractivo y que luego escondía muchas sorpresas del siempre sorprendente Guillermo del Toro, luego una divertida película dirigida por David Leitch acerca de un viaje en tren donde pasa de todo, una película acerca de una catástrofe de una catedral mítica francesa, una película española acerca de acontecimientos en el País Vasco a raíz de el asesinato de un ex-gobernador civil de Guipúzcoa y por último una revisión de un clásico por parte de Kenneth Branagh.

6. NIGHTMARE ALLEY de Guillermo del Toro

Guillermo del Toro. el cineasta mexicano, dirigió El Callejón de las Almas Perdidas, su nuevo film basado en la novela de William Lindsay Gresham de 1946. No lo tenía fácil este director, después de que su anterior película La forma del agua fuera premiada y reconocida en multitud de festivales, críticas, etc., y aquí desde luego que no ha elegido el camino fácil y ha arriesgado con un proyecto de aire clásico pero muy alejado de todo lo que hasta ahora había hecho en su filmografía. La novela mostraba el lado oscuro y sórdido del sueño americano, digamos por decirlo así su lado malo y agrietado centrado en la historia de un miserable buscavidas, cuya primera adaptación cinematográfica tuvo a Tyron Power como rostro y de director a Edmund Goulding en 1947.

Desde luego que el riesgo que ha corrido el mexicano lo ha hecho con un reparto de actores espectaculares, lo que amortiguaría un hipotético mal recibimiento, ahí están Bradley Cooper, Cate Blanchett, Willem Dafoe, Ron Perlman, David Strathairn, Ronney Mara, Toni Collette o Richard Jenkins, que realmente lo que consigue es una brutal disección de los hechos de una apasionante historia. Es evidente que esta producción dobla como mínimo el presupuesto de su anterior cinta, pero es hasta cierto punto lógico, solo hay que ver el diseño de producción realmente fantástico.

Os dejo con el tráiler del film.

7. BULLET TRAIN de David Leitch

David Leitch dirigió Bullet train, su nueva película que está basada en la novela de Kôtarô Isaka que ya tuvo una versión teatral japonesa en 2018. Este film es muy entretenido y un pasatiempo del final del verano realmente divertido. De un director que tiene en su ficha películas como John Wick, Atomic Blonde o Deadpool 2, evidentemente te puedes esperar acción, buenas peleas violentas y todo ello salpicado con humor, cosa que hace que rivalice con películas de Marvel o DC en ese sentido (a ver aquí no hay superhérores), aunque a veces tiene ese toque de demasiado ocurrente, es decir, más de lo necesario.

Cinco asesinos a sueldo se encuentran a bordo de un tren bala que viaja de Tokio a Morioka, con unas pocas paradas intermedias. Van descubriendo poco a poco que sus misiones no son ajenas entre sí, que todo está relacionado y que el tren va bastante vacío. La pregunta, que se va viendo en el desarrollo, es quién saldrá vivo del tren y qué les espera en la estación de Kyoto. El protagonista principal es apodado por su jefa Mariquita y Brad Pitt es el encargado de darle vida que tiene muchas inseguridades y una peculiaridad que se verá demostrada a lo largo del film y es su mala suerte, destilando esa bis cómica que tan bien le sienta a uno de los actores más reclamados de Hollywood.

Todo el resto de personalidades con importancia en la trama, participan del lado cómico y la diversión y francamente funciona con momentos realmente divertidos, con diálogos ocurrentes que tienen mucha chispa, que en muchas escenas me remiten a cortes de las películas de Quentin Tarantino, pero con un lenguaje menos palabrotero, ciertamente, aunque en algún momento se sueltan tacos, claro está. Admito que esa es la base de la propuesta y que puede que en algún momento eso agote a algunos espectadores, pero para mí forma parte esencial de la cinta ya que permite diferenciar a los personajes, situarlos, saber que esperamos de ellos y ayuda a crear ese clima para que el desparrame de muerte, violencia y destrucción se asimile hasta con gracia.

Os dejo con el tráiler del film.

8. NOTRE-DAME BRÛLE de Jean-Jacques Annaud

Jean-Jacques Annaud fue el encargado de dirigir este film, que camina a medias entre el documental y el drama, una operación parecida a la que hizo Oliver Stone en 2006 con World Trade Center, aunque evidentemente ni las consecuencias son las mismas ni estamos hablando de dos monumentos equiparables, ni mucho menos. La idea fue reclutar a un famoso director que ilustrara con todo el énfasis posible, una tragedia de magnitud enorme reciente de su propio país, y con ello hacer un espectáculo. Annaud da la talla y con su veteranía saca adelante todos los entresijos de como y porqué se produjo tal catástrofe y trata con bastante realismo la situación caótica que vivieron los bomberos ante las circunstancias que se les presentaron.

Vamos con los datos precisos, ya que en la película recrea el incendio que sufrió la Catedral de Notre-Dame de París en abril de 2019, en plena Semana Santa, que en ese momento se encontraba en medio de unas obras de restauración, es decir, rodeada de andamios y con bastantes operarios trabajando allí. El virulento incendio provocó que su emblemática aguja Viollet-le-Duc, construida entre los siglos XII y XIV, y el tejado de la catedral gótica de la capital francesa colapsaran y tan solo una hora después de haberse declarado el incendio, se derrumbaran. Hablamos de una catedral cuya primera piedra se colocó en 1163, y desde que se terminó en 1345 (aunque sufrió modificaciones a lo largo de los siglos) ha sido catedral símbolo del catolicismo, del paisaje habitual de París (lo que se llama ahora skyline) y uno de los monumentos más visitados del mundo, con una media de 13 millones de visitantes anuales.

Especialmente brillante me parece la parte inicial del film, unos primeros 20 minutos donde la ortodoxia narrativa se impone, describiendo un día corriente en la catedral, con turistas, agitación, un trabajador que acude a su primer día de trabajo y será el que de la señal de alarma del incendio (¿una colilla?, ¿una chispa?...). Se produce la llegada de los bomberos bastante caótica, ya que recordemos está ubicada en la pequeña isla que forma el Río Sena y llamada Isla de la Cité, con lo que el acceso con el mucho tráfico y las calles pequeñas del barrio latino cercano impidieron la llegada rápida del cuerpo de bomberos. Una vez allí, los accesos dentro de la propia catedral también son antiguos, teniendo que abrir las puertas de las escaleras los propios trabajadores del monumento con llaves antiquísimas, todo ello a contrareloj. Un momento especialmente cumbre es cuando consiguen sofocar el incendio en la zona de la campana, que hubiera sido un auténtico desastre, aún mayor del que ya era.

Os dejo con el tráiler del film.

 9. MAIXABEL de Icíar Bollaín

Aunque es un film de 2021 yo lo vi en 2022 y por eso está en la lista. Icíar Bollaín dirigió esta película en la que se narra el asesinato de Juan María Jaúregui a manos de ETA, en el año 2000, dejando viuda a Maixabel Lasa, su mujer, interpretada por una impresionante Blanca Portillo. Once años más tarde, recibe una petición insólita, uno de los asesinos de su marido Ibón Etxezarreta (Luis Tosar) ha pedido entrevistarse con ella en la cárcel de Nanclares de Oca/Álava), en la que cumple condena tras haber roto sus lazos con la banda terrorista, a pesar de que fue de los más convencidos de aquello. A pesar de las muchas dudas, el mucho dolor, la incomprensión inicial de su única hija, etc., Maixabel accede a ese encuentro cara a cara con las personas que acabaron a sangre fría con la vida del que había sido su compañero desde los dieciséis años.

Se muestran los hechos reales y evidentemente deja abierto al debate de si el arrepentimiento de los asesinos es algo válido o no, dentro de un gran ejercicio de contención para un tema tan difícil y con un gran reparto.

Os dejo con el tráiler del film.

10. DEATH ON THE NILE de Kenneth Branagh

Hace 5 años Kenneth Branagh recuperó a Hercule Poirot, quizás el personaje más famoso creado por Agatha Christie, para hacer una nueva versión de Asesinato en el Orient Express, que a mí en su día me gustó, aunque tuvo división de opiniones entre crítica y público. Creo que Branagh es bastante respetuoso con la novela y tiene la virtud de conservar lo bueno de aquella cinta de hace un lustro y ahora con Muerte en el Nilo (novela de 1937) vuelve a estar a un gran nivel. Posee un enorme reparto, uno de los grandes atractivos para el público, y el director y actor se esmera en hacer una buena presentación de todos ellos para que queden situados en la mente del espectador antes de que suceda el crimen, rebosando encanto y clasicismo.

De esta forma, nos encontramos con similitudes con la cinta de hace cinco años casi inevitablemente y en líneas generales, pero a la que se le añade un músculo técnico soberbio, con un diseño de producción muy notable, una fotografía en 65mm sublime (de Haris Zambarloukos) y con un director que borda la puesta en escena. Es precisamente esa mezcla de lo analógico y lo digital lo que le da una pujanza tremenda al film, y enamora como he dicho antes, con el reparto fastuoso bastante coral y de nivel, que evoca al Hollywood clásico con Gal Gadot, Emma Mackey, Armie Hammer, Tom Bateman o una ya veterana Annette Bening, aunque obviamente la auténtica estrella es Poirot al que da vida el propio Kenneth Branagh.

Evidentemente la película sufre un giro a raíz de un crimen que se va mascando ya desde el inicio y que tiene su desenlace en el barco de vapor llamado Karnak. Allí disfruta Poirot de unas vacaciones egipcias, siendo invitado al enlace de una pareja supuestamente perfecta y que conforman Linnet Ridgeway a la que da vida una espléndida Gal Gadot y Simon Doyle al que interpreta Armie Hammer. Pero el nacimiento de esta pareja es algo brusco, ya que antes Simon estaba unido a Jacqueline de Bellefort (Emma Mackey), hasta que esta le presenta a su amiga Linnet bastante adinerada, decidiendo cambiar él una por otra. Jacqueline a partir de ese momento los persigue allá por donde van, por lo que la pareja recurre a Poirot para que les ayude y les sirva de protección. En toda esta parte de lujo en el barco de vapor y antes, la música es de un exquisito gusto.

Os dejo con el tráiler del film.

Death on the Nile (2022)

Hace 5 años Kenneth Branagh recuperó a Hercule Poirot, quizás el personaje más famoso creado por Agatha Christie, para hacer una nueva versión de Asesinato en el Orient Express, que a mí en su día me gustó, aunque tuvo división de opiniones entre crítica y público. Creo que Branagh es bastante respetuoso con la novela y tiene la virtud de conservar lo bueno de aquella cinta de hace un lustro y ahora con Muerte en el Nilo (novela de 1937) vuelve a estar a un gran nivel. Posee un enorme reparto, uno de los grandes atractivos para el público, y el director y actor se esmera en hacer una buena presentación de todos ellos para que queden situados en la mente del espectador antes de que suceda el crimen, rebosando encanto y clasicismo.

De esta forma, nos encontramos con similitudes con la cinta de hace cinco años casi inevitablemente y en líneas generales, pero a la que se le añade un músculo técnico soberbio, con un diseño de producción muy notable, una fotografía en 65mm sublime (de Haris Zambarloukos) y con un director que borda la puesta en escena. Es precisamente esa mezcla de lo analógico y lo digital lo que le da una pujanza tremenda al film, y enamora como he dicho antes, con el reparto fastuoso bastante coral y de nivel, que evoca al Hollywood clásico con Gal Gadot, Emma Mackey, Armie Hammer, Tom Bateman o una ya veterana Annette Bening, aunque obviamente la auténtica estrella es Poirot al que da vida el propio Kenneth Branagh.

Evidentemente la película sufre un giro a raíz de un crimen que se va mascando ya desde el inicio y que tiene su desenlace en el barco de vapor llamado Karnak. Allí disfruta Poirot de unas vacaciones egipcias, siendo invitado al enlace de una pareja supuestamente perfecta y que conforman Linnet Ridgeway a la que da vida una espléndida Gal Gadot y Simon Doyle al que interpreta Armie Hammer. Pero el nacimiento de esta pareja es algo brusco, ya que antes Simon estaba unido a Jacqueline de Bellefort (Emma Mackey), hasta que esta le presenta a su amiga Linnet bastante adinerada, decidiendo cambiar él una por otra. Jacqueline a partir de ese momento los persigue allá por donde van, por lo que la pareja recurre a Poirot para que les ayude y les sirva de protección. En toda esta parte de lujo en el barco de vapor y antes, la música es de un exquisito gusto.

Quizás la presentación de personajes se extiende demasiado en el tiempo, y es cuando fluye la sangre cuando el film se acelera, las sorpresas empiezan a salir a borbotones en este thriller de misterio, donde como siempre el propio Poirot se las apaña para ir salpicando la trama con pistas falsas, todo tipo de triquiñuelas argumentales y los típicos giros, que a mí a veces me producen algo de sopor, pero que son absolutamente fundamentales en un personaje tan definido.

Amor en exceso que produce dolor, teatralidad, dinero y con una factura deslumbrante se combinan en la película que aconsejo ver con siesta dormida.

Os dejo con el tráiler del film.

Tenet (2020)

Por fin ayer pude volver al cine y para un estreno muy esperado, la nueva cinta de Christopher Nolan que ha sufrido hasta dos retrasos en su estreno debido a la pandemia. Ya desde las navidades pasadas, se nos anunciaba el tráiler de este film para su estreno en julio, pero no ha sido casi hasta finales de agosto cuando se ha podido ver en las pantallas.

Nolan es un director que crea filias y fobias a partes iguales, y yo he de decir que su trayectoria hasta el momento me parece tremenda con títulos que ya son referencia, como su trilogía de Batman, El Truco Final, Origen o la maravillosa Dunkerke. Pero este film, si se parece en algo a sus anteriores películas, diría que por momentos me parece que hila como en Memento, pero por otros se me une mucho con Origen, con los sucesos espacio-temporales haciéndolo muy enrevesado en muchos instantes, pero siempre con esa concepción muy pensada de la diversión y escenas palpitantes que nunca faltan. Lo que es innegable es su sello, que es inconfundible y una cosa que es casi su patente, todos sus films te hacen pensar, ya sea para una solución más fácil o más difícil.

Lo que sucede en Tenet es que quizás aquí la brecha entre admiradores y detractores del director se hará aún más profunda, porque si algo caracteriza a este film es que es Nolan en estado puro. Eso si, su muy arriesgada propuesta es a la vez posiblemente su mayor lastre, ya que la idea sobre el que gira el relato lo es todo, y eso provoca que sufra la narrativa y se vea obligado a hacer concesiones, lo que se nota en diálogos a veces excesivos y personajes que se quedan sin desarrollar del todo, a pesar de que los actores están tremendos.

Es cierto que la primera parte del film es vertiginosa, con mucho thriller de espionaje y una onda a James Bond que siempre sobrevuela, pero es a partir de ahí en adelante cuando la sobreinformación es tan apabullante, que cuando intentas buscar respuestas suben alarmántemente las incógnitas. Pero Nolan no descuida ni un pelo su montaje audiovisual, a todas luces impresionante.

El palíndromo bidimensional de cinco palabras que aparecen en diversos momentos de la película, hacen referencia a un antiguo conjuro que curaba las hemorragias, entre ellos el propio título del film que está explicado al principio de la película.

Lo que es innegable es que no se puede permanecer impasible ante un film de este director, y uno sale de la sala mentalmente extenuado, cansado e incluso vencido, pero entusiasmado ante el espectáculo que ha visto. Pero esa utilización de las dimensiones del espacio y las paradojas del tiempo que maneja como si fuera un científico loco, hacen que incluso sea recomendable medicarse antes de entrar, no vaya a ser que a mitad del viaje te vuelvas tarumba.

Me temo que tendré que verla una segunda vez para hacer mi propio rompecabezas, que desde luego al final del film está perfectamente encajado, pero el tema de las posibilidades de rebobinado del tiempo me tienen realmente impactado. 

Eso si, nunca hay que olvidar una premisa de este director, y es algo parecido a lo que pasa en la música, todos su alardes, su fachada, no deben tapar un argumento que en realidad es ya conocido. Muchos momentos de caos iniciales tienen su lógica final, no se alarmen.

Por cierto el director de fotografía Hoyte Van Hoytema ha tenido que alucinar, lo mismo se toma un largo descanso, mientras Nolan no ha llamado para la música a su querido Hans Zimmer esta vez y si a Ludwig Göransoon cuya música electrónica tiene momentos imponentes.

John David Washington, el protagonista, desarrolla un trabajo espectacular, físicamente da mamporros y se desliza como una anguila, pero él mismo anda toda la película tratando de descubrir ese trajín temporal en el que anda metido (se llega a pegar a sí mismo). Robert Pattison hace de Neil, y se siente muy cómodo (aunque su doblador parezca que no tiene sangre) dentro de un personaje atractivo pero que deja muchas dudas, es realmente inexplicable en muchos momentos. Elisabeth Debicki es Kat, la esposa de Andrei Sator (Kenneth Branagh) el traficante de armas, que con su esbelta figura la da altura al plano, mientras el villano, que por momentos parece ser el auténtico dominador de los movimientos espacio-temporales, para mi se queda algo atrancado por momentos y falto de escenario.

Ives (Aaron Taylor-Johnson) es otro personaje que me deja grandes dudas... El cameo de Michael Caine es sublime como siempre.

Una película larga en duración, dos horas y media, quizás excesivo y que cuanto menos te quiebres la cabeza durante el visionado hará que llegues más fresco al final para entenderlo todo... o no.

Os dejo con el tráiler.

Escenas míticas del cine (LXVIII)

Dunkerque, dirigida por Christopher Nolan en 2017, y elegida aquí en este espacio mejor película internacional, sigue sobrevolando mi cabeza con escenas imborrables. Se trata de un momento crucial en la Segunda Guerra Mundial en mayo-junio de 1940, donde la Alemania Nazi había invadido Francia y antes Holanda y Bélgica, echando al ejército británico y francés hasta Dunkerque. Allí tuvo lugar uno de los episodios más difíciles de la historia de la Guerra, al tratar de evacuar a esa gran cantidad de soldados, que se encontraban allí acorralados y en una ratonera. La idea de Wiston Churchill de mandar a todas las naves civiles disponibles para ayudar, resultó todo un acierto en un momento donde todo eran problemas.
Pero claro, ésto podría ser una película bélica sin más si no tuviera de director a Nolan, que además de hacerlo a su manera, por tierra, mar y aire (en tres historias paralelas), lo hace manteniendo el suspense y sin dejar de mostrar el horror, acompañado además por una acertadísima, como casi siempre, banda sonora de Hans Zimmer.

En una escena postrera, casi en el final del film, el spitfire británico que pilota Farrier (Tom Hardy) está intentando ayudar a todos los soldados allí aprisionados, pero se queda sin combustible, después de haber estado luchando en el aire para salvar también a varias embarcaciones y a los supervivientes de un barco hundido. En esta memorable escena, se ve como un caza alemán se dirige a rematar a todos los soldados que están en el puente esperando al próximo barco que les evacue, todos se agachan esperando lo peor, incluso Bolton (Kenneth Branagh) cierra los ojos ante lo que se le viene encima, pero en ese momento el caza alemán es abatido por Farrier que ya estaba planeando sin combustible, con la consiguiente ovación y vítores de los soldados hacia su piloto. Para colmo se ve al spitfire, en un fotograma brutal, sobrevolando las playas de Dunkerque, una escena brillante, que no necesita diálogos, sobran las palabras.

Os dejo con esta mítica ya escena.

Las mejores películas de 2017 (16-20) Parte 4

Éste año que hoy acaba ha sido mezcla de todo para el que escribe, y con muchas situaciones personales, tanto agradables como difíciles, pero ha tenido buena cosecha de películas, y yo paso a dar una lista de las 20 mejores, de aquellas que he podido ver, y que más me han transmitido, fascinado o impactado.

Haciendo memoria rescato ahora las que han quedado en los puestos del 16 al 20, es decir, que me han gustado pero por alguna circunstancia no me han acabado de rematar del todo, o porque tenían algunas por encima que eran de mayor gusto personal.. Lo malo en esto del cine es que, como es sabido, hay películas sobre todo americanas, que se estrenan allí a final de este año y aquí no se ven hasta el año siguiente 2018, por lo que a veces algo se escapa.

16. EL BAR de Álex de La Iglesia

Álex de la Iglesia este año ha estrenado dos películas, y la verdad es que siempre aporta algo. La primera que salió allá por finales de marzo, se llamaba El Bar. Hace ya unos años y unas películas en los que Álex de la Iglesia, al que le debemos films impagables como El Día de la bestia o La comunidad, repite por decirlo así, un cuadro parecido en cada nueva película que hace cambiando el entorno y la situación. Aquí un grupo de gente, cada uno con un toque algo peculiar, y donde no faltan sus personajes frikis, se ven atrapados en un bar de la plaza castiza de Los Mostenses en Madrid, con el agravante de que todo aquel que intenta salir de él, es disparado a quemarropa por tiradores invisibles. Allí dentro del bar se formará una convivencia forzada, algo esperpéntica y sobre todo llena de angustia.
Una película que va de más a menos, con una segunda parte esperpéntica y donde la unión de sus personajes frikies y no saber rematar la historia le van quitando una mejor sensación.

Os dejo con el tráiler:

17. T2: TRAINSPOTTING de Danny Boyle

20 años después apareció la segunda parte de Trainspotting, aquella salvajada noventera que tanto encumbró a su director, Danny Boyle, como a los cuatro protagonistas del reparto y que sin duda cuenta con una gran cantidad de fans. Recuerdo que la primera vez que la vi, yo era veinteañero y me resultó muy impactante y sobre todo dura, con escenas bastante fuertes. A día de hoy lo sigue siendo, aunque como ya hemos visto de todo, poco puede ya sorprender. Pero aquí estaba la cuestión, dejar aquella película icónica de la cultura pop como estaba, o hacer su segunda parte, y sinceramente, una vez vista, esta secuela se queda bastante por detrás de la primera.

Ante todo hay una cosa cuando se hacen segundas partes o secuelas, y es en no repetir cosas de la original, y eso aquí no sucede, hay constantes flashbacks y guiños al pasado, que están muy bien para quien no vio la primera parte y no sabe de donde vienen los asuntos que se tratan, pero a los que ya la conocemos nos sobra, con ello resulta una propuesta mas madura, sin duda, ya no están tan asilvestrados, pero a la vez pierde frescura e interés.

No hay que olvidar, eso si, como acabó la primera parte con Renton huyendo con la pasta de todos, algo que como es lógico, sigue coleando.
Eso si, el humor sigue muy presente y eso hace que pases un buen rato.

Os dejo con el tráiler.

18. MURDER ON THE ORIENT EXPRESS de Kenneth Branagh

Nueva adaptación del clásico "Asesinato en el Orient Express" por el actor y director Kenneth Branagh, que reviltaliza el clásico literario de Agatha Christie, publicado en 1934 y que cinematográficamente sucede a otras versiones, conviertiéndose en un nuevo remake. En esta ocasión el guión adaptado de la novela, ha corrido a cargo de Michael Green. Creo que volver con esta nueva recreación, tiene como objetivo hacerlo más actual para que las nuevas generaciones sean conscientes de esta obra clásica, y la verdad es que consigue ser una cinta de entretenimiento bastante estimable, además de contar con un reparto con mucho nivel.
Todos tenemos en la memoria la ya mítica cinta que dirigió en 1974 Sidney Lumet, donde había un elenco memorable, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Anthony Perkins o Albert Finney en la piel del investigador belga más famoso del mundo, Hercule Poirot, ya saben, un hombre que nació estudiado, y al que no se le escapa el más mínimo detalle, además de dormir con una prótesis para que su bigote estuviera siempre perfecto, y entre sus exigencias contaba con que le sirvieran dos huevos duros del mismo tamaño para desayunar. Aquí será el propio Branagh el que realice ese papel, y la verdad es que por momentos hay una sensación de cierto viaje egocéntrico por su parte, aunque evidentemente hablamos del papel protagonista.
Aparte el film es lento, muy lento por momentos, pero está muy bien hecho.

Os dejo con el tráiler.

19. THE GREAT WALL de Zhan Yimou

La Gran Muralla está dirigida por Zhan Yimou, director entre otras de Las Flores de la Guerra, Amor bajo el espino blanco o La Maldición de la flor dorada, aquí maneja una película de ciencia ficción, fantasía, acción, aventuras y embadurnado con algo de historia. Es la producción más cara hecha en China, pero eso si, ha contado con estudios y dinero procedente de Hollywood, una colaboración yanki-china, que no sé si al amigo Trump le gustará demasiado. El caso es que el despliegue es enorme, y se han buscado también actores de peso para la cinta, Matt Damon, Andy Lau, Pedro Pascal, Jing Tian, Zhang Hanyu y Willem Dafoe.

Me chirría tanto guionista, tres en una sola película, americanos todos eso si, que parte de una historia perpetrada por otros tres.

Gran divertimento visual, que muchas veces es lo mínimo exigible.

Os dejo con el tráiler.

20. THOR: RAGNAROK de Taika Waititi

Primera película de Marvel que aperece en mi lista, este año con ciertos altibajos para la franquicia. Tercera entrega de Thor, en este caso llamada Thor Ragnarok, donde el universo Marvel ya está expandido de tal forma, que en todas las nuevas películas de cada superhéroe intervienen algunos de sus compañeros de los Vengadores, en este caso Bruce Bunner (Hulk) y el Doctor Strange. Además hay que añadir que el reparto es una pasada, a parte de los dos protagonistas fundamentales, es decir Chris Hemsworth haciendo de Thor y Tom Hiddleston de Loki, tenemos a Anthony Hopkins como Odín claro y Cate Blanchett haciendo de Hela, Jeff Goldblum del Gran Maestro, Benedict Cumberbatch de Doctor Strange, además de Mark Ruffalo como Hulk, además del cameo inicial de Matt Damon y Sam Neill.
Sinceramente las dos primeras películas de Thor se me hacían un tanto espesas por así decirlo, pero aquí el director neozelandés Taika Waititi ha optado por construir el film con una base humorística bastante fuerte, cierto es que eso digamos es la corriente que le viene de Los Vengadores, pero en este caso se ha extendido de tal manera que prácticamente no concibes una escena sin un guiño de humor, cosa que está bien porque lo pasas pipa en la butaca, ya que casi todos los gags son graciosos, pero quizás hace perder un poco la esencia y la épica de la historia en si. Ojo, esto no es una crítica, pero la balanza se ha desequilibrado algo.

Os dejo con el tráiler.

Murder on the Orient Express (2017)

Nueva adaptación del clásico "Asesinato en el Orient Express" por el actor y director Kenneth Branagh, que reviltaliza el clásico literario de Agatha Christie, publicado en 1934 y que cinematográficamente sucede a otras versiones, conviertiéndose en un nuevo remake. En esta ocasión el guión adaptado de la novela, ha corrido a cargo de Michael Green. Creo que volver con esta nueva recreación, tiene como objetivo hacerlo más actual para que las nuevas generaciones sean conscientes de esta obra clásica, y la verdad es que consigue ser una cinta de entretenimiento bastante estimable, además de contar con un reparto con mucho nivel.

Todos tenemos en la memoria la ya mítica cinta que dirigió en 1974 Sidney Lumet, donde había un elenco memorable, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Anthony Perkins o Albert Finney en la piel del investigador belga más famoso del mundo, Hercule Poirot, ya saben, un hombre que nació estudiado, y al que no se le escapa el más mínimo detalle, además de dormir con una prótesis para que su bigote estuviera siempre perfecto, y entre sus exigencias contaba con que le sirvieran dos huevos duros del mismo tamaño para desayunar. Aquí será el propio Branagh el que realice ese papel, y la verdad es que por momentos hay una sensación de cierto viaje egocéntrico por su parte, aunque evidentemente hablamos del papel protagonista.

Si bien en la antigua versión había una sabia interpretación de dos épocas, estilos distintos y necesidades comerciales en lucha, en este nueva mantiene el clasicismo de la antigua, su espíritu y su ritmo, pero ante todo no olvida describir de manera consecuente y muy sagaz a todos los personajes involucrados en el asesinato, siendo por momentos también un envidiable ejercicio audiovisual, ya que tanto paisajes como la fotografía son excelentes.

Recordemos que la historia narra el asesinato perpetrado durante un viaje en el legendario tren Orient Express que salía de Estambul (Turquía) con destino Calais (Francia). La investigación del detective belga tropieza desde el inicio con grandes dificultades, ya que los ilustres pasajeros disponen de coartadas que el astuto investigador irá tirando abajo una a una.

Pero, ¿donde radica la diferencia entre el Poirot de antaño de Finney y éste de Brannagh? Bajo mi punto de vista, y aparte de que hay situaciones casi de sainete en el film, éste Hercule se ha transformado casi en un héroe de acción, pero sin perder en ningún momento todas sus cualidades refinadas y de buen gusto.

Del reparto la verdad, Branagh está muy bien, no me cuadra Penélope Cruz, no me la creo llorando, sin embargo Michelle Pfeiffer sigue siendo una atracción fatal maravillosa en su papel de Caroline Hubbard, Johnny Deep está perfecto en el papel del asesinado Edward Ratchett. Judi Dench, Willem Dafoe y el resto de actores rayan a gran altura.

Os dejo con el tráiler del film.

Dunkirk (2017)

Christopher Nolan dirige Dunkerque, basada en los hechos que ocurrieron entre mayo y junio de 1940, en esa localidad francesa, dentro de La Segunda Guerra Mundial. La Alemania Nazi había invadido Francia y antes Holanda y Bélgica, echando al ejército británico y francés hasta Dunkerque. Allí tuvo lugar uno de los episodios más difíciles de la historia de la Guerra, al tratar de evacuar a esa gran cantidad de soldados, que se encontraban allí acorralados y en una ratonera. Pero claro, ésto podría ser una película bélica sin más si no tuviera de director a Nolan, que además de hacerlo a su manera, por tierra, mar y aire (en tres historias paralelas), lo hace manteniendo el suspense y sin dejar de mostrar el horror, acompañado además por una acertadísima, como casi siempre, banda sonora de Hans Zimmer.

Mucha gente para embarcar y pocos barcos, mientras los alemanes siguen atacando, hundiendo barcos, y matando soldados, de todas las formas posibles, o bien atacando con la aviación, y con artillería o lanzando torpedos que hunden los barcos. Toda esa odisea está retratada de manera sublime por Christopher Nolan, que consigue tenerte enganchado los 106 minutos de proyección, y que sientas el terror de aquella gente que está continuamente con el aviso de la muerte a las puertas. Hay muchos héroes en todo el proceso, y esa transmisión de la humanidad de muchos de esos soldados británicos y franceses está perfectamente conseguida. Al final no hablamos de una batalla solo, sino de una evacuación dentro de una batalla, lo que se llamó la Operación Dinamo.

Pero disociar la narración en bloques, es algo intrínseco a la manera de hacer cine de Nolan, que además hace que pienses, siempre que veo una película de este este director me hace pensar y eso es algo por lo que siempre le estaré agradecido. Aquí esos tres bloques los marcan los tres frentes de ataque, tierra, mar y aire, y desde luego que el aire tiene un peso muy importante, ya que los aviones ingleses, los míticos spitfire, se las tienen que ver con los stukas alemanes, y desde luego que no pueden ser más realistas las imágenes de las batallas aéreas, y el mérito de aquellos pilotos era descomunal. Luego estuvo la ayuda de embarcaciones civiles, algo que el mismo Wiston Churchill calificó de milagro. Es importante recordar, que Estados Unidos aún no había entrado en conflicto.

La sensación de opresión y encerrona domina el film, todos los soldados sin salida más que el mar, y los alemanes hundiendo sus barcos y rematándolos en la playa. Y allí abajo, todos los soldados intentan resguardarse y esperar, pero en medio de todo eso funciona la solidaridad, y como no, el sálvese quien pueda, se ven rostros abatidos, bajos de moral, gente cuya cordura emocional está ya rota para siempre por lo vivido.
En ese aspecto, uno de los protagonistas del film, un joven oficial británico, sufre desde el inicio la persecución de la muerte, desde la primera escena, y todos sus intentos de huída, los irá salvando con el resultado de regresar a Dunkerque, salva la vida una y otra vez, pero vuelve atrás.

La tirada de actores es larga y una mezcla de curtidos y veteranos, con nuevas figuras británicas que están despuntando. Así a Kenneth Branagh o Mark Rylance, a los que un Tom Hardy o Cillian Murphy dan la transición por edad a los jóvenes Harry Styles, Fionn Whitehead o Jack Lowden, todos en magníficas interpretaciones en tono coral ya que la película trata el tema como un todo, del que se desprenden historias particulares.

Incluso la heroicidad de algunos como Farrier (Tom Hardy), piloto aéreo, tiene como final ser apresado por el bando enemigo.

En resumen un film antológico, que disfruté mucho en mi butaca, y que consigue tenerte en vilo todo el metraje a base de buen cine.

Desde el punto de vista técnico, la utilización de cámaras IMAX y de barcos y aviones reales, es de agradecer, porque el producto final es brutal, ese sonido real de los aviones es impagable. El jaleo de los soldados a las pequeñas embarcaciones que acudieron en su ayuda, los que se quedaron varados en la playa, todo un cuadro dantesco, dibujado de manera soberbia por este magnífico director.

Os dejo con el tráiler de esta maravilla de película que desprende mucha verdad.