Osie Johnson And His Orchestra • A Bit Of The Blues

 

Jazz drummer, vocalist, and arranger, born January 11, 1923 in Washington, D.C., died February 10, 1966 in New York City.
Studied harmony at the same high school attended by Frank Wess. He first worked with Sabby Lewis and then, after service in the United States Navy freelanced for a time in Chicago. From 1951 to 1953 he worked in Earl Hines's band. He can be heard on albums by Paul Gonsalves, Zoot Sims, and Mose Allison.
https://www.discogs.com/artist/260724-Osie-Johnson

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Baterista, vocalista y arreglista de jazz, nacido el 11 de enero de 1923 en Washington, D.C., fallecido el 10 de febrero de 1966 en Nueva York.
Estudió armonía en el mismo instituto al que asistió Frank Wess. Primero trabajó con Sabby Lewis y luego, tras el servicio en la Marina de los Estados Unidos, trabajó por libre durante un tiempo en Chicago. De 1951 a 1953 trabajó en la banda de Earl Hines. Se le puede escuchar en álbumes de Paul Gonsalves, Zoot Sims y Mose Allison.
https://www.discogs.com/artist/260724-Osie-Johnson

Art Pepper • So In Love

 

Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

Charlie Parker • Jazz At The Philharmonic 1949

 

Review by AllMusic
Charlie Parker's 1949 appearance at Norman Granz's annual Jazz at the Philharmonic concert is less legendary than his 1946 debut there, but listening to this magnificently remastered 68-minute document of his set, it's nearly impossible to understand why. Surrounded by an astonishing group of sidemen, including Ella Fitzgerald, Roy Eldridge, Hank Jones, and Buddy Rich, Parker is at the top of his form throughout. Even when he's trading choruses with his foremost influence, tenor Lester Young, on Young's signature piece "Lester Leaps In," Parker's passionate, powerful alto pretty much blows Young off the stage. Elsewhere, Parker plays around with standards, transforming "Perdido," "How High the Moon?" and "Embraceable You" from well-worn set pieces to exciting and innovative bop showcases. JAZZ AT THE PHILHARMONIC 1949 is a breathtaking example of live jazz at its most transcendent.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-the-philharmonic-1949-mw0000103985

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Reseña de AllMusic
La aparición de Charlie Parker en 1949 en el concierto anual Jazz at the Philharmonic de Norman Granz es menos legendaria que su debut en 1946, pero escuchando este documento de 68 minutos magníficamente remasterizado, es casi imposible entender por qué. Rodeado de un asombroso grupo de músicos de acompañamiento, como Ella Fitzgerald, Roy Eldridge, Hank Jones y Buddy Rich, Parker está en plena forma en todo momento. Incluso cuando intercambia estribillos con su principal influencia, el tenor Lester Young, en la pieza emblemática de Young «Lester Leaps In», el apasionado y poderoso contralto de Parker hace volar a Young del escenario. Por lo demás, Parker juega con los estándares, transformando «Perdido», «How High the Moon?» y «Embraceable You» de piezas trilladas en emocionantes e innovadoras exhibiciones de bop. JAZZ AT THE PHILHARMONIC 1949 es un ejemplo sobrecogedor del jazz en directo en su forma más trascendente.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-the-philharmonic-1949-mw0000103985

Bob Brookmeyer • Portrait Of The Artist

The portrait that emerges from this disc reveals a trombonist with excellent technique, a smooth, pungent percussive wit, dark and buttery tone, down home stomping and slyly musical humor; a pianist who ranges from a basic, solid, four-square attack to a delightfully airy way; a composer who is strongly conscious of the foundations of jazz; and an arranger who mainly writes with a heavy emphasis on a rolling swing, and occasionally blending it with impressionistic devices, but always with strength and simplicity.

In a revealing insight, Nat Hentoff considered that Brookmeyer has opened himself to jazz of all eras - He has absorbed, tested, and selected from the whole reservoir of autobiographies in sound that is the jazz language, those elements he felt relevant to his own experience in living and telling his history of jazz - He has not limited himself to any one era, school or attitude, preferring to filter all of jazz through his emotions rather than remain a parochial hipster.

Press reviews

"This interesting LP matches together valve trombonist Bob Brookmeyer with the slide trombone of Curtis Fuller - Four songs use a modern rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Paul Motian) while the other four have a strong Count Basie feel (with trumpeters Thad Jones and Joe Newman, pianist Hank Jones, bassist Ed Jones and drummer Charlie Persip making their presence felt) - Brookmeyer and Fuller display contrasting styles while blending together quite well on the ensembles." - Scott Yanow

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El retrato que surge de este disco revela a un trombonista con una excelente técnica, un ingenio percusivo suave y picante, un tono oscuro y mantecoso, un pisoteo casero y un humor musical socarrón; un pianista que va desde un ataque básico y sólido de cuatro cuadros hasta una forma deliciosamente aérea; un compositor que es muy consciente de los fundamentos del jazz; y un arreglista que escribe principalmente con un fuerte énfasis en un swing ondulante, y ocasionalmente mezclándolo con dispositivos impresionistas, pero siempre con fuerza y sencillez.

En una visión reveladora, Nat Hentoff consideró que Brookmeyer se ha abierto al jazz de todas las épocas - Ha absorbido, probado y seleccionado de toda la reserva de autobiografías en el sonido que es el lenguaje del jazz, aquellos elementos que sentía relevantes para su propia experiencia de vivir y contar su historia del jazz - No se ha limitado a una sola época, escuela o actitud, prefiriendo filtrar todo el jazz a través de sus emociones en lugar de seguir siendo un hipster pueblerino.

Reseñas de prensa

"Este interesante LP combina al trombón de válvula Bob Brookmeyer con el trombón de diapositivas de Curtis Fuller - Cuatro canciones utilizan una sección rítmica moderna (el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Paul Motian) mientras que las otras cuatro tienen un fuerte sentimiento de Count Basie (con los trompetistas Thad Jones y Joe Newman, el pianista Hank Jones, el bajista Ed Jones y el baterista Charlie Persip haciendo sentir su presencia) - Brookmeyer y Fuller muestran estilos contrastantes mientras se mezclan bastante bien en los conjuntos" - - Scott Yanow

 

  

Tyree Glenn • At The London House In Chicago

 

 

Album Notes:
Tyree Glenn is one of those rare artists who manages to convey his own personality through his music. The very essence of his character is in his performances. He is by nature a warm, happy-go-lucky gregarious sort who would prefer to always leave you laughing. This is not to say that Tyree doesn’t have his serious moments, it’s just that by his very make-up he rarely comes upon such moments. This is the nature of the man, and this too is the nature of the artist. His music is smart, light, effervescent, often tongue in check—and always a delight to hear. This collection depicts Tyree’s successful stand at the famed London House in Chicago. For this purpose, Tyree has brought together some of the greatest musicians now playing. Together they mix some old and new favorites with a verve and bounce that belies the fact that some of these songs have been performed many times, by many artists. Tyree’s lightning fast arrangement on the vibes on “Avalon” or his slow, “two beat gut” raucous trombone rendition of “Lonsome Road” are just two examples of Tyree and the group’s sparkling originality with the songs in this set. Tyree Glenn is a personality worth meeting and the best way to meet and know him is to hear him. Whether live at the London House in Chicago, or at your house on the phonograph, Tyree Glenn is always fun and it’s always a pleasure to have him around...

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Notas del álbum:
Tyree Glenn es uno de esos raros artistas que consigue transmitir su propia personalidad a través de su música. La esencia misma de su carácter está en sus actuaciones. Es, por naturaleza, un tipo cálido, alegre y gregario que prefiere dejarte siempre riendo. Esto no quiere decir que Tyree no tenga sus momentos serios, sino que, por su propia naturaleza, rara vez se encuentra con esos momentos. Esta es la naturaleza del hombre, y esta también es la naturaleza del artista. Su música es inteligente, ligera, efervescente, a menudo con la lengua en ristre, y siempre es un placer escucharla. Esta colección recoge el exitoso stand de Tyree en la famosa London House de Chicago. Para ello, Tyree ha reunido a algunos de los más grandes músicos que están tocando en la actualidad. Juntos mezclan algunos favoritos antiguos y nuevos con un brío y rebote que desmiente el hecho de que algunas de estas canciones han sido interpretadas muchas veces, por muchos artistas. Los rápidos arreglos de Tyree con el vibráfono en "Avalon" o su lenta y estridente interpretación con el trombón de "Lonsome Road" son sólo dos ejemplos de la chispeante originalidad de Tyree y el grupo con las canciones de este conjunto. Tyree Glenn es una personalidad que merece la pena conocer y la mejor manera de conocerlo es escuchándolo. Ya sea en directo en el London House de Chicago, o en tu casa en el fonógrafo, Tyree Glenn siempre es divertido y siempre es un placer tenerlo cerca...

Quincy Jones • This Is How I Feel About Jazz

 

www.quincyjones.com ... 

 

Kenny Burrell • A Generation Ago Today

 

Biography:

After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.

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Biografía:

Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además, es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".

Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.

Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo, apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una gran música".

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la encuesta de Jazz Times International Readers Poll.

Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la Detroit Free Press.

Wes Montgomery • Fusion!

 

Artist Biography

Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.

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Biografía del artista

Nacido en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos (donde también murió de un ataque al corazón en 1968), Montgomery provenía de una familia de músicos, en la que sus hermanos, Monk (bajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender de oído melodías complejas y riffs. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Junto con el uso de octavas (tocando la misma nota en dos cuerdas separadas por una octava) por lo que es ampliamente conocido, Montgomery fue también un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de sus solos de una sola nota, octava y acorde de bloque. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery desplumó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando las pulsaciones hacia abajo para notas simples y una combinación de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía una mazorca en el pulgar, lo que le dio ese punto a su sonido. Obtenía un sonido para las partes blandas, y luego ese punto usando el maíz. Por eso nadie podrá igualar a Wes. Y su pulgar estaba doblemente articulado. Podía doblarlo todo para tocarse la muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente".

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson fabricó para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador a válvulas, a menudo un Fender. En sus últimos años tocó un Standel.

Montgomery realizó una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en grabaciones de este período. Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluyó a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, quien hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones hechas por Montgomery y sus hermanos entre 1957 y 1959 fueron editadas por el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959, Montgomery fue fichado por el sello Riverside Records y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la empresa quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son ampliamente consideradas por los aficionados y los historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como un cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum contenía una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, generalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve produjo varios álbumes donde fue presentado con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a cambiar hacia el territorio de la música pop. Una excepción notable es el Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos apariciones memorables en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes continuó tocando la guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En ella, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para riffar, creando un concepto holístico de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las canciones de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Para cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, había abandonado totalmente el jazz directo de su carrera anterior por el mercado pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su periodo A&M (1967-68) incluyen interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos aficionados y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias, incluyendo: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock'n' Roll, Soul, y Rhythm and Blues[se necesitan citas] Muchos compositores y compositores le han escrito tributos musicales, incluyendo a Stevie Wonder y Eric Johnson.

Al Cohn & Zoot Sims • From A to Z and Beyond

 

Hank Jones Quartet • Dizzys Club Coca Cola, New York

 

Live performance recorded at Dizzy’s Club Coca-Cola at Jazz at Lincoln Center, New York. Pianist Hank Jones leads a quartet featuring Russell Malone, Ray Drummond, and Victor Lewis. The album captures an intimate club performance with a repertoire of jazz standards and blues, highlighting Jones’ elegant touch, harmonic sophistication, and deep swing late in his career.

Hank Jones & Ron Carter • Great Jazz in Kobe '96

 

Lee Morgan • Complete Introduction Sessions

 

Being shot dead by a jealous lover at Slug's nightclub in 1972, meant that the hard-bop and soul-jazz trumpeter Lee Morgan ran into a catastrophe tailor-made for ascent to jazz-legend status, and his skills were such that speculation about what he might have achieved still goes on today. Morgan's hard, attacking sound and boldness of conception matched a thoughtful lyricism and warmth of tone when the right slow-burner came along, and with commercial funk hits like 1963's dancefloor anthem The Sidewinder (a big acid-jazz success with DJs 25 years later) he also proved he had a Herbie Hancock-like intuition for a groove.
Sounding superficially like a rough-hewn affair, this early Morgan set is perhaps for harder-core jazzers - although everything about it is urgently melodic, and the trumpeter's enthusiasm for pushing the regular bop envelope is infectious.
Taking place over a decade later than the famous Charlie Parker/Dizzy Gillespie bop-breakthrough recordings, the set nonetheless exudes a similar sensation, of music that can't wait to be made. A superb hard-bop lineup including Hank Jones on piano and Hank Mobley on tenor sax rattles through a selection of mostly home-grown pieces (though interestingly, none of them are Morgan's), and the rounded tone and poised phrasing of the hugely underrated Mobley is an ideal foil for Morgan's scything runs, explosive crescendos and engaging bebop bluster. Perhaps it's for the enthusiasts, but it's one of those rare studio discs that's almost like having the band in your room.

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El asesinato a tiros por parte de un amante celoso en el club nocturno Slug's en 1972 significó que el trompetista de hard bop y soul jazz Lee Morgan se topó con una catástrofe hecha a medida para ascender al estatus de leyenda del jazz, y sus habilidades eran tales que aún hoy se especula sobre lo que podría haber logrado. El sonido duro y agresivo de Morgan y la audacia de su concepción se combinaban con un lirismo reflexivo y la calidez del tono cuando llegaba el momento adecuado, y con éxitos comerciales de funk como el himno de las pistas de baile de 1963 The Sidewinder (un gran éxito de acid jazz entre los DJ 25 años después), también demostró que tenía una intuición para el groove similar a la de Herbie Hancock.
Aunque a primera vista pueda parecer un trabajo tosco, este primer álbum de Morgan es quizás para los jazzistas más incondicionales, aunque todo en él es urgentemente melódico y el entusiasmo del trompetista por traspasar los límites del bop habitual es contagioso.
Aunque se grabó más de una década después de las famosas grabaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie que marcaron un hito en el bop, este álbum transmite una sensación similar, la de una música que no puede esperar a ser creada. Una magnífica formación de hard bop, con Hank Jones al piano y Hank Mobley al saxo tenor, interpreta una selección de temas en su mayoría de composición propia (aunque, curiosamente, ninguno de ellos es de Morgan), y el tono redondo y el fraseo sereno del enormemente infravalorado Mobley son el complemento ideal para las vertiginosas escalas, los crescendos explosivos y la atractiva bravura bebop de Morgan. Quizás sea para los entusiastas, pero es uno de esos raros discos de estudio que es casi como tener a la banda en tu habitación.

Gary Burton-Sonny Rollins-Clark Terry • 3 In Jazz

 

A great record that features work not on any other album! The set's a compilation of sorts – but it's really more of a "showcase", one that features the work of three of RCA's brightest jazz stars at the time. A young Gary Burton plays "Hello Young Lovers", "Gentle Wind & Falling Tear", "Blue Comedy", and "Stella By Starlight" with a group that includes Jack Sheldon on trumpet. Sonny Rollins blows on "You Are My Lucky Star", "I Could Write A Book", and "There Will Never Be Another You" with the great group that included Don Cherry, Henry Grimes, and Billy Higgins. And Clark Terry rounds out the set with "Blues Tonight", "Sounds Of The Night", and "Cielito Lindo".  
Dusty Groove, Inc.
https://www.dustygroove.com/item/53421/Gary-Burton-Sonny-Rollins-Clark-Terry:3-In-Jazz?desktop=false

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¡Un gran disco que incluye temas que no aparecen en ningún otro álbum! El conjunto es una especie de recopilatorio, pero en realidad es más bien un «escaparate» que presenta el trabajo de tres de las estrellas de jazz más brillantes de RCA en aquella época. Un joven Gary Burton interpreta «Hello Young Lovers», «Gentle Wind & Falling Tear», «Blue Comedy» y «Stella By Starlight» con un grupo en el que destaca Jack Sheldon a la trompeta. Sonny Rollins toca «You Are My Lucky Star», «I Could Write A Book» y «There Will Never Be Another You» con un gran grupo formado por Don Cherry, Henry Grimes y Billy Higgins. Y Clark Terry completa el álbum con «Blues Tonight», «Sounds Of The Night» y «Cielito Lindo».  
Dusty Groove, Inc.
https://www.dustygroove.com/item/53421/Gary-Burton-Sonny-Rollins-Clark-Terry:3-In-Jazz?desktop=false

Illinois Jacquet • Groovin' with Jacquet

 

Hank Jones-Tommy Flanagan • I'm All Smiles

 

Review by Ken Dryden
Although Tommy Flanagan tended to refer to two-piano dates as a gimmick, that's hardly the case during this superb 1983 concert in Germany with Hank Jones. The two pianists have the kind of feel for one another's playing that avoids the crash of egos and instead inspires the give and take necessary for each performance to reach its full potential. Immediately, the two veterans captivate their audience with a stunning aggressive improvisation upon Charlie Parker's "Relaxin' at Camarillo," then immediately quiet them with a soft, lyrical interpretation of the gorgeous ballad "In a Sentimental Mood." They're clearly having a lot of fun during their upbeat waltz through the popular ballad "Someday My Prince Will Come." The rest of the concert is every bit as fulfilling, with an inspired treatment of "Rockin' in Rhythm" getting the nod as the highlight of a memorable evening. 
https://www.allmusic.com/album/im-all-smiles-mw0000188033

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Reseña de Ken Dryden
Aunque Tommy Flanagan solía considerar los conciertos a dos pianos como un mero truco publicitario, este fue sin duda el caso en este magnífico concierto de 1983 en Alemania con Hank Jones. Ambos pianistas demostraron una gran compenetración, evitando así el choque de egos y propiciando el intercambio necesario para que cada interpretación alcanzara su máximo potencial. Desde el primer momento, los dos veteranos cautivaron al público con una impresionante y enérgica improvisación sobre "Relaxin' at Camarillo" de Charlie Parker, para luego apaciguarlo con una suave y lírica interpretación de la hermosa balada "In a Sentimental Mood". Se notaba que disfrutaban enormemente durante su animado vals sobre la popular balada "Someday My Prince Will Come". El resto del concierto fue igualmente gratificante, destacando una inspirada interpretación de "Rockin' in Rhythm" como el punto culminante de una velada memorable. https://www.allmusic.com/album/im-all-smiles-mw0000188033

Ken Peplowski • Mr Gentle And Mr Cool

 

www.kenpeplowski.com ...

John Graas • Jazz Studio 1-2 Complete Sessions

 

Biography
by Scott Yanow
Along with Julius Watkins, John Graas was one of the first jazz French horn soloists. After playing some classical music, in 1942 he became a member of the Claude Thornhill Orchestra. A period in the Army (1942-1945) and stints with the Cleveland Orchestra and Tex Beneke's big band preceded Graas' first high-profile gig, playing with Stan Kenton's Innovations Orchestra (1950-1951). After leaving Kenton, he settled in Los Angeles and worked as a studio musician in addition to being used on West Coast jazz dates by Shorty Rogers and others. Graas, an excellent composer who sought to combine together jazz and classical music (predating the third stream movement), recorded fairly regularly as a leader during 1953-1958, sessions that (with the exception of one V.S.O.P. release) have not been reissued. He died of a heart attack at the age of 45.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Junto con Julius Watkins, John Graas fue uno de los primeros solistas de trompa de jazz. Tras tocar algo de música clásica, en 1942 pasó a formar parte de la Orquesta de Claude Thornhill. Tras un periodo en el ejército (1942-1945) y una serie de colaboraciones con la Orquesta de Cleveland y la big band de Tex Beneke, Graas tuvo su primera actuación destacada en la Innovations Orchestra de Stan Kenton (1950-1951). Tras dejar a Kenton, se instaló en Los Ángeles y trabajó como músico de estudio, además de ser utilizado en fechas de jazz de la Costa Oeste por Shorty Rogers y otros. Graas, un excelente compositor que buscaba combinar el jazz y la música clásica (antes del movimiento de la tercera corriente), grabó con bastante regularidad como líder durante 1953-1958, sesiones que (con la excepción de un lanzamiento de V.S.O.P.) no han sido reeditadas. Murió de un ataque al corazón a la edad de 45 años.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography

George Shearing and Hank Jones • The Spirit of 176

 

Review by Scott Yanow
George Shearing and Hank Jones have always been very well-rounded pianists fully capable of playing unaccompanied solos. Their unique matchup as a two-piano duo on this Concord release works surprisingly well for the two pianists manage to stay out of each other's way and the ensembles are not overcrowded. The pianists tackle colorful material including "Angel Eyes," and Thelonious Monk's "I Mean You," an original apiece, Mary Lou Williams's "Lonely Moments," "Star Eyes" and "Confirmation," and the results are swinging and tasteful. This somewhat obscure Concord CD is worth investigating.
https://www.allmusic.com/album/the-spirit-of-176-mw0000199894

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Reseña de Scott Yanow
George Shearing y Hank Jones siempre han sido pianistas muy completos, capaces de tocar solos sin acompañamiento. Su combinación única como dúo de dos pianos en este lanzamiento de Concord funciona sorprendentemente bien porque los dos pianistas se las arreglan para mantenerse fuera del camino del otro y los conjuntos no están superpoblados. Los pianistas abordan un material colorido que incluye "Angel Eyes" y "I Mean You" de Thelonious Monk, una pieza original, "Lonely Moments", "Star Eyes" y "Confirmation" de Mary Lou Williams, y los resultados son contundentes y de buen gusto. Este CD de Concord, algo oscuro, vale la pena investigarlo.
https://www.allmusic.com/album/the-spirit-of-176-mw0000199894

Hank Jones Trio • The Trio

 

Cannonball Adderley • Somethin' Else