Freddie Mccoy • Lonely Avenue

 

 

Freddie McCoy, born in New York City in 1932, assembled a big crew to create the soulful canvas of his debut album on Prestige in 1965, Lonely Avenue. The coupling of vibes with trumpet, baritone sax, trombone, organ and guitar proved to be a remarkably flexible unit, both mean/funky and contemplative, which also, perhaps not entirely coincidentally, is a description of Freddie McCoy’s musical personality. The vibraphonist generates a lot heat but at the same time his playing is marked by a relaxed flow. Easygoing fellow but he’s not going to let you eat his lunch. One of few vibraphone players that focused on groove and grease. Yes, there’s a blues-drenched bit of Milt Jackson, without the dazzling technique of the God Of Vibes. And yes, there’s a bit of entertainment value that was inherent to the personality of pioneer Lionel Hampton, but the circus has left town before the roar of the lion. Freddie McCoy was more concerned with the kind of soul time that worked as a magnet for workers from all over the hood. Punch the clock, hurry home, slip into some shiny slacks and let’s hear it for the real mccoy’… Once settled in some upper Harlem joint, they shake their hips, shake their asses, shake their heads in amazement at the sight of this slick dude sweating it out behind that weird steel frame. Mallet boogie.

Plenty of warhorse and pop song for that kind of customer: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. McCoy’s Roëll is a lovely ballad, his take on the Doc Pomus tune Lonely Avenue, best-known through the classic r&b version of Ray Charles, is super-soulful and the album’s crackerjack cookers, Collard Greens and Belly Full Of Greens, would serve well as background tracks for the volatile Ike & Tina Turner. Want some mean greens? Yes please, why not? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy began to play the vibraphone in the Army in 1958 and subsequently played with Kenny Burrell, Johnny “Hammond” Smith, Philly Joe Jones and Doug Watkins. Following his debut, McCoy enjoyed a good stretch on Prestige, which released six albums between 1966 and 1968, focusing more and more on r&b and funk-ish ditties. Before he went off the radar, his last album Gimme Some was released by Cobblestone in 1971. Freddie McCoy was also a flight instructor who owned his own plane. No doubt he made some soulful maneuvers in that little booger.

Freddie McCoy passed away in 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

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Freddie McCoy, nacido en la ciudad de Nueva York en 1932, reunió a un gran equipo para crear el lienzo conmovedor de su álbum debut en Prestige en 1965, Lonely Avenue. El acoplamiento de vibraciones con trompeta, saxo barítono, trombón, órgano y guitarra demostró ser una unidad notablemente flexible, tanto mezquina/funky como contemplativa, que también, quizás no por casualidad, es una descripción de la personalidad musical de Freddie McCoy. El vibrafonista genera mucho calor pero al mismo tiempo su forma de tocar está marcada por un flujo relajado. Un tipo tranquilo, pero no te dejará comer su almuerzo. Uno de los pocos reproductores de vibráfonos que se centró en el groove y la grasa. Sí, hay un poco de Milt Jackson empapado de blues, sin la deslumbrante técnica del Dios de las Vibraciones. Y sí, hay un poco de valor de entretenimiento inherente a la personalidad del pionero Lionel Hampton, pero el circo se fue de la ciudad antes del rugido del león. Freddie McCoy estaba más preocupado por el tipo de tiempo del alma que funcionaba como un imán para los trabajadores de todo el barrio. Pon el reloj, apúrate a casa, ponte unos pantalones brillantes y escuchémoslo por el verdadero Mccoy' Once Una vez instalados en alguna articulación del alto Harlem, sacuden las caderas, sacuden el trasero, sacuden la cabeza asombrados al ver a este tipo resbaladizo sudando detrás de ese extraño marco de acero. Mallet boogie.

Mucho caballo de batalla y canciones pop para ese tipo de cliente: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. Roëll de McCoy es una balada encantadora, su versión de la melodía de Doc Pomus Lonely Avenue, más conocida a través de la versión clásica de r&b de Ray Charles, es súper conmovedora y las cocinas crackerjack del álbum, Berza y Barriga Llena de Verduras, servirían bien como pistas de fondo para los volátiles Ike y Tina Turner. ¿Quieres algunos mean greens? Sí, por favor, ¿por qué no? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy comenzó a tocar el vibráfono en el Ejército en 1958 y posteriormente tocó con Kenny Burrell, Johnny "Hammond" Smith, Philly Joe Jones y Doug Watkins. Tras su debut, McCoy disfrutó de un buen tramo en Prestige, que lanzó seis álbumes entre 1966 y 1968, centrándose cada vez más en canciones de r&b y funk. Antes de desaparecer del radar, Cobblestone lanzó su último álbum Gimme Some en 1971. Freddie McCoy también era instructor de vuelo y dueño de su propio avión. Sin duda hizo algunas maniobras conmovedoras en ese pequeño moco.

Freddie McCoy falleció en 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

Soul Bossa Trio • The Best Of Soul Bossa Trio

 

 

 

Artist Biography by John Bush
Formed by Tokyo acid jazz maven Gonzalez Suzuki, Soul Bossa Trio recorded several albums of refreshing, exploratory jazz with a debt to fusion and Brazilian jazz but a sparkling sense of interplay often lacking in their club-centered contemporaries. Suzuki was originally a member of Tokyo Panorama Mambo Boys, Japanese jazz-pop favorites during the '80s. He founded Soul Bossa Trio in 1993 with Toshiyuki and Koichi Matsumoto, and produced the group's first record, 1994's A Taste of Soul Bossa, for Victor. Dancing in the Street followed before the end of the year, and the remix album Abstract Truth appeared in 1995. The third proper Soul Bossa Trio album, 1997's In Native, revealed '70s influences ranging from Herbie Hancock ("Wiggle Waggle") to the Meters ("Hey! Pocky-A-Way"). The next three years brought their third remix album as well as two more studio records, 1998's Nature Vision and 2000's Rad.2000. The hits collection Simply Sound: Best Tracks 1993-2000 earned a release through the CuBop subsidiary of Ubiquity, and 2003's Dolphins was issued through Italian specialists Irma.  https://www.allmusic.com/artist/soul-bossa-trio-mn0000034010/biography

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Traducción Automática:
Biografía del artista por John Bush
Formado por el experto en jazz ácido González Suzuki, el Soul Bossa Trio grabó varios álbumes de jazz refrescante y exploratorio, endeudado con la fusión y el jazz brasileño, pero con una brillante sensación de interacción que a menudo carece de los contemporáneos centrados en sus clubes. Suzuki fue originalmente miembro de los Tokyo Mambo Boys, favoritos del jazz-pop japonés durante los años 80. Fundó Soul Bossa Trio en 1993 con Toshiyuki y Koichi Matsumoto, y produjo el primer disco del grupo, A Taste of Soul Bossa de 1994, para Victor. Dancing in the Street siguió antes de fin de año, y el álbum de remezclas Abstract Truth apareció en 1995. El tercer álbum propio de Soul Bossa Trio, In Native de 1997, reveló influencias de los años 70 desde Herbie Hancock ("Wiggle Waggle") hasta Metros ("Hey! Pocky-A-Way"). Los siguientes tres años trajeron su tercer álbum de remixes, así como dos discos más de estudio, Nature Vision de 1998 y Rad.2000 de 2000. La exitosa colección Simply Sound: Best Tracks 1993-2000 obtuvo un lanzamiento a través de la subsidiaria CuBop de Ubiquity, y los Dolphins de 2003 se emitieron a través de los especialistas italianos Irma. https://www.allmusic.com/artist/soul-bossa-trio-mn0000034010/biography

A Latin American Music Reader Views from the South

 

amazon.com ...

VA • The Colors Of Latin Jazz Cubop

 

René Thomas • Remembering René Thomas

 

 

Artist Biography by Scott Yanow

One of the finest European jazz guitarists to emerge during the 1950s, René Thomas appeared on many sessions with Americans during the next few decades. Influenced as one might expect by Django Reinhardt, Thomas was mostly self-taught and by the 1950s he was a greatly in-demand cool-toned guitarist, playing in a style similar to Jimmy Raney's. In addition to performing with the top European jazz musicians, Thomas worked with Chet Baker (1955), lived in Montreal during 1958-1963, played with Toshiko Akiyoshi and Sonny Rollins, was back in Europe by 1963, and during the next few years worked with Kenny Clarke, Lou Bennett, and Han Bennink among many others. During the 1969-1972 period, Thomas was a member of Stan Getz's European Band (with whom he recorded Dynasty). He died of a sudden heart attack in Spain when he was 47. As a leader, Thomas recorded for Vogue (1954), Barclay, Polydor, Jazzland (1960), RCA, Royal Jazz, and the Italian Vogel label (1974).

https://www.allmusic.com/artist/ren%C3%A9-thomas-mn0000884303/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Uno de los mejores guitarristas de jazz europeos que surgieron durante la década de 1950, René Thomas apareció en muchas sesiones con estadounidenses durante las próximas décadas. Influenciado como podría esperarse por Django Reinhardt, Thomas fue en su mayoría autodidacta y en la década de 1950 era un guitarrista de tono frío muy solicitado, tocando en un estilo similar al de Jimmy Raney. Además de tocar con los mejores músicos de jazz europeos, Thomas trabajó con Chet Baker (1955), vivió en Montreal durante 1958-1963, tocó con Toshiko Akiyoshi y Sonny Rollins, regresó a Europa en 1963 y durante los siguientes años trabajó con Kenny Clarke, Lou Bennett y Han Bennink entre muchos otros. Durante el período 1969-1972, Thomas fue miembro de la Banda Europea de Stan Getz (con quien grabó Dynasty). Murió de un repentino ataque al corazón en España cuando tenía 47 años. Como líder, Thomas grabó para Vogue (1954), Barclay, Polydor, Jazzland (1960), RCA, Royal Jazz y el sello italiano Vogel (1974).

https://www.allmusic.com/artist/ren%C3%A9-thomas-mn0000884303/biography

 

 

 

Biografía por apoloybaco:

El guitarrista belga, René Thomas aprendió a los ocho años a tocar la guitarra y con el paso del tiempo, conoció la música de su paisano, Django Reinhardt y quedó para siempre cautivado por el jazz. Al poco de finalizar la II Guerra Mundial, tocó en su ciudad natal, Lieja, con Hubert Simpliss, Raoul Faisan y los "Bob Shots" con el extraordinario saxofonista Bobby Jaspar. En 1954 se unió en Paris con éste ultimo y allí conoció al segundo guitarrista que influyó decisivamente en su formación jazzistica después de Django, el maestro, Jimmy Raney.

En Paris, René Thomas cultivó toda clase de acompañantes en continuas actuaciones en jam sessions en los club de la margen izquierda del Sena, y tuvo la oportunidad de compartir escenario con Chet Baker, Henry Renaud y el ya citado, Bobby Jaspar. Cuando este último emigró a los Estados Unidos, René se marchó a Canadá a vivir en la casa de su hermana y en aquel país tuvo de nuevo la oportunidad de codearse con los mejores jazzman americanos de gira por su vecino del norte; Miles Davis, Duke Jordan, Jackie McLean o Lee Konitz fueron algunos de los músicos con los que tocó en aquélla época. Tras una breve estancia en los Estados Unidos, René Thomas regresó a Europa para actuar en el festival de jazz de Comblain-La Tour en Bélgica.

Como resultado de aquel festival, Rene y sus acompañantes formaron un quinteto con René Urtreger o Amadeo Tommasi al piano, Benoit Quersino o Giovanni Tommaso al bajo, y Daniel Humair o Franco Mondini a la batería. El éxito de aquel quinteto fue tal, que se convirtieron en el primer grupo no americano en tocar en el Ronnie Scott de Londres, participando también en varios festivales europeos de prestigio. A menudo aquel quinteto se convertía en sexteto con la incorporación del trompetista, Chet Baker.

Con esa fórmula grabaron varios discos para la RCA Victor en Italia. Tras el fallecimiento de Bobby Jaspar en 1963, René Thomas acompaño a Chet Baker entre 1969 y 1972 realizando con el varias giras por México y los Estados Unidos. Tras la vuelta de Baker a su país, Thomas se unió al trío de Lou Bennett con quien participo en el Festival de Jazz de Middelheim en 1974. Fue su ultima aparición en publico ya que al año siguiente falleció, victima de un infarto, en la localidad española de Santander, adonde había acudido a tocar con Lou Bennett. René Thomas fue uno de los grandes guitarristas de jazz europeo, y su música es muy apreciada por los jóvenes músicos del momento. http://apoloybaco.com

 

 

Michel Camilo & Tomatito • Spain Forever

 

Colaborador / Contributor:  Pere

 

VA • The Colors Of Latin Jazz Corcovado

 

Gerry Woo • Latin Percussion With Soul

 

Description from Dusty Groove (Amazon):
An obscure album from Jack "Mr Bongo" Costanzo -- his only entry into the Latin Soul genre, and a really nice batch of grooves! Jacko's working here with singer Gerry Woo, who sings in English on about half of the album's tracks, giving the set a nice pop-styled Latin groove that reminds us a lot of Willie Bobo's work for Verve, and some of the more unusual indie Latin albums of the time. The set's filled with loads of great numbers, including Hector Rivera compositions "Recuerdos," "Que Vengo Acabando," "Don't Squeeze the Peaches," and "Mambo Jack," plus covers of "Jive Samba," "Words," and "Green Onions."
https://www.amazon.com/Latin-Percussion-Soul-Costanzo-Jerry/dp/B000083ECU

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Descripcion de Dusty Groove (Amazon):
Un album poco conocido de Jack "Mr Bongo" Costanzo -- su unica incursion en el genero Latin Soul, y una gran tanda de grooves! Jacko trabaja aqui con el cantante Gerry Woo, que canta en ingles en aproximadamente la mitad de los temas del album, dandole al disco un agradable groove latino de estilo pop que nos recuerda mucho al trabajo de Willie Bobo para Verve, y a algunos de los albumes latinos independientes mas inusuales de la epoca. El disco esta repleto de grandes temas, incluyendo las composiciones de Hector Rivera "Recuerdos," "Que Vengo Acabando," "Don't Squeeze the Peaches" y "Mambo Jack," ademas de versiones de "Jive Samba," "Words" y "Green Onions."
https://www.amazon.com/Latin-Percussion-Soul-Costanzo-Jerry/dp/B000083ECU

Mongo Santamaria • La Bamba

 

One good hit deserves a remake, so Columbia had Mongo Santamaria redo his breakthrough record "Watermelon Man" on his second LP for the label. Indeed, it is this brighter, better-recorded version that we generally hear on the radio nowadays instead of the Battle original. Even better, though, are "Fatback" and the wildly swinging workout on "La Bamba" that kicks off the album, to which you can imagine the foxy blonde model on the cover dancing the boogaloo. Marty Sheller’s charging arrangements and trumpet are in the driver’s seat of this sports car with the Mongo engine, and Hubert Laws has a ball in his flute and tenor sax solos. Few records embodied the go-go spirit of the ’60s as well as this Latin jazz album. — Richard S. Ginell

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Un buen éxito merece un remake, por lo que Columbia hizo que Mongo Santamaria rehiciera su innovador disco "Watermelon Man" en su segundo LP para el sello. De hecho, es esta versión más brillante y mejor grabada que generalmente escuchamos en la radio hoy en día en lugar del original de Battle. Aún mejor, sin embargo, son "Fatback" y el ejercicio de "La Bamba" que da inicio al álbum, en el que puedes imaginarte la modelo rubia astuta en la portada bailando boogaloo. Los arreglos de carga y la trompeta de Marty Sheller están en el asiento del conductor de este auto deportivo con el motor Mongo, y Hubert Laws tiene una bola en su flauta y sus solos de saxo tenor. Pocos discos encarnan el espíritu go-go de los años 60, así como este álbum de jazz latino. - Richard S. Ginell

The Jazz Crusaders • Uh Huh

Review by Scott Yanow

One of the best of the Jazz Crusaders LPs, this outing features fairly lengthy investigations of six group originals including "Uh Huh" and "Watts Happening." Tenor saxophonist Wilton Felder, trombonist Wayne Henderson, pianist Joe Sample, drummer Stix Hooper, and guest bassist Buster Williams all sound as if they are pushing each other. Their brand of soulful hard bop (utilizing their distinctive tenor-trombone frontline) is heard throughout at its prime.

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Reseña de Scott Yanow

Uno de los mejores LPs de Jazz Crusaders, esta salida presenta investigaciones bastante largas de seis originales del grupo, incluyendo "Uh Huh" y "Watts Happening". El saxofonista tenor Wilton Felder, el trombonista Wayne Henderson, el pianista Joe Sample, el baterista Stix Hooper, y el bajista invitado Buster Williams, todos suenan como si se estuvieran empujando. Su marca de soulful hard bop (utilizando su distintivo frente de trombón-trombón) se escucha en todo momento en su mejor momento.

Xavier Cugat • Plays Continental Hits

 

Artist Biography

Xavier Cugat was the first bandleader to front a successful Latin orchestra in the United States. He was largely responsible for popularizing Latin music among North American audiences, paving the way for such future stars as Perez Prado, and Tito Puente.

Sources differ widely on Cugat's early life and career. It seems, though, that he was born on January 1, 1900, in the Catalonian region of Spain and moved to Cuba with his family when he was only a few years of age. A child prodigy on the violin, at age 12 he earned a seat as first violin with the orchestra of the Teatro Nacional in Havana. The young Cugat also apparently struck up a friendship with famed opera singer Enrico Caruso, who brought him to America near the end of the First World War. In New York Cugat met pianist and fellow Catalonian Agusto Borgunyó. Together they formed a classical duo.

In the early 1920s Cugat decided to abandon classical for popular music. His main interest lay in Latin rhythms, and picking up on the tango craze he formed a short-lived band called the Gigolos. He spent the next few years playing odd engagements and working with such popular orchestras as those of Vincent Lopez and Phil Harris. In the late 1920s he jumped on the sound movie bandwagon and formed a new version of the Gigolos. With this group he finally achieved a modicum of success, opening at the Los Angeles Coconut Grove in 1928 and appearing in the 1929 film Mexicana.

Cugat worked in Anson Weeks' orchestra during the early 1930s before forming a new outfit of his own. He continued to lead his band throughout the 1930s and into the 1940s, spending a great deal of time at the Waldorf- Astoria Hotel in New York. Cugat also had his own radio program. In the early 1930s he had a big hit with the song ''El Manicero'' (''The Peanut Vendor''), which started a rumba craze across America. His other hits were “Perfida” in 1940, and the original recording of “Babalu” in 1944. Cugat’s band always had very fine musicians and singers, and he put on a top notch performance on stage.

He was married five times, including to two of his vocalists, Abbe Lane and in the ‘60’s to Charo, who incidentally is still capitalizing on her association with him. He used his popularity in the music business to also have a very successful film career and made scores of film 1930 to 1960. During the ‘50’s and 60’s Cugat continued performing and recording, both on the Mercury and Decca labels. He left quite a recorded history and his music is still very popular today, and always sells. He briefly had his own television program in 1957 and also spent time in Europe directing Italian television. He was also quite a talented cartoonist and his caricatures are now valued by collectors. Cugat retired from show business in 1971 after suffering a stroke. In 1978 he settled in Barcelona.

Xavier Cugat died in 1990 from heart failure.

https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat

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Biografía del artista

Xavier Cugat fue el primer director de orquesta en liderar una exitosa orquesta latina en Estados Unidos. Fue en gran parte responsable de popularizar la música latina entre el público norteamericano, allanando el camino para futuras estrellas como Pérez Prado y Tito Puente.

Las fuentes difieren ampliamente sobre los comienzos de la vida y la carrera de Cugat. Parece, sin embargo, que nació el 1 de enero de 1900 en la región catalana de España y se trasladó a Cuba con su familia cuando sólo tenía unos pocos años de edad. Niño prodigio del violín, a la edad de 12 años obtuvo un asiento como primer violín con la orquesta del Teatro Nacional de La Habana. Al parecer, el joven Cugat también entabló una amistad con el famoso cantante de ópera Enrico Caruso, que lo trajo a América cerca del final de la Primera Guerra Mundial. En Nueva York, Cugat conoció al pianista y compatriota catalán Agusto Borgunyó. Juntos formaron un dúo clásico.

A principios de la década de 1920, Cugat decidió abandonar la música clásica por la música popular. Su interés principal residía en los ritmos latinos, y recogiendo la moda del tango formó una banda de corta duración llamada The Gigolos. Pasó los siguientes años tocando en compromisos extraños y trabajando con orquestas tan populares como las de Vincent Lopez y Phil Harris. A finales de la década de 1920 se subió al tren de las películas de sonido y formó una nueva versión de los Gigolos. Con este grupo finalmente logró un mínimo éxito, abriendo en Los Angeles Coconut Grove en 1928 y apareciendo en la película Mexicana de 1929.

Cugat trabajó en la orquesta de Anson Weeks a principios de la década de 1930 antes de formar su propio equipo. Continuó dirigiendo su banda durante los años 30 y 40, pasando mucho tiempo en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York. Cugat también tenía su propio programa de radio. A principios de la década de 1930 tuvo un gran éxito con la canción ''El Manicero'' (''El Manicero''), que inició una locura de rumba en toda América. Sus otros éxitos fueron "Perfida" en 1940 y la grabación original de "Babalu" en 1944. La banda de Cugat siempre tuvo músicos y cantantes muy buenos, y él hizo una actuación de primera clase en el escenario.

Se casó cinco veces, incluyendo a dos de sus vocalistas, Abbe Lane y en los años 60 con Charo, quien por cierto sigue capitalizando su asociación con él. Utilizó su popularidad en el negocio de la música para tener también una carrera cinematográfica muy exitosa e hizo partituras de películas de 1930 a 1960. Durante los años'50 y'60 Cugat continuó tocando y grabando, tanto en los sellos Mercury como Decca. Dejó una historia bastante grabada y su música sigue siendo muy popular hoy en día, y siempre se vende. Tuvo brevemente su propio programa de televisión en 1957 y también pasó un tiempo en Europa dirigiendo la televisión italiana. También era un caricaturista con mucho talento y sus caricaturas son ahora muy apreciadas por los coleccionistas. Cugat se retiró del mundo del espectáculo en 1971 tras sufrir un derrame cerebral. En 1978 se instaló en Barcelona.

Xavier Cugat murió en 1990 de un paro cardíaco.
https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat

 

 

Xavier Cugat • Mambo Jambo

 

Artist Biography

Xavier Cugat was the first bandleader to front a successful Latin orchestra in the United States. He was largely responsible for popularizing Latin music among North American audiences, paving the way for such future stars as Perez Prado, and Tito Puente.

Sources differ widely on Cugat's early life and career. It seems, though, that he was born on January 1, 1900, in the Catalonian region of Spain and moved to Cuba with his family when he was only a few years of age. A child prodigy on the violin, at age 12 he earned a seat as first violin with the orchestra of the Teatro Nacional in Havana. The young Cugat also apparently struck up a friendship with famed opera singer Enrico Caruso, who brought him to America near the end of the First World War. In New York Cugat met pianist and fellow Catalonian Agusto Borgunyó. Together they formed a classical duo.

In the early 1920s Cugat decided to abandon classical for popular music. His main interest lay in Latin rhythms, and picking up on the tango craze he formed a short-lived band called the Gigolos. He spent the next few years playing odd engagements and working with such popular orchestras as those of Vincent Lopez and Phil Harris. In the late 1920s he jumped on the sound movie bandwagon and formed a new version of the Gigolos. With this group he finally achieved a modicum of success, opening at the Los Angeles Coconut Grove in 1928 and appearing in the 1929 film Mexicana.

Cugat worked in Anson Weeks' orchestra during the early 1930s before forming a new outfit of his own. He continued to lead his band throughout the 1930s and into the 1940s, spending a great deal of time at the Waldorf- Astoria Hotel in New York. Cugat also had his own radio program. In the early 1930s he had a big hit with the song ''El Manicero'' (''The Peanut Vendor''), which started a rumba craze across America. His other hits were “Perfida” in 1940, and the original recording of “Babalu” in 1944. Cugat’s band always had very fine musicians and singers, and he put on a top notch performance on stage.

He was married five times, including to two of his vocalists, Abbe Lane and in the ‘60’s to Charo, who incidentally is still capitalizing on her association with him. He used his popularity in the music business to also have a very successful film career and made scores of film 1930 to 1960. During the ‘50’s and 60’s Cugat continued performing and recording, both on the Mercury and Decca labels. He left quite a recorded history and his music is still very popular today, and always sells. He briefly had his own television program in 1957 and also spent time in Europe directing Italian television. He was also quite a talented cartoonist and his caricatures are now valued by collectors. Cugat retired from show business in 1971 after suffering a stroke. In 1978 he settled in Barcelona.

Xavier Cugat died in 1990 from heart failure.

https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat

 

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Biografía del artista
Xavier Cugat fue el primer director de orquesta en liderar una exitosa orquesta latina en Estados Unidos. Fue en gran parte responsable de popularizar la música latina entre el público norteamericano, allanando el camino para futuras estrellas como Pérez Prado y Tito Puente.

Las fuentes difieren ampliamente sobre los comienzos de la vida y la carrera de Cugat. Parece, sin embargo, que nació el 1 de enero de 1900 en la región catalana de España y se trasladó a Cuba con su familia cuando sólo tenía unos pocos años de edad. Niño prodigio del violín, a la edad de 12 años obtuvo un asiento como primer violín con la orquesta del Teatro Nacional de La Habana. Al parecer, el joven Cugat también entabló una amistad con el famoso cantante de ópera Enrico Caruso, que lo trajo a América cerca del final de la Primera Guerra Mundial. En Nueva York, Cugat conoció al pianista y compatriota catalán Agusto Borgunyó. Juntos formaron un dúo clásico.

A principios de la década de 1920, Cugat decidió abandonar la música clásica por la música popular. Su interés principal residía en los ritmos latinos, y recogiendo la moda del tango formó una banda de corta duración llamada The Gigolos. Pasó los siguientes años tocando en compromisos extraños y trabajando con orquestas tan populares como las de Vincent Lopez y Phil Harris. A finales de la década de 1920 se subió al tren de las películas de sonido y formó una nueva versión de los Gigolos. Con este grupo finalmente logró un mínimo éxito, abriendo en Los Angeles Coconut Grove en 1928 y apareciendo en la película Mexicana de 1929.

Cugat trabajó en la orquesta de Anson Weeks a principios de la década de 1930 antes de formar su propio equipo. Continuó dirigiendo su banda durante los años 30 y 40, pasando mucho tiempo en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York. Cugat también tenía su propio programa de radio. A principios de la década de 1930 tuvo un gran éxito con la canción ''El Manicero'' (''El Manicero''), que inició una locura de rumba en toda América. Sus otros éxitos fueron "Perfida" en 1940 y la grabación original de "Babalu" en 1944. La banda de Cugat siempre tuvo músicos y cantantes muy buenos, y él hizo una actuación de primera clase en el escenario.

Se casó cinco veces, incluyendo a dos de sus vocalistas, Abbe Lane y en los años 60 con Charo, quien por cierto sigue capitalizando su asociación con él. Utilizó su popularidad en el negocio de la música para tener también una carrera cinematográfica muy exitosa e hizo partituras de películas de 1930 a 1960. Durante los años'50 y'60 Cugat continuó tocando y grabando, tanto en los sellos Mercury como Decca. Dejó una historia bastante grabada y su música sigue siendo muy popular hoy en día, y siempre se vende. Tuvo brevemente su propio programa de televisión en 1957 y también pasó un tiempo en Europa dirigiendo la televisión italiana. También era un caricaturista con mucho talento y sus caricaturas son ahora muy apreciadas por los coleccionistas. Cugat se retiró del mundo del espectáculo en 1971 tras sufrir un derrame cerebral. En 1978 se instaló en Barcelona.

Xavier Cugat murió en 1990 de un paro cardíaco.
https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat 

 

 

 

 

 

 

Mongo Santamaria • Watermelon Man

Mongo Santamaria enjoyed a long and successful career in Latin music. His recordings and concert performances ranged from the authentic percussion music of Afro-Cuban religious rituals through to Latin-jazz reworkings of American jazz and pop hits.

His song Afro-Blue became a contemporary jazz standard, best-known in the coruscating version by saxophonist John Coltrane. His own adaptation of Herbie Hancock’s Watermelon Man provided the biggest hit of his career in 1963, and is regarded as a classic artefact on the Lounge Music scene.

He was born Ramon Santamaria in Cuba, and nicknamed Mongo by his father (the word denotes a tribal chief in Senegal). He began learning violin, but quickly switched to drums and then congas, and left school early to work as a musician on the highly active local scene in Havana.

He graduated to the famous Tropicana Club with bands like Conjunto Matamoros and Conjunto Azul, then moved to New York in 1950. He was able to pursue his interest in American jazz at its epicentre, while gaining valuable exposure playing with two of the most important Latin band leaders in the city, Perez Prado and later Tito Puente.

Their explosive percussion battles became a major attraction in Puente’s band, but in 1958 he left the band to work with the jazz vibraphonist Cal Tjader, who was beginning to explore the Latin jazz direction which made his reputation. He spent some years in California in this period, but returned to New York in 1962.

He was already making records under his own name while working with Tjader, and soon formed his own band in New York. He came across Herbie Hancock’s Watermelon Man when the pianist sat in with the band at a Cuban music club in the Bronx in 1962, and immediately saw the possibilities.

His own version was a top ten entry on the American pop charts in 1963, and launched the percussionist on a new and more commercial direction, although the standard of his musicians generally remained high, including jazz artists like Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune and Hubert Laws.

He pursued the strategy of adding a Latin groove to jazz and pop tunes throughout the next two decades, and became an acknowledged leader in the highly popular Latin-soul fusion movement of the era. He became one of the best known names in Latin music, and reached a wide audience with his accessible, dance-oriented approach to the music.

Although he never scored another hit of the magnitude of Watermelon Man, his other successes of the period included an energised version of La Bamba in 1964 and another big American success with his version of The Temptations’s Cloud Nine in 1969. He received several Grammy nominations in the Seventies and Eighties, and won the award in 1977 for his album Amancer.

In the early Eighties he returned to a more jazz influenced direction. He continued to perform into the early Nineties, and made further recordings even after he retired from concert appearances.

Latin Jazz conguero and bandleader Ramón “Mongo” Santamaria, unfortunately passed away in Miami, Florida, on February 1st, 2003 at the age of 85.

Mongo's body of work and his contribution to the evolution of percussion not just in Latin genres but in music in general is one that will continue to inspire musicians for years to come.

https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria

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Mongo Santamaría disfrutó de una larga y exitosa carrera en la música latina. Sus grabaciones y conciertos abarcaron desde la auténtica música de percusión de rituales religiosos afrocubanos hasta la reelaboración de jazz latinoamericano y éxitos pop.

Su canción Afro-Blue se convirtió en un estándar del jazz contemporáneo, más conocido en la versión coruscante del saxofonista John Coltrane. Su propia adaptación de Watermelon Man de Herbie Hancock proporcionó el mayor éxito de su carrera en 1963, y es considerado como un artefacto clásico en la escena Lounge Music.

Nació en Cuba, Ramón Santamaría, y su padre lo apodó Mongo (la palabra denota un jefe tribal en Senegal). Comenzó a aprender violín, pero rápidamente cambió a la batería y luego a las congas, y dejó la escuela temprano para trabajar como músico en la activa escena local de La Habana.

Se graduó en el famoso Tropicana Club con bandas como Conjunto Matamoros y Conjunto Azul, y luego se mudó a Nueva York en 1950. Pudo continuar su interés en el jazz americano en su epicentro, mientras ganaba una valiosa exposición tocando con dos de los líderes de bandas latinas más importantes de la ciudad, Pérez Prado y más tarde Tito Puente.

Sus explosivas batallas de percusión se convirtieron en una gran atracción para la banda de Puente, pero en 1958 dejó la banda para trabajar con el vibrafonista de jazz Cal Tjader, quien estaba comenzando a explorar la dirección del jazz latino que hizo su reputación. Pasó algunos años en California en este período, pero regresó a Nueva York en 1962.

Ya estaba grabando discos bajo su propio nombre mientras trabajaba con Tjader, y pronto formó su propia banda en Nueva York. Se encontró con Watermelon Man de Herbie Hancock cuando el pianista se sentó con la banda en un club de música cubana en el Bronx en 1962, e inmediatamente vio las posibilidades.

Su propia versión fue una de las diez mejores entradas en las listas de éxitos del pop estadounidense en 1963, y lanzó al percusionista en una dirección nueva y más comercial, aunque el nivel de sus músicos en general siguió siendo alto, incluyendo a artistas de jazz como Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune y Hubert Laws.

Siguió la estrategia de añadir un groove latino a las melodías de jazz y pop durante las dos décadas siguientes, y se convirtió en un líder reconocido en el altamente popular movimiento de fusión de alma latina de la época. Se convirtió en uno de los nombres más conocidos de la música latina, y llegó a un amplio público con su enfoque accesible y orientado a la danza.

Aunque nunca tuvo otro éxito de la magnitud de Watermelon Man, sus otros éxitos de la época incluyeron una versión animada de La Bamba en 1964 y otro gran éxito americano con su versión de The Temptations's Cloud Nine en 1969. Recibió varias nominaciones a los Grammy en los años setenta y ochenta, y ganó el premio en 1977 por su álbum Amancer.

A principios de los ochenta regresó a una dirección más influenciada por el jazz. Continuó tocando hasta principios de los años noventa, e hizo más grabaciones incluso después de retirarse de las apariciones en conciertos.

El conguero y director de orquesta de jazz latino Ramón "Mongo" Santamaría, lamentablemente falleció en Miami, Florida, el 1 de febrero de 2003 a la edad de 85 años.

El trabajo de Mongo y su contribución a la evolución de la percusión no sólo en los géneros latinos, sino en la música en general, es uno que continuará inspirando a los músicos en los años venideros.

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Xavier Cugat • Merengues por Cugat

Artist Biography

Xavier Cugat was the first bandleader to front a successful Latin orchestra in the United States. He was largely responsible for popularizing Latin music among North American audiences, paving the way for such future stars as Perez Prado, and Tito Puente.

Sources differ widely on Cugat's early life and career. It seems, though, that he was born on January 1, 1900, in the Catalonian region of Spain and moved to Cuba with his family when he was only a few years of age. A child prodigy on the violin, at age 12 he earned a seat as first violin with the orchestra of the Teatro Nacional in Havana. The young Cugat also apparently struck up a friendship with famed opera singer Enrico Caruso, who brought him to America near the end of the First World War. In New York Cugat met pianist and fellow Catalonian Agusto Borgunyó. Together they formed a classical duo.

In the early 1920s Cugat decided to abandon classical for popular music. His main interest lay in Latin rhythms, and picking up on the tango craze he formed a short-lived band called the Gigolos. He spent the next few years playing odd engagements and working with such popular orchestras as those of Vincent Lopez and Phil Harris. In the late 1920s he jumped on the sound movie bandwagon and formed a new version of the Gigolos. With this group he finally achieved a modicum of success, opening at the Los Angeles Coconut Grove in 1928 and appearing in the 1929 film Mexicana.

Cugat worked in Anson Weeks' orchestra during the early 1930s before forming a new outfit of his own. He continued to lead his band throughout the 1930s and into the 1940s, spending a great deal of time at the Waldorf- Astoria Hotel in New York. Cugat also had his own radio program. In the early 1930s he had a big hit with the song ''El Manicero'' (''The Peanut Vendor''), which started a rumba craze across America. His other hits were “Perfida” in 1940, and the original recording of “Babalu” in 1944. Cugat’s band always had very fine musicians and singers, and he put on a top notch performance on stage.

He was married five times, including to two of his vocalists, Abbe Lane and in the ‘60’s to Charo, who incidentally is still capitalizing on her association with him. He used his popularity in the music business to also have a very successful film career and made scores of film 1930 to 1960. During the ‘50’s and 60’s Cugat continued performing and recording, both on the Mercury and Decca labels. He left quite a recorded history and his music is still very popular today, and always sells. He briefly had his own television program in 1957 and also spent time in Europe directing Italian television. He was also quite a talented cartoonist and his caricatures are now valued by collectors. Cugat retired from show business in 1971 after suffering a stroke. In 1978 he settled in Barcelona.

Xavier Cugat died in 1990 from heart failure.

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Biografía del artista

Xavier Cugat fue el primer director de orquesta en liderar una exitosa orquesta latina en Estados Unidos. Fue en gran parte responsable de popularizar la música latina entre el público norteamericano, allanando el camino para futuras estrellas como Pérez Prado y Tito Puente.

Las fuentes difieren ampliamente sobre los comienzos de la vida y la carrera de Cugat. Parece, sin embargo, que nació el 1 de enero de 1900 en la región catalana de España y se trasladó a Cuba con su familia cuando sólo tenía unos pocos años de edad. Niño prodigio del violín, a la edad de 12 años obtuvo un asiento como primer violín con la orquesta del Teatro Nacional de La Habana. Al parecer, el joven Cugat también entabló una amistad con el famoso cantante de ópera Enrico Caruso, que lo trajo a América cerca del final de la Primera Guerra Mundial. En Nueva York, Cugat conoció al pianista y compatriota catalán Agusto Borgunyó. Juntos formaron un dúo clásico.

A principios de la década de 1920, Cugat decidió abandonar la música clásica por la música popular. Su interés principal residía en los ritmos latinos, y recogiendo la moda del tango formó una banda de corta duración llamada The Gigolos. Pasó los siguientes años tocando en compromisos extraños y trabajando con orquestas tan populares como las de Vincent Lopez y Phil Harris. A finales de la década de 1920 se subió al tren de las películas de sonido y formó una nueva versión de los Gigolos. Con este grupo finalmente logró un mínimo éxito, abriendo en Los Angeles Coconut Grove en 1928 y apareciendo en la película Mexicana de 1929.

Cugat trabajó en la orquesta de Anson Weeks a principios de la década de 1930 antes de formar su propio equipo. Continuó dirigiendo su banda durante los años 30 y 40, pasando mucho tiempo en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York. Cugat también tenía su propio programa de radio. A principios de la década de 1930 tuvo un gran éxito con la canción ''El Manicero'' (''El Manicero''), que inició una locura de rumba en toda América. Sus otros éxitos fueron "Perfida" en 1940 y la grabación original de "Babalu" en 1944. La banda de Cugat siempre tuvo músicos y cantantes muy buenos, y él hizo una actuación de primera clase en el escenario.

Se casó cinco veces, incluyendo a dos de sus vocalistas, Abbe Lane y en los años 60 con Charo, quien por cierto sigue capitalizando su asociación con él. Utilizó su popularidad en el negocio de la música para tener también una carrera cinematográfica muy exitosa e hizo partituras de películas de 1930 a 1960. Durante los años'50 y'60 Cugat continuó tocando y grabando, tanto en los sellos Mercury como Decca. Dejó una historia bastante grabada y su música sigue siendo muy popular hoy en día, y siempre se vende. Tuvo brevemente su propio programa de televisión en 1957 y también pasó un tiempo en Europa dirigiendo la televisión italiana. También era un caricaturista con mucho talento y sus caricaturas son ahora muy apreciadas por los coleccionistas. Cugat se retiró del mundo del espectáculo en 1971 tras sufrir un derrame cerebral. En 1978 se instaló en Barcelona.

Xavier Cugat murió en 1990 de un paro cardíaco.
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Chick Corea & The Spanish Heart Band • Antidote

 

 

Review by Thom Jurek
Antidote is a completely forward-thinking album, yet its roots date to the 1960s, near the beginning of his career when he played in the bands of Mongo Santamaria and Willie Bobo. During this period, he encountered the great Latin bandleaders of the era including Machito, Tito Puente, Ray Barretto, and Eddie Palmieri. In 1972, he penned the iconic composition "Spain," inspired by Joaquin Rodrigo's Concierto de Aranjuez. In 1976, Corea issued his milestone My Spanish Heart, that married fusion to Latin music. In 1982, he delivered another landmark with the Latin-tinged offering Touchstone, which featured flamenco master Paco De Lucia, and in 1990, Corea played on his Zyryab. The Spanish Heart Band is anchored by bassist Carlitos del Puerto, drummer Marcus Gilmore, and percussionist Luisito Quintero. Frontline players include nuevo flamenco/jazz guitarist Nino Josele, flutist and saxophonist Jorge Pardo (a longtime member of de Lucia's group), trumpeter Michael Rodriguez, and trombonist Steve Davis. There are also three guest vocalists: Panamanian salsero Ruben Blades, Brazilian singer/songwriter Maria Bianca, who delivers an elegant read of Tom Jobim's "Desafinado," and Corea's life partner, Gayle Moran Corea (who sings the entire choir part on "My Spanish Heart").

The material on Antidote includes work from the pianist's back catalog, a classical piece, and new compositions. The opening title was penned for Blades, who delivers it with class, conviction, and elegance. It's a meld of salsa and flamenco with Corea's piano, brass, and spiky percussion leading the singer. Josele nails a tight, fluid solo, followed by synth and then sharp, polyrhythmic piano montunos underscored by a smoking trombone break. The revisioned "Duende" (originally from Touchstone) is languid, ushered in by dark minor chords and shakers and spiraling along a newly harmonized melody line. Another Touchstone number, "The Yellow Nimbus," is in two parts with shining interplay between the pianist, percussionist, and guitarist before Pardo's moaning flute solo transports the listener to another time and place. Blades appears again on a reworked "My Spanish Heart," with Corea on acoustic and electric keyboards, percussion, a driving bassline, and a trap kit. "Armando's Rumba," also from My Spanish Heart, is recontextualized with a post-bop horn chart in a piano-driven fusion of salsa and flamenco, kissed by emotive trumpet and guitar breaks. The other covers include De Lucia's "Zyryab," with glorious flute and piano interplay. Igor Stravinsky's "Pas De Deux" features an excavated harmony that joins it to the album's material. Closer "Admiration" was written for this band; it's performed with a lithe Latin jazz groove and highlights Pardo's flute, Quintero's syncopated palmas (handclaps), Josele's sweeping guitar, and guest flamenco dancer Nino de los Reyes. Corea has been on a near-prolific roll over the past decade, but Antidote, his 99th album, stands with the finest recordings in his entire career.
https://www.allmusic.com/album/antidote-mw0003278128

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Reseña de Thom Jurek
Antídoto es un álbum totalmente vanguardista, aunque sus raíces se remontan a los años 60, cerca del comienzo de su carrera, cuando tocaba en las bandas de Mongo Santamaria y Willie Bobo. Durante este periodo, conoció a los grandes directores de banda latinos de la época, como Machito, Tito Puente, Ray Barretto y Eddie Palmieri. En 1972, escribió la emblemática composición "Spain", inspirada en el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. En 1976, Corea publicó su hito My Spanish Heart, que unía la fusión con la música latina. En 1982, lanzó otro hito con la oferta de tintes latinos Touchstone, que contó con el maestro del flamenco Paco De Lucía, y en 1990, Corea tocó en su Zyryab. La Spanish Heart Band está formada por el bajista Carlitos del Puerto, el batería Marcus Gilmore y el percusionista Luisito Quintero. Entre los músicos de primera línea se encuentran el guitarrista de nuevo flamenco/jazz Nino Josele, el flautista y saxofonista Jorge Pardo (un antiguo miembro del grupo de De Lucía), el trompetista Michael Rodríguez y el trombonista Steve Davis. También hay tres vocalistas invitados: El salsero panameño Rubén Blades, la cantautora brasileña María Bianca, que ofrece una elegante lectura de "Desafinado" de Tom Jobim, y la compañera de vida de Corea, Gayle Moran Corea (que canta toda la parte del coro en "My Spanish Heart").

El material de Antidote incluye obras del catálogo del pianista, una pieza clásica y nuevas composiciones. El título inicial fue escrito para Blades, que lo interpreta con clase, convicción y elegancia. Es una mezcla de salsa y flamenco con el piano de Corea, los metales y la percusión puntiaguda dirigiendo a la cantante. Josele clava un solo fluido y ajustado, seguido de un sintetizador y unos montunos de piano agudos y polirrítmicos subrayados por una pausa de trombón humeante. El revisado "Duende" (originalmente de Touchstone) es lánguido, introducido por acordes menores oscuros y shakers y en espiral a lo largo de una nueva línea melódica armonizada. Otro número de Touchstone, "The Yellow Nimbus", se divide en dos partes con una brillante interacción entre el pianista, el percusionista y el guitarrista antes de que el solo de flauta de Pardo transporte al oyente a otro tiempo y lugar. Blades vuelve a aparecer en una reelaboración de "My Spanish Heart", con Corea en los teclados acústicos y eléctricos, la percusión, una línea de bajo y un kit de trampa. "Armando's Rumba", también de My Spanish Heart, se recontextualiza con una tabla de vientos post-bop en una fusión de salsa y flamenco impulsada por el piano, besada por emotivas pausas de trompeta y guitarra. Las otras versiones incluyen "Zyryab" de De Lucia, con una gloriosa interacción de flauta y piano. El "Pas De Deux" de Igor Stravinsky presenta una armonía excavada que lo une al material del álbum. La más reciente, "Admiration", fue escrita para esta banda; se interpreta con un ágil ritmo de jazz latino y en ella destacan la flauta de Pardo, las palmas sincopadas de Quintero, la arrolladora guitarra de Josele y el bailarín flamenco invitado Nino de los Reyes. Corea ha estado en una racha casi prolífica durante la última década, pero Antídoto, su 99º álbum, se encuentra entre las mejores grabaciones de toda su carrera.
https://www.allmusic.com/album/antidote-mw0003278128

 

chickcorea.com ...

Bill Mcbirnie • Nature Boy

 

www.extremeflute.com ...

Mongo Santamaría • Afro-American Latin

 

Review by Richie Unterberger
Santamaria recorded an entire album in March 1969 that was inspired by the Afro-Cuban religion Santeria with encouragement from producer David Rubinson. It was done, however, in an era when Santamaria was being marketed by Columbia as a jazz-pop-soul crossover artist. The label rejected the album and it was shelved until 2000, when it finally appeared as a CD. While it's a solid record, and certainly closer to Santamaria's roots than much of his Columbia work was, one would be hard-pressed to say that its failure to appear when it was first made was a tragedy. Really, it's not too much different than the less soul-pop-oriented Latin jazz Santamaria has done throughout his career. Perhaps it's at times a little looser and bolder than Santamaria was wont to be, as with Sonny Fortune's squealing alto sax lines on "Mambo Leah" or the ten-minute "Obatala," a rave-up that moves from an opening conga/bata duet through several sections into a hyper-tempo charanga. But it's not all along these lines: "Sheila" is just a mellow jazz ballad (not that there's anything wrong with that) while "Me and You Baby" and "Boogaloo Wow" are more in line with the boogaloo that was raking in the sales for Mongo and Columbia. It's nice that Mongo fans have an opportunity to hear it after the passage of 30 years, but it's difficult to say that it would have made any difference to the trajectory of his career had it appeared as Santamaria and Rubinson intended, although the success of Santana right after its cancellation might have helped draw attention to it. One of the songs, the aforementioned "Me and You Baby," did appear on the 1970 album All Strung Out; otherwise, everything else was previously unreleased. In addition, there are five bonus live tracks recorded in 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

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Reseña de Richie Unterberger
Santamaría grabó un álbum completo en marzo de 1969 que se inspiró en la religión afrocubana Santería con el estímulo del productor David Rubinson. Se hizo, sin embargo, en una época en que Santamaría estaba siendo comercializado por Columbia como un artista crossover de jazz-pop-soul. El sello rechazó el álbum y fue archivado hasta el año 2000, cuando finalmente apareció como un CD. Si bien es un disco sólido, y ciertamente más cercano a las raíces de Santamaría que gran parte de su trabajo en Columbia, sería difícil decir que su fracaso en aparecer cuando se hizo por primera vez fue una tragedia. En realidad, no es muy diferente del jazz latino menos orientado al soul-pop que Santamaría ha hecho a lo largo de su carrera. Tal vez sea a veces un poco más suelto y audaz de lo que Santamaría solía ser, como con las chirriantes líneas de saxo alto de Sonny Fortune en "Mambo Leah" o el "Obatala" de diez minutos, un delirio que se mueve de un dúo de conga/bata de apertura a través de varias secciones en una charanga hipertemporal. Pero no todo es en esta línea: "Sheila" es solo una suave balada de jazz (no es que haya nada de malo en eso), mientras que "Me and You Baby" y "Boogaloo Wow" están más en línea con el boogaloo que estaba acumulando ventas para Mongo y Columbia. Es bueno que los fanáticos de Mongo tengan la oportunidad de escucharlo después del paso de 30 años, pero es difícil decir que hubiera hecho alguna diferencia en la trayectoria de su carrera si hubiera aparecido como Santamaría y Rubinson pretendían, aunque el éxito de Santana justo después de su cancelación podría haber ayudado a llamar la atención sobre él. Una de las canciones, la mencionada "Me and You Baby", apareció en el álbum de 1970 All Strung Out; de lo contrario, todo lo demás era inédito. Además, hay cinco pistas extra en vivo grabadas en 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

Sabu Martinez • Safari With Sabu

 

Cecil Lloyd • A Night In Jamaica With Cecil Lloyd

 

Jamaican pianist and keyboardist.
https://www.discogs.com/artist/433402-Cecil-Lloyd

VA • Nu Yorica Roots! The Rise Of Latin Music In New York City In The 1960s

  

Review by John Bush
One of the best collections of Latin American music ever assembled, Nu Yorica Roots! compiles some of the funkiest Latin soul and, occasionally, traditional music recorded in the Big Apple during the 1960s and '70s. The disc definitely concentrates on groove tracks, with standout inclusions by Joe Cuba ("El Pito"), Ray Barretto ("Acid," "Together"), and Tito Puente ("Oye Como Va," "Tito on Timbales"). But Nu Yorica Roots! also salutes the more tribal, drum-centered facets of Latin music during the era, with Mongo Santamaria ("Druma Kuyi"), Eddie Palmieri ("My Spiritual Indian"), and Sabu Martinez ("The Oracle") paying homage to their Afro-Cuban roots with flair. Harvey Averne's swinging cover of "The Word" by the Beatles and Orchestra Harlow's dance novelty "Horsin' Up" are a bit silly (even if they're good representations of the Latin soul scene), but without exception, this compilation nails the late-'60s convergence of amazing Latin instrumentalists and more groove-centered black music around El Barrio in East Harlem. Though it's saying quite a bit, Nu Yorica Roots! is the finest compilation produced by the inestimably valuable reissue label Soul Jazz Records.
https://www.allmusic.com/album/nu-yorica-roots%21-the-rise-of-latin-music-in-new-york-city-in-the-1960s-mw0000454610

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Reseña de John Bush
Una de las mejores colecciones de música latinoamericana jamás reunida, Nu Yorica Roots! recopila algunos de los temas más funk del soul latino y, ocasionalmente, de la música tradicional grabada en la Gran Manzana durante las décadas de 1960 y 1970. El disco definitivamente se concentra en temas de groove, con inclusiones destacadas de Joe Cuba ("El Pito"), Ray Barretto ("Acid"," Together") y Tito Puente ("Oye Como Va","Tito on Timbales"). Pero Raíces Nu Yorica! también rinde homenaje a las facetas más tribales y centradas en el tambor de la música latina durante la época, con Mongo Santamaria ("Druma Kuyi"), Eddie Palmieri ("My Spiritual Indian") y Sabu Martinez ("The Oracle") rindiendo homenaje a sus raíces afrocubanas con estilo. La versión oscilante de Harvey Averne de "The Word" de the Beatles y la novedad de baile de Orchestra Harlow "Horsin' Up " son un poco tontas (incluso si son buenas representaciones de la escena del soul latino), pero sin excepción, esta compilación clava la convergencia de finales de los años 60 de increíbles instrumentistas latinos y música negra más centrada en el groove alrededor de El Barrio en East Harlem. Aunque es decir bastante, Nu Yorica Roots! es la mejor compilación producida por el inestimablemente valioso sello de reedición Soul Jazz Records.
https://www.allmusic.com/album/nu-yorica-roots%21-the-rise-of-latin-music-in-new-york-city-in-the-1960s-mw0000454610