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Monday, March 17, 2025

Bill Black's Combo • Cowboy and Country Favourites



 William Patton Black Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an American musician and bandleader who is noted as one of the pioneers of rock and roll. He was the bassist in Elvis Presley's early trio. Black later formed Bill Black's Combo.

Black was born in Memphis, Tennessee, to a motorman for the Memphis Street Railway Co. He was the oldest of nine children. His father played popular songs on the banjo and fiddle to entertain the family. Black learned to play music at the age of 14 on an instrument made by his father—a cigar box with a board nailed to it and strings attached. At the age of sixteen, Black was performing "honky-tonk" music on acoustic guitar in local bars.

During World War II, Black was stationed with the U.S. Army at Fort Lee in Virginia. While in the Army, he met Evelyn, who played guitar as a member of a musical family. They married in 1946 and returned to Memphis. Black worked at the Firestone plant.

He began playing the upright bass fiddle, modeling his "slap bass" technique after one of his idols, Fred Maddox, of Maddox Brothers and Rose. Black also developed a "stage clown" persona in the same way that Maddox entertained audiences. Black performed as an exaggerated hillbilly with blacked-out teeth, straw hat and overalls. According to his son, Black said his goal was always to give his audience "a few moments of entertainment and maybe a little bit of humor that'll tickle 'em for a while."

In 1952, Black began playing in clubs and on radio shows with the guitarist Scotty Moore. Along with two other guitarists and a fiddler, they performed country music tunes by Hank Williams and Red Foley in Doug Poindexter's band, the Starlight Wranglers. Black and Moore also played in a band with Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette on steel guitar, and a drummer.

In 1959 Black joined a group of musicians which became Bill Black's Combo. The lineup was Black (bass), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitar), Martin Willis (saxophone), and Jerry Arnold (drums). There were several personnel changes. While Young was in the army, his position was filled by Hank Hankins, Chips Moman and Tommy Cogbill. On sax, Ace Cannon took over touring duties from Willis who remained in Memphis for the studio work and movie appearances. Carl McVoy replaced Hall in the studio, while Bobby Emmons replaced him on tour.

The band released blues instrumental "Smokie" for Hi Records in December 1959. "Smokie, Part 2" became a No. 17 U.S. pop hit, and made number one on the "black" music charts. It sold over one million copies, and was awarded a gold disc by the RIAA. A follow-up release, "White Silver Sands" (Hi 2021), was a Top 10 hit (#9) and, like its predecessor, topped the R&B charts for four weeks.

Eight of the recordings by Bill Black's Combo placed in the Top 40 between 1959 and 1962. Advertised as "Terrific for Dancing" their Saxy Jazz album spent a record whole year in the top 100.

The Combo appeared in the 1961 film Teenage Millionaire and on The Ed Sullivan Show, where they performed a medley of "Don't Be Cruel," "Cherry Pink," and "Hearts of Stone", and were voted Billboard's number one instrumental group of 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)

Albums with themes included Bill Black's Combo Plays Tunes by Chuck Berry, Bill Black's Combo Goes Big Band, Bill Black's Combo Goes West, and Bill Black's Combo Plays the Blues. The Combo's sound of danceable blues became a popular accompaniment for striptease dancers. Another characteristic of the Combo was Reggie Young thwacking on the guitar with a pencil.

In 1962, Bill Black opened a recording studio called "Lyn-Lou Studios" (a shortened nickname "Linda-Lou" he had for his daughter Nancy), and a record label named "Louis" after his son, on Chelsea Street in Memphis, Tennessee, with Larry Rogers (Studio 19, Nashville) as his engineer and producer. Johnny Black, Bill's brother and also upright bass player, who knew Elvis at Lauderdale Courts before Bill, recalls visiting Bill at the studio and reported that Bill would be totally absorbed mixing and playing back tracks.[citation needed]

Bob Tucker and Larry Rogers purchased Lyn-Lou Studios after Bill Black's death in 1965. The studio recorded many Bill Black Combo albums (with billings such as "The Best Honky Tonk Band in America" and "The band who opened for the Beatles")[citation needed] and produced number-one country hits for Charly McClain, T.G. Shepard, Billy Swan and others. The house band for these sessions was the Shylo Band, featuring guitarist/songwriter Ronnie Scaife, nephew of Cecil Scaife, famed Sun Studio engineer.

Early in 1963, Black sent from two to five different versions of the Combo to different regions of the country at the same time, while staying off the road himself, wanting to concentrate on his business, family and his health.

In 1963, Bob Tucker joined the Bill Black Combo as a road manager and guitar/bass player.

Black himself had been ill for the past year and a half and unable to travel. Nonetheless, he insisted that the band continue without him. The Bill Black Combo created musical history in 1964 when they became the opening act for the Beatles (at their request) on their historic 13-city tour of America after their appearance on The Ed Sullivan Show. Black himself was not well enough to make the tour.

After two surgeries and lengthy hospital stays, Black died of a brain tumor on October 21, 1965, at age 39. His death occurred during his third operation that doctors had hoped would eradicate the tumor permanently. Black's body was buried at Forest Hill Cemetery in Memphis, Tennessee. Presley was criticized for not attending the funeral, but he believed that his presence would turn it into a media frenzy. He decided instead to visit the family privately after the service to express his condolences. According to Louis Black, Presley said, "If there's anything that y'all need, you just let me know and it's yours."

Black's widow sold Bob Tucker and Larry Rogers the rights to use the name Bill Black's Combo. The band changed to country when it joined Columbia Records, and won Billboard's Country Instrumental Group of the Year award in 1976.

On April 4, 2009, Bill Black was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.

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William Patton Black Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de 1965)  fue un músico y director de orquesta estadounidense conocido como uno de los pioneros del rock and roll. Fue el bajista en el trío temprano de Elvis Presley. Black formó más tarde el combo de Bill Black.

Black nació en Memphis, Tennessee, hijo de un motero de la Memphis Street Railway Co. Era el mayor de nueve hijos. Su padre tocó canciones populares en el banjo y violín para entretener a la familia. Black aprendió a tocar música a la edad de 14 años con un instrumento hecho por su padre: una caja de cigarros con una tabla clavada y cuerdas atadas. A la edad de dieciséis años, Black tocaba música "honky-tonk" en guitarra acústica en bares locales.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Black estuvo estacionado con el Ejército de los Estados Unidos en Fort Lee en Virginia. Mientras estaba en el ejército, conoció a Evelyn, quien tocaba la guitarra como miembro de una familia musical. Se casaron en 1946 y regresaron a Memphis. Black trabajó en la planta de Firestone.

Comenzó a tocar el violín del bajo vertical, modelando su técnica de "bofetada" según uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers y Rose. Black también desarrolló un personaje de "payaso de escenario" de la misma manera que Maddox entretuvo al público. El negro se desempeñó como una exagerada colina con los dientes oscurecidos, un sombrero de paja y un mono. Según su hijo, Black dijo que su objetivo era siempre darle a su público "unos momentos de entretenimiento y quizás un poco de humor que les haga cosquillas por un tiempo".

En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un violinista, interpretaron canciones de música country de Hank Williams y Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers. Black y Moore también tocaron en una banda con Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette en guitarra de acero y un baterista.

En 1959, Black se unió a un grupo de músicos que se convirtió en el Combo de Bill Black. La alineación fue Black (bajo), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitarra), Martin Willis (saxofón) y Jerry Arnold (batería). Hubo varios cambios de personal. Mientras Young estaba en el ejército, su posición fue ocupada por Hank Hankins, Chips Moman y Tommy Cogbill. En el saxofón, Ace Cannon se hizo cargo de Willis, quien permaneció en Memphis para el trabajo de estudio y las apariciones en películas. Carl McVoy reemplazó a Hall en el estudio, mientras que Bobby Emmons lo reemplazó en la gira.

La banda lanzó el blues instrumental "Smokie" para Hi Records en diciembre de 1959.  "Smokie, Parte 2" se convirtió en el hit número 17 de los Estados Unidos, y se convirtió en el número uno en las listas musicales "negras".  Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA.  Un lanzamiento de seguimiento, "White Silver Sands" (Hola 2021), fue un éxito Top 10 (# 9) y, al igual que su predecesor, encabezó las listas de R&B durante cuatro semanas.

Ocho de las grabaciones de Bill Black's Combo se ubicaron en el Top 40 entre 1959 y 1962. Anunciado como "Terrific for Dancing", su álbum Saxy Jazz pasó un año entero en el top 100.

The Combo apareció en la película Teenage Millionaire de 1961 y en The Ed Sullivan Show, donde interpretaron una mezcla de "Don't Be Cruel", "Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron elegidos como el grupo instrumental número uno de Billboard. de 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)

Álbumes con temas incluidos Combo Plays Tunes de Bill Black, Chuck Berry, Combo Goes Big Band de Bill Black, Combo Goes West de Bill Black y Combo Plays the Blues de Bill Black. El sonido de blues bailable de The Combo se convirtió en un acompañamiento popular para los bailarines de striptease. Otra característica del Combo era Reggie Young, que golpeaba la guitarra con un lápiz.

En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado "Lyn-Lou Studios" (un apodo abreviado "Linda-Lou" que tenía para su hija Nancy), y un sello discográfico llamado "Louis" por su hijo, en Chelsea Street en Memphis. , Tennessee, con Larry Rogers (Studio 19, Nashville) como su ingeniero y productor. Johnny Black, el hermano de Bill y también bajista, que conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que Bill, recuerda haber visitado a Bill en el estudio e informó que Bill estaría totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas. [Cita requerida]

Bob Tucker y Larry Rogers compraron Lyn-Lou Studios después de la muerte de Bill Black en 1965. El estudio grabó muchos álbumes de Bill Black Combo (con facturas como "The Best Honky Tonk Band en América" ​​y "La banda que abrió para los Beatles") [cita requerida] y produjo el número uno de éxitos de país para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y otros. La banda de la casa para estas sesiones fue Shylo Band, con el guitarrista y cantante Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, famoso ingeniero de Sun Studio.

A principios de 1963, Black envió de dos a cinco versiones diferentes del Combo a diferentes regiones del país al mismo tiempo, mientras se mantenía alejado de la carretera, deseando concentrarse en su negocio, su familia y su salud.

En 1963, Bob Tucker se unió a Bill Black Combo como administrador de caminos y guitarra / bajo.

El mismo Black había estado enfermo durante el último año y medio y no había podido viajar. No obstante, insistió en que la banda continuara sin él. El Bill Black Combo creó la historia musical en 1964 cuando se convirtieron en el acto de apertura de los Beatles (a petición de ellos) en su histórica gira por 13 ciudades de América después de su aparición en The Ed Sullivan Show. El mismo Black no estaba lo suficientemente bien como para hacer la gira.

Después de dos cirugías y largas estadías en el hospital, Black murió de un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a la edad de 39 años. Su muerte ocurrió durante su tercera operación que los médicos habían esperado para erradicar el tumor de forma permanente. El cuerpo de Black fue enterrado en el cementerio Forest Hill en Memphis, Tennessee. Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero creía que su presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En su lugar, decidió visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: "Si hay algo que necesiten, hágamelo saber y será suyo".

La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para usar el nombre Combo de Bill Black. La banda cambió a país cuando se unió a Columbia Records y ganó el premio al Grupo Instrumental del Año de Billboard en 1976.

El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.


Andre Hodeir • American Jazzmen Play Andre Hodeir's Essais



Artist Biography by AllMusic
(1921-2011), Paris, France. Hodeir studied music formally for many years but also developed a fascination for jazz. In the late 40s he frequently wrote jazz criticism, becoming chief editor of the French magazine Jazz Hot. He also wrote an important book, first published in the USA in 1956 under the title Jazz: Its Evolution And Essence. He played violin and recorded with various jazz groups, including musicians such as Django Reinhardt and Kenny Clarke. However, Hodeir was more interested in composing and writing about jazz and his playing days were thus numbered. From the mid-50s until the end of the 60s he co-led a band, Jazz Groupe De Paris, with Bobby Jaspar, a vehicle for his own compositions. In the 60s he took an interest in third stream music, composing in this hybrid medium. He was also in demand as a composer of music for the soundtracks of motion pictures. By the 80s Hodeir had abandoned composing, channelling most of his energies into writing. From recordings of his work, Hodeir’s composing and arranging talents are evident, although there is much about his composing, especially in third-stream mode, that makes his work less than readily accessible to the general listener. His criticism is also interesting and perceptive although often pugnaciously argumentative and sometimes slightly wrong-headed. Nevertheless, he is always thought-provoking and some of his in-depth analyses are incisive and informed.

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André Hodeir, el compositor que creía en la religión del jazz
El autor francés contribuyó como pocos a hacerlo respetable
J. M. García Martínez
4 NOV 2011

El aficionado al jazz inclinaba respetuosamente la cabeza a su paso. Violinista, compositor, arreglista, musicólogo y escritor, André Hodeir contribuyó como pocos a hacer del jazz la música respetable y respetada que es hoy día. Su muerte, en Versalles, ocurrida el pasado 1 de noviembre a los 90 años de edad, deja al jazz huérfano de uno de sus más clarividentes pensadores y teóricos.

Hodeir iba para violinista clásico cuando el jazz se cruzó en su camino. Alumno del Conservatorio de París en los años de la guerra, fue compañero de pupitre de Olivier Messiaen. Pocos conocían su doble personalidad como músico, que disimulaba bajo el seudónimo de Claude Laurence. Hodeir se las apañó para juntarse con lo mejor del jazz francés de la época, de André Ekyan a Django Reindhart. Con este último trabajó en la película Le Village de la colère.

La eclosión del bebop tras la guerra le alcanzó de pleno. Hodeir colaboró con quienes se encargaron de difundir los valores del nuevo jazz entre los europeos: los saxofonistas Don Byas y James Moody, el pianista John Lewis, y el baterista Kenny Clarke. Con Bobby Jaspar, fundó en 1954 el Jazz Group de París, dedicado a la interpretación de su propia obra. Ese año publicó Hommes et problèmes du jazz, recopilación de sus artículos para la revista Jazz Hot, incluyendo un polémico epílogo bajo el título La religión del jazz. La obra crítica de Hodeir culminaría en 1970 con Les mondes du jazz, "gran obra hoderiana, híbrida y aguda, ensayo-ficción sobre la naturaleza y las muertes del jazz, sus devenires y sus arrepentimientos", en palabras del musicólogo Christian Tarting. El versátil André Hodeir fue además autor de dos novelas: Play-back (1983) y Musikant (1987). En esta última, da cuenta de las razones que le llevaron a abandonar la práctica del violín. Por lo que respecta a su faceta como compositor de jazz, lo mejor de la misma se halla condensada en tres discos: Kenny Clarke plays André Hodeir (1956); American Jazzmen play André Hodeir (1957), con Annie Ross, Donald Byrd, y Eddie Costa; y Jazz et jazz (1960), con Christiane Legrand y Martial Solal. En sus últimos años, el trabajo de Hodeir estuvo centrado en otro tipo de obras de mayor empeño, como es el caso de Anna Livia Plurabelle-Jazz on Joyce, Jazz cantata para dos voces y orquesta de jazz, y Bitter ending.


J. B. Hutto • Stompin' At Mother Blues



With his take-no-prisoners slide guitar style derived from Elmore James and a primal, driving approach to the blues, J.B. Hutto was a fixture in the Chicago clubs in the 1950s and 1960s, where he was often paired with the similar-sounding Hound Dog Taylor. This set, which was recorded at Mother Blues on Wells Street in Chicago's Old Town section on December 17, 1966 (the final seven tracks come from a second session held on December 19 and 20, 1972, at Sound Studios), is typical of Hutto's barn-burning style, with ragged, explosive slide runs curling around his raw, nearly incomprehensible vocals (not that the Hawk's meaning was ever unclear), and the end effect is bit like having a bulldozer blast through your head. Among the highlights here are the opener, "Evening Train," "Hawk's Rock" (an instrumental that is about as subtle as Hutto ever got), the monster "Hip Shakin'" (the version here was used on his album Hawk Squat), "Precious Stone," and "Young Hawk's Crawl," although the whole disc is of a piece, a full-throttle charge through some vintage Chicago guitar blues, and since Hutto never strayed from his ragged and gut-bucket approach to things, this set makes as fine an introduction to his slide fireworks as any. (Steve Leggett)

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Con su estilo de guitarra deslizante sin prisioneros, derivado de Elmore James, y un enfoque primitivo del blues, J.B. Hutto fue un fijo en los clubes de Chicago en las décadas de 1950 y 1960, donde a menudo se le emparejaba con el sonido similar de Hound Dog Taylor. Este set, que fue grabado en Mother Blues on Wells Street en la sección Old Town de Chicago el 17 de diciembre de 1966 (los últimos siete temas provienen de una segunda sesión celebrada el 19 y 20 de diciembre de 1972 en Sound Studios), es típico del estilo de Hutto de quemar graneros, con toboganes irregulares y explosivos que se enroscan alrededor de sus voces crudas y casi incomprensibles (no es que el significado del Hawk no haya sido nunca confuso), y el efecto final es un poco como si se tratara de tener una explosión de un bulldozer a través de su cabeza. Entre los más destacados se encuentran el estreno, "Evening Train", "Hawk's Rock" (un instrumento que es más sutil que nunca), el monstruo "Hip Shakin'" (la versión que aquí se usó en su álbum Hawk Squat), "Precious Stone" y "Young Hawk's Crawl" (El gateo del joven halcón),"aunque todo el disco es de una pieza, una carga a toda velocidad a través de algunos blues de guitarra vintage de Chicago, y como Hutto nunca se apartó de su andrajoso enfoque de las cosas, este conjunto hace que sea una buena introducción a sus fuegos artificiales como cualquier otro. (Steve Leggett)


Wes Montgomery • Goin' Out of My Head



Artist Biography
Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.
https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

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Biografía del artista
Nacido en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos (donde también murió de un ataque al corazón en 1968), Montgomery provenía de una familia de músicos, en la que sus hermanos, Monk (bajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender de oído melodías complejas y riffs. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Junto con el uso de octavas (tocando la misma nota en dos cuerdas separadas por una octava) por lo que es ampliamente conocido, Montgomery fue también un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de sus solos de una sola nota, octava y acorde de bloque. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery desplumó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando las pulsaciones hacia abajo para notas simples y una combinación de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía una mazorca en el pulgar, lo que le dio ese punto a su sonido. Obtenía un sonido para las partes blandas, y luego ese punto usando el maíz. Por eso nadie podrá igualar a Wes. Y su pulgar estaba doblemente articulado. Podía doblarlo todo para tocarse la muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente".

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson fabricó para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador a válvulas, a menudo un Fender. En sus últimos años tocó un Standel.

Montgomery realizó una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en grabaciones de este período. Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluyó a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, quien hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones hechas por Montgomery y sus hermanos entre 1957 y 1959 fueron editadas por el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959, Montgomery fue fichado por el sello Riverside Records y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la empresa quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son ampliamente consideradas por los aficionados y los historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como un cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum contenía una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, generalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve produjo varios álbumes donde fue presentado con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a cambiar hacia el territorio de la música pop. Una excepción notable es el Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos apariciones memorables en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes continuó tocando la guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En ella, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para riffar, creando un concepto holístico de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las canciones de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Para cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, había abandonado totalmente el jazz directo de su carrera anterior por el mercado pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su periodo A&M (1967-68) incluyen interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos aficionados y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias, incluyendo: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock'n' Roll, Soul, y Rhythm and Blues[se necesitan citas] Muchos compositores y compositores le han escrito tributos musicales, incluyendo a Stevie Wonder y Eric Johnson. 
https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery


Alberto Marsico, Roman Pokorny, Pavel Bady Zboril • Trio´ 03