Brad Mehldau • ODE

 

 

Review
by Thom Jurek  

Pianist Brad Mehldau has regularly performed with his trio, which has included bassist Larry Grenadier and drummer Jeff Ballard since 2004, when the latter replaced Jorge Rossy. As a trio, they've spent relatively little time in the studio together exclusively -- it's been seven years since Day Is Done. On 2010's Highway Rider, Mehldau augmented the group with Matt Chamberlain, Joshua Redman, and an orchestra. Ode marks the very first album comprised of all Mehldau material cut by this trio. While the title may reflect a a certain ponderousness, these 11 tunes are anything but. Specifically written for this group, they show off an increasingly muscular sense of interplay and stylistic athleticism that wasn't nearly as present on Day Is Done. "M.B." (written in memory of Michael Brecker) states a bluesy theme and moves off into several directions, seemingly at once. Mehldau quickly moves through the head, finds a space, and the band stops on a dime, investigating the various changes seemingly note by note before taking off again. Grenadier's riffing during Mehldau's solo is especially riveting, and his tone is full of wood. Mehldau's soloing on "Stan the Man" is busier, faster, and even denser, as if Art Tatum's wide-reaching blues were his inspiration. On the title track, he maintains the changes and vamp with his left hand as his right hand goes off into free dancing mode. On the Latin-tinged "Dream Sketches," Grenadier's bass solo is not only full of imagination, but twists and turns in groove quotient as well. Ballard's kinetic drumming and percussion are riveting on virtually everything, but here it is exceptionally propulsive. Mehldau's pianism is much more pointillistic; accenting grooves, underscoring them, and finding spaces within them for short, melodic bursts that point to the worlds outside the tune. "Wyatt's Eulogy For George Hanson," begins as a sketchy ballad that moves into a wonderful Grenadier solo before becoming a complex, somewhat dissonant harmonic exploration --Mehldau's use of the lower register is gorgeous. "Aquaman" is another sprint, with quickly shifting ideas and taut interplay. As an album, Odes reveals just how far this group has traveled together these past seven years. More importantly, it provides an exciting glimpse of what may lie on their collective horizon.
https://www.allmusic.com/album/ode-mw0002294650


Biography
by Richard S. Ginell
One of the most acclaimed pianists of his generation, Brad Mehldau is a virtuoso performer with an ear for deeply nuanced, harmonically sophisticated acoustic jazz. While Mehldau is one of the more absorbing and thoughtful practitioners within that idiom, he is also receptive to the idea of using material from the rock era (Paul McCartney's "Blackbird" for example). Though Mehldau's training is primarily classical, his interest in jazz began early and he has subsequently utilized both forms throughout his career. This is evident on his first (of five) Art of the Trio volume, and on 2006's House on Hill and 2010's Day Is Done. Both originals and covers of popular music standards -- from Radiohead to Nick Drake to Paul Simon -- reflect that his playing and compositional style owe as much to the 20th century classical impressionism of Claude Debussy as they do Bill Evans. He delivers classically oriented recordings on his own and with singers Renée Fleming and Anne Sofie von Otter, but he has also issued cross-pollinated explorations of J.S. Bach's classical pieces on After Bach, and worked with the Orpheus Chamber Orchestra on Variations on a Melancholy Theme. Mehldau continues to expand the depth and breadth of the jazz piano tradition, whether playing with his contemporaries Joshua Redman, Christian McBride, and Brian Blade on Round Again, or releasing solo albums like Seymour Reads the Constitution, the Grammy-winning Finding Gabriel, and 2022's prog-rock-inspired Jacob's Ladder.

Born in 1970 in Jacksonville, Florida, Mehldau started playing piano at a young age. Around age ten, he moved to West Hartford, Connecticut where he began taking classical piano lessons. By his teens, he had discovered jazz, listening to artists like Oscar Peterson, John Coltrane, and Keith Jarrett. He played in the Hall High School jazz band in West Hartford, Connecticut, winning the Berklee College of Music's Best All-Around Musician Award while still in his junior year of high school. In college, he studied jazz at New York's New School for Social Research under Fred Hersch, Junior Mance, Kenny Werner, and Jimmy Cobb. Cobb soon hired him to play in his band, Cobb's Mob. Mehldau also played alongside bassist Christian McBride and drummer Brian Blade in saxophonist Joshua Redman's first acoustic quartet before forming his own trio in 1994 and recording his first Warner Bros. album, Introducing Brad Mehldau, in 1995. Art of the Trio, Vol. 1 followed in 1997, with the next two volumes in the series appearing in the following months. Two years later, Mehldau returned with Elegiac Cycle, as well as Art of the Trio, Vol. 4: Back at the Vanguard. Places followed in 2000, consisting of all-original compositions focusing on various cities, hence the title of the album.

Another Art of the Trio album came out in 2001, but the most significant release was Largo, which featured Mehldau performing with other groups outside of his usual trio format. This was a big change from his previous work and offered new challenges as he adapted to several interesting lineup situations. Mehldau followed the genre-bending album with the standards-based Anything Goes and Live in Tokyo in 2004, with Day Is Done arriving the following year. In 2006, he released House on Hill as well as Love Sublime, the latter with soprano vocalist Renée Fleming on Nonesuch Records. Mehldau chose to work with his trio plus Pat Metheny on Quartet in 2007; he followed it up with the double-disc Live in 2008, which was recorded with his trio at the Village Vanguard.

In 2010, Mehldau emerged with the ambitious Highway Rider, a double-disc of 15 new compositions produced by Jon Brion. He employed his trio as well as drummer Matt Chamberlain, saxophonist Joshua Redman, and a small chamber orchestra led by Dan Coleman. Mehldau arranged and orchestrated all the music. Also in 2010, Mehldau was honored by Carnegie Hall when he was named the first jazz artist to hold the Richard and Barbara Debs Composer's Chair for the 2010-2011 season. In 2011, Mehldau appeared on two live albums: His own Live in Marciac and the ECM date Live at Birdland (recorded in 2009) with saxophonist Lee Konitz, bassist Charlie Haden, and drummer Paul Motian. In September of that year, Nonesuch also released a studio album, Modern Music, a collaboration between Mehldau, pianist Kevin Hays, and composer/arranger Patrick Zimmerli. The music on this set comprised tunes by each of the principals, as well as compositions by Ornette Coleman, Steve Reich, and Philip Glass.

On December 6, 2011, while Mehldau was at the beginning of a world tour, Nonesuch issued a box set entitled Art of the Trio Recordings: 1996–2001. The set includes the five Art of the Trio albums -- the last a double-disc -- that were originally issued on Warner Bros. The box also included a seventh disc of previously unreleased material from shows at the Village Vanguard in 1997, 1999, and 2001. A year later, the Brad Mehldau Trio released two studio albums: the all-original Ode and a companion collection of cover songs, Where Do You Start. The pianist then joined drummer/electronicist Mark Guiliana for the duo's collaborative 2014 effort, Mehliana: Taming the Dragon.

The box set 10 Years Solo Live appeared in 2015 and featured solo performances Mehldau had given in Europe in the preceding decade. He then returned to his tried-and-tested trio of Larry Grenadier and Jeff Ballard for 2016's Blues and Ballads, an album that featured their meticulous collective touch on compositions by Cole Porter, Charlie Parker, Lennon/McCartney, and others. Also in 2016, the pianist joined longtime associate saxophonist Joshua Redman for the Grammy-nominated duo album Nearness. The following year, he paired with progressive bluegrass star Chris Thile for the Nonesuch effort Chris Thile & Brad Mehldau, then explored composer J.S. Bach's Well-Tempered Clavier fugues with 2018's After Bach. A few short months later, he was back with another trio album, Seymour Reads the Constitution! His first trio date to include any original material since 2012's Ode, it featured three originals alongside his usual covers of pop songs, jazz tunes, and standards. The pianist continued to stretch himself, playing in guitarist Wolfgang Muthspiel's trio along with Ambrose Akinmusire on the ECM date Where the River Goes. He closed out the year with the archival duo offering Long Ago and Far Away with the late bassist Charlie Haden, recorded at the Enjoy Jazz Festival in Mannheim, Germany in 2007.

Mehldau followed with Finding Gabriel, a recording outside the confines of post-bop jazz that aligned more closely with his other slipstream albums such as Mehliana: Taming the Dragon, Largo, and The Highway Rider. The set included nine thematically related originals by Mehldau, who played piano, synthesizers, percussion, and Fender Rhodes, as well as delivering wordless vocals. The album sessions also offered contributions from guests such as Akinmusire, Giuliana, Sara Caswell, Kurt Elling, Joel Frahm, Gabriel Kahane, Becca Stevens, and others. Its inspiration was taken from a biblical prophecy as related through the ages by the angel Gabriel. Released in the spring of 2019, it took home the Grammy Award for Best Jazz Instrumental Album. The following year, he reunited with the other members of saxophonist Joshua Redman's '90s quartet, including Christian McBride and Brian Blade, for Round Again.

In July, Mehldau released the solo recital Suite: April 2020. Recorded in Amsterdam during the COVID-19 pandemic, the work included 12 original compositions and three favorite standards that, according to the pianist, "... provide a musical snapshot of life in the last month in the world in which we’ve all found ourselves...." Issued digitally and in a numbered, limited-edition run of 1,000 deluxe 180-gram vinyl LPs, all of the latter's proceeds were donated to the Jazz Foundation of America's COVID-19 Musician's Emergency Fund. (CDs and standard vinyl editions were released by Nonesuch in September, also with a significant portion of sales donated to benefit JFA's fund.) A collaboration with the Orpheus Chamber Orchestra, Variations on a Melancholy Theme, arrived in June 2021. Released in 2022, Jacob's Ladder found Mehldau drawing inspiration from scripture and his longtime love of prog rock. Featured on the album were guest appearances from Chris Thile, Cecile McLorin Salvant, Becca Stevens, and others.

https://www.allmusic.com/artist/brad-mehldau-mn0000934305/biography

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Reseña
por Thom Jurek  

El pianista Brad Mehldau ha actuado regularmente con su trío, que incluye al bajista Larry Grenadier y al baterista Jeff Ballard desde 2004, cuando este último sustituyó a Jorge Rossy. Como trío, han pasado relativamente poco tiempo juntos en el estudio de forma exclusiva -- han pasado siete años desde Day Is Done. En Highway Rider, de 2010, Mehldau aumentó el grupo con Matt Chamberlain, Joshua Redman y una orquesta. Ode es el primer álbum compuesto por todo el material de Mehldau grabado por este trío. Aunque el título puede reflejar cierta pesadez, estas 11 melodías son todo menos eso. Específicamente escritas para este grupo, muestran un sentido cada vez más musculoso de la interacción y el atletismo estilístico que no estaba tan presente en Day Is Done. "M.B." (escrita en memoria de Michael Brecker) presenta un tema bluesero y se mueve en varias direcciones, aparentemente a la vez. Mehldau se mueve rápidamente por la cabeza, encuentra un espacio, y la banda se detiene en un instante, investigando los diversos cambios aparentemente nota por nota antes de volver a despegar. El riffing de Grenadier durante el solo de Mehldau es especialmente fascinante, y su tono está lleno de madera. Los solos de Mehldau en "Stan the Man" son más bulliciosos, más rápidos e incluso más densos, como si el blues de gran alcance de Art Tatum fuera su inspiración. En el tema que da título al disco, mantiene los cambios y el vampiro con su mano izquierda mientras su mano derecha se lanza al modo de baile libre. En el tema "Dream Sketches", con tintes latinos, el solo de bajo de Grenadier no sólo está lleno de imaginación, sino que también da giros y vueltas en el cociente del groove. La batería y la percusión cinéticas de Ballard son fascinantes en prácticamente todo, pero aquí son excepcionalmente propulsivas. El pianismo de Mehldau es mucho más puntillista; acentúa los surcos, los subraya y encuentra espacios dentro de ellos para breves estallidos melódicos que apuntan a los mundos fuera de la melodía. "Wyatt's Eulogy For George Hanson" comienza como una balada superficial que da paso a un maravilloso solo de Grenadier antes de convertirse en una exploración armónica compleja y algo disonante. "Aquaman" es otro sprint, con ideas que cambian rápidamente y una interacción tensa. Como álbum, Odes revela lo lejos que ha llegado este grupo en estos últimos siete años. Y lo que es más importante, ofrece una emocionante visión de lo que puede haber en su horizonte colectivo.
https://www.allmusic.com/album/ode-mw0002294650


Biografía
por Richard S. Ginell
Uno de los pianistas más aclamados de su generación, Brad Mehldau es un intérprete virtuoso con un oído para el jazz acústico profundamente matizado y armónicamente sofisticado. Aunque Mehldau es uno de los intérpretes más absorbentes y reflexivos dentro de ese lenguaje, también es receptivo a la idea de utilizar material de la era del rock ("Blackbird" de Paul McCartney, por ejemplo). Aunque la formación de Mehldau es principalmente clásica, su interés por el jazz comenzó pronto y posteriormente ha utilizado ambas formas a lo largo de su carrera. Esto es evidente en su primer (de cinco) volumen Art of the Trio, y en House on Hill de 2006 y Day Is Done de 2010. Tanto los originales como las versiones de los estándares de la música popular -desde Radiohead hasta Nick Drake o Paul Simon- reflejan que su forma de tocar y componer debe tanto al impresionismo clásico del siglo XX de Claude Debussy como a Bill Evans. Ofrece grabaciones de orientación clásica en solitario y con las cantantes Renée Fleming y Anne Sofie von Otter, pero también ha publicado exploraciones cruzadas de las piezas clásicas de J.S. Bach en After Bach, y ha trabajado con la Orpheus Chamber Orchestra en Variations on a Melancholy Theme. Mehldau sigue ampliando la profundidad y la amplitud de la tradición del piano de jazz, ya sea tocando con sus contemporáneos Joshua Redman, Christian McBride y Brian Blade en Round Again, o publicando álbumes en solitario como Seymour Reads the Constitution, el ganador del Grammy Finding Gabriel y el prog-rock de 2022 Jacob's Ladder.

Nacido en 1970 en Jacksonville, Florida, Mehldau empezó a tocar el piano a una edad temprana. Alrededor de los diez años, se trasladó a West Hartford, Connecticut, donde empezó a tomar clases de piano clásico. En su adolescencia, descubrió el jazz, escuchando a artistas como Oscar Peterson, John Coltrane y Keith Jarrett. Tocó en la banda de jazz del Hall High School de West Hartford, Connecticut, y ganó el premio al mejor músico completo del Berklee College of Music cuando aún estaba en su primer año de instituto. En la universidad, estudió jazz en la New School for Social Research de Nueva York con Fred Hersch, Junior Mance, Kenny Werner y Jimmy Cobb. Cobb no tardó en contratarlo para que tocara en su banda, Cobb's Mob. Mehldau también tocó junto al bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade en el primer cuarteto acústico del saxofonista Joshua Redman antes de formar su propio trío en 1994 y grabar su primer álbum en Warner Bros., Introducing Brad Mehldau, en 1995. Art of the Trio, Vol. 1 le siguió en 1997, y los dos siguientes volúmenes de la serie aparecieron en los meses siguientes. Dos años después, Mehldau volvió con Elegiac Cycle, así como con Art of the Trio, Vol. 4: Back at the Vanguard. En el año 2000 le siguió Places, compuesto por composiciones originales centradas en varias ciudades, de ahí el título del álbum.

En 2001 apareció otro álbum de Art of the Trio, pero el lanzamiento más significativo fue Largo, en el que Mehldau actuaba con otros grupos fuera de su formato habitual de trío. Esto supuso un gran cambio con respecto a su trabajo anterior y le ofreció nuevos retos al adaptarse a varias situaciones de formación interesantes. Mehldau continuó con este álbum de género con los álbumes "Anything Goes" y "Live in Tokyo" en 2004, y al año siguiente con "Day Is Done". En 2006, publicó House on Hill y Love Sublime, este último con la soprano Renée Fleming, en Nonesuch Records. Mehldau optó por trabajar con su trío más Pat Metheny en Quartet en 2007; le siguió el doble disco Live en 2008, que fue grabado con su trío en el Village Vanguard.

En 2010, Mehldau apareció con el ambicioso Highway Rider, un doble disco de 15 nuevas composiciones producido por Jon Brion. Empleó a su trío, así como al baterista Matt Chamberlain, al saxofonista Joshua Redman y a una pequeña orquesta de cámara dirigida por Dan Coleman. Mehldau arregló y orquestó toda la música. También en 2010, Mehldau fue honrado por el Carnegie Hall al ser nombrado el primer artista de jazz en ocupar la Cátedra de Compositor Richard y Barbara Debs para la temporada 2010-2011. En 2011, Mehldau apareció en dos álbumes en directo: Su propio Live in Marciac y la fecha de ECM Live at Birdland (grabado en 2009) con el saxofonista Lee Konitz, el bajista Charlie Haden y el baterista Paul Motian. En septiembre de ese año, Nonesuch también publicó un álbum de estudio, Modern Music, una colaboración entre Mehldau, el pianista Kevin Hays y el compositor y arreglista Patrick Zimmerli. La música de este disco incluía temas de cada uno de los protagonistas, así como composiciones de Ornette Coleman, Steve Reich y Philip Glass.

El 6 de diciembre de 2011, mientras Mehldau se encontraba al comienzo de una gira mundial, Nonesuch publicó una caja titulada Art of the Trio Recordings: 1996-2001. El conjunto incluye los cinco álbumes de Art of the Trio -el último un disco doble- que se publicaron originalmente en Warner Bros. La caja también incluía un séptimo disco de material inédito de espectáculos en el Village Vanguard en 1997, 1999 y 2001. Un año después, el Brad Mehldau Trio publicó dos álbumes de estudio: el original Ode y una colección de versiones, Where Do You Start. El pianista se unió entonces al baterista/electricista Mark Guiliana para el esfuerzo de colaboración del dúo en 2014, Mehliana: Taming the Dragon.

La caja 10 Years Solo Live apareció en 2015 y recogía las actuaciones en solitario que Mehldau había realizado en Europa en la década anterior. A continuación, regresó a su trío, formado por Larry Grenadier y Jeff Ballard, para el álbum Blues and Ballads, de 2016, en el que se muestra su meticuloso toque colectivo en composiciones de Cole Porter, Charlie Parker, Lennon/McCartney y otros. También en 2016, el pianista se unió al saxofonista Joshua Redman, asociado desde hace tiempo, para el álbum a dúo Nearness, nominado al Grammy. Al año siguiente, se emparejó con la estrella del bluegrass progresivo Chris Thile para el esfuerzo de Nonesuch Chris Thile & Brad Mehldau, y luego exploró las fugas del Clave bien temperado del compositor J.S. Bach con After Bach de 2018. ¡Pocos meses después, volvió con otro álbum de trío, Seymour Reads the Constitution! Su primera fecha de trío que incluye material original desde Ode, de 2012, presentaba tres originales junto a sus habituales versiones de canciones pop, temas de jazz y estándares. El pianista continuó estirándose, tocando en el trío del guitarrista Wolfgang Muthspiel junto con Ambrose Akinmusire en la fecha de ECM Where the River Goes. Cerró el año con el dúo de archivo Long Ago and Far Away con el fallecido bajista Charlie Haden, grabado en el Enjoy Jazz Festival de Mannheim (Alemania) en 2007.

Mehldau siguió con Finding Gabriel, una grabación fuera de los confines del jazz post-bop que se alineaba más con sus otros álbumes del torbellino, como Mehliana: Taming the Dragon, Largo y The Highway Rider. El conjunto incluía nueve temas originales de Mehldau, que tocaba el piano, los sintetizadores, la percusión y el Fender Rhodes, además de poner voz sin palabras. En las sesiones del álbum también participaron invitados como Akinmusire, Giuliana, Sara Caswell, Kurt Elling, Joel Frahm, Gabriel Kahane y Becca Stevens, entre otros. Su inspiración fue tomada de una profecía bíblica relatada a través de los tiempos por el ángel Gabriel. Publicado en la primavera de 2019, se llevó a casa el premio Grammy al mejor álbum instrumental de jazz. Al año siguiente, se reunió con los otros miembros del cuarteto de los 90 del saxofonista Joshua Redman, incluidos Christian McBride y Brian Blade, para Round Again.

En julio, Mehldau publicó el recital en solitario Suite: April 2020. Grabado en Ámsterdam durante la pandemia del COVID-19, el trabajo incluía 12 composiciones originales y tres estándares favoritos que, según el pianista, "... proporcionan una instantánea musical de la vida en el último mes en el mundo en el que todos nos hemos encontrado....". Publicado en formato digital y en una edición limitada y numerada de 1.000 LPs de vinilo de lujo de 180 gramos, todos los ingresos de este último se han donado al Fondo de Emergencia para Músicos COVID-19 de la Jazz Foundation of America. (Nonesuch publicó en septiembre CDs y ediciones en vinilo estándar, también con una parte importante de las ventas donada a beneficio del fondo de la JFA). Una colaboración con la Orpheus Chamber Orchestra, Variations on a Melancholy Theme, llegó en junio de 2021. Publicado en 2022, Jacob's Ladder encontró a Mehldau inspirándose en las escrituras y en su antiguo amor por el prog rock. En el álbum aparecen como invitados Chris Thile, Cecile McLorin Salvant y Becca Stevens, entre otros.

https://www.allmusic.com/artist/brad-mehldau-mn0000934305/biography


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Charlie Dennard • Intuitions

Charlie Dennard is an American keyboardist, composer and arranger who is currently the musical director for Cirque du Soleil's "Totem". Over the last 20 years Charlie has performed and recorded internationally with a variety of jazz, blues and world music ensembles as well as theatrical productions. Dennard was a piano student of the legendary Ellis Marsalis at UNO.

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Charlie Dennard es un teclista, compositor y arreglista estadounidense que actualmente es el director musical de "Totem" del Cirque du Soleil. En los últimos 20 años Charlie ha actuado y grabado internacionalmente con una variedad de conjuntos de jazz, blues y música del mundo, así como con producciones teatrales. Dennard fue un estudiante de piano del legendario Ellis Marsalis en la ONU.

www.charliedennard.com ...

Dick Hyman & Niels-Henning Ørsted Pedersen • Elegies, Mostly

Evans Bradshaw • Pieces Of Eighty-Eight

Biography by Eugene Chadbourne
This pianist was born in Memphis and died there as well, but is associated with the Detroit jazz scene. Despite the fact that his name sounds quite classy, it is possible most jazz listeners have not heard of Evans Bradshaw, who began his professional career as a child and died when he was only in his mid-fifties. He was a childhood pal of the superb pianist Phineas Newborn, and may have even been influential in Newborn's interest in the keyboards in the first place. Bradshaw's first move upon learning to crawl was to try and mount the piano bench; he learned to play at the age of nine and was in his father's band three years later.

The pianist headed to Flint, MI in 1953, picking up a day job in an auto factory. At night, he was out and about gigging with his own trio. At one of these live gigs, a talent scout connected with the group and arranged a contact with the Riverside label. In both 1958 and 1959 the label released albums by Bradshaw which have continued to represent his entire discography. There are no recordings available of Bradshaw as a sideman in anyone else's groups. His own trio played at the Village Vanguard and the Detroit Jazz Festival as a result of the Riverside buzz.
https://www.allmusic.com/artist/evans-bradshaw-mn0000544525

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Biografía de Eugene Chadbourne
Este pianista nació en Memphis y murió allí también, pero está asociado con la escena de jazz de Detroit. A pesar de que su nombre suena bastante elegante, es posible que la mayoría de los oyentes de jazz no hayan oído hablar de Evans Bradshaw, que comenzó su carrera profesional cuando era niño y murió cuando tenía sólo cincuenta años. Fue amigo de la infancia del magnífico pianista Phineas Newborn, e incluso puede haber influido en el interés de Newborn por los teclados en primer lugar. El primer movimiento de Bradshaw al aprender a gatear fue intentar montar el banco del piano; aprendió a tocar a la edad de nueve años y estuvo en la banda de su padre tres años después.

El pianista se dirigió a Flint, MI, en 1953, a buscar un trabajo de día en una fábrica de automóviles. Por la noche, salía a dar conciertos con su propio trío. En uno de estos conciertos, un cazatalentos se conectó con el grupo y arregló un contacto con el sello Riverside. Tanto en 1958 como en 1959, el sello editó álbumes de Bradshaw que han seguido representando toda su discografía. No hay grabaciones disponibles de Bradshaw como sideman en los grupos de nadie más. Su propio trío tocó en el Village Vanguard y en el Festival de Jazz de Detroit como resultado del zumbido de Riverside.
https://www.allmusic.com/artist/evans-bradshaw-mn0000544525

 

 

 

Massimo Faraò • Estate Ancora Una Volta

 

Massimo Farao' was born in Genoa in 1965, studied piano with Flavio Crivelli, a local jazz piano player, who also learned Dado Moroni to play, and played in as a young adult with the Nat Adderley Quintet. He moved to the States two years later and became the musical director of the Shawnn Monteiro Quartet with Keter Betts and Bobby Durham.
http://www.mymusicbase.ru/PPB/ppb36/Bio_3669.htm

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Massimo Farao' nació en Génova en 1965, estudió piano con Flavio Crivelli, un pianista de jazz local, que también aprendió Dado Moroni a tocar, y tocó de joven con el Nat Adderley Quintet. Se mudó a los Estados Unidos dos años después y se convirtió en el director musical del Cuarteto Shawnn Monteiro con Keter Betts y Bobby Durham.

http://www.mymusicbase.ru/PPB/ppb36/Bio_3669.htm

facebook.com/massimofaraojazz ... 

 

Michel Camilo • Spirit Of The Moment

 

Artist Biography

Pianist and composer Michel Camilo was born in Santo Domingo, Dominican Republic, in 1954. Fascinated with music since childhood, he composed his first song at the age of five, then studied for 13 years at the National Conservatory. At 16, he became a member of the National Symphony Orchestra.

Seeking to expand his musical horizons, he moved in 1979 to New York, where he continued his studies at Mannes and Juilliard School of Music. His composition Why Not? was recorded by Paquito D'Rivera as the title tune for one of his albums, and The Manhattan Transfer won a Grammy Award for their vocal version in 1983. His first two albums were titled Why Not? and Suntan/In Trio.

Camilo made his Carnegie Hall debut with his trio in 1985. Since then, he has become a prominent figure performing regularly in the United States, the Caribbean, Japan and Europe. December 1987 marked his debut as a classical conductor when the National Symphony Orchestra of the Dominican Republic invited him to conduct a recital featuring the works of Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak and Camilo’s own composition, The Goodwill Games Theme, which won an Emmy Award. That year, he became the musical director of the Heineken Jazz Festival in his native Dominican Republic, a post he held through 1992.

November of 1988 marked his debut on a major record label with the release of his self- titled album, Michel Camilo (Sony). The album became an instant success and held the top jazz album spot for ten consecutive weeks. His next recording, On Fire, was voted one of the top three Jazz Albums of the Year by Billboard, and 1990s On the Other Hand was a top-ten jazz album. All three releases reached the number-one position in radio airplay.

Camilo’s list of compositions, recordings and other achievements throughout the '90s is vast. His composition Caribe was recorded by pianists Katia and Marielle Lebeque, and by the legendary Dizzy Gillespie, in 1991. His Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, commissioned by the Philharmonia Orchestra, premiered a year later at the Royal Festival Hall. In 1993, Gavin and Billboard magazines picked his Rendezvous as one of the top jazz albums of the year.

Camilo performed a series of piano recitals in 1996 as part of Copenhagen’s Cultural Capital of Europe celebration, and also debuted at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC, and Carnegie Hall in New York. That same year, he performed in Israel, Spain, Mexico, Dominican Republic and Switzerland, where he debuted at Zurich’s prestigious Tonhalle concert hall as part of the Jazz Piano Masters series.

He served as co-artistic director in 1998 for the first Latin-Caribbean Music Festival at the Kennedy Center, which featured performances by his trio and big band, as well as the world premiere of his Piano Concerto with the National Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin. The following year, he toured with Cuban jazz pianist Chucho Valdes, and debuted with the Cleveland Symphony Orchestra.

In addition to compiling an extensive discography and maintaining a rigorous performance schedule, Camilo has composed and recorded a number of Spanish film scores over the years, and holds honorary degrees from his alma mater, Universidad Autonoma de Santo Domingo, and UTESA University of Santiago, Dominican Republic (he’s the youngest person to ever receive the distinction from the latter school). In 1992, he was named a Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus by the Dominican Government.

At the turn of the millennium, his 2000 Verve release, Spain, with guitarist Tomatito, won Best Latin Jazz Album in the first-ever Latin Grammy Awards. Camilo also performed in a trio concert in 2000 presented by the New Jersey Chamber Society with special guest Paquito D'Rivera.

In 2001, Camilo appeared on the soundtrack CD for the acclaimed Latin jazz film Calle 54, directed by the Oscar-winning Spaniard Fernando Trueba. In addition to his activities as a composer and pianist, Camilo lectured and performed at many universities and colleges throughout Europe and the United States”including New York University, Berklee School of Music, MIT, William Paterson College (in New Jersey) and Puerto Rico Conservatory.

In November 2001, he was awarded the Silver Cross of the Order of Duarte, Sanchez & Mella from the president of the Dominican Republic, the highest honor that the government can give.

2002 marked a special year for Camilo with two albums: Classical and Jazz. In February, Decca released his Concerto for Piano & Orchestra, Suite for Piano, Strings and Harp & Caribe, to celebrate his guest appearance with the NSO conducted by Leonard Slatkin at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.

In March 2002, Telarc released Triangulo, Camilo’s Grammy Award nominee trio recording, which features bass guitarist Anthony Jackson and drummer Horacio “El Negro” Hernandez.

August 2003 marked the Telarc release of his latest album Live at the Blue Note, featuring Horacio “El Negro” Hernandez on drums and Charles Flores on acoustic bass. This two-CD set captures the quintessential Camilo “sound” live for the first time and was awarded a GRAMMY for Best Latin Jazz Album.

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Biografía del artista

El pianista y compositor Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana, en 1954. Fascinado por la música desde la infancia, compuso su primera canción a la edad de cinco años, y luego estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional. A los 16 años, se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional.

Buscando ampliar sus horizontes musicales, se trasladó en 1979 a Nueva York, donde continuó sus estudios en la Mannes and Juilliard School of Music. Su composición Why Not? fue grabada por Paquito D'Rivera como tema principal de uno de sus discos, y The Manhattan Transfer ganó un premio Grammy por su versión vocal en 1983. Sus dos primeros álbumes se titulaban Why Not? y Suntan/In Trio.

Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall con su trío en 1985. Desde entonces, se ha convertido en una figura prominente que actúa regularmente en los Estados Unidos, el Caribe, Japón y Europa. En diciembre de 1987 debutó como director de orquesta clásica cuando la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana lo invitó a dirigir un recital con las obras de Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak y la propia composición de Camilo, The Goodwill Games Theme, que ganó un premio Emmy. Ese año, se convirtió en el director musical del Festival de Jazz de Heineken en su República Dominicana natal, cargo que ocupó hasta 1992.

Noviembre de 1988 marcó su debut en un importante sello discográfico con el lanzamiento de su autodenominado álbum, Michel Camilo (Sony). El álbum se convirtió en un éxito instantáneo y ocupó el primer lugar en la lista de los álbumes de jazz durante diez semanas consecutivas. Su siguiente disco, On Fire, fue votado por Billboard como uno de los tres mejores álbumes de jazz del año, y On the Other Hand fue uno de los diez mejores álbumes de jazz de la década de 1990. Los tres lanzamientos alcanzaron la posición número uno en la emisión de radio.

La lista de composiciones, grabaciones y otros logros de Camilo a lo largo de los años 90 es muy amplia. Su composición Caribe fue grabada por las pianistas Katia y Marielle Lebeque, y por el legendario Dizzy Gillespie, en 1991. Su Rapsodia para dos pianos y orquesta, encargada por la Philharmonia Orchestra, se estrenó un año más tarde en el Royal Festival Hall. En 1993, las revistas Gavin y Billboard eligieron su Rendezvous como uno de los mejores álbumes de jazz del año.

Camilo interpretó una serie de recitales de piano en 1996 como parte de la celebración de la Capital Cultural de Europa en Copenhague, y también debutó en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, DC, y en el Carnegie Hall en Nueva York. Ese mismo año se presentó en Israel, España, México, República Dominicana y Suiza, donde debutó en la prestigiosa sala de conciertos Tonhalle de Zurich como parte de la serie Jazz Piano Masters.

Se desempeñó como co-director artístico en 1998 para el primer Festival de Música Latino-Caribeña en el Kennedy Center, que incluyó presentaciones de su trío y big band, así como el estreno mundial de su Concierto para Piano con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Leonard Slatkin. Al año siguiente, realizó una gira con el pianista cubano de jazz Chucho Valdés, y debutó con la Orquesta Sinfónica de Cleveland.

Además de compilar una extensa discografía y mantener un riguroso programa de actuaciones, Camilo ha compuesto y grabado varias partituras de películas españolas a lo largo de los años, y cuenta con títulos honoríficos de su alma mater, la Universidad Autónoma de Santo Domingo, y la Universidad UTESA de Santiago, República Dominicana (es la persona más joven que ha recibido la distinción de esta última escuela). En 1992, fue nombrado Caballero de la Orden Heráldica de Cristóbal Colón por el Gobierno Dominicano.

En el cambio de milenio, su disco Verve 2000, España, con el guitarrista Tomatito, ganó el premio al Mejor Álbum de Jazz Latino en los primeros premios Grammy Latinos de la historia. Camilo también actuó en un concierto de trío en el año 2000 presentado por la New Jersey Chamber Society con el invitado especial Paquito D'Rivera.

En 2001, Camilo apareció en el CD de la banda sonora de la aclamada película de jazz latino Calle 54, dirigida por el español Fernando Trueba, ganador de un Oscar. Además de sus actividades como compositor y pianista, Camilo dio conferencias y actuó en muchas universidades y colegios de toda Europa y Estados Unidos States"incluyendo la Universidad de Nueva York, la Escuela de Música de Berklee, el MIT, el William Paterson College (en Nueva Jersey) y el Conservatorio de Puerto Rico.

En noviembre de 2001, el presidente de la República Dominicana le otorgó la Cruz de Plata de la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, el más alto honor que el gobierno puede otorgar.

El 2002 marcó un año especial para Camilo con dos álbumes: Clásica y Jazz. En febrero, Decca lanzó su Concierto para Piano y Orquesta, Suite para Piano, Cuerdas y Arpa y Caribe, para celebrar su aparición como invitado con la NSO dirigida por Leonard Slatkin en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C.

En marzo de 2002, Telarc lanzó Triángulo, la grabación del trío nominado al premio Grammy de Camilo, que incluye al bajista Anthony Jackson y al baterista Horacio "El Negro" Hernández.

En agosto de 2003, Telarc lanzó su último álbum Live at the Blue Note, con Horacio "El Negro" Hernández a la batería y Charles Flores al bajo acústico. Este set de dos CDs captura por primera vez en vivo el "sonido" de Camilo por excelencia y fue premiado con un GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino.

www.michelcamilo.com ...

Sam Yahel • Hometown

 

Biography
One of the more distinctive voices among a new breed of Hammond B-3 organ players on the jazz scene, Sam Yahel has earned the top spot in Down Beat's annual International Critics Poll as a Talent Deserving Of Recognition for the past four consecutive years.

Since moving to New York in 1990, Yahel has worked with a string of notable jazz artists including tenor saxophonists Joshua Redman and Eric Alexander, former James Brown sideman and alto sax great Maceo Parker, guitarists Peter Bernstein and Bill Frisell, trumpeters Ryan Kisor and Jim Rotondi, vocalists HYPERLINK Norah Jones (on her Grammy-winning Come Away With Me), Lizz Wright, and Madeleine Peyroux.

But it has been as a solo artist in his own right that Yahel has made his most personal statements as both composer and player.

On Truth and Beauty, his fourth outing as a leader, Yahel joins with longtime colleagues Joshua Redman and drummer Brian Blade in rekindling the potent chemistry they generated as Yaya3, a collective group that was an outgrowth of a residency they had at Small's nightclub in New York. "I'm proud of that record. I like Yaya3 (which was released by Warner Bros. in 2003). But at the same time I was always thinking about doing something purely of my own."

And while Yahel had previously released three recordings as a leader -- 1998's Searchin', 1999's Trio and 2000's In The Blink of an Eye -- his current outing is his strongest to date. "This record is not so much about the straight-ahead swinging undercurrent of the rhythm section," says Sam. "These days I feel like jazz has absorbed more world music influences. I hear Brazilian, African and Cuban music elements starting to seep into the mainstream jazz scene and I find myself drawing from those influences more. And for me, the organ is the perfect instrument to implement that kind of thing because you can really get rhythmic and percussive on it, you can evoke images and sounds just as easily as swinging. And although I'm a big fan of straight ahead swinging music and I still play it with pleasure, I think that this record is more of a foray into the other side."

With Truth and Beauty, Yahel once again stakes out his own territory on the Hammond B-3 organ while taking another important stride as a bandleader and composer.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/sam-yahel

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Biografía
Sam Yahel, una de las voces más distintivas de la nueva generación de organistas Hammond B-3 de la escena del jazz, ha obtenido el primer puesto en la encuesta anual de la crítica internacional de Down Beat como Talento merecedor de reconocimiento durante los últimos cuatro años consecutivos.

Desde que se trasladó a Nueva York en 1990, Yahel ha trabajado con una serie de notables artistas de jazz, entre ellos los saxofonistas tenores Joshua Redman y Eric Alexander, el antiguo acompañante de James Brown y gran saxo alto Maceo Parker, los guitarristas Peter Bernstein y Bill Frisell, los trompetistas Ryan Kisor y Jim Rotondi, las vocalistas HYPERLINK Norah Jones (en su ganadora del Grammy Come Away With Me), Lizz Wright y Madeleine Peyroux.

Pero ha sido en solitario donde Yahel ha hecho sus declaraciones más personales como compositor e intérprete.

En Truth and Beauty, su cuarto trabajo como líder, Yahel se une a sus colegas de toda la vida Joshua Redman y el batería Brian Blade para reavivar la potente química que generaron como Yaya3, un grupo colectivo que surgió de una residencia que tuvieron en el club nocturno Small's de Nueva York. "Estoy orgulloso de ese disco. Me gusta Yaya3 (que publicó Warner Bros. en 2003). Pero al mismo tiempo siempre pensaba en hacer algo puramente mío".

Y aunque Yahel ya había publicado tres discos como líder: Searchin' (1998), Trio (1999) e In The Blink of an Eye (2000), el actual es el más potente hasta la fecha. "Este disco no tiene tanto que ver con el swing directo de la sección rítmica", dice Sam. "Hoy en día creo que el jazz ha absorbido más influencias de las músicas del mundo. Oigo que elementos de la música brasileña, africana y cubana empiezan a filtrarse en la escena del jazz convencional y me encuentro a mí mismo inspirándome más en esas influencias. Y para mí, el órgano es el instrumento perfecto para poner en práctica ese tipo de cosas, porque con él se puede ser realmente rítmico y percusivo, se pueden evocar imágenes y sonidos con la misma facilidad que con el swing. Y aunque soy un gran admirador de la música swing directa y sigo tocándola con placer, creo que este disco es más bien una incursión en el otro lado".

Con Truth and Beauty, Yahel vuelve a marcar su propio territorio con el órgano Hammond B-3 al tiempo que da otro paso importante como director de orquesta y compositor.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/sam-yahel

www.samyahel.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Ramsey Lewis • Solar Wind

 

 

https://www.ramseylewis.com/    

 

 

 

Wynton Kelly • Takin' Charge

Artist Biography by Scott Yanow

A superb accompanist loved by Miles Davis and Cannonball Adderley, Wynton Kelly was also a distinctive soloist who decades later would be a strong influence on Benny Green. He grew up in Brooklyn and early on played in R&B bands led by Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer, and Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, who recorded 14 titles for Blue Note in a trio (1951), worked with Dinah Washington, Dizzy Gillespie, and Lester Young during 1951-1952. After serving in the military, he made a strong impression with Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), and the Dizzy Gillespie big band (1957), but he would be most famous for his stint with Miles Davis (1959-1963), recording such albums with Miles as Kind of Blue, At the Blackhawk, and Someday My Prince Will Come. When he left Davis, Kelly took the rest of the rhythm section (bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb) with him to form his trio. The group actually sounded at its best backing Wes Montgomery. Before his early death, Kelly recorded as a leader for Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve, and Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Un magnífico acompañante amado por Miles Davis y Cannonball Adderley, Wynton Kelly fue también un solista distintivo que décadas más tarde sería una fuerte influencia para Benny Green. Creció en Brooklyn y al principio tocó en bandas de R&B lideradas por Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, que grabó 14 títulos para Blue Note en un trío (1951), trabajó con Dinah Washington, Dizzy Gillespie y Lester Young durante 1951-1952. Después de servir en el ejército, causó una fuerte impresión con Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957) y la big band Dizzy Gillespie (1957), pero sería más famoso por su paso por Miles Davis (1959-1963), grabando discos con Miles como Kind of Blue, At the Blackhawk y Someday My Prince Will Come. Cuando dejó Davis, Kelly se llevó el resto de la sección rítmica (el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) con él para formar su trío. En realidad, el grupo sonó de maravilla respaldando a Wes Montgomery. Antes de su temprana muerte, Kelly grabó como líder para Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve y Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

The Stan Tracey Big Band • Alice In Jazz Land

Stanley William Tracey, CBE (Londres, 30 de diciembre de 1926 – 6 de diciembre de 2013),1 fue un pianista y compositor de jazz británico influenciado por Duke Ellington y Thelonious Monk.

Biografía

La Segunda Guerra Mundial representó para Tracey la ruptura de su educación formal, convirtiéndose a los 16 años en músico profesional como miembro de la Entertainments National Service Association tocando el acordeón en giras de conciertos. A los 19 años se unió al Gang Show de Ralph Reader mientras servía en la RAF, donde conoce al cómico Tony Hancock.

A principios de la década de 1950 formó parte de conjuntos musicales a bordo de cruceros como el Queen Mary y el Cardonia y efectuó giras de conciertos por el Reino Unido junto a Cab Calloway. En esa época tocaba el vibráfono, instrumento que luego abandonó. Realizó conciertos junto a músicos como Tony Crombie (batería), Vic Ash (clarinete), Kenny Graham (saxofonista y arreglador) y Dizzy Reece (trompeta).

En febrero de 1957 realiza una gira por Estados Unidos con el conjunto de Ronnie Scott, y en setiembre se une a la orquesta de Ted Heath por dos años, época que incluyó giras con la cantante Carmen McRae como arreglador y pianista. Aunque a Tracey le disgustaba el estilo de Heath, el trabajo le permitió un ingreso económico regular. Al año siguiente grabó su primer álbum, Showcase, para el sello británico de Heath, Decca Records, y en 1959 Little Klunk.

En Ronnie's y el disco Under Milk Wood

Desde marzo de 19602 hasta cerca de 19673 Tracey fue el pianista del club de jazz de Ronnie Scott en el Soho de Londres, donde tuvo la oportunidad de acompañar a la mayoría de los principales solistas de Estados Unidos que visitaban el club. Algunas grabaciones de estas interpretaciones aparecieron en discos larga duración, y otras se han editado en años recientes con sello de Jazz House o Harkit, con producción del periodista Les Tomkins, sin calidad de sonido profesional.

En este contexto se ganó varios admiradores de alto perfil como Sonny Rollins quien dijo en uno de sus conciertos: ¿Hay alguna persona aquí que sabe cuan bueno es?" Es Tracey en el piano a quien los espectadores escuchan detrás de Rollins en la banda sonora de la versión de Michael Caine para Alfie.

La experiencia de trabajar en el club de Scott arruinó sin embargo la salud de Tracey: las largas horas de actuación lo llevaron a ingerir estimulantes, y los bajos salarios hacían que debiera tomar el bus para regresar a su casa a las 3 de la mañana.

Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el proyecto Jazz Departures de Michael Horovitz, cuya meta era mezclar lecturas poéticas con jazz, interactuando espontáneamente con las palabras.4 El grupo grabó un álbum en 1964, que fue no sólo el primero de estilo clásico de Tracey, sino el primero que grabó con el saxofonista Bobby Wellins, con quien se ha asociado hasta nuestros días. Ambos contribuyeron con composiciones originales. La pieza de «Culloden Moor» de Wellins precedesora de la banda de sonido de la película Battle of Culloden de Peter Watkins es especialmente memorable.

El álbum de 1965 titulado Jazz Suite inspired by Dylan Thomas’ «Under Milk Wood» es una de las grabaciones de jazz más celebradas en el Reino Unido. Tracy se inspiró para componer la Suite escuchando la transmisión original de la BBC de 1953 en un LP que había comprado su esposa Jackie. La pieza «Starless and Bible Black», una cita del monólogo de apertura es probablemente la mejor muestra del lirismo de Wellins y el brillo de Tracey como compositor. Tanto ha sido el aprecio por esta obra que Tracey debió grabarla en reiteradas oportunidads, algo inusual para un músico de jazz británico. A Under Milk Wood le siguió Alice in Jazzland, un álbum para big band el año siguiente. Posteriormente en la misma década Tracey hizo los arreglos para una obra de Acker Bilk, Blue Acker y su primer álbum dedicado a obras de Duke Ellington, conmemornado el 70º aniversario del nacimiento del artista.

Experimentación y consolidación

A principios del decenio de 1970 se inició una época sombría para Tracey. Llegó a trabajar como cartero para poder obtener los beneficios de una pensión, pero poco después su carrera comenzó a recuperarse.

Comenzó a trabajar con músicos de la última generación, del jazz libre o la vanguardia, incluyendo a Mike Osborne, Keith Tippett y John Surman. Continuó en este estilo con Evan Parker y el festival de Jazz de Appleby por varios años, pero siempre como un tema marginal para él, que llegó a decir «toco más jazz libre en la corriente de moda, que lo que hago de moda en el jazz libre».5

A mediados de la década de 1970 fundó su propio sello, Steam, y a través de él reeditó Under Milk Wood, porque el sello principal que poseía los derechos de autor había cerrado. En la década siguiente usó la empresa para editar grabaciones de cierta cantidad de encargos de Suites, incluyendo The Salisbury Suite (1978), The Crompton Suite (1981) and The Poets Suite (1984).

Dirigió su propio octeto entre 1976 y 1985, y formó un sexteto en 1979, llamado Hexad, realizando giras hasta el Medio Oriente e India. En esa época mantuvo una larga relación artística con el saxofonista Art Themen y su propio hijo, el percusionista Clark Tracey.

https://es.wikipedia.org/wiki/Stan_Tracey

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Stanley William Tracey CBE (30 December 1926 – 6 December 2013) was a British jazz pianist and composer, whose most important influences were Duke Ellington and Thelonious Monk. Tracey's best known recording is the 1965 album Jazz Suite Inspired by Dylan Thomas's "Under Milk Wood", which is based on the BBC radio drama Under Milk Wood, by Dylan Thomas.

Early career

The Second World War meant that Tracey had a disrupted formal education, and he became a professional musician at the age of sixteen as a member of an ENSA touring group playing the accordion, his first instrument. He joined Ralph Reader's Gang Shows at the age of nineteen, while in the RAF and formed a brief acquaintance with the comedian Tony Hancock. Later, in the early 1950s, he worked in groups on the transatlantic liners Queen Mary and Caronia and toured the UK in 1951 with Cab Calloway. By the mid-1950s, he had also taken up the vibraphone, but later ceased playing it. At this time he worked widely with leading British modernists, including drummer Tony Crombie, clarinettist Vic Ash, the saxophonist-arranger Kenny Graham and trumpeter Dizzy Reece.

In February 1957, he toured the United States with Ronnie Scott's group, and became the pianist with Ted Heath's Orchestra in September for two years (1958–59), including a US tour with singer Carmen McRae. Although Tracey disliked Heath's music, he gained a regular income and was well featured as a soloist on both piano and vibes, and contributed compositions and arrangements that stayed in the Heath book for many years. The following year he recorded his first album as leader, Showcase, for English Decca (also Heath's label) and Little Klunk in 1959; he had first recorded in 1952 with the trumpeter Kenny Baker. At Decca Records, Tracey met his future wife, Jackie Buckland (3 April 1929 – 13 August 2009); the couple had two children Clark and Sarah.

At Ronnie's and the Under Milk Wood LP

From March 1960 until about 1967 (some sources give 1968), Tracey was the house pianist at Ronnie Scott's Jazz Club in Soho, London, and he had the opportunity to accompany many of the leading musicians from the US who visited the club. Recordings of some of these performances appeared on LP and others have appeared in recent years on the Jazz House and Harkit labels, recorded by the journalist Les Tomkins, but with non-professional sound quality. In this context he gained some high-profile admirers; Sonny Rollins asserted at one concert: "Does anyone here know how good he is?". It is Tracey on piano that film viewers hear behind Rollins on the soundtrack of the Michael Caine version of Alfie (1966).

However, the experience of working in Scott's club affected Tracey's health; the long hours led to him taking various illicit stimulants, and the low wages also meant that he had to take the workman's bus back home to Streatham at 3 am.

At the same time he became active in Michael Horovitz's New Departures project, mixing poetry performances with jazz, where the musicians interacted spontaneously with the words. The New Departures group recorded an album in 1964 with saxophonist Bobby Wellins, a partnership that continued for several decades. Both men contributed original compositions to the album.

Tracey's 1965 album (its full title is Jazz Suite Inspired by Dylan Thomas's "Under Milk Wood") is one of the most celebrated jazz recordings made in the United Kingdom. Tracey was inspired to compose the suite by hearing the original 1953 BBC broadcast on an LP his wife Jackie had acquired. The track "Starless and Bible Black", a quote from the opening monologue, is probably the best demonstration of Wellins' lyricism and the highlight of Tracey's whole career. Such is the affection with which these pieces are held that Tracey has re-recorded them on several occasions, something that is unusual for British jazz musicians to do. Under Milk Wood was followed by Alice in Jazzland, an album for big band, the next year featuring many of his former Ted Heath colleagues. Later in the decade, Tracey made the arrangements for an Acker Bilk record, Blue Acker, and his first album dedicated to Duke Ellington compositions (both recorded in 1968), in this case to commemorate Ellington's 70th birthday the following year.

Experimentation and consolidation

The early 1970s were a bleak time for Tracey. Around 1970, he almost chose to retrain as a postman under pressure from the Unemployment Benefits' office – "I would have quite a good pension by now" he quips – but his wife, formerly involved in public relations, took a more direct role in the development of Tracey's career.

He began to work with musicians of a later generation, who worked in a free or avant-garde style, including Mike Osborne, Keith Tippett and John Surman. Tracey continued to work in this idiom with Evan Parker at the UK's Appleby Jazz Festival for several years, but this was always more of a sideline for Tracey, who said that he "took more out of free music into the mainstream than I did from mainstream into free". Neil Ferber founder and organiser of the Appleby Jazz Festival built the festival around Stan Tracey and the musicians who worked with him, booking Stan to appear at every festival for the 18 years that it existed.

In the mid-1970s he formed his own record label, Steam, and through it reissued Under Milk Wood (the major label that held the rights to it had allowed it to fall out of print). Over the next decade he also used the outlet to issue recordings of a number of commissioned suites. These included The Salisbury Suite (1978), The Crompton Suite (1981) and The Poets Suite (1984).

He led his own octet from 1976 to 1985 and formed a sextet in 1979 (later called Hexad), touring widely in the Middle East and India. In this context he had a longstanding performance partnership from 1978 with saxophonist (and physician) Art Themen, and his own son, the percussionist Clark Tracey. He was able to share the billing with arranger Gil Evans in a 1978 concert at the Royal Festival Hall, such was Tracey's pre-eminence in the UK. In private, he played Ellington recordings for Evans that the latter had not previously heard. Tracey continued to record with American musicians on occasion as well, with dates taking place with Sal Nistico in 1985 and Monk associate, Charlie Rouse in 1987.

The Steam label ceased trading in the early 1990s, reportedly because of difficulties caused by the retail trade's need for its inventory to carry a barcode. However, in 1992 Tracey benefited from Blue Note's brief interest in UK musicians, leading to the Portraits Plus album and the commercial issue of the BBC's recording of the concert commemorating the 50th anniversary of Tracey's first professional gig, as well as Under Milk Wood′s debut on CD.

In 1995 his new quartet featuring Gerard Presencer recorded the For Heaven's Sake album and also performed gigs together. In 2003 Tracey was the subject of a BBC Television documentary Godfather of British Jazz, a rare accolade nowadays for any jazz musician, let alone one from Britain. Tracey's catalogue from the LP era is being reissued on ReSteamed Records.

Already an Officer of the Order of the British Empire (OBE), he was appointed Commander of the Order of the British Empire (CBE) in the 2008 New Year Honours.

Tracey died of cancer on 6 December 2013; he was survived by his son, Clark Tracey; his daughter died in 2012.

https://en.wikipedia.org/wiki/Stan_Tracey

Colaborador / Contribuitor:  boppinbob 

 

 

Mose Allison • Creek Bank

 

Artist Biography
Mose Allison was born in the Mississippi Delta on his grandfathers farm near the village of Tippo. At five he discovered he could play the piano by ear and began picking out blues and boogie tunes he heard on the local jukebox. In high school he listened to the music of Louis Armstrong, Fats Waller, Duke Ellington, Louis Jordan, and his prime inspiration, Nat Cole of the King Cole Trio. He played trumpet in the marching and dance bands and started writing his own songs.

After a year at the University of Mississippi, he went to the Army in l946, playing in the Army Band in Colorado Springs and performing with accomplished musicians from around the country in small groups at NCO and Officers clubs. Returning to Ole Miss he joined the dance band as arranger, piano and trumpet player, but shortly left to form his own trio, playing piano and singing in a style heavily influenced by Nat Cole, Louis Jordan and Erroll Garner. After a year on the road, Mose married, returned to college at Louisiana State University and graduated in 1952 with a BA in English and Philosophy.

He worked in nightclubs throughout the Southeast and West, blending the raw blues of his childhood with modern pianistic influences of John Lewis, Thelonius Monk and Al Haig. His vocal style was influenced by blues singers Percy Mayfield and Charles Brown. Arriving in New York in 1956, Mose received encouragement, work and a record date from Al Cohn. In 1957 he secured his own first recording contract with Prestige Records, recording Back Country Suite, a collection of pieces evoking the Mississippi Delta, released to unanimous critical acclaim. Mose went on to play and record with jazz greats Stan Getz, Al Cohn, Zoot Sims and Gerry Mulligan as well as with his own Mose Allison Trio.

Mose continued working with his own trio, writing and singing his own songs. His songs are a fusion of rustic blues and jazz, embellished with profound and often humorous lyrics. As a pianist, while admiring jazz masters Bud Powell and Lenny Tristano, he also learned from composers such as Bartok, Ives, Hindemith and Ruggles. The fusing of these diverse elements into a cohesive performance continues today. A biography, One Mans Blues: The Life and Music of Mose Allison, written by Patti Jones, was published in 1995 by Quartet Books Ltd. Of London.

Mose continues to write and perform all over the world. His songs have been covered by Van Morrison, John Mayall, The Who, The Clash, Eric Clapton, the Yardbirds, Elvis Costello and Bonnie Raitt to name a few. Van Morrison recorded a tribute album, Tell Me Something: The Songs of Mose Allison, on Verve Records, and rockers like Pete Townshend, Bonnie Raitt, Ray Davies and Bill Wyman of the Rolling Stones have frequently cited Mose Allison as a major influence.

His most recent Grammy nomination was for one of his two newest recordings, Mose Chronicles, Live in London, Vol. I on Blue Note Records. Mose Chronicles, Vol II was just released last year. Also, British born Director Paul Barnays has produced a one hour documentary on Mose, entitled Mose Allison; Ever Since I Stole the Blues, for the BBC4 in the UK.
Among recent releases are a dozen reissues on CD including Allison Wonderland and a double CD retrospective on Rhino, and High Jinks, a three CD package on Legacy. Blue Note has also re-released a collection of past recordings, Mose Allison, Jazz Profiles. His music has often been used in movies, and he can be seen performing in the recently released movie, The Score, starring Robert DeNiro and Marlon Brando.

Mose resides on Long Island with his wife Audre where they raised four children: Alissa, an attorney, John, a telecommunication specialist, Janine, a psychiatrist, and Amy Allison, also a successful and respected singer songwriter in New York with her own group.

As one writer recently said: Mose is now at the peak of his performing career. Although maybe this last statement is not quite true as he seems to continue to improve on perfection.

Mose John Allison Jr. was born in 1927 in Tippo, Mississippi, a cotton town in the Mississippi delta. By the time Mose was in grade school he was already composing boogie woogie tunes on the piano. His father, a piano stride player himself, encouraged the young Mose in his playing but also taught him the meaning of “work on the farm.” Mose plowed cotton with a mule and said once that he is probably one of the few remaining living bluesman who can honestly make that claim. He grew up where “The blues was in the air.” While still in his teens Mose was sitting in with R and B bands on Memphis's famed musical mecca Beale Street. One of those bands was led by another teenage bluesman, Beale Street Boy, better known as B. B. King. It was a full decade before SUN Records discovery of Elvis Presley. In the 1940's in the deep south it was not yet socially acceptable for races to mix in public places. When it comes to music Mose says, “I just followed my ears.”

In 1956 Mose migrated to New York where the jazz scene was taking off. He staked out an artistic and musical niche that was both respected and unique. Today, many in the industry view Mose as a musician's musician, a singer's singer and a songwriter's songwriter. Mose is still playing over 150 dates a year and considers his 40 years on the road performing as “on the job training.” In the states Mose has a loyal following but, it was in England during the 1960's where Mose got the attention of many soon to be British Invaders. The Yardbirds, The Who, John Mayall's Bluesbreakers and others would soon be covering his songs. Someone said to Mose once, “You were a social critic before Dylan; you were satirical long before Newman; you were rude long before Jagger; why aren't you a big star?” Mose's answer to that was, “Just Lucky, I guess.” Mose's popularity in the states has been on a slow and steady rise. As the man himself wrote, “If you live, your time will come”. Perhaps Mose's time has finally come.

In a twenty month period covering 1994-5, a biography on Mose entitled, One Man's Blues, has been published in the UK, a studio CD on Blue Note was released entitled, The Earth Wants You, a live set from the seventies was released on indie CD entitled, Pure Mose, Rhino Records released a two CD anthology entitled, Allison Wonderland and finally a three CD boxed set from Sony, High Jinks!
Trilogy. Certainly it is wonderful time to be a Mose fan.
https://musicians.allaboutjazz.com/moseallison

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Biografía del artista

Mose Allison nació en el delta del Mississippi, en la granja de su abuelo, cerca del pueblo de Tippo. A los cinco años descubrió que podía tocar el piano de oído y comenzó a escoger blues y boogie tunes que escuchaba en la rocola local. En la escuela secundaria escuchó la música de Louis Armstrong, Fats Waller, Duke Ellington, Louis Jordan, y su principal inspiración, Nat Cole, del trío King Cole. Tocaba la trompeta en las bandas de marcha y de baile y comenzó a escribir sus propias canciones.

Después de un año en la Universidad de Mississippi, se fue al Ejército en 1946, tocando en la Banda del Ejército en Colorado Springs y tocando con músicos consumados de todo el país en pequeños grupos en clubes de suboficiales y oficiales. De vuelta a Ole Miss se unió a la banda de baile como arreglista, pianista y trompetista, pero poco después se fue para formar su propio trío, tocando el piano y cantando en un estilo fuertemente influenciado por Nat Cole, Louis Jordan y Erroll Garner. Después de un año en la carretera, Mose se casó, regresó a la universidad en la Universidad Estatal de Louisiana y se graduó en 1952 con un BA en Inglés y Filosofía.

Trabajó en clubes nocturnos de todo el sudeste y oeste, mezclando el blues crudo de su infancia con las influencias pianísticas modernas de John Lewis, Thelonius Monk y Al Haig. Su estilo vocal fue influenciado por los cantantes de blues Percy Mayfield y Charles Brown. Al llegar a Nueva York en 1956, Mose recibió aliento, trabajo y una fecha récord de Al Cohn. En 1957 consiguió su primer contrato discográfico con Prestige Records, grabando Back Country Suite, una colección de piezas que evocan el delta del Mississippi, que fue publicada con elogios unánimes de la crítica. Mose pasó a tocar y grabar con los grandes del jazz Stan Getz, Al Cohn, Zoot Sims y Gerry Mulligan, así como con su propio Mose Allison Trio.

Mose continuó trabajando con su propio trío, escribiendo y cantando sus propias canciones. Sus canciones son una fusión de blues rústico y jazz, adornadas con letras profundas y a menudo humorísticas. Como pianista, mientras admiraba a los maestros de jazz Bud Powell y Lenny Tristano, también aprendió de compositores como Bartok, Ives, Hindemith y Ruggles. La fusión de estos diversos elementos en un desempeño cohesivo continúa hoy en día. Una biografía, One Mans Blues: The Life and Music of Mose Allison, escrito por Patti Jones, fue publicado en 1995 por Quartet Books Ltd. De Londres.

Mose sigue escribiendo y actuando en todo el mundo. Sus canciones han sido interpretadas por Van Morrison, John Mayall, The Who, The Clash, Eric Clapton, The Yardbirds, Elvis Costello y Bonnie Raitt, entre otros. Van Morrison grabó un álbum tributo, Tell Me Something: The Songs of Mose Allison, en Verve Records, y rockeros como Pete Townshend, Bonnie Raitt, Ray Davies y Bill Wyman of the Rolling Stones han citado con frecuencia a Mose Allison como una gran influencia.

Su más reciente nominación al Grammy fue por una de sus dos grabaciones más recientes, Mose Chronicles, Live in London, Vol.
I en Blue Note Records. Mose Chronicles, Vol II fue lanzado el año pasado. Además, el director británico Paul Barnays ha producido un documental de una hora sobre Mose, titulado Mose Allison; Ever Since I Stole the Blues, para la BBC4 en el Reino Unido. Entre los lanzamientos recientes se encuentran una docena de reediciones en CD, incluyendo Allison Wonderland y una doble retrospectiva de CD sobre Rhino, y High Jinks, un paquete de tres CD sobre Legacy. Blue Note también ha reeditado una colección de grabaciones anteriores, Mose Allison, Jazz Profiles. Su música ha sido usada a menudo en películas, y se le puede ver actuando en la película recientemente estrenada, The Score, protagonizada por Robert DeNiro y Marlon Brando.

Mose reside en Long Island con su esposa Audre, donde criaron a cuatro hijos: Alissa, una abogada, John, un especialista en telecomunicaciones, Janine, una psiquiatra, y Amy Allison, también una exitosa y respetada cantante y compositora en Nueva York con su propio grupo.

Como dijo recientemente un escritor: Mose está ahora en la cima de su carrera interpretativa. Aunque tal vez esta última afirmación no es del todo cierta, ya que parece que sigue mejorando la perfección.

Mose John Allison Jr. nació en 1927 en Tippo, Mississippi, un pueblo algodonero en el delta del Mississippi. Para cuando Mose estaba en la escuela primaria ya estaba componiendo melodías de boogie woogie en el piano. Su padre, que también tocaba el piano a zancadas, alentó al joven Mose a tocar, pero también le enseñó el significado de "trabajar en la granja". Mose araba algodón con una mula y dijo una vez que probablemente es uno de los pocos bluesman viviente que puede honestamente hacer esa afirmación. Creció donde "El blues estaba en el aire". Cuando aún era adolescente, Mose estaba sentado con bandas de R y B en la famosa meca musical de Memphis, Beale Street. Una de esas bandas fue dirigida por otro bluesista adolescente, Beale Street Boy, más conocido como B. B. King. Fue una década antes de que SUN Records descubriera a Elvis Presley. En la década de 1940, en el sur profundo, todavía no era socialmente aceptable que las razas se mezclaran en lugares públicos. Cuando se trata de música, Mose dice: "Sólo seguí mis oídos".

En 1956 Mose emigró a Nueva York, donde la escena del jazz estaba despegando. Se propuso un nicho artístico y musical que era a la vez respetado y único. Hoy en día, muchos en la industria ven a Mose como un músico, un cantante y un compositor. Mose sigue tocando más de 150 dátiles al año y considera sus 40 años de gira como "entrenamiento en el trabajo". En los estados Mose tiene un seguimiento leal, pero fue en Inglaterra durante la década de 1960 donde Mose captó la atención de muchos que pronto serán invasores británicos. The Yardbirds, The Who, John Mayall's Bluesbreakers y otros pronto estarían cubriendo sus canciones. Alguien le dijo a Mose una vez: "Fuiste un crítico social antes de Dylan; fuiste satírico mucho antes de Newman; fuiste grosero mucho antes de Jagger; ¿por qué no eres una gran estrella? La respuesta de Mose a eso fue: "Supongo que con suerte".
La popularidad de Mose en los Estados Unidos ha ido en aumento lento y constante. Como escribió el mismo hombre: "Si vives, llegará tu hora". Tal vez la hora de Mose haya llegado.

En un período de veinte meses que cubre 1994-5, una biografía sobre Mose titulada, One Man's Blues, ha sido publicada en el Reino Unido, un CD de estudio sobre Blue Note fue publicado titulado, The Earth Wants You, un set en vivo de los setenta fue publicado en un CD independiente titulado, Pure Mose, Rhino Records lanzó una antología de dos CD titulado, Allison Wonderland y finalmente una caja de tres CD de Sony, High Jinks! Trilogía. Ciertamente es un tiempo maravilloso para ser un fan de Mose.
https://musicians.allaboutjazz.com/moseallison

moseallison.com ...

Hugh Lawson & Richard Wyands • Jazzcraft Studio Recordings 1977-78

 

 Here is a fantastic 2 cd set of a pair of blue collar pianists who worked day in and day out as reliable sidemen, just doing their job of accompanying some leader and providing reliably creative music. Never in the spotlight, neither recorded very much on their own, making this reissue of trio dates even that more endearing and valuable.

Hugh Lawson made his living under the leadership of bands by Yusef Lateef, Charles Mingus and various Mingus alumni. On this ’77  session, he meets up with Bob Cranshaw/b  (most known with his work with Rollins) and Ben Riley/dr (ditto Monk). His heart is in the Bud Powell-inspired bebop, but with the added years has included more of a hard bop edge. This collection of originals and jazz tunes includes the intriguing Clifford Jordan piece “The Highest Mountain” as well as Mngus’ thoughtful and searching “The Duke Ellington Sound of Love” . The trio gels like old friends, with Riley’s drums snapping like baseball cards on wheel sprockets. Lawson’s hands are deft, confident and always swinging. You’ll want to put this next to your Hank Jones collection!

Richard Wyand has been hired by everyone from Ella to Hubbard, but spent the biggest chunk of his time with Kenny Burrell. Here, he’s given the leadership of a band consisting of David Lee/dr and Lisle Atkinson/b through a well mixed collection of self penned tunes and jazz delectibles. His own “Yes it Is” and “Leonora” have a nice earthy swing to them, while his glassy touch delves deep into the cracks of JJ Johnson’s “Lament.” He seems to delight most in lyrical pieces and coaxes lovely notes out of “Never Let Me Go” and Duke Ellington’s “Leonora,” while his “Yesterdays” has some haunting chord work. Nothing earth shattering here or world shifting-just great and timeless music that you’ll want to listen to over and over after being thunderstruck by all of the cacophonic posers out there these days.
https://www.storyvillerecords.com/products/jazzcraft-studio-recordings-1977-77-1038428

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 Este es un fantástico set de 2 CDs de un par de pianistas que trabajaron día a día como fiables acompañantes, haciendo su trabajo de acompañar a algún líder y proporcionando música creativa. Nunca fueron el centro de atención, ni grabaron mucho por su cuenta, lo que hace que esta reedición de fechas de trío sea aún más entrañable y valiosa.

Hugh Lawson se ganó la vida bajo la dirección de bandas de Yusef Lateef, Charles Mingus y varios ex alumnos de Mingus. En esta sesión del 77, se reúne con Bob Cranshaw/b (más conocido por su trabajo con Rollins) y Ben Riley/dr (igual que Monk). Su corazón está en el bebop inspirado en Bud Powell, pero con los años ha incluido más de un borde de hard bop. Esta colección de originales y temas de jazz incluye la intrigante pieza de Clifford Jordan "The Highest Mountain", así como la reflexiva y profunda "The Duke Ellington Sound of Love" de Mngus. El trío se compenetra como viejos amigos, con la batería de Riley chasqueando como tarjetas de béisbol en ruedas dentadas. Las manos de Lawson son hábiles, seguras y siempre oscilantes. Querrás poner esto junto a tu colección de Hank Jones.

Richard Wyand ha sido contratado por todo el mundo, desde Ella hasta Hubbard, pero ha pasado la mayor parte de su tiempo con Kenny Burrell. Aquí, se le da el liderazgo de una banda formada por David Lee/dr y Lisle Atkinson/b a través de una colección bien mezclada de melodías de autoría propia y delicias de jazz. Sus propias "Yes it Is" y "Leonora" tienen un agradable swing terrenal, mientras que su toque vidrioso se adentra en las grietas de "Lament" de JJ Johnson. Parece que se deleita más en las piezas líricas y saca notas encantadoras de "Never Let Me Go" y "Leonora" de Duke Ellington, mientras que su "Yesterdays" tiene un trabajo de acordes inquietante. No hay nada que pueda romper la tierra o cambiar el mundo, sólo una música estupenda y atemporal que querrás escuchar una y otra vez después de haberte quedado impresionado por todos los posers cacofónicos que hay hoy en día.
https://www.storyvillerecords.com/products/jazzcraft-studio-recordings-1977-77-1038428


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Chick Corea & The Spanish Heart Band • Antidote

 

 

Review by Thom Jurek
Antidote is a completely forward-thinking album, yet its roots date to the 1960s, near the beginning of his career when he played in the bands of Mongo Santamaria and Willie Bobo. During this period, he encountered the great Latin bandleaders of the era including Machito, Tito Puente, Ray Barretto, and Eddie Palmieri. In 1972, he penned the iconic composition "Spain," inspired by Joaquin Rodrigo's Concierto de Aranjuez. In 1976, Corea issued his milestone My Spanish Heart, that married fusion to Latin music. In 1982, he delivered another landmark with the Latin-tinged offering Touchstone, which featured flamenco master Paco De Lucia, and in 1990, Corea played on his Zyryab. The Spanish Heart Band is anchored by bassist Carlitos del Puerto, drummer Marcus Gilmore, and percussionist Luisito Quintero. Frontline players include nuevo flamenco/jazz guitarist Nino Josele, flutist and saxophonist Jorge Pardo (a longtime member of de Lucia's group), trumpeter Michael Rodriguez, and trombonist Steve Davis. There are also three guest vocalists: Panamanian salsero Ruben Blades, Brazilian singer/songwriter Maria Bianca, who delivers an elegant read of Tom Jobim's "Desafinado," and Corea's life partner, Gayle Moran Corea (who sings the entire choir part on "My Spanish Heart").

The material on Antidote includes work from the pianist's back catalog, a classical piece, and new compositions. The opening title was penned for Blades, who delivers it with class, conviction, and elegance. It's a meld of salsa and flamenco with Corea's piano, brass, and spiky percussion leading the singer. Josele nails a tight, fluid solo, followed by synth and then sharp, polyrhythmic piano montunos underscored by a smoking trombone break. The revisioned "Duende" (originally from Touchstone) is languid, ushered in by dark minor chords and shakers and spiraling along a newly harmonized melody line. Another Touchstone number, "The Yellow Nimbus," is in two parts with shining interplay between the pianist, percussionist, and guitarist before Pardo's moaning flute solo transports the listener to another time and place. Blades appears again on a reworked "My Spanish Heart," with Corea on acoustic and electric keyboards, percussion, a driving bassline, and a trap kit. "Armando's Rumba," also from My Spanish Heart, is recontextualized with a post-bop horn chart in a piano-driven fusion of salsa and flamenco, kissed by emotive trumpet and guitar breaks. The other covers include De Lucia's "Zyryab," with glorious flute and piano interplay. Igor Stravinsky's "Pas De Deux" features an excavated harmony that joins it to the album's material. Closer "Admiration" was written for this band; it's performed with a lithe Latin jazz groove and highlights Pardo's flute, Quintero's syncopated palmas (handclaps), Josele's sweeping guitar, and guest flamenco dancer Nino de los Reyes. Corea has been on a near-prolific roll over the past decade, but Antidote, his 99th album, stands with the finest recordings in his entire career.
https://www.allmusic.com/album/antidote-mw0003278128

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Reseña de Thom Jurek
Antídoto es un álbum totalmente vanguardista, aunque sus raíces se remontan a los años 60, cerca del comienzo de su carrera, cuando tocaba en las bandas de Mongo Santamaria y Willie Bobo. Durante este periodo, conoció a los grandes directores de banda latinos de la época, como Machito, Tito Puente, Ray Barretto y Eddie Palmieri. En 1972, escribió la emblemática composición "Spain", inspirada en el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. En 1976, Corea publicó su hito My Spanish Heart, que unía la fusión con la música latina. En 1982, lanzó otro hito con la oferta de tintes latinos Touchstone, que contó con el maestro del flamenco Paco De Lucía, y en 1990, Corea tocó en su Zyryab. La Spanish Heart Band está formada por el bajista Carlitos del Puerto, el batería Marcus Gilmore y el percusionista Luisito Quintero. Entre los músicos de primera línea se encuentran el guitarrista de nuevo flamenco/jazz Nino Josele, el flautista y saxofonista Jorge Pardo (un antiguo miembro del grupo de De Lucía), el trompetista Michael Rodríguez y el trombonista Steve Davis. También hay tres vocalistas invitados: El salsero panameño Rubén Blades, la cantautora brasileña María Bianca, que ofrece una elegante lectura de "Desafinado" de Tom Jobim, y la compañera de vida de Corea, Gayle Moran Corea (que canta toda la parte del coro en "My Spanish Heart").

El material de Antidote incluye obras del catálogo del pianista, una pieza clásica y nuevas composiciones. El título inicial fue escrito para Blades, que lo interpreta con clase, convicción y elegancia. Es una mezcla de salsa y flamenco con el piano de Corea, los metales y la percusión puntiaguda dirigiendo a la cantante. Josele clava un solo fluido y ajustado, seguido de un sintetizador y unos montunos de piano agudos y polirrítmicos subrayados por una pausa de trombón humeante. El revisado "Duende" (originalmente de Touchstone) es lánguido, introducido por acordes menores oscuros y shakers y en espiral a lo largo de una nueva línea melódica armonizada. Otro número de Touchstone, "The Yellow Nimbus", se divide en dos partes con una brillante interacción entre el pianista, el percusionista y el guitarrista antes de que el solo de flauta de Pardo transporte al oyente a otro tiempo y lugar. Blades vuelve a aparecer en una reelaboración de "My Spanish Heart", con Corea en los teclados acústicos y eléctricos, la percusión, una línea de bajo y un kit de trampa. "Armando's Rumba", también de My Spanish Heart, se recontextualiza con una tabla de vientos post-bop en una fusión de salsa y flamenco impulsada por el piano, besada por emotivas pausas de trompeta y guitarra. Las otras versiones incluyen "Zyryab" de De Lucia, con una gloriosa interacción de flauta y piano. El "Pas De Deux" de Igor Stravinsky presenta una armonía excavada que lo une al material del álbum. La más reciente, "Admiration", fue escrita para esta banda; se interpreta con un ágil ritmo de jazz latino y en ella destacan la flauta de Pardo, las palmas sincopadas de Quintero, la arrolladora guitarra de Josele y el bailarín flamenco invitado Nino de los Reyes. Corea ha estado en una racha casi prolífica durante la última década, pero Antídoto, su 99º álbum, se encuentra entre las mejores grabaciones de toda su carrera.
https://www.allmusic.com/album/antidote-mw0003278128

 

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