Showing posts with label Jazz Instrument. Show all posts
Showing posts with label Jazz Instrument. Show all posts

Tuesday, May 19, 2026

Larry Goldings, Peter Bernstein & Bill Stewart • Toy Tunes

 



Review
The jazz world has seen many great organ trios over the years however Larry Golding’s trio with Peter Bernstein and Bill Stewart is not only one of the most innovative but also one of the most prolific. Next week see’s the release of their 12th Album titled “Toy Tunes”, the second for their current label Pirouet Records.

Toy Tunes, is the follow up release to “Ramshackle Serenade” released in 2014 to critical acclaim, and once again see’s trio great form. The album contains a mix of original compositions mixed with treatments of a number of standards including “I’m In The Mood For Love”, Carla Bley’s “And Now the Queen” and the title track, Wayne Shorter’s “Toy Tune”.

Larry Goldings when speaking about the trio said “Our approach has never been dictated by the ‘organ trio’ format but rather by our individual personalities, our broad range of musical interests, our desire to be highly interactive, and to grow together as musicians.” This could not be further from the truth as the trio explore many styles on the album from the more straight ahead readings of “I’m In The Mood For Love” and closing track Calm to the abstract of Carla Bley’s “And Now the Queen”.

The Album opens with a Goldings original “Fagan” referencing Steely Dan’s co-leader Donald Fagan and introduces the album well. The track with is staccato motif and straight eight feel is a strong opener without giving to much away as to what is coming. Larry stated the the music of Donald Fagan “introduced me to a whole new world of harmony and song structure” and this can be heard in this track.

I especially liked the lilting 6/8 feel of Bernstein’s “Lullaby For B” that Peter wrote for his oldest son and back beat groove of Bill Stewart’s “Don’t Ever Call Me Again”. Highlight of the album in my mind is treatment of Wayne Shorter’s “Toy Tune’. While not deviating all that far from the original Shorter recording both Bernstien and Goldings lay down impressive solo’s. Goldings says that improvising on Wayne Shorter’s pieces “is akin to playing with a Rubik’s Cube” and if this is the case on this recording he certainly was able to get all the squares lined up.

The performances on the album are excellent throughout as is the recording quality. Toy Tune is not only a welcome addition to the trios discography but a welcome addition to any Hammond fan or for that matter jazz lovers in general.
Written by Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/

///////


Reseña
El mundo del jazz ha visto muchos grandes tríos de órgano a lo largo de los años, pero el trío de Larry Golding con Peter Bernstein y Bill Stewart no sólo es uno de los más innovadores, sino también uno de los más prolíficos. La próxima semana saldrá a la venta su duodécimo álbum, titulado "Toy Tunes", el segundo para su actual sello, Pirouet Records.

Toy Tunes es la continuación de "Ramshackle Serenade", publicado en 2014 con gran éxito de crítica, y una vez más el trío está en plena forma. El álbum contiene una mezcla de composiciones originales mezcladas con tratamientos de una serie de estándares, incluyendo "I'm In The Mood For Love", "And Now the Queen" de Carla Bley y la pista del título, "Toy Tune" de Wayne Shorter.

Larry Goldings, al hablar del trío, dijo: "Nuestro enfoque nunca ha sido dictado por el formato de "trío de órgano", sino más bien por nuestras personalidades individuales, nuestra amplia gama de intereses musicales, nuestro deseo de ser altamente interactivos y de crecer juntos como músicos." Esto no podría estar más lejos de la realidad, ya que el trío explora muchos estilos en el álbum, desde las lecturas más directas de "I'm In The Mood For Love" y el tema de cierre Calm hasta lo abstracto de "And Now the Queen" de Carla Bley.

El álbum se abre con un original de Goldings, "Fagan", que hace referencia al colíder de Steely Dan, Donald Fagan, y que introduce bien el álbum. El tema, con un motivo entrecortado y una sensación de ocho rectos, es un fuerte comienzo, sin dar demasiadas pistas sobre lo que va a ocurrir. Larry declaró que la música de Donald Fagan "me introdujo en todo un nuevo mundo de armonía y estructura de las canciones" y esto se puede escuchar en este tema.

Me gustó especialmente la sensación de 6/8 de la "Canción de cuna para B" de Bernstein, que Peter escribió para su hijo mayor, y el ritmo de fondo de "Don't Ever Call Me Again" de Bill Stewart. Lo mejor del álbum, en mi opinión, es el tratamiento de "Toy Tune" de Wayne Shorter. Aunque no se desvía mucho de la grabación original de Shorter, tanto Bernstien como Goldings hacen unos solos impresionantes. Goldings dice que improvisar sobre las piezas de Wayne Shorter "es como jugar con un cubo de Rubik" y si este es el caso en esta grabación, ciertamente fue capaz de conseguir todos los cuadrados alineados.

Las interpretaciones del álbum son excelentes, al igual que la calidad de la grabación. Toy Tune no sólo es una buena adición a la discografía de los tríos, sino que también es una buena adición para cualquier fan de Hammond o para los amantes del jazz en general.
Escrito por Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/


larrygoldings.com ...
peterbernsteinmusic.com ...
billstewartmusic.com ...



Sunday, May 17, 2026

Saturday, May 16, 2026

Jack Wilkins • Trioart

 

 



jackwilkins.com ...


Colaborador / Contribuitor:  Michel


Michel Camilo • Spirit Of The Moment

 



Artist Biography
Pianist and composer Michel Camilo was born in Santo Domingo, Dominican Republic, in 1954. Fascinated with music since childhood, he composed his first song at the age of five, then studied for 13 years at the National Conservatory. At 16, he became a member of the National Symphony Orchestra.
Seeking to expand his musical horizons, he moved in 1979 to New York, where he continued his studies at Mannes and Juilliard School of Music. His composition Why Not? was recorded by Paquito D'Rivera as the title tune for one of his albums, and The Manhattan Transfer won a Grammy Award for their vocal version in 1983. His first two albums were titled Why Not? and Suntan/In Trio.
Camilo made his Carnegie Hall debut with his trio in 1985. Since then, he has become a prominent figure performing regularly in the United States, the Caribbean, Japan and Europe. December 1987 marked his debut as a classical conductor when the National Symphony Orchestra of the Dominican Republic invited him to conduct a recital featuring the works of Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak and Camilo’s own composition, The Goodwill Games Theme, which won an Emmy Award. That year, he became the musical director of the Heineken Jazz Festival in his native Dominican Republic, a post he held through 1992.
November of 1988 marked his debut on a major record label with the release of his self- titled album, Michel Camilo (Sony). The album became an instant success and held the top jazz album spot for ten consecutive weeks. His next recording, On Fire, was voted one of the top three Jazz Albums of the Year by Billboard, and 1990s On the Other Hand was a top-ten jazz album. All three releases reached the number-one position in radio airplay.
Camilo’s list of compositions, recordings and other achievements throughout the '90s is vast. His composition Caribe was recorded by pianists Katia and Marielle Lebeque, and by the legendary Dizzy Gillespie, in 1991. His Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, commissioned by the Philharmonia Orchestra, premiered a year later at the Royal Festival Hall. In 1993, Gavin and Billboard magazines picked his Rendezvous as one of the top jazz albums of the year.
Camilo performed a series of piano recitals in 1996 as part of Copenhagen’s Cultural Capital of Europe celebration, and also debuted at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC, and Carnegie Hall in New York. That same year, he performed in Israel, Spain, Mexico, Dominican Republic and Switzerland, where he debuted at Zurich’s prestigious Tonhalle concert hall as part of the Jazz Piano Masters series.
He served as co-artistic director in 1998 for the first Latin-Caribbean Music Festival at the Kennedy Center, which featured performances by his trio and big band, as well as the world premiere of his Piano Concerto with the National Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin. The following year, he toured with Cuban jazz pianist Chucho Valdes, and debuted with the Cleveland Symphony Orchestra.
In addition to compiling an extensive discography and maintaining a rigorous performance schedule, Camilo has composed and recorded a number of Spanish film scores over the years, and holds honorary degrees from his alma mater, Universidad Autonoma de Santo Domingo, and UTESA University of Santiago, Dominican Republic (he’s the youngest person to ever receive the distinction from the latter school). In 1992, he was named a Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus by the Dominican Government.
At the turn of the millennium, his 2000 Verve release, Spain, with guitarist Tomatito, won Best Latin Jazz Album in the first-ever Latin Grammy Awards. Camilo also performed in a trio concert in 2000 presented by the New Jersey Chamber Society with special guest Paquito D'Rivera.
In 2001, Camilo appeared on the soundtrack CD for the acclaimed Latin jazz film Calle 54, directed by the Oscar-winning Spaniard Fernando Trueba. In addition to his activities as a composer and pianist, Camilo lectured and performed at many universities and colleges throughout Europe and the United States”including New York University, Berklee School of Music, MIT, William Paterson College (in New Jersey) and Puerto Rico Conservatory.
In November 2001, he was awarded the Silver Cross of the Order of Duarte, Sanchez & Mella from the president of the Dominican Republic, the highest honor that the government can give.
2002 marked a special year for Camilo with two albums: Classical and Jazz. In February, Decca released his Concerto for Piano & Orchestra, Suite for Piano, Strings and Harp & Caribe, to celebrate his guest appearance with the NSO conducted by Leonard Slatkin at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.
In March 2002, Telarc released Triangulo, Camilo’s Grammy Award nominee trio recording, which features bass guitarist Anthony Jackson and drummer Horacio “El Negro” Hernandez.
August 2003 marked the Telarc release of his latest album Live at the Blue Note, featuring Horacio “El Negro” Hernandez on drums and Charles Flores on acoustic bass. This two-CD set captures the quintessential Camilo “sound” live for the first time and was awarded a GRAMMY for Best Latin Jazz Album.

///////

Biografía del artista
El pianista y compositor Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana, en 1954. Fascinado por la música desde la infancia, compuso su primera canción a la edad de cinco años, y luego estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional. A los 16 años, se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional.
Buscando ampliar sus horizontes musicales, se trasladó en 1979 a Nueva York, donde continuó sus estudios en la Mannes and Juilliard School of Music. Su composición Why Not? fue grabada por Paquito D'Rivera como tema principal de uno de sus discos, y The Manhattan Transfer ganó un premio Grammy por su versión vocal en 1983. Sus dos primeros álbumes se titulaban Why Not? y Suntan/In Trio.
Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall con su trío en 1985. Desde entonces, se ha convertido en una figura prominente que actúa regularmente en los Estados Unidos, el Caribe, Japón y Europa. En diciembre de 1987 debutó como director de orquesta clásica cuando la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana lo invitó a dirigir un recital con las obras de Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak y la propia composición de Camilo, The Goodwill Games Theme, que ganó un premio Emmy. Ese año, se convirtió en el director musical del Festival de Jazz de Heineken en su República Dominicana natal, cargo que ocupó hasta 1992.
Noviembre de 1988 marcó su debut en un importante sello discográfico con el lanzamiento de su autodenominado álbum, Michel Camilo (Sony). El álbum se convirtió en un éxito instantáneo y ocupó el primer lugar en la lista de los álbumes de jazz durante diez semanas consecutivas. Su siguiente disco, On Fire, fue votado por Billboard como uno de los tres mejores álbumes de jazz del año, y On the Other Hand fue uno de los diez mejores álbumes de jazz de la década de 1990. Los tres lanzamientos alcanzaron la posición número uno en la emisión de radio.
La lista de composiciones, grabaciones y otros logros de Camilo a lo largo de los años 90 es muy amplia. Su composición Caribe fue grabada por las pianistas Katia y Marielle Lebeque, y por el legendario Dizzy Gillespie, en 1991. Su Rapsodia para dos pianos y orquesta, encargada por la Philharmonia Orchestra, se estrenó un año más tarde en el Royal Festival Hall. En 1993, las revistas Gavin y Billboard eligieron su Rendezvous como uno de los mejores álbumes de jazz del año.
Camilo interpretó una serie de recitales de piano en 1996 como parte de la celebración de la Capital Cultural de Europa en Copenhague, y también debutó en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, DC, y en el Carnegie Hall en Nueva York. Ese mismo año se presentó en Israel, España, México, República Dominicana y Suiza, donde debutó en la prestigiosa sala de conciertos Tonhalle de Zurich como parte de la serie Jazz Piano Masters.
Se desempeñó como co-director artístico en 1998 para el primer Festival de Música Latino-Caribeña en el Kennedy Center, que incluyó presentaciones de su trío y big band, así como el estreno mundial de su Concierto para Piano con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Leonard Slatkin. Al año siguiente, realizó una gira con el pianista cubano de jazz Chucho Valdés, y debutó con la Orquesta Sinfónica de Cleveland.
Además de compilar una extensa discografía y mantener un riguroso programa de actuaciones, Camilo ha compuesto y grabado varias partituras de películas españolas a lo largo de los años, y cuenta con títulos honoríficos de su alma mater, la Universidad Autónoma de Santo Domingo, y la Universidad UTESA de Santiago, República Dominicana (es la persona más joven que ha recibido la distinción de esta última escuela). En 1992, fue nombrado Caballero de la Orden Heráldica de Cristóbal Colón por el Gobierno Dominicano.
En el cambio de milenio, su disco Verve 2000, España, con el guitarrista Tomatito, ganó el premio al Mejor Álbum de Jazz Latino en los primeros premios Grammy Latinos de la historia. Camilo también actuó en un concierto de trío en el año 2000 presentado por la New Jersey Chamber Society con el invitado especial Paquito D'Rivera.
En 2001, Camilo apareció en el CD de la banda sonora de la aclamada película de jazz latino Calle 54, dirigida por el español Fernando Trueba, ganador de un Oscar. Además de sus actividades como compositor y pianista, Camilo dio conferencias y actuó en muchas universidades y colegios de toda Europa y Estados Unidos States"incluyendo la Universidad de Nueva York, la Escuela de Música de Berklee, el MIT, el William Paterson College (en Nueva Jersey) y el Conservatorio de Puerto Rico.
En noviembre de 2001, el presidente de la República Dominicana le otorgó la Cruz de Plata de la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, el más alto honor que el gobierno puede otorgar.
El 2002 marcó un año especial para Camilo con dos álbumes: Clásica y Jazz. En febrero, Decca lanzó su Concierto para Piano y Orquesta, Suite para Piano, Cuerdas y Arpa y Caribe, para celebrar su aparición como invitado con la NSO dirigida por Leonard Slatkin en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C.
En marzo de 2002, Telarc lanzó Triángulo, la grabación del trío nominado al premio Grammy de Camilo, que incluye al bajista Anthony Jackson y al baterista Horacio "El Negro" Hernández.
En agosto de 2003, Telarc lanzó su último álbum Live at the Blue Note, con Horacio "El Negro" Hernández a la batería y Charles Flores al bajo acústico. Este set de dos CDs captura por primera vez en vivo el "sonido" de Camilo por excelencia y fue premiado con un GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino.

www.michelcamilo.com ...


Wednesday, May 13, 2026

Soulive • Soulive

 



Soulive is an album by Soulive that was released on April 8, 2003. It was produced by Jeff Krasno.
Following the release of the studio album Next, the band decided to record their 2002 winter tour, and this album is a compilation of live recordings recorded from October 12 to December 7, 2002. Known largely for its energetic live shows, the group showcases its various live performances with a wide array of material. The result is a musical tapestry that highlights the band's unprecedented improvisational skills and extended jam sequences. Widely commended tracks include a cover of the Stevie Ray Vaughan song Lenny and the live favorite El Ron.

///////

Soulive es un álbum de Soulive que se lanzó el 8 de abril de 2003. Fue producido por Jeff Krasno.
Tras el lanzamiento del álbum de estudio Next, la banda decidió grabar su gira de invierno de 2002, y este álbum es una recopilación de grabaciones en vivo grabadas del 12 de octubre al 7 de diciembre de 2002. Conocido en gran parte por sus enérgicos shows en vivo, el grupo muestra sus Varias actuaciones en vivo con una amplia gama de material. El resultado es un tapiz musical que destaca las habilidades de improvisación sin precedentes de la banda y las secuencias de jam extendidas. Las pistas ampliamente recomendadas incluyen una versión de la canción de Stevie Ray Vaughan, Lenny y el favorito en vivo, El Ron.



www.soulive.com ...


Old School Band • King Of The Zulus



Swiss jazz band playing New Orleans style.
The orchestra was founded in 1958 by six friends who were fans of Jazz New Orleans. Founding members are: François Pesse, Jean-Claude Pesse, Jean-Luc Piller and Reynold Gysin nicknamed "Pops" accompanied by Jean-Pierre Guyot and Paulet Magro.
https://www.discogs.com/es/artist/1456221-Old-School-Band

///////

Banda de jazz suiza que toca al estilo de Nueva Orleans.
La orquesta fue fundada en 1958 por seis amigos aficionados al jazz de Nueva Orleans. Los miembros fundadores son: François Pesse, Jean-Claude Pesse, Jean-Luc Piller y Reynold Gysin apodado "Pops" acompañado por Jean-Pierre Guyot y Paulet Magro.
https://www.discogs.com/es/artist/1456221-Old-School-Band


Tuesday, May 12, 2026

Art Pepper • So In Love

 


Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

///////

Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography


Monday, May 11, 2026

Weather Report • Mysterious Traveler

 

 



In 1974, three years after the band's inception, Weather Report became one of the world's most popular jazz groups due to their uncompromising originality and musicianship. This was the year that founding member Miroslav Vitous was replaced by Alphonso Johnson, who became a critical asset as both a fluid, creative bassist and a composer. Drummer Ishmael Wilburn and Brazilian percussionist Dom Um Romao, with a shifting cast of supporting players, laid the foundation for the band's most exciting incarnation yet. The overdue reissue of Mysterious Traveller is a welcome acknowledgement of this mid-period lineup's importance in the evolution of fusion.

This album contains some of the Report's most popular works, chiefly the long opener "Nubian Sundance." The sound of cheering crowds (apparently tacked on in the studio to simulate a live performance) still seems a bit presumptuous today, but the overall performance is certainly worth cheering. Zawinul's weirdly nonsensical vocals seem a precursor to Pat Metheny's wordless singing, and they add a witty flavor to the tune. "Cucumber Slumber" is another perennial favorite which gives Johnson the chance to work out the funk via slides and double-stops. The skulking title track brings much fun as well, with Shorter squeaking out alarums in the alley. The bass and sax take a coffee break on "Jungle Book," leaving Zawinul with two percussionists to carve out an inarguable masterpiece. His ability to program the synthesizers to suit his vision was always key to the WR sound, and this track was the ultimate realization of his artistry.

The disc is admittedly uneven at times, a risk run by any ensemble that chews at boundaries as much as the Report. "American Tango," for example, is rather inconsequential in the big picture despite its interesting textures. It's an ironic farewell for Vitous as his bandmates had bigger fish to fry. "Scarlet Woman" is disconcerting on the first few listens, as Shorter and Zawinul cough out sinuous lines sporadically over a net of near-silence. On the other hand, the sax/piano duet "Blackthorn Rose" is both gorgeous and rejuvenating as a change of pace from the electronic effluvium.

Zawinul's motto for the group was "We always solo, we never solo." The special combination of freedom and composition that Weather Report consistently achieved on record amply testifies to that philosophy, and Mysterious Traveller is a quintessential piece of evidence.
By TODD S. JENKINS
April 23, 2002
https://www.allaboutjazz.com/mysterious-traveller-weather-report-columbia-records-review-by-todd-s-jenkins.php

///////


En 1974, tres años después de su creación, Weather Report se convirtió en uno de los grupos de jazz más populares del mundo gracias a su originalidad y musicalidad sin concesiones. Este fue el año en el que el miembro fundador Miroslav Vitous fue sustituido por Alphonso Johnson, que se convirtió en un activo fundamental como bajista fluido y creativo y como compositor. El baterista Ishmael Wilburn y el percusionista brasileño Dom Um Romao, con un elenco cambiante de músicos de apoyo, sentaron las bases para la encarnación más emocionante de la banda hasta el momento. La reedición de Mysterious Traveller es un reconocimiento de la importancia de esta formación en la evolución de la fusión.

Este álbum contiene algunas de las obras más populares de Report, principalmente la larga apertura "Nubian Sundance". El sonido de las multitudes animando (aparentemente añadido en el estudio para simular una actuación en directo) todavía parece un poco presuntuoso hoy en día, pero la actuación en general es ciertamente digna de aplaudir. Las voces extrañamente disparatadas de Zawinul parecen un precursor del canto sin palabras de Pat Metheny, y añaden un sabor ingenioso a la melodía. "Cucumber Slumber" es otro de los favoritos de siempre que da a Johnson la oportunidad de trabajar el funk a través de deslizamientos y dobles paradas. El tema que da título al disco también es muy divertido, con Shorter chillando alarmas en el callejón. El bajo y el saxo se toman un descanso en "Jungle Book", dejando a Zawinul con dos percusionistas para esculpir una obra maestra indiscutible. Su habilidad para programar los sintetizadores para adaptarlos a su visión fue siempre la clave del sonido de WR, y este tema fue la realización definitiva de su arte.

Hay que reconocer que el disco es desigual en algunos momentos, un riesgo que corre cualquier conjunto que roza los límites tanto como el Report. "American Tango", por ejemplo, es bastante intrascendente en el conjunto, a pesar de sus interesantes texturas. Es una despedida irónica para Vitous, ya que sus compañeros de banda tenían peces más grandes que freír. "Scarlet Woman" es desconcertante en las primeras escuchas, ya que Shorter y Zawinul escupen esporádicamente líneas sinuosas sobre una red de casi silencio. Por otro lado, el dúo de saxo y piano "Blackthorn Rose" es precioso y rejuvenecedor como cambio de ritmo respecto a los efluvios electrónicos.

El lema de Zawinul para el grupo era "Siempre estamos solos, nunca estamos solos". La especial combinación de libertad y composición que Weather Report lograba sistemáticamente en los discos atestigua ampliamente esa filosofía, y Mysterious Traveller es una prueba por excelencia.
Por TODD S. JENKINS
23 de abril de 2002
https://www.allaboutjazz.com/mysterious-traveller-weather-report-columbia-records-review-by-todd-s-jenkins.php


weatherreportmusic.com ...




Friday, May 8, 2026

Dusko Goykovich • Swinging Macedonia

  


 

John Coltrane • Live At The Village Vanguard Again!

 



Review by Thom Jurek  
Live at the Village Vanguard Again! is one of the more hotly contested albums in John Coltrane's catalog. Released less than a year before his death, the original recording showcased his new quintet with Alice Coltrane, piano; Pharoah Sanders, tenor saxophone; Jimmy Garrison, bass; and Rashied Ali, drums. Additional percussion on the date was provided by Emanuel Rahim. The three selections here are what survive from a much longer tape. Coltrane's signature ballad "Naima" opens the album and goes on for over 15 minutes. One of the most iconic tunes in his repertoire, the treatment it is given here is radical. While the melody is referenced in the beginning, Coltrane moves it aside fairly quickly to concentrate on improvisation. His tenor solo (heard in the left channel) begins in earnest a minute-and-a-half in. He gradually deconstructs the various phrases in the lyric to blow passionately through them. By the time Sanders begins his (overly long) tenor solo (right channel), the abstraction becomes total. His intensity and ferocity are simply more than the ballad calls for. Even when Coltrane returns to solo again, and gradually winds it down, he has to begin at that hot peak. "Naima" is a different tune when all is said and done. "My Favorite Things" is in two parts. The first six minutes belong to a gorgeous, imaginative solo by Garrison. The tune's familiar theme is not stated by Coltrane until after the mode is introduced; then bits and pieces of the melody are brought in until they become -- however briefly -- the whole head line. It disappears quickly -- even though referenced occasionally throughout Coltrane's solos. His soprano solos are intense but utterly beautiful. His playing is pure passion and creative imagination, ever aware of the shimmering block chords played by Alice. Ali skitters propulsively around them, driving insistently until he's allowed to let loose when Sanders and his tenor begin their violent wail that simply disregards the entire tune save for one quote near the end to bring Coltrane back in. Sanders screams through his horn throughout his solo, and when Coltrane rejoins him, it's to meet him and try to rein him in; it leaves the listener exhausted after its 25-minute run. Live at the Village Vanguard Again! is certainly not for Coltrane newcomers, and may indeed only hold value for his most ardent followers despite its many qualities.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-village-vanguard-again%21-mw0000652602

///////


Reseña de Thom Jurek  
¡Live At The Village Vanguard Again! es uno de los álbumes más disputados del catálogo de John Coltrane. Lanzado menos de un año antes de su muerte, la grabación original mostraba su nuevo quinteto con Alice Coltrane, piano; Pharoah Sanders, saxofón tenor; Jimmy Garrison, bajo; y Rashied Ali, batería. La percusión adicional en la fecha fue proporcionada por Emanuel Rahim. Las tres selecciones aquí son lo que sobrevive de una cinta mucho más larga. La balada característica de Coltrane, "Naima", abre el álbum y dura más de 15 minutos. Una de las canciones más icónicas de su repertorio, el tratamiento que se le da aquí es radical. Mientras que la melodía está referenciada al principio, Coltrane la hace a un lado con bastante rapidez para concentrarse en la improvisación. Su solo de tenor (escuchado en el canal izquierdo) comienza en serio un minuto y medio. Deconstruye gradualmente las diversas frases de la letra para soplar apasionadamente a través de ellas. Para cuando Sanders comienza su (demasiado largo) solo de tenor (canal derecho), la abstracción se vuelve total. Su intensidad y ferocidad son simplemente más de lo que la balada requiere. Incluso cuando Coltrane vuelve a solo de nuevo, y gradualmente lo baja, tiene que comenzar en ese pico caliente. "Naima" es una melodía diferente cuando todo está dicho y hecho. "Mis cosas favoritas" se divide en dos partes. Los primeros seis minutos pertenecen a un solo magnífico e imaginativo de Garrison. Coltrane no establece el tema familiar de la melodía hasta después de que se introduce el modo; luego, se introducen fragmentos de la melodía hasta que se convierten, aunque sea brevemente , en toda la línea principal. Desaparece rápidamente even a pesar de que se hace referencia de vez en cuando a lo largo de los solos de Coltrane. Sus solos de soprano son intensos pero absolutamente hermosos. Su forma de tocar es pura pasión e imaginación creativa, siempre consciente de los brillantes acordes de bloque que toca Alice. Ali patina propulsivamente a su alrededor, conduciendo insistentemente hasta que se le permite soltarse cuando Sanders y su tenor comienzan su violento lamento que simplemente ignora toda la melodía, excepto por una cita cerca del final para traer de vuelta a Coltrane. Sanders grita a través de su bocina a lo largo de su solo, y cuando Coltrane se reúne con él, es para encontrarse con él y tratar de controlarlo; deja al oyente exhausto después de su carrera de 25 minutos. ¡Live At The Village Vanguard Again! ciertamente no es para los recién llegados a Coltrane, y de hecho solo puede ser valioso para sus seguidores más ardientes a pesar de sus muchas cualidades.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-village-vanguard-again%21-mw0000652602


www.johncoltrane.com ...


Thursday, May 7, 2026

Jimmy Bruno & Joe Beck • Polarity



Album review by AAJ Staff:
What we have here is a superb, unique, and highly listenable two-guitar album. But- don't be fooled- it is not what one might think- it is not a "duel of the guitars." Rather, it is a genuine collaborative effort in which one guitarist complements the other to produce a beautiful and integrated sense of musical ensemble capitalizing on the "polarity" of Bruno's virtuosic theme and variations combined with Beck's rhythms, chordal accompaniments, and riffs on his self-developed "alto guitar," an instrument which can provide a bass ostinato along with chords and melodic twists, each in a distinctly different register, creating a sense of a whole rhythm section. The way these guys groove together, intimately and as one, is more striking and to the point than the "polarity" which separates one from the other.

Consisting primarily of ballads punctuated by bossa novas and up-tempo numbers, this CD can be listened to on several levels. It can be enjoyed as relaxing background music, with a smokey "wee small hours" sound, yet a set of timbres not quite like any you've ever heard on guitar or any other instrument, thanks to Beck's masterful use of the alto guitar, spreading his sound out across the spectrum in contrast with Bruno's sharp yet lyrical delineation and elaborations of the melodic lines.

Or, it can be heard as an adventure in interpretation of a tasteful selection of standards and original compositions. Most striking for this listener, is Beck's solo track, "Tenderly," where, in the tradition of the late beboppers, he quickly leaves the melody behind to create a marvelous meditation all his own.

Or, it can be focused in on as a study in Bruno's unexcelled virtuosity. Ever since hearing Jimmy a few years ago in Philadelphia, I have thought of him as the Paganini of the jazz guitar. He can do the impossible on this instrument. Sometimes I swear that, when he does runs, the notes that come after other notes seem to come before the notes they come after!! I decided that must be because Bruno's fingers play faster than most of our nervous systems think! But, to Jimmy's credit and attesting to the master's willingness to always learn and grow, he achieves in this CD a lyricism and subtlty of performance he has not shown until now. I don't know how Jimmy will react to this, but at times, I thought for a moment it was Wes Montgomery, not Bruno, who was playing on some of these tracks. And Bruno's rendition of the beautiful tune, "Estate," is an especially moving interpretation of what has become a guitar standard ever since Jao Gilberto performed it in the sixties.

And that is another level from which this album can be approached- a recapitulation of moments of jazz guitar from the greats- whether Montgomery, Gilberto, Herb Ellis, Tal Farlow, or even Django Rhinehart. I don't know if this historical aspect was intended or whether it is simply a result of Bruno's and Beck's total immersion in the guitar. [See the interviews for comments from Jimmy and Joe.]

I had the pleasure and honor of meeting Bruno and Beck as they conversed with All About Jazz publisher, Michael Ricci, at the CD release party and performance at JJ's Grotto in Philadelphia, where Jimmy has performed at various times for a number of years. They obviously enjoy considerable rapport with each other and everyone around them, and they exude a contagious enthusiasm for just about everything, not the least of which is the potentiality of the worldwide web for musicians to share ideas. Both are such fantastic musicians together and as individuals that they are going to have trouble deciding whether to tour the country and make follow-up CD's as a duo, or each pursue his own development. Either way, we look forward to their continuing efforts.
https://www.allaboutjazz.com/polarity-jimmy-bruno-concord-music-group-review-by-aaj-staff.php

///////

Revisión del álbum por el personal de la AAJ:
Lo que tenemos aquí es un magnífico, único y muy escuchable álbum de dos guitarras. Pero, no se engañen, no es lo que uno podría pensar, no es un "duelo de guitarras". Más bien es un genuino esfuerzo de colaboración en el que un guitarrista se complementa con el otro para producir un hermoso e integrado sentido de conjunto musical capitalizando la "polaridad" del tema virtuoso y las variaciones de Bruno combinado con los ritmos, acompañamientos de acordes y riffs de Beck en su autodesarrollada "guitarra alta", un instrumento que puede proporcionar un ostinato bajo junto con acordes y giros melódicos, cada uno en un registro distinto, creando la sensación de una sección rítmica completa. La forma en que estos tipos se mueven juntos, íntimamente y como uno solo, es más llamativa y al punto que la "polaridad" que separa a uno del otro.

Compuesto principalmente por baladas puntuadas por bossa novas y números up-tempo, este CD puede ser escuchado en varios niveles. Se puede disfrutar como música de fondo relajante, con un sonido ahumado de "wee small hours", pero con un conjunto de timbres que no se parecen a ninguno que haya escuchado en la guitarra o en cualquier otro instrumento, gracias al magistral uso de la guitarra alta por parte de Beck, extendiendo su sonido por todo el espectro en contraste con la aguda pero lírica delineación y elaboración de las líneas melódicas de Bruno.

O bien, se puede escuchar como una aventura en la interpretación de una sabrosa selección de estándares y composiciones originales. Lo más llamativo para este oyente, es el tema en solitario de Beck, "Tenderly", donde, en la tradición de los últimos beboppers, deja rápidamente atrás la melodía para crear una maravillosa meditación propia.

O, puede ser enfocado como un estudio de la virtuosidad sin igual de Bruno. Desde que escuché a Jimmy hace unos años en Filadelfia, he pensado en él como el Paganini de la guitarra de jazz. Puede hacer lo imposible con este instrumento. A veces juro que, cuando corre, las notas que vienen después de otras notas parecen venir antes de las notas que vienen después!! Decidí que debe ser porque los dedos de Bruno tocan más rápido de lo que la mayoría de nuestro sistema nervioso piensa. Pero, para el crédito de Jimmy y atestiguando la voluntad del maestro de siempre aprender y crecer, logra en este CD un lirismo y sutileza de ejecución que no ha mostrado hasta ahora. No sé cómo reaccionará Jimmy a esto, pero a veces, pensé por un momento que era Wes Montgomery, no Bruno, quien estaba tocando en algunos de estos temas. Y la interpretación de Bruno de la hermosa melodía "Estate" es una interpretación especialmente conmovedora de lo que se ha convertido en un estándar de la guitarra desde que Jao Gilberto la interpretó en los años sesenta.

Y ese es otro nivel desde el que se puede abordar este álbum, una recapitulación de momentos de la guitarra de jazz de los grandes, ya sea Montgomery, Gilberto, Herb Ellis, Tal Farlow, o incluso Django Rhinehart. No sé si este aspecto histórico fue pensado o si es simplemente el resultado de la inmersión total de Bruno y Beck en la guitarra. [Ver las entrevistas para los comentarios de Jimmy y Joe.]

Tuve el placer y el honor de conocer a Bruno y Beck mientras conversaban con el editor de All About Jazz, Michael Ricci, en la fiesta de lanzamiento del CD y en la actuación en la Gruta de JJ en Filadelfia, donde Jimmy ha actuado en varias ocasiones durante varios años. Obviamente disfrutan de una considerable compenetración entre ellos y con todos los que les rodean, y rezuman un entusiasmo contagioso por casi todo, sin olvidar la potencialidad de la red mundial para que los músicos compartan ideas. Ambos son músicos tan fantásticos juntos y como individuos que van a tener problemas para decidir si hacer una gira por el país y hacer CDs de seguimiento como dúo, o cada uno persigue su propio desarrollo. De cualquier manera, esperamos con interés sus continuos esfuerzos.
https://www.allaboutjazz.com/polarity-jimmy-bruno-concord-music-group-review-by-aaj-staff.php




Wednesday, May 6, 2026

Kenny Barron • Spiral

 



Review by Ken Dryden
One of the more obscure releases by Kenny Barron, this hard to find CD of solo piano is worth seeking. Recorded in a Japanese studio in 1982, Barron's program includes an inspired take of McCoy Tyner's challenging "Passion Dance," a droll version of Thelonious Monk's "Reflections," an enchanting arrangement of Randy Weston's "Little Niles," and a fairly straight-up performance of Herbie Hancock's "Maiden Voyage." Also present are two fine originals by Barron: the haunting "Dolores Street" and the aptly named "Spiral."
https://www.allmusic.com/album/spiral-mw0000649390

///////


Reseña de Ken Dryden
Uno de los lanzamientos más oscuros de Kenny Barron, vale la pena buscar este CD de piano solo difícil de encontrar. Grabado en un estudio japonés en 1982, el programa de Barron incluye una toma inspirada de la desafiante "Passion Dance" de McCoy Tyner, una versión divertida de "Reflections" de Thelonious Monk, un arreglo encantador de "Little Niles" de Randy Weston y una interpretación bastante directa de "Maiden Voyage" de Herbie Hancock."También están presentes dos excelentes originales de Barron: la inquietante "Dolores Street" y la acertadamente llamada "Spiral."
https://www.allmusic.com/album/spiral-mw0000649390


kennybarron.com ...


Tuesday, May 5, 2026

Joe Pass • One For My Baby

 



Review by Ken Dryden
Virtuoso guitarist Joe Pass didn't need sidemen on any recording, but when he used them, he chose wisely. Tenor saxophonist Plas Johnson, keyboardist Gerald Wiggins and drummer Tootle Heath had not recorded with Pass previously, but along with bassist Andy Simpkins, they achieve a perfect first-take sound on each track. The title cut features Pass with Johnson's bluesy sax and a soft organ and brushed background. Two Pass originals are lengthy blues vehicles with plenty of solo space for all. "I Remember You" is an unlikely choice that developed from Wiggins' jamming in the studio; the ballad is a relaxing detour from the blues that dominate the album. Joe Pass was without peer on guitar the last 20 years of his life; his playing here won't disappoint.
https://www.allmusic.com/album/one-for-my-baby-mw0000205022

///////

Reseña de Ken Dryden
El virtuoso guitarrista Joe Pass no necesitaba sidemen en ninguna grabación, pero cuando los usaba, elegía sabiamente. El saxofonista tenor Plas Johnson, el teclista Gerald Wiggins y el batería Tootle Heath no habían grabado con Pass anteriormente, pero junto con el bajista Andy Simpkins, logran un perfecto sonido de primera toma en cada pista. El corte del título presenta a Pass con el saxo blues de Johnson y un órgano suave y un fondo cepillado. Los dos originales de Pass son largos vehículos de blues con mucho espacio para todos los solos. "I Remember You" es una elección improbable que se desarrolló a partir de la improvisación de Wiggins en el estudio; la balada es un desvío relajante del blues que domina el álbum. Joe Pass estuvo sin par en la guitarra los últimos 20 años de su vida; su actuación aquí no le decepcionará.
https://www.allmusic.com/album/one-for-my-baby-mw0000205022


 
 
 
 

Monday, May 4, 2026

Bob Brookmeyer • Portrait Of The Artist



The portrait that emerges from this disc reveals a trombonist with excellent technique, a smooth, pungent percussive wit, dark and buttery tone, down home stomping and slyly musical humor; a pianist who ranges from a basic, solid, four-square attack to a delightfully airy way; a composer who is strongly conscious of the foundations of jazz; and an arranger who mainly writes with a heavy emphasis on a rolling swing, and occasionally blending it with impressionistic devices, but always with strength and simplicity.
In a revealing insight, Nat Hentoff considered that Brookmeyer has opened himself to jazz of all eras - He has absorbed, tested, and selected from the whole reservoir of autobiographies in sound that is the jazz language, those elements he felt relevant to his own experience in living and telling his history of jazz - He has not limited himself to any one era, school or attitude, preferring to filter all of jazz through his emotions rather than remain a parochial hipster.


Press reviews
"This interesting LP matches together valve trombonist Bob Brookmeyer with the slide trombone of Curtis Fuller - Four songs use a modern rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Paul Motian) while the other four have a strong Count Basie feel (with trumpeters Thad Jones and Joe Newman, pianist Hank Jones, bassist Ed Jones and drummer Charlie Persip making their presence felt) - Brookmeyer and Fuller display contrasting styles while blending together quite well on the ensembles." - Scott Yanow

///////

El retrato que surge de este disco revela a un trombonista con una excelente técnica, un ingenio percusivo suave y picante, un tono oscuro y mantecoso, un pisoteo casero y un humor musical socarrón; un pianista que va desde un ataque básico y sólido de cuatro cuadros hasta una forma deliciosamente aérea; un compositor que es muy consciente de los fundamentos del jazz; y un arreglista que escribe principalmente con un fuerte énfasis en un swing ondulante, y ocasionalmente mezclándolo con dispositivos impresionistas, pero siempre con fuerza y sencillez.
En una visión reveladora, Nat Hentoff consideró que Brookmeyer se ha abierto al jazz de todas las épocas - Ha absorbido, probado y seleccionado de toda la reserva de autobiografías en el sonido que es el lenguaje del jazz, aquellos elementos que sentía relevantes para su propia experiencia de vivir y contar su historia del jazz - No se ha limitado a una sola época, escuela o actitud, prefiriendo filtrar todo el jazz a través de sus emociones en lugar de seguir siendo un hipster pueblerino.


Reseñas de prensa
"Este interesante LP combina al trombón de válvula Bob Brookmeyer con el trombón de diapositivas de Curtis Fuller - Cuatro canciones utilizan una sección rítmica moderna (el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Paul Motian) mientras que las otras cuatro tienen un fuerte sentimiento de Count Basie (con los trompetistas Thad Jones y Joe Newman, el pianista Hank Jones, el bajista Ed Jones y el baterista Charlie Persip haciendo sentir su presencia) - Brookmeyer y Fuller muestran estilos contrastantes mientras se mezclan bastante bien en los conjuntos" - - Scott Yanow
 
  

Friday, May 1, 2026

Mongo Santamaría • Afro-American Latin

 



Review by Richie Unterberger
Santamaria recorded an entire album in March 1969 that was inspired by the Afro-Cuban religion Santeria with encouragement from producer David Rubinson. It was done, however, in an era when Santamaria was being marketed by Columbia as a jazz-pop-soul crossover artist. The label rejected the album and it was shelved until 2000, when it finally appeared as a CD. While it's a solid record, and certainly closer to Santamaria's roots than much of his Columbia work was, one would be hard-pressed to say that its failure to appear when it was first made was a tragedy. Really, it's not too much different than the less soul-pop-oriented Latin jazz Santamaria has done throughout his career. Perhaps it's at times a little looser and bolder than Santamaria was wont to be, as with Sonny Fortune's squealing alto sax lines on "Mambo Leah" or the ten-minute "Obatala," a rave-up that moves from an opening conga/bata duet through several sections into a hyper-tempo charanga. But it's not all along these lines: "Sheila" is just a mellow jazz ballad (not that there's anything wrong with that) while "Me and You Baby" and "Boogaloo Wow" are more in line with the boogaloo that was raking in the sales for Mongo and Columbia. It's nice that Mongo fans have an opportunity to hear it after the passage of 30 years, but it's difficult to say that it would have made any difference to the trajectory of his career had it appeared as Santamaria and Rubinson intended, although the success of Santana right after its cancellation might have helped draw attention to it. One of the songs, the aforementioned "Me and You Baby," did appear on the 1970 album All Strung Out; otherwise, everything else was previously unreleased. In addition, there are five bonus live tracks recorded in 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

///////


Reseña de Richie Unterberger
Santamaría grabó un álbum completo en marzo de 1969 que se inspiró en la religión afrocubana Santería con el estímulo del productor David Rubinson. Se hizo, sin embargo, en una época en que Santamaría estaba siendo comercializado por Columbia como un artista crossover de jazz-pop-soul. El sello rechazó el álbum y fue archivado hasta el año 2000, cuando finalmente apareció como un CD. Si bien es un disco sólido, y ciertamente más cercano a las raíces de Santamaría que gran parte de su trabajo en Columbia, sería difícil decir que su fracaso en aparecer cuando se hizo por primera vez fue una tragedia. En realidad, no es muy diferente del jazz latino menos orientado al soul-pop que Santamaría ha hecho a lo largo de su carrera. Tal vez sea a veces un poco más suelto y audaz de lo que Santamaría solía ser, como con las chirriantes líneas de saxo alto de Sonny Fortune en "Mambo Leah" o el "Obatala" de diez minutos, un delirio que se mueve de un dúo de conga/bata de apertura a través de varias secciones en una charanga hipertemporal. Pero no todo es en esta línea: "Sheila" es solo una suave balada de jazz (no es que haya nada de malo en eso), mientras que "Me and You Baby" y "Boogaloo Wow" están más en línea con el boogaloo que estaba acumulando ventas para Mongo y Columbia. Es bueno que los fanáticos de Mongo tengan la oportunidad de escucharlo después del paso de 30 años, pero es difícil decir que hubiera hecho alguna diferencia en la trayectoria de su carrera si hubiera aparecido como Santamaría y Rubinson pretendían, aunque el éxito de Santana justo después de su cancelación podría haber ayudado a llamar la atención sobre él. Una de las canciones, la mencionada "Me and You Baby", apareció en el álbum de 1970 All Strung Out; de lo contrario, todo lo demás era inédito. Además, hay cinco pistas extra en vivo grabadas en 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382


Thursday, April 30, 2026

Ernest Ranglin • Mr. Ernie Ranglin With Soul

 



Artist Biography
Ernest Ranglin was born June 19, 1932 and grew up in the small town of Robin's Hall in the Parish of Manchester, a rural community In the middle of Jamaica. Music has always claimed a special place In the Island's culture, and Ranglin's destiny was set from an early age when two of his uncles showed him the rudiments of playing the guitar. When they discovered just how good the young boy was, they bought him a ukulele. Ranglin learned how to play by imitating his uncles, but he was soon to be influenced by the recordings of the great American jazz guitarist Charlie Christian. Living in rural Jamaica, however, inhibited the boy's ambitions, which, even at the age of fourteen, were focused on music. He then moved to Kingston - the country's capital - ostensibly to finish his studies at Bodmin College. Very high on Ranglin's agenda was to seriously study the guitar; something not on the school's priorities.

His lessons came from guitar books and late-night sessions watching the Jamaican dance bands of the time: he was particularly influenced by Cecil Houdini, an unrecorded local musician. By the time he was sixteen years old, Ranglin was acknowledged as the rising young talent in the city. In 1948 he joined his first group, the Val Bennett Orchestra, playing in the local hotels. Such was Ranglin's burgeoning reputation that he soon came to the attention of rival dance bands and, by the early-Fifties, he was a member of Jamaica's best-known group, the Eric Deans Orchestra, touring around the Caribbean and as far north as the Bahamas.

The big bands gave Ranglin the hugely beneficial experience of learning how to orchestrate and arrange. The typical repertoire of the day Included tunes by Les Brown, Benny Goodman, Stan Kenton and Duke Ellington, together with Cuban music and the hot Broadway show songs. The constant tours also gave Ranglin a wider vision, meeting musicians from other traditions. Once, for instance, when he was working In Nassau his performance was heard by Les Paul, who gave Ranglin a guitar In admiration of his talents.

It was, however, back In Jamaica that his career was to be transformed by a chance meeting. In 1958 Ranglin was leading his own quintet, playing the leading hotels In Kingston and the resorts on the north of the Island. One engagement was at the Half Moon Hotel in Montego Bay, a show caught by a young would-be record producer called Chris Blackwell.

Immediately Impressed by Ranglin's extraordinary talents, Blackwell offered him the chance to make a record. The album featured a pianist called Lance Heywood on one side with Ernest Ranglin on the other: It was the very first release by Island Records and the start of a long association between Ranglin and Blackwell.

By the following year, 1959, Ranglin had joined the bassist Cluett Johnson in a studio group called Clue J and His Blues Blasters. This was a very different kind of style to the big bands. Jamaican music was in a state of flux, the traditional mento superseded by a tough urban stance influenced by the pervading sounds of American R&B. Johnson and Ranglin recorded several instrumentals for producer Clement 'Coxsone' Dodd at Federal - the only real studio facility on the island. The first of these tunes, Shuffling Bug, is widely regarded as the first example of ska, the shuffle rhythm which exaggerated the 'jump beat' heard on New Orleans' R&B records of the Fifties. Ska became the bedrock of Jamaican popular music, leading to rock steady, reggae, ragga and all the innovations the island has brought into the global mainstream.

Ranglin's fluent and versatile guitar style, coupled with his arrangement skills, meant he was in constant demand right through the ska era. In addition to his work with Prince Buster and Baba Brooks, Ranglin was also remembered by Chris Blackwell who, in 1962, had launched Island Records in Britain. Blackwell had a song he thought could be a pop smash. He also had a young Jamaican singer called Millie, who'd previously recorded some sides for Coxsone Dodd. In 1964 Blackwell brought both Millie and Ranglin to London; they recorded My Boy Lollipop which, in the spring of that year, reached number two in the UK chart. It went on to become a worldwide hit, the first time ska had infiltrated into the vocabulary of pop music.

In recent years, Ernest Ranglin has gone back to his roots and has made various cross cultural collaborations and concept albums. On Below the Bassline he covers some of the greatest songs of the rock and roll era. Memories of Barber Mack is Ernest Ranglin's tribute to the late Jamaican saxophonist Barber Mack. The Search of the Lost Riddim album took Ernest Ranglin to Senegal for his first visit since the mid 1970's when he toured as part of the Jimmy Cliff band. These recording sessions represent the accomplishment of a dream he had cherished for over 20 years: returning to Africa to record with African musicians. Modern Answers to Old Problems is an adventuresome mix of jazz sophistication and Afro-pop syncopation, and finaly his last album Gotcha! shows what a perfect instrumentalist Ernest realy is.
https://musicians.allaboutjazz.com/ernestranglin

///////

Biografía del artista
Ernest Ranglin nació el 19 de junio de 1932 y creció en el pequeño pueblo de Robin's Hall en la Parroquia de Manchester, una comunidad rural en el centro de Jamaica. La música siempre ha ocupado un lugar especial en la cultura de la isla, y el destino de Ranglin se fijó desde muy joven cuando dos de sus tíos le enseñaron los rudimentos de tocar la guitarra. Cuando descubrieron lo bueno que era el joven, le compraron un ukelele. Ranglin aprendió a tocar imitando a sus tíos, pero pronto se vio influenciado por las grabaciones del gran guitarrista de jazz estadounidense Charlie Christian. Sin embargo, vivir en la Jamaica rural inhibió las ambiciones del niño, que, incluso a la edad de catorce años, se centraban en la música. Luego se trasladó a Kingston, la capital del país, aparentemente para terminar sus estudios en el Bodmin College. Lo más importante en la agenda de Ranglin era estudiar seriamente la guitarra, algo que no estaba entre las prioridades de la escuela.

Sus lecciones provenían de libros de guitarra y sesiones nocturnas para ver las bandas de baile jamaicanas de la época: estaba particularmente influenciado por Cecil Houdini, un músico local no registrado. Para cuando tenía dieciséis años, Ranglin era reconocido como el joven talento en ascenso en la ciudad. En 1948 se unió a su primer grupo, la Val Bennett Orchestra, tocando en los hoteles locales. Tal era la creciente reputación de Ranglin que pronto llamó la atención de las bandas de baile rivales y, a principios de los años cincuenta, era miembro del grupo más conocido de Jamaica, la Eric Deans Orchestra, que viajaba por el Caribe y por el norte hasta las Bahamas.

Las grandes bandas le dieron a Ranglin la experiencia enormemente beneficiosa de aprender a orquestar y arreglar. El repertorio típico del día incluía temas de Les Brown, Benny Goodman, Stan Kenton y Duke Ellington, junto con música cubana y las canciones calientes del show de Broadway. Las constantes giras también le dieron a Ranglin una visión más amplia, conociendo a músicos de otras tradiciones. Una vez, por ejemplo, cuando trabajaba en Nassau, su actuación fue escuchada por Les Paul, que le regaló a Ranglin una guitarra en admiración por su talento.

Sin embargo, fue en Jamaica donde su carrera fue transformada por un encuentro casual. En 1958 Ranglin lideraba su propio quinteto, tocando en los principales hoteles de Kingston y en los resorts del norte de la isla. Un compromiso fue en el Half Moon Hotel en Montego Bay, un espectáculo capturado por un joven aspirante a productor de discos llamado Chris Blackwell.

Inmediatamente impresionado por el extraordinario talento de Ranglin, Blackwell le ofreció la oportunidad de hacer un récord. El álbum presentaba a un pianista llamado Lance Heywood de un lado y Ernest Ranglin del otro: Fue el primer lanzamiento de Island Records y el comienzo de una larga asociación entre Ranglin y Blackwell.

Al año siguiente, 1959, Ranglin se había unido al bajista Cluett Johnson en un grupo de estudio llamado Clue J y His Blues Blasters. Este era un estilo muy diferente al de las grandes bandas. La música jamaicana estaba en un estado de cambio, el mento tradicional reemplazado por una dura postura urbana influenciada por los sonidos omnipresentes del R&B americano. Johnson y Ranglin grabaron varios instrumentos para el productor Clement 'Coxsone' Dodd en Federal - el único estudio real en la isla. La primera de estas canciones, Shuffling Bug, es ampliamente considerada como el primer ejemplo de ska, el ritmo de shuffle que exageraba el'jump beat' que se escuchaba en los discos de R&B de Nueva Orleans de los años cincuenta. Ska se convirtió en la base de la música popular jamaicana, llevando al rock steady, reggae, ragga y todas las innovaciones que la isla ha traído a la corriente dominante global.

El estilo fluido y versátil de la guitarra de Ranglin, junto con sus habilidades de arreglo, significaba que estaba en constante demanda a lo largo de la era del ska. Además de su trabajo con Prince Buster y Baba Brooks, Ranglin también fue recordado por Chris Blackwell quien, en 1962, había lanzado Island Records en Gran Bretaña. Blackwell tenía una canción que pensó que podría ser un éxito. También tenía una joven cantante jamaicana llamada Millie, que previamente había grabado algunos lados para Coxsone Dodd. En 1964 Blackwell trajo a Millie y Ranglin a Londres; grabaron My Boy Lollipop que, en la primavera de ese año, alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. Se convirtió en un éxito mundial, la primera vez que el ska se había infiltrado en el vocabulario de la música pop.

En los últimos años, Ernest Ranglin ha vuelto a sus raíces y ha realizado varias colaboraciones interculturales y álbumes conceptuales. En Below the Bassline interpreta algunas de las mejores canciones de la era del rock and roll. Memories of Barber Mack es el tributo de Ernest Ranglin al difunto saxofonista jamaiquino Barber Mack. El álbum The Search of the Lost Riddim llevó a Ernest Ranglin a Senegal para su primera visita desde mediados de la década de 1970, cuando realizó una gira como parte de la banda de Jimmy Cliff. Estas sesiones de grabación representan la realización de un sueño que había albergado durante más de 20 años: volver a África para grabar con músicos africanos. Modern Answers to Old Problems es una mezcla aventurera de sofisticación de jazz y sincopa afro-pop, y finalmente su último álbum Gotcha! muestra lo que es un perfecto instrumentista Ernest realmente.
https://musicians.allaboutjazz.com/ernestranglin
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
 

Tuesday, April 28, 2026

Todd Rhodes • Dance Music That Hits the Spot!



American jazz and rhythm & blues pianist, arranger, composer and bandleader, born August 31, 1900 in Hopkinsville, Kentucky, died June 4, 1965 in Detroit (or) Flint, Michigan.
Rhodes played and recorded with McKinney's Cotton Pickers (1928-1931), The Chocolate Dandies (1928), Jean Goldkette (1929) and led and recorded with his own rhythm & blues band from 1947 to 1954. He also worked with rhythm & blues singers such as Hank Ballard, Wynonie Harris and others.
https://www.discogs.com/es/artist/307358-Todd-Rhodes

///////

Pianista, arreglista, compositor y director de banda de jazz y rhythm & blues estadounidense, nacido el 31 de agosto de 1900 en Hopkinsville, Kentucky, fallecido el 4 de junio de 1965 en Detroit (o) Flint, Michigan.
Rhodes tocó y grabó con McKinney's Cotton Pickers (1928-1931), The Chocolate Dandies (1928), Jean Goldkette (1929) y dirigió y grabó con su propia banda de rhythm & blues de 1947 a 1954. También trabajó con cantantes de rhythm & blues como Hank Ballard, Wynonie Harris y otros.
https://www.discogs.com/es/artist/307358-Todd-Rhodes


Ben Paterson • Live At Van Gelder's

 



Following up his very well-received recordings That Old Feeling (Cellar Live Records, 2018) and For Once in My Life (Origin Records, 2015), Ben Paterson enters the sanctum santorium of jazz recording, Rudy Van Gelder's Studio in Hackensack, NJ. Having collided somewhere with saxophonist/entrepreneur Cory Weeds, the two initiate an idea perfect to the pair's hard bop sensibilities and something we can hope Weeds is considering for future recordings, hopefully a Cellar Live series with much more music like this.

Weeds has fashioned his Cellar Live Label as the equivalent for hard bop as Nagel Heyer and Arbors Jazz are for traditional jazz. Paterson had to have this in mind when selecting his ten songs to play with his organ trio a Van Gelder's Studio March 22 of this year.

Paterson addresses soul-jazz organ icons with funky performances of Brother Jack McDuff's "The Vibrator" and Richard "Groove" Holmes' "Sweatin.'" He then branches out to musicians known to frequent organ combos, with Grant Green's "Green Jeans" and Stanley Turrentine's "The Hustler." The remainder are devoted to hard bop proper, with Ray Brown's "F.S.R. (For Sonny Rollins)," Wayne Shorter's—by way of Lee Morgan—"Edda," and Benny Golson's "I Remember Clifford." Paterson is an exceptional organist, one who avoids every Jimmy Smith cliché to which lesser talents fall prey. Guitarist Ed Cherry plays with a sophisticated, round tone augmented with just a touch of reverb and echo. Drummer Jason Tiemann sounds as if he were born for organ jazz, always knowing where to be loud or not. This is not territory circuit greasy soul-jazz. It is that flavor, cleaned up ever so slightly for the concert stage. How great to hear drinking an ice-cold Vesper on a hot summer day.
C. Michael Bailey By C. MICHAEL BAILEY
August 4, 2018
https://www.allaboutjazz.com/live-at-van-gelders-ben-paterson-cellar-live-review-by-c-michael-bailey.php

//////////


Tras sus muy bien recibidas grabaciones That Old Feeling (Cellar Live Records, 2018) y For Once in My Life (Origin Records, 2015), Ben Paterson entra en el sanctasanctórum de la grabación de jazz, el estudio de Rudy Van Gelder en Hackensack, NJ. Habiendo chocado en algún lugar con el saxofonista/empresario Cory Weeds, los dos inician una idea perfecta para la sensibilidad hard bop de la pareja y algo que podemos esperar que Weeds esté considerando para futuras grabaciones, ojalá una serie Cellar Live con mucha más música como esta.

Weeds ha configurado su sello Cellar Live como el equivalente para el hard bop de lo que Nagel Heyer y Arbors Jazz son para el jazz tradicional. Paterson tuvo que tener esto en mente al seleccionar sus diez canciones para tocarlas con su trío de órgano en el Van Gelder's Studio el 22 de marzo de este año.

Paterson aborda iconos del órgano del soul-jazz con interpretaciones funky de "The Vibrator" de Brother Jack McDuff y "Sweatin'" de Richard "Groove" Holmes. A continuación, se desplaza a músicos conocidos por frecuentar combos de órgano, con "Green Jeans" de Grant Green y "The Hustler" de Stanley Turrentine. El resto está dedicado al hard bop propiamente dicho, con "F.S.R. (For Sonny Rollins)" de Ray Brown, "Edda" de Wayne Shorter -a través de Lee Morgan- y "I Remember Clifford" de Benny Golson. Paterson es un organista excepcional, que evita todos los clichés de Jimmy Smith de los que son presa otros talentos menores. El guitarrista Ed Cherry toca con un tono sofisticado y redondo aumentado con un toque de reverberación y eco. El batería Jason Tiemann suena como si hubiera nacido para el jazz de órgano, sabiendo siempre dónde hay que hacer ruido o no. Esto no es un circuito territorial de soul-jazz grasiento. Es ese sabor, limpiado ligeramente para el escenario del concierto. Qué bien se puede escuchar bebiendo un Vesper helado en un caluroso día de verano.
C. Michael Bailey Por C. MICHAEL BAILEY
4 de agosto de 2018
https://www.allaboutjazz.com/live-at-van-gelders-ben-paterson-cellar-live-review-by-c-michael-bailey.php


benpaterson.com ...