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Monday, March 17, 2025

Wes Montgomery • Goin' Out of My Head



Artist Biography
Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.
https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

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Biografía del artista
Nacido en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos (donde también murió de un ataque al corazón en 1968), Montgomery provenía de una familia de músicos, en la que sus hermanos, Monk (bajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender de oído melodías complejas y riffs. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Junto con el uso de octavas (tocando la misma nota en dos cuerdas separadas por una octava) por lo que es ampliamente conocido, Montgomery fue también un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de sus solos de una sola nota, octava y acorde de bloque. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery desplumó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando las pulsaciones hacia abajo para notas simples y una combinación de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía una mazorca en el pulgar, lo que le dio ese punto a su sonido. Obtenía un sonido para las partes blandas, y luego ese punto usando el maíz. Por eso nadie podrá igualar a Wes. Y su pulgar estaba doblemente articulado. Podía doblarlo todo para tocarse la muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente".

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson fabricó para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador a válvulas, a menudo un Fender. En sus últimos años tocó un Standel.

Montgomery realizó una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en grabaciones de este período. Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluyó a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, quien hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones hechas por Montgomery y sus hermanos entre 1957 y 1959 fueron editadas por el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959, Montgomery fue fichado por el sello Riverside Records y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la empresa quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son ampliamente consideradas por los aficionados y los historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como un cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum contenía una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, generalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve produjo varios álbumes donde fue presentado con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a cambiar hacia el territorio de la música pop. Una excepción notable es el Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos apariciones memorables en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes continuó tocando la guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En ella, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para riffar, creando un concepto holístico de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las canciones de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Para cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, había abandonado totalmente el jazz directo de su carrera anterior por el mercado pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su periodo A&M (1967-68) incluyen interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos aficionados y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias, incluyendo: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock'n' Roll, Soul, y Rhythm and Blues[se necesitan citas] Muchos compositores y compositores le han escrito tributos musicales, incluyendo a Stevie Wonder y Eric Johnson. 
https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery


Alberto Marsico, Roman Pokorny, Pavel Bady Zboril • Trio´ 03


   

Beegie Adair • As Time Goes By



Editorial Reviews
A jazz piano salute to silver screen classics from the golden age of cinema.
Born in Cave City, Kentucky, a small farming community of 1,400 residents, Beegie Adair (pronounced B-G) grew up avidly listening to music. At age four she started the 'two-finger-hunt-and-peck' system on the piano, but began actual lessons when she was five and continued studying piano through college at Western Kentucky University in Bowling Green where she received her Bachelor of Science Degree in Music Education. Arriving in Nashville during the heyday of Country music allowed her the opportunity to accompany such legendary performers as Chet Atkins, Johnny Cash, and Dolly Parton. Because Nashville was a hot bed of musical television tapings and live performances during that time, Adair also worked with such entertainers as Neil Diamond, Mama Cass Elliott, and Peggy Lee in her position as in-house pianist for The Johnny Cash Show for ABC-TV plus other television programs featuring Lucille Ball, Carol Burnette, and Dinah Shore. Adair serves as adjunct professor in jazz studies at Vanderbilt University's Blair School of Music and currently teaches singers repertoire at the Nashville Jazz Workshop. Beegie credits as her main influences Jimmy Jones, George Shearing, Teddy Wilson, Tommy Flanagan, Oscar Peterson, Bill Evans, and Russ Freeman (the pianist who played with Chet Baker in the Fifties).

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Reseñas editorial
Un piano de jazz rinde homenaje a los clásicos de la pantalla de plata de la época dorada del cine.
Nacida en Cave City, Kentucky, una pequeña comunidad agrícola de 1,400 residentes, Beegie Adair (pronunciado B-G) creció con avidez escuchando música. A la edad de cuatro años comenzó el sistema de 'cazar y besar con dos dedos' en el piano, pero comenzó las lecciones reales cuando tenía cinco años y continuó estudiando piano en la universidad de Western Kentucky University en Bowling Green, donde recibió su licenciatura en ciencias. Licenciada en Educación Musical. Llegar a Nashville durante el apogeo de la música country le dio la oportunidad de acompañar a artistas tan legendarios como Chet Atkins, Johnny Cash y Dolly Parton. Debido a que Nashville fue una cama caliente de grabaciones de televisión y actuaciones musicales en vivo durante ese tiempo, Adair también trabajó con artistas como Neil Diamond, Mama Cass Elliott y Peggy Lee en su posición como pianista de The Johnny Cash Show para ABC. TV y otros programas de televisión con Lucille Ball, Carol Burnette y Dinah Shore. Adair es profesor adjunto de estudios de jazz en la Escuela de Música Blair de la Universidad de Vanderbilt y actualmente enseña repertorio para cantantes en el Nashville Jazz Workshop. Beegie acredita como sus principales influencias a Jimmy Jones, George Shearing, Teddy Wilson, Tommy Flanagan, Oscar Peterson, Bill Evans y Russ Freeman (el pianista que tocó con Chet Baker en los años cincuenta).







VA • Songs From The Soda Fountain





 



Bernard Purdie • Bernard Purdie's Soul To Jazz



BERNARD PURDIE was born June 11, 1939 in Elkton, Maryland as the eleventh of fifteen children. Purdie began already as a six-year-old to bang out rhythms on improvised equipment. At 14 years of age he purchased his first real drum set and became the most important provider for the family - earning his pay with country and carnival bands. This "schooling" enabled Purdie to "feel my way into nearly every kind of music, 'cause I had to know all styles and was never afraid to try something new."

Purdie moved to New York in 1960 after finishing high school and played with (among others), Lonnie Youngblood before landing his first hit with King Curtis. This led to his engagement with Aretha Franklin in 1970 - the beginning of an unparalleled career. Since then, Purdie has been a regular guest in the studios of the stars of Jazz, Soul, and Rock, working together with Paul Butterfield as well as Larry Coryell, Miles Davis, Hall & Oates, Al Kooper, Herbie Mann, Todd Rundgren and Cat Stevens, as well as regularly producing his own solo albums under his own name.

Liner Notes from Purdie "Soul To Jazz." 3-96. With Brecker Brothers, ACT Music & Vision GMBH.

Which musician did Aretha Franklin definitely NOT want missing from the line-up when she recorded her most inspired albums at the beginning of the seventies Who provided the back-beat for Steely Dan's "Aja", and for whom have Isaac Hayes, Donny Hathaway, B.B. King, "Sweet" Lou Donaldson, Joe Cocker and Hank Crawford reserved that stool behind the drum kit? The list is incomplete, it must be, because no other drummer in the last three decades has seen the interior of a recording studio as often as Bernard "Pretty" Purdie. The 57 year-old native of Elkton, Maryland has laid down the beat on over 3000 albums to date.

This short list does however, prove an idea of the unique qualities this man possesses. Colleagues describe the drummer's style as the "funkiest soul beat" in the business, and Purdie has decidedly never limited his talents to the realm of jazz but rather has consistently sought out new musical experiences beyond it's borders. He has anchored sessions with the Rolling Stones, James Brown and Tom Jones with equal ease and proven that - with all his attention to precision playing - terms such as "drive" and "GROOVE" are definitely not missing from his vocabulary. This is certainly why his rhythms have appeared as samples on nearly every "Acid Jazz" record released in the past few years - the new genre that has so successfully hosted the renaissance of Soul Jazz. Furthermore because it is a special pleasure to personally harvest the fruits from trees one has planted oneself - Purdie has now gathered together a flock of like-minded souls and created the new album - "Soul To Jazz". It will certainly, so much can be sure, stun those who seek to copy his style - if not completely draw their attention. These 13 songs prove that the pioneer of the hybrid of blend of Jazz, Soul and Funky Tunes is still light years ahead of his imitators.

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BERNARD PURDIE nació el 11 de junio de 1939 en Elkton, Maryland como el undécimo de quince hijos. Purdie comenzó ya a la edad de seis años a golpear ritmos con equipos improvisados. A los 14 años compró su primera batería real y se convirtió en el proveedor más importante para la familia, ganándose la vida con bandas de música country y de carnaval. Esta "escolarización" le permitió a Purdie "sentir mi camino en casi todo tipo de música, porque tenía que conocer todos los estilos y nunca tuve miedo de probar algo nuevo".

Purdie se mudó a Nueva York en 1960 después de terminar la escuela secundaria y jugó (entre otros) con Lonnie Youngblood antes de conseguir su primer éxito con King Curtis. Esto lo llevó a su compromiso con Aretha Franklin en 1970 - el comienzo de una carrera sin parangón. Desde entonces, Purdie ha sido un invitado habitual en los estudios de las estrellas de Jazz, Soul y Rock, trabajando junto con Paul Butterfield y Larry Coryell, Miles Davis, Hall & Oates, Al Kooper, Herbie Mann, Todd Rundgren y Cat Stevens, además de producir regularmente sus propios discos en solitario bajo su propio nombre.

"Soul To Jazz" de Purdie. 3-96. Con Brecker Brothers, ACT Music & Vision GMBH.

¿Qué músico no quería que faltara Aretha Franklin cuando grabó sus álbumes más inspirados a principios de los setenta? ¿Quién proporcionó el compás de fondo para "Aja" de Steely Dan, y para quién han reservado ese taburete detrás de la batería Isaac Hayes, Donny Hathaway, B.B. King, "Sweet" Lou Donaldson, Joe Cocker y Hank Crawford? La lista es incompleta, debe ser, porque ningún otro baterista en las últimas tres décadas ha visto el interior de un estudio de grabación tan a menudo como Bernard "Pretty" Purdie. Este nativo de Elkton de 57 años de edad, Maryland ha marcado el ritmo de más de 3000 álbumes hasta la fecha.

Esta breve lista, sin embargo, prueba una idea de las cualidades únicas que este hombre posee. Sus colegas describen el estilo del baterista como el "soul beat más funky" en el negocio, y Purdie ha decidido que nunca ha limitado sus talentos al ámbito del jazz, sino que ha buscado constantemente nuevas experiencias musicales más allá de sus fronteras. Ha anclado sesiones con los Rolling Stones, James Brown y Tom Jones con la misma facilidad y ha demostrado que -con toda su atención al juego de precisión- términos como "drive" y "GROOVE" definitivamente no faltan en su vocabulario. Esta es la razón por la que sus ritmos han aparecido como muestras en casi todos los discos de "Acid Jazz" editados en los últimos años, el nuevo género que ha acogido con tanto éxito el renacimiento de Soul Jazz. Además, porque es un placer especial cosechar personalmente los frutos de los árboles que uno mismo ha plantado, Purdie ha reunido a un rebaño de almas afines y ha creado el nuevo álbum "Soul To Jazz". Ciertamente, tanto puede estar seguro, que dejará atónitos a aquellos que buscan copiar su estilo - si no llamar completamente su atención. Estas 13 canciones prueban que el pionero del híbrido de mezcla de Jazz, Soul y Funky Tunes sigue estando años luz por delante de sus imitadores.