Jackie McLean • Destination... Out

 

Review
by Thom Jurek  
Like Eric Dolphy before him, Jackie McLean sought to create a kind of vanguard "chamber jazz" that still had the blues feel and -- occasionally -- the groove of hard bop, though with rounded, moodier edges. Destination Out! was the album on which he found it. Still working with Grachan Moncur III and Bobby Hutcherson -- his direct spiritual connection to Dolphy -- McLean changed his rhythm section by employing drummer Roy Haynes and bassist Larry Ridley. This combination proved a perfect balance of the four elements. The program is four tunes, three of which were written by Moncur. If there was a perfect Blue Note session after John Coltrane's Blue Train, this was it. Opening with a ballad was a novel idea in 1966, but McLean uses Moncur's love and hate to reveal all the tonal possibilities within this group of musicians, and the textural interplay that exists in the heightened sense of form, time breaks, and rhythm changes. As begun on One Step Beyond, the notion of interval is key in this band, and an elemental part of Moncur's composition. The horn lines are spare, haunting, warm, and treated as textural elements by Hutcherson's vibes. On the tune "Esoteric," Hutcherson and Haynes throw complex rhythmic figures into the mix. Moncur's writing is angular, resembling Ornette's early-'60s melodic notions more than Coltrane's modal considerations. Hutcherson's solo amid the complex, knotty melodic frame is just sublime. "Khalil the Prophet" is McLean's only contribution compositionally to the album, but it's a fine one. Using a hard bop lyric and a shape-shifting sense of harmonic interplay between the three front-line players, McLean moves deeply into a blues groove without giving into mere 4/4 time structures. The architecture of his solo is wonderfully obtuse, playing an alternating series of eighths, 12ths, and even 16ths against Hutcherson's wide-open comping and arpeggio runs. The set ends with Moncur's "Riff Raff," a strolling blues that makes full use of counterpoint on the vibes. Moncur sets his solo against McLean's melodic engagement of Hutcherson, forcing both men into opposition positions that get resolved in a sultry, funky, shimmering blues groove. Of all of McLean's Blue Note dates, so many of which are classic jazz recordings, Destination Out! stands as the one that reveals the true soulfulness and complexity of his writing, arranging, and "singing" voice.
https://www.allmusic.com/album/destination-out%21-mw0000124614

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Reseña
por Thom Jurek  
Al igual que Eric Dolphy antes que él, Jackie McLean trató de crear una especie de "jazz de cámara" de vanguardia que todavía tenía la sensación de blues y - ocasionalmente - el groove del hard bop, aunque con bordes más redondeados y de humor. Destination Out! fue el álbum en el que lo encontró. Todavía trabajando con Grachan Moncur III y Bobby Hutcherson - su conexión espiritual directa con Dolphy - McLean cambió su sección rítmica empleando al baterista Roy Haynes y al bajista Larry Ridley. Esta combinación resultó ser un equilibrio perfecto de los cuatro elementos. El programa consta de cuatro temas, tres de los cuales fueron escritos por Moncur. Si hubo una sesión perfecta de Blue Note después de Blue Train de John Coltrane, fue ésta. Abrir con una balada era una idea novedosa en 1966, pero McLean utiliza el amor y el odio de Moncur para revelar todas las posibilidades tonales dentro de este grupo de músicos, y la interacción textural que existe en el elevado sentido de la forma, las rupturas de tiempo y los cambios de ritmo. Tal y como se inició en One Step Beyond, la noción de intervalo es clave en esta banda, y una parte elemental de la composición de Moncur. Las líneas de vientos son escasas, inquietantes y cálidas, y son tratadas como elementos de textura por los vibráfonos de Hutcherson. En el tema "Esoteric", Hutcherson y Haynes introducen complejas figuras rítmicas en la mezcla. La escritura de Moncur es angular, y se parece más a las nociones melódicas de Ornette de principios de los 60 que a las consideraciones modales de Coltrane. El solo de Hutcherson en medio del complejo y nudoso marco melódico es simplemente sublime. "Khalil the Prophet" es la única contribución de McLean a la composición del álbum, pero es muy buena. Utilizando una letra de hard bop y un sentido cambiante de la interacción armónica entre los tres músicos de primera línea, McLean se adentra profundamente en un ritmo de blues sin ceder a meras estructuras de tiempo de 4/4. La arquitectura de su solo es maravillosamente obtusa, tocando una serie alternada de octavas, duodécimas e incluso dieciseisavas contra los compases abiertos de Hutcherson y las ejecuciones de arpegio. El conjunto finaliza con "Riff Raff" de Moncur, un blues de paseo que hace pleno uso del contrapunto en los vibráfonos. Moncur contrapone su solo al compromiso melódico de McLean con Hutcherson, forzando a ambos hombres a adoptar posiciones opuestas que se resuelven en un groove de blues sensual, funky y brillante. De todos los trabajos de McLean en Blue Note, muchos de los cuales son grabaciones clásicas de jazz, Destination Out! es el que revela la verdadera conmoción y complejidad de su escritura, sus arreglos y su voz "cantante".
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Bobby Hutcherson • Happenings

Happenings is the first album to present Hutcherson as the featured soloist fronting a conventional rhythm section, instead of amongst the experimentally-inclined sextets and quintets he'd led and guested with before. These had produced, most notably, Eric Dolphy's Out To Lunch (Blue Note, 1964) and Hutcherson's own Dialogue (Blue Note, 1965), the latter featuring two new thing auteurs in pianist Andrew Hill and saxophonist Sam Rivers.

More tellingly, the choice of material on Happenings makes for a safer, more mainstream affair than its predecessors. Previously, Hutcherson had either guested with premier league composers like Dolphy, Archie Shepp and Grachan Moncur III, or—with his own bands—relied on other writers (Dialogue was almost entirely written by Hill).

Here all but one of the tunes (pianist Herbie Hancock's "Maiden Voyage") are unremarkable, in-the-tradition Hutcherson originals. With the exception of "The Omen," an ambitious, wannabe-conservatoire construction which isn't convincing, they're a competent but derivative mix of swingers, ballads and Latin tunes.

There is, however, some great playing on Happenings. Hancock's stomping, cluster-chord chromaticism on the opening "Aquarian Moon" is a highlight, as is Hutcherson's own solo on "Maiden Voyage," a track also distinguished by drummer Joe Chambers' metronomic but magically propulsive, centre-of-the-cymbal stick work. "When You Are Near," a classy ballad (though one in search of a good bridge), is arguably the strongest Hutcherson original. But at less than four minutes, it is, perversely, by far the shortest track.

A year and a half after Happenings, Hutcherson, Hancock and Chambers returned to similar territory with Oblique (Blue Note, 1967). Crucially, half the six tracks were written by Hancock and the magnificently quirky Chambers, and the music was raised several storeys as a result.

History rarely runs in an entirely straight line. In the midst of his early-1960s avant-garde endeavours, Hutcherson was a featured soloist in the sextet that recorded Grant Green's exquisitely mellifluous Idle Moments (Blue Note, 1963). Hutcherson revealed himself as a formidable mainstream lyricist, and Happenings, Oblique and much of the work that has followed can be traced back at least as far as Green's album.

https://www.allaboutjazz.com/happenings-bobby-hutcherson-blue-note-records-review-by-chris-may.php

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Traducción Automática:

Happenings es el primer álbum en presentar a Hutcherson como el solista destacado al frente de una sección de ritmo convencional, en lugar de entre los sextetos y quintetos con tendencias experimentales que él había dirigido e invitado antes. Éstos habían producido, sobre todo, Out To Lunch (Blue Note, 1964) de Eric Dolphy y el propio Diálogo (Blue Note, 1965) de Hutcherson, este último con dos autores nuevos en el pianista Andrew Hill y el saxofonista Sam Rivers.De manera más reveladora, la elección del material sobre Acontecimientos hace que sea un asunto más seguro y más convencional que sus predecesores. Anteriormente, Hutcherson había invitado con compositores de primera clase como Dolphy, Archie Shepp y Grachan Moncur III o, con sus propias bandas, confiaba en otros escritores (Dialogue fue escrito casi en su totalidad por Hill).Aquí, todas menos una de las melodías ("Maiden Voyage" de la pianista Herbie Hancock) son originales de Hutcherson, tradicionales en la tradición. Con la excepción de "The Omen", una construcción ambiciosa, aspirante a conservador que no es convincente, son una combinación competente pero derivada de swingers, baladas y melodías latinas.Hay, sin embargo, algunos grandes juegos en Happenings. El pisotón de Hancock, el cromaticismo de grupo en la apertura "Aquarian Moon" es un punto culminante, como lo es el propio solo de Hutcherson en "Maiden Voyage", una pista que también se distingue por el metronómico baterista de Joe Chambers, centro de los platillos. trabajo de palo "When You Are Near", una balada con clase (aunque una en busca de un buen puente), es posiblemente el original más fuerte de Hutcherson. Pero a menos de cuatro minutos, es, perversamente, la pista más corta.Un año y medio después de Happenings, Hutcherson, Hancock y Chambers regresaron a un territorio similar con Oblique (Blue Note, 1967). De manera crucial, la mitad de las seis pistas fueron escritas por Hancock y las magníficamente extravagantes Chambers, y la música se elevó a varios pisos como resultado.La historia rara vez corre en línea recta. En medio de sus esfuerzos vanguardistas de los primeros años de la década de 1960, Hutcherson era un solista destacado en el sexteto que grababa los Momentos idéleos exquisitamente melifluos de Grant Green (Blue Note, 1963). Hutcherson se reveló a sí mismo como un formidable letrista principal, y Happenings, Oblique y gran parte del trabajo que siguió se remontan al menos hasta el álbum de Green.

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Dexter Gordon • Gettin' Around

 

An arterial link between Lester Young and the hard bop tenor saxophonists of the late '50s and early '60s, Dexter Gordon's brilliance and significance are today remembered mostly as an afterthought. Partly this is Gordon's own fault: after his prolific vanguard activities of the '40s, the '50s were for him a wasteland of heroin addiction, with few recording sessions or landmark live appearances. He's off the page of most jazz chronicles from the period.

Happily, though, Gordon's most on-fire recordings survive. Gettin' Around was made during his unexpected and magnificent renaissance on Blue Note in the mid '60s. Its inclusion in the Rudy Van Gelder remaster programme is great news for anyone who enjoys the eternal verities of American jazz—and who relishes in particular the tenor saxophonist as unruly sonic gunslinger.

Gordon's playing was an extension of his six and a half foot stature. His sound was big, his notes were big, and his lyricism was rough-hewn. His influences were one part Young and one part Charlie Parker. From Parker he took a hard and deliberate tone, vibrato-less except in the most intimate moments, and from Young he took a horizontal approach to improvisation, though gruffer and more bass register-rooted. Drop all that into the studio along with the rhythm section that helped make Lee Morgan's The Sidewinder as bad-ass as it was, stir in rising vibraphone star Bobby Hutcherson, and you have real voodou.

Most of the album is mid to up-tempo, hot, broad, careless, exuberant, and vigorously swinging. The pieces range from the wittily codified bossa nova "Manha De Carnaval" to the booting romps "Heartaches" and "Shiny Stockings" and the ten-minute blues jam "Flick Of A Trick." Gordon's only original, the pretty and balletic "Le Coiffeur," is clearly influenced by French chanson—by the time this album was recorded, Gordon had been resident in Europe for three years—but the only real ballad is "Who Can I Turn To" (check the vibrato-as-foreplay). The leader takes most of the solo space, but Harris and Hutcherson each get chances to shine. Harris' solo on "Le Coiffeur" is lovely, as are Hutcherson's pre-Leary but trippy sonics on "Flick Of A Trick."

Along with '63's Our Man In Paris and the original '61 comeback album Doin' Alright, this is one of three immortal works in the Gordon canon.
By Chris May
February 14, 2006
https://www.allaboutjazz.com/gettin-around-dexter-gordon-blue-note-records-review-by-chris-may



Review by Michael G. Nastos
Dexter Gordon's mid-'60s period living in Europe also meant coming back to the U.S. for the occasional recording session. His teaming with Bobby Hutcherson was intriguing in that the vibraphonist was marking his territory as a maverick and challenging improviser. Here the two principals prove compatible in that they have a shared sense of how to create sheer beauty in a post-bop world. Add the brilliant Barry Harris to this mix, and that world is fortunate enough to hear these grand masters at their creative peak, stoked by equally extraordinary sidemen like bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins, all on loan from Lee Morgan's hitmaking combo. The subtle manner in which Gordon plays melodies or caresses the most recognizable standard has always superseded his ability to ramble through rough-and-tumble bebop. It's hard to resist how Gordon massages the light and sweet bossa nova "Manha de Carnaval" hand in hand with Hutcherson, the heartfelt way "Who Can I Turn To?" or "Everybody's Somebody's Fool" is turned into a personalized statement, or how the co-leaders take Frank Foster's Count Basie staple, "Shiny Stockings," beyond a classic and into immortal territory. Where Gordon and Hutcherson's true strength lies is in their ability to listen and balance their sound into a unified whole beyond any other tenor sax-vibraphone combination you might care to name, unless it's Hutch's partnership in the ensuing years with Harold Land. Picking up on a Sonny Rollins idea, "Heartaches" is a loping cowboy-type swinger with some lustrous comping from Hutcherson and Harris, while the light, cat-prancing "Le Coiffeur" is the highlight among highlights, a stealth calypso with Gordon's deftly rendered staccato notation. One has to listen closer to the pianist on this date, as he buoys the others without demanding equal space, but he is just as reverberant. While this is not Gordon's ultimate hard bop date, it is reflective of his cooling out in Europe, adopting a tonal emphasis more under the surface than in your face. It's not essential, but quite enjoyable, and does mark a turning point in his illustrious career. [The CD version contains two bonus tracks, including the Onzy Matthews composition "Very Saxily Yours" with a melody very similar to "Shiny Stockings," Hutcherson alone during a second chorus, and a classy quarter-to-eighth note solo by Gordon. Ben Tucker's "Flick of a Trick" is added on, an 11-minute groove blues that lets Harris cut loose, digging in after-hours style.]
https://www.allmusic.com/album/gettin-around-mw0000188091

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Eslabón arterial entre Lester Young y los saxofonistas tenores del hard bop de finales de los 50 y principios de los 60, la brillantez y trascendencia de Dexter Gordon se recuerdan hoy en día sobre todo como algo secundario. En parte, esto es culpa del propio Gordon: después de sus prolíficas actividades vanguardistas de los años 40, los 50 fueron para él un páramo de adicción a la heroína, con pocas sesiones de grabación o apariciones históricas en directo. No aparece en la mayoría de las crónicas de jazz de la época.

Afortunadamente, se conservan las grabaciones más ardientes de Gordon. Gettin' Around se grabó durante su inesperado y magnífico renacimiento en Blue Note a mediados de los años sesenta. Su inclusión en el programa de remasterizaciones de Rudy Van Gelder es una gran noticia para cualquiera que disfrute de las eternas verdades del jazz americano y que disfrute en particular del saxofonista tenor como pistolero sónico rebelde.

La forma de tocar de Gordon era una extensión de su estatura de dos metros y medio. Su sonido era grande, sus notas eran grandes y su lirismo era áspero. Sus influencias eran en parte Young y en parte Charlie Parker. De Parker tomó un tono duro y deliberado, sin vibrato salvo en los momentos más íntimos, y de Young adoptó un enfoque horizontal de la improvisación, aunque más rudo y arraigado en el registro grave. Pon todo eso en el estudio junto con la sección rítmica que ayudó a que The Sidewinder de Lee Morgan fuera tan malo como era, añade a la estrella emergente del vibráfono Bobby Hutcherson, y tendrás un auténtico voodou.

La mayor parte del álbum es de medio a alto tempo, ardiente, amplio, descuidado, exuberante y vigorosamente oscilante. Las piezas van desde la ingeniosamente codificada bossa nova "Manha De Carnaval" a las rompedoras "Heartaches" y "Shiny Stockings" y el blues jam de diez minutos "Flick Of A Trick". La única canción original de Gordon, la bonita y balletística "Le Coiffeur", está claramente influenciada por la chanson francesa (cuando se grabó este álbum, Gordon había residido en Europa durante tres años), pero la única balada real es "Who Can I Turn To" (comprueba el vibrato). El líder ocupa la mayor parte del espacio solista, pero Harris y Hutcherson tienen oportunidades para brillar. El solo de Harris en "Le Coiffeur" es encantador, al igual que los sonidos pre-Leary pero triposos de Hutcherson en "Flick Of A Trick".

Junto con Our Man In Paris (63) y el álbum original de regreso Doin' Alright (61), ésta es una de las tres obras inmortales del canon de Gordon.
Por Chris May
14 de febrero de 2006
https://www.allaboutjazz.com/gettin-around-dexter-gordon-blue-note-records-review-by-chris-may



Reseña de Michael G. Nastos
El periodo en que Dexter Gordon vivió en Europa a mediados de los 60 también significó su regreso a los EE.UU. para alguna que otra sesión de grabación. Su asociación con Bobby Hutcherson fue intrigante en el sentido de que el vibrafonista estaba marcando su territorio como improvisador inconformista y desafiante. Aquí los dos principales demuestran ser compatibles en el sentido compartido de cómo crear pura belleza en un mundo post-bop. Si añadimos al brillante Barry Harris a esta mezcla, el mundo tiene la suerte de escuchar a estos grandes maestros en su apogeo creativo, avivados por acompañantes igualmente extraordinarios como el bajista Bob Cranshaw y el batería Billy Higgins, todos ellos cedidos por el exitoso combo de Lee Morgan. La sutileza con la que Gordon interpreta las melodías o acaricia los estándares más reconocibles siempre ha superado a su habilidad para divagar a través del bebop áspero y agitado. Es difícil resistirse a la forma en que Gordon masajea la ligera y dulce bossa nova "Manha de Carnaval" mano a mano con Hutcherson, la sentida forma en que "Who Can I Turn To?" o "Everybody's Somebody's Fool" se convierten en una declaración personalizada, o cómo los colíderes llevan el clásico de Count Basie de Frank Foster, "Shiny Stockings", más allá de un clásico y hacia territorio inmortal. Donde reside la verdadera fuerza de Gordon y Hutcherson es en su capacidad para escuchar y equilibrar su sonido en un todo unificado más allá de cualquier otra combinación de saxo tenor y vibráfono que se pueda nombrar, a menos que sea la asociación de Hutch en los años posteriores con Harold Land. Retomando una idea de Sonny Rollins, "Heartaches" es un vaquero de ritmo lento con algunas lustrosas composiciones de Hutcherson y Harris, mientras que "Le Coiffeur" es el punto culminante entre los puntos culminantes, un calipso sigiloso con la hábil notación staccato de Gordon. Hay que escuchar más de cerca al pianista en esta cita, ya que anima a los demás sin exigir el mismo espacio, pero es igual de reverberante. Aunque ésta no es la última cita hard bop de Gordon, refleja su enfriamiento en Europa, adoptando un énfasis tonal más bajo la superficie que en la cara. No es esencial, pero sí muy disfrutable, y marca un punto de inflexión en su ilustre carrera. [La versión en CD contiene dos temas extra, incluyendo la composición de Onzy Matthews "Very Saxily Yours" con una melodía muy similar a "Shiny Stockings", Hutcherson solo durante un segundo estribillo, y un elegante solo de cuarto de corchea de Gordon. Se añade "Flick of a Trick" de Ben Tucker, un groove blues de 11 minutos que deja a Harris suelto, cavando al estilo after-hours].
https://www.allmusic.com/album/gettin-around-mw0000188091

McCoy Tyner • Time For Tyner

  

Review by Scott Yanow
Time for Tyner finds pianist McCoy Tyner with vibraphonist Bobby Hutcherson, bassist Herbie Lewis, and drummer Freddie Waits. Tyner and Hutcherson blend together quite well on the first three tracks from the original program (all Tyner originals), and both display expertise at coming up with inventive ideas over modal vamps. The other three selections are veteran standards. "I Didn't Know What Time It Was" is taken by the full quartet, Hutcherson sits out on "Surrey with the Fringe on Top," and a rhapsodic "I've Grown Accustomed to Your Face" is a piano solo. A fine all-round showcase for McCoy Tyner in the late '60s.
https://www.allmusic.com/album/time-for-tyner-mw0000194022


Review by allaboutjazz
With the release of the latest batch of Rudy Van Gelder Blue Note reissues comes the opportunity to hear vibraphonist Bobby Hutcherson on two sessions that demonstrate just how flexible he is—something that continues to define him to this day on projects like the recently-released SFJazz Collective. But unlike SFJazz, which is a true cooperative ensemble, we're talking about Hutcherson the sideman on the '64 date that would become pianist Andrew Hill's Judgement, and here, on pianist McCoy Tyner's '68 session Time for Tyner.

Both sessions are quartet dates featuring vibes, piano, bass, and drums—in this case the rhythm section consists of bassist Herbie Lewis and drummer Freddie Waits. Waits comes to mind these days more as the father of drummer Nasheet Waits, but he was an equally versatile player who appeared on numerous sessions for Tyner, Hubert Laws, Hill, and others before his untimely passing in '89 at the age of 46. The teaming of two chordal instruments raises the possibility of some toe-stepping, but Hutcherson, unlike Gary Burton who emerged around the same time, was always a more linear player. And so while this is texturally lighter than dates featuring a horn in the front line, Hutcherson plays a similar role.

Time for Tyner is situated between two '67 releases, the quartet classic The Real McCoy and octet Tender Moments, and the less-reputed but equally significant Expansions—recorded a scant three months later with the same rhythm section, but featuring a three-horn front line and Ron Carter on cello. It distinguishes itself as the only session from that two-year period which is not weighted heavily towards Tyner originals.

Tyner's three originals here are characteristic of his writing at the time, logical expansions on the modal approach he honed in his years with John Coltrane. They are equally indicative of why he ultimately left the saxophonist in '65, with Coltrane's shift towards completely unstructured form becoming too extreme for Tyner's more down-the-middle disposition. Still, while songs like the three-over-four polyrhythmic "African Village and the more rhythmically straightforward "Little Madimba may not feel particularly innovative forty years later, with Tyner ultimately becoming one of the most influential pianists to emerge in the last half-century, they're certainly still compelling enough, as is the up-tempo swing of "May Street.

More telling is his take on three standards. Tyner adds a whole-tone vamp to break up the more familiar refrains of "I Didn't Know What Time It Was, while "The Surrey With the Fringe on Top, pared down to a trio, is taken at an uncharacteristically fast tempo with a middle section that returns to modal terrain. The album closes with an open-ended solo rendition of "I've Grown Accustomed to Her Face that demonstrates just how liberal Tyner could be within a mainstream context.

While the ensuing years have proven Time for Tyner to be more of a way station than a push forward, it's still fully deserving of the Van Gelder remaster treatment. It's also proof that Tyner's ability to reinvent standards was certainly on par with his own compositional acumen.
By John Kelman
September 19, 2005
https://www.allaboutjazz.com/time-for-tyner-mccoy-tyner-blue-note-records-review-by-john-kelman

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Reseña de Scott Yanow
Time for Tyner reúne al pianista McCoy Tyner con el vibrafonista Bobby Hutcherson, el bajista Herbie Lewis y el batería Freddie Waits. Tyner y Hutcherson se compenetran bastante bien en los tres primeros temas del programa original (todos originales de Tyner), y ambos demuestran su pericia a la hora de aportar ideas inventivas sobre los vamps modales. Las otras tres selecciones son estándares veteranos. "I Didn't Know What Time It Was" es interpretada por el cuarteto al completo, Hutcherson participa en "Surrey with the Fringe on Top" y la rapsódica "I've Grown Accustomed to Your Face" es un solo de piano. Un buen escaparate para McCoy Tyner a finales de los 60.
https://www.allmusic.com/album/time-for-tyner-mw0000194022


Reseña de allaboutjazz
Con la publicación del último lote de reediciones de Blue Note de Rudy Van Gelder llega la oportunidad de escuchar al vibrafonista Bobby Hutcherson en dos sesiones que demuestran lo flexible que es, algo que le sigue definiendo hasta hoy en proyectos como el recientemente publicado SFJazz Collective. Pero a diferencia de SFJazz, que es un verdadero conjunto cooperativo, estamos hablando de Hutcherson el sideman en la fecha de '64 que se convertiría en Judgement del pianista Andrew Hill, y aquí, en la sesión de '68 Time for Tyner del pianista McCoy Tyner.

Ambas sesiones son citas de cuarteto con vibráfono, piano, bajo y batería; en este caso, la sección rítmica está formada por el bajista Herbie Lewis y el batería Freddie Waits. A Waits se le recuerda más como el padre del batería Nasheet Waits, pero fue un músico igualmente versátil que participó en numerosas sesiones para Tyner, Hubert Laws, Hill y otros antes de su prematuro fallecimiento en el 89 a la edad de 46 años. La combinación de dos instrumentos de acordes plantea la posibilidad de algunos toe-stepping, pero Hutcherson, a diferencia de Gary Burton, que surgió en la misma época, siempre fue un músico más lineal. Y así, aunque esto es texturalmente más ligero que las fechas con un cuerno en primera línea, Hutcherson desempeña un papel similar.

Time for Tyner se sitúa entre dos lanzamientos del 67, el clásico cuarteto The Real McCoy y el octeto Tender Moments, y el menos reputado pero igualmente significativo Expansions, grabado apenas tres meses después con la misma sección rítmica, pero con tres trompas al frente y Ron Carter al violonchelo. Se distingue por ser la única sesión de ese periodo de dos años en la que no predominan los originales de Tyner.

Los tres temas originales de Tyner son característicos de su estilo en aquella época, expansiones lógicas del enfoque modal que perfeccionó en sus años con John Coltrane. Son igualmente indicativos de por qué finalmente abandonó al saxofonista en el 65, ya que el giro de Coltrane hacia una forma completamente desestructurada se volvió demasiado extremo para la disposición más relajada de Tyner. Aún así, aunque canciones como la polirrítmica "African Village" y la rítmicamente más sencilla "Little Madimba" no parezcan especialmente innovadoras cuarenta años después, cuando Tyner se ha convertido en uno de los pianistas más influyentes del último medio siglo, siguen siendo lo suficientemente convincentes, como lo es el swing de "May Street".

Más reveladora es su versión de tres estándares. Tyner añade un vampiro de tonos enteros para romper los estribillos más familiares de "I Didn't Know What Time It Was", mientras que "The Surrey With the Fringe on Top", reducida a un trío, se interpreta a un tempo inusualmente rápido con una sección central que vuelve al terreno modal. El álbum se cierra con una interpretación en solitario de "I've Grown Accustomed to Her Face" que demuestra lo liberal que podía ser Tyner en un contexto convencional.

Aunque los años siguientes han demostrado que Time for Tyner es más una estación de paso que un impulso hacia adelante, sigue mereciendo plenamente el tratamiento de remasterización de Van Gelder. También es la prueba de que la capacidad de Tyner para reinventar los estándares estaba ciertamente a la altura de su propia perspicacia compositiva.
Por John Kelman
19 de septiembre de 2005
https://www.allaboutjazz.com/time-for-tyner-mccoy-tyner-blue-note-records-review-by-john-kelman

Bobby Hutcherson • Montara

 

Review from AllMusic (by Thom Jurek):
With the possible exception of Grover Washington's Feels So Good, no other album captured the spirit of jazz in 1975 like Bobby Hutcherson's Montara. Recorded in his hometown of L.A., Montara is the very sound of groove jazz coming out of fusion, and Latin jazz's tough salsa rhythms coming home to roost in something more warm and effluvial that would meet the populace where it was changing and mellowing out rather than making it sit up and take notice. That said, Montara is, like the Washington record, a masterpiece of the genre even though it isn't celebrated in the same way. Featuring a stellar cast of musicians -- among them Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash, and Chuck Domanico -- Montara is a portrait of Hutcherson's complex gift of subtlety and virtuosity. Whether it's the funky Weather Report dance of "Camel Rise," with Nash's electric piano and the horns weaving around one another in a soulful samba melody, the sweet soulful groove of the title track, where Hutcherson's solo lilts to the point of actually singing, the killer Cuban salsa of "La Malanga," done in complete minor-key frenzy (all the while without losing the easy, slippery grace of soul-jazz), the shimmering echoplexed electric piano and vibes interplay on "Love Song," or the steaming, burning gasoline orgy of Hutcherson's read of Santana's "Oye Como Va," with a killer flute line by Watts winding its way through a knotty bassline and multi-part percussion, the effect is the same: blissed-out moving and grooving for a summer day. Hutcherson's chameleon-like ability to shape-shift is truly remarkable as a sideman and especially as a leader. He never overplays, his charts are tight, and he always creates a band vibe. Almost all of his solo recordings reflect the strengths of the ensemble rather than his strengths as a soloist. Montara is one of the great feel-good jazz albums of the 1970s, one of the great Latin jazz albums of the 1970s, and one of the great groove jazz records. Seek it out without hesitation.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

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Reseña de AllMusic (por Thom Jurek):
Con la posible excepción de Feels So Good de Grover Washington, ningún otro álbum capturó el espíritu del jazz en 1975 como el Montara de Bobby Hutcherson. Grabado en su ciudad natal de Los Ángeles, Montara es el sonido mismo del groove jazz saliendo de la fusión, y los duros ritmos de salsa del jazz latino volviendo a casa para anidar en algo más cálido y efluente que se encontraría con el público donde se estaba transformando y relajando, en lugar de obligarlo a prestar atención. Dicho esto, Montara es, como el disco de Washington, una obra maestra del género aunque no sea celebrada de la misma manera. Con un elenco estelar de músicos — entre ellos Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash y Chuck Domanico — Montara es un retrato del complejo don de sutileza y virtuosismo de Hutcherson. Ya sea la danza funky al estilo Weather Report de "Camel Rise", con el piano eléctrico de Nash y los vientos entretejidos en una melodía de samba llena de alma, el dulce y anímico groove del tema titular, donde el solo de Hutcherson se inclina hasta el punto de realmente cantar, la asesina salsa cubana de "La Malanga", ejecutada en una frenética tonalidad menor (sin perder en ningún momento la gracia fácil y resbaladiza del soul-jazz), el interplay reluciente de piano eléctrico con echoplex y vibráfono en "Love Song", o la orgia de gasolina ardiente y humeante de la lectura de Hutcherson de "Oye Como Va" de Santana, con una línea de flauta asesina de Watts serpenteando a través de una línea de bajo intrincada y percusión de múltiples partes, el efecto es el mismo: un éxtasis de movimiento y groove para un día de verano. La capacidad camaleónica de Hutcherson para transformarse es verdaderamente notable tanto como sideman como especialmente como líder. Nunca toca de más, sus arreglos son ajustados y siempre crea un ambiente de banda. Casi todas sus grabaciones en solitario reflejan las fortalezas del ensemble más que las suyas como solista. Montara es uno de los grandes discos de jazz de buen rollo de los años 70, uno de los grandes discos de jazz latino de los años 70, y uno de los grandes discos de groove jazz. Búscalo sin vacilar.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

Harold Land • The Peace-Maker

 

 

 

Biography
by Matt Collar
Texas-born tenor saxophonist Harold Land was an adept stylist whose sound brought together the big swinging tone and edgy harmonics of the hard bop era with the warm lyricism and dusky romance of the West Coast, where he spent much of his life. A member of the celebrated Clifford Brown and Max Roach Quintet, Land also enjoyed a vibrant solo career, releasing albums like 1959's The Fox, 1963's Jazz Impressions of Folk Music, and 1968's The Peace-Maker, the latter of which introduced his long-running quintet with vibraphonist Bobby Hutcherson. He also worked with luminaries like Wes Montgomery, Thelonious Monk, Hampton Hawes, and Red Mitchell, and was a member of the Gerald Wilson Orchestra. Influenced by John Coltrane, his playing grew more exploratory throughout the '60s and '70s, yet he never lost his swinging, melodic style as evidenced by such late-career albums as 1995's A Lazy Afternoon and 2001's A Promised Land.

Born in 1928 in Houston, Texas, Land grew up in San Diego, where he started playing sax at age 16. He made his recorded debut for Savoy in 1949 leading his All-Stars with Leon Petties, Froebel Brigham, and others. Following a move to Los Angeles in the mid-'50s, he joined the Max Roach-Clifford Brown quintet, replacing Teddy Edwards. Land stayed in the group for over a year, appearing on such classic albums as 1954's Brown and Roach Incorporated and 1955's Study in Brown. He then left the group to play with Curtis Counce from 1956 to 1958, during which time he recorded with the bassist for labels like Contemporary and Dooto. There were also sessions with Herb Geller, Cal Tjader, Victor Feldman, and others.

As a leader, Land made his debut with 1958's Harold in the Land of Jazz, playing alongside trumpeter Rolf Ericson, pianist Carl Perkins, bassist Leroy Vinnegar, and drummer Frank Butler. A year later, he returned with The Fox, an superb quintet set with trumpeter Dupree Bolton and pianist Elmo Hope. By the '60s, Land was dividing his time between leading his own groups, as with bassist Red Mitchell on 1961's Hear Ye!, and playing with bandleader Gerald Wilson and his orchestra. In 1963, he showcased his wide-ranging taste reinterpreting traditional folk songs like "Tom Dooley" and "On Top of Old Smokey" on Jazz Impressions of Folk Music. There were also dates with Wes Montgomery and Kenny Dorham for Jazzland, and sessions with such notable players as Carmell Jones, Bud Shank, Gary Peacock, and Thelonious Monk, among others.

While Land never went completely avant-garde, he did expand his approach throughout the '60s, influenced by the work of John Coltrane and other progressive players. He formed a lasting quintet with vibraphonist Bobby Hutcherson which they debuted on 1968's The Peace-Maker and continued through the early '70s. Land also co-led a group with trumpeter Blue Mitchell from 1975 to 1978, recording albums like 1977's Mapenzi.

Beginning in the early '80s, he and Hutcherson often appeared as members of the Timeless All Stars, a group of veteran players connected to the Timeless label, also featuring pianist Cedar Walton, trombonist Curtis Fuller, bassist Buster Williams, and drummer Billy Higgins. Though his own recording slowed in the '80s (he released 1981's Xocia's Dance), Land continued his association with the Gerald Wilson Orchestra and performed live, often working with his son pianist Harold Land, Jr. He also moved into education, working as a professor at the University of California, Los Angeles. He also joined guitarist Kenny Burrell's UCLA Jazz Studies Program. In 1995, he released A Lazy Afternoon, a lush orchestral album featuring arrangements by Ray Ellis. Following a long recording hiatus, Land returned in March 2001 with Promised Land, a hard-swinging quartet date featuring pianist Mulgrew Miller, bassist Ray Drummond, and drummer Billy Higgins. Land died in July 2001 after suffering a stroke at the age of 72.
https://www.allmusic.com/artist/harold-land-mn0000665944/biography

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Biografía
por Matt Collar
El saxofonista tenor Harold Land, nacido en Texas, era un experto estilista cuyo sonido aunaba el gran swing y la agresiva armónica de la era del hard bop con el cálido lirismo y el oscuro romanticismo de la costa oeste, donde pasó gran parte de su vida. Miembro de los célebres Clifford Brown y Max Roach Quintet, Land también disfrutó de una vibrante carrera en solitario, publicando álbumes como The Fox (1959), Jazz Impressions of Folk Music (1963) y The Peace-Maker (1968), este último en el que presentó su quinteto de larga duración con el vibrafonista Bobby Hutcherson. También trabajó con luminarias como Wes Montgomery, Thelonious Monk, Hampton Hawes y Red Mitchell, y fue miembro de la Gerald Wilson Orchestra. Influido por John Coltrane, su forma de tocar se hizo más exploratoria durante los años 60 y 70, aunque nunca perdió su estilo melódico y oscilante, como demuestran álbumes de finales de su carrera como A Lazy Afternoon, de 1995, y A Promised Land, de 2001.

Nacido en 1928 en Houston (Texas), Land creció en San Diego, donde empezó a tocar el saxo a los 16 años. Hizo su debut discográfico para Savoy en 1949 al frente de sus All-Stars con Leon Petties, Froebel Brigham y otros. Tras trasladarse a Los Ángeles a mediados de los 50, se unió al quinteto Max Roach-Clifford Brown, sustituyendo a Teddy Edwards. Land permaneció en el grupo durante más de un año, apareciendo en álbumes clásicos como Brown and Roach Incorporated, de 1954, y Study in Brown, de 1955. Después dejó el grupo para tocar con Curtis Counce de 1956 a 1958, periodo durante el cual grabó con el bajista para sellos como Contemporary y Dooto. También hubo sesiones con Herb Geller, Cal Tjader, Victor Feldman y otros.

Como líder, Land debutó con Harold in the Land of Jazz en 1958, tocando junto al trompetista Rolf Ericson, el pianista Carl Perkins, el bajista Leroy Vinnegar y el batería Frank Butler. Un año después, volvió con The Fox, un magnífico quinteto con el trompetista Dupree Bolton y el pianista Elmo Hope. En los años 60, Land dividía su tiempo entre dirigir sus propios grupos, como con el bajista Red Mitchell en Hear Ye! de 1961, y tocar con el director de orquesta Gerald Wilson y su orquesta. En 1963, mostró su amplio gusto reinterpretando canciones folk tradicionales como "Tom Dooley" y "On Top of Old Smokey" en Jazz Impressions of Folk Music. También colaboró con Wes Montgomery y Kenny Dorham en Jazzland, y en sesiones con músicos tan notables como Carmell Jones, Bud Shank, Gary Peacock y Thelonious Monk, entre otros.

Aunque Land nunca se volvió completamente vanguardista, amplió su enfoque a lo largo de los años 60, influido por el trabajo de John Coltrane y otros músicos progresivos. Formó un quinteto duradero con el vibrafonista Bobby Hutcherson, con el que debutó en The Peace-Maker, de 1968, y que continuó hasta principios de los setenta. Land también codirigió un grupo con el trompetista Blue Mitchell de 1975 a 1978, con el que grabó álbumes como Mapenzi, de 1977.

A principios de los 80, él y Hutcherson aparecieron a menudo como miembros de Timeless All Stars, un grupo de veteranos vinculados al sello Timeless, en el que también figuraban el pianista Cedar Walton, el trombonista Curtis Fuller, el bajista Buster Williams y el batería Billy Higgins. Aunque su actividad discográfica se ralentizó en los años 80 (en 1981 publicó Xocia's Dance), Land continuó su asociación con la Gerald Wilson Orchestra y actuó en directo, a menudo trabajando con su hijo, el pianista Harold Land, Jr. También se dedicó a la educación, trabajando como profesor en la Universidad de California, Los Ángeles. También se unió al Programa de Estudios de Jazz de la UCLA del guitarrista Kenny Burrell. En 1995, publicó A Lazy Afternoon, un exuberante álbum orquestal con arreglos de Ray Ellis. Tras un largo paréntesis discográfico, Land regresó en marzo de 2001 con Promised Land, una dura cita en cuarteto con el pianista Mulgrew Miller, el bajista Ray Drummond y el batería Billy Higgins. Land falleció en julio de 2001 tras sufrir un derrame cerebral a la edad de 72 años.
https://www.allmusic.com/artist/harold-land-mn0000665944/biography

VA • The Hard Bop Years - Rudy Van Gelder Masters

 

Compilation of RVG's masters, 99 tracks.

Art Blakey, Grant Green, Wayne Shorter, Bobby Hutcherson, Kenny Burrell, Cannonball Adderley, Ike Quebec, Jimmy Smith, Joe Henderson, Horace Silver, Sonny Rollins, Clifford Jordan, Blue Mitchell, Thelonious Monk, J.J. Johnson, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Lou Donaldson, Dexter Gordon, Stanley Turrentine ...

VA ‎• Blue Funk

Brother Jack McDuff, Blue Mitchell, Lou Donaldson, John Patton, Grant Green, Candido, Richard ''Groove'' Holmes, Ronnie Foster, Reuben Wilson, Bobby Hutcherson.

 

 

Billy Mitchell • This Is Billy Mitchell

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Although the tenor saxophonist is in typically fine form on six obscurities and two standards ("Sophisticated Lady" and "You Turned the Tables On Me"), this record's main significance is that it features the young vibraphonist Bobby Hutcherson, who was virtually at the beginning of his career. Five of the eight songs also include trumpeter Dave Burns, pianist Billy Wallace, bassist Herman Wright and drummer Otis Finch, while the other numbers have organist Sleepy Anderson in place of Wallace and Burns. Mainstream hard bop of the era.
https://www.allmusic.com/album/this-is-billy-mitchell-featuring-bobby-hutcherson-mw0000028852

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Aunque el saxofonista tenor está en forma típicamente excelente en seis piezas oscuras y dos estándares ("Sophisticated Lady" y "You Turned the Tables On Me"), la significancia principal de este disco es que presenta al joven vibrafonista Bobby Hutcherson, quien estaba virtualmente al comienzo de su carrera. Cinco de las ocho canciones también incluyen al trompetista Dave Burns, el pianista Billy Wallace, el bajista Herman Wright y el baterista Otis Finch, mientras que los otros números tienen al organista Sleepy Anderson en lugar de Wallace y Burns. Hard bop convencional de la época.
https://www.allmusic.com/album/this-is-billy-mitchell-featuring-bobby-hutcherson-mw0000028852

Dexter Gordon - Sophisticated Giant

 

Curtis Amy • Mosaic Select

 

Review by Thom Jurek
Of all the volumes in the Mosaic Select series -- as of this writing there are eight -- none is more welcome or unexpected than this set by the late saxophonist, composer, and arranger, Curtis Amy. What these three CDs contain are Amy's entire six-album output for the Pacific Jazz label which includes his masterpiece, Katanga!. Amy's star continued to shine in different contexts after he left the label, as a tough tenor with Gerald Wilson and Ray Charles, as a soloist on the Doors' Soft Parade and L.A. Woman albums, and of course, as an arranger and bandleader in R&B singer Merry Clayton's group (the pair were married). 
But it is the material here which cements Amy's place in the jazz pantheon. Amy hailed from Houston, and is very much a part of the rich and varied Texas tenor tradition. He migrated to Los Angeles to work, and fronted numerous soul-jazz bands there before recording these six albums for Pacific Jazz. The titles include the Blues Message and Meetin' Here (co-led with organist Paul Bryant), Groovin' Blue (co-led with drummer Frank Butler), and Way Down, Tippin' on Through, and Katanga! (the latter three as a solo leader), all of them issued between 1960 and 1963. The first three albums in this set offer the view of Amy as a bluesed-out soul wailer in a scene dominated by the latter heyday of cool jazzers and West Coast hard boppers. The players on these three recordings offered a glimpse into the deep R&B roots of the Sunset Strip jazz club scene: along with Bryant and Butler, trombonist Roy Brewster, drummer Jimmy Miller, Bobby Hutcherson on vibes, and bassists Jimmy Bond and Clarence Jones played on these sessions, all of them stalwarts on that steaming but criminally undocumented scene. The fourth album in the set, Way Down, features some new faces, most notably Marcus Belgrave before his stint with Charles Mingus, and vibist Roy Ayers before he went solo. Other players on the date include bassist George Morrow, and pianist Victor Feldman. Tippin' on Through is a Live at the Lighthouse date, and Amy pulled out all the stops with Larance Marable, Brewster, Bobby Whitlock, and pianist John Houston. On all of these sessions, Amy is deeply rooted in the rhythm and blues and soul traditions of the Texas tenors. His combo work is restricted rhythmically perhaps, but it is harmonically brilliant in the way it stretches these forms to the breaking point at the front line, and the pieces on the live set dovetail and turn back on themselves -- dig the large modal frames Houston lays down under Ayers' vibes: Ayers then extrapolates them for the horns to jump off from. Texturally too, the way solos are layered and dovetail and turn back on themselves dynamically is quite remarkable, in that many of the New York soul-jazz dates didn't get to this place until 1966 or so. Finally, Amy was already deeply under the sway of Coltrane on Tippin' on Through: his own solos take the modal approach, and wind around one or two phrases and blow them from the inside out, exploding into torrents of sound without moving away from the blues. 
Katanga! is a case in point all by itself. It remains a jazz classic for its wondrously extrapolated and striated harmonics, its knotty sense of interval, and Amy's melodic sophistication, which was deeply saturated with Latin and African scalar considerations. This set also features the trumpet playing of the little-known and under-recorded Dupree Bolton, the elegant funk of guitarist Ray Crawford, and features Amy on soprano, an instrument that he mastered and became an original voice on, despite the fact that he had played it for such a brief time previous to this session. Here, despite the elongated compositional structures, the blues are never out of the limelight entirely. The title track, written by Dupree Bolton, and "Lonely Woman" (Amy's version, not Ornette Coleman's) are the highlights here, but there isn't a weak millisecond on this slab. In all, this collection is its own revelation -- not only of Amy's overlooked artistry, but of the city of L.A. teeming with fresh sounds and approaches before the steamroller of rock and roll overshadowed it.

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Reseña de Thom Jurek
De todos los volúmenes de la serie Mosaic Select —en el momento de escribir estas líneas hay ocho—, ninguno es más bienvenido o inesperado que este conjunto del difunto saxofonista, compositor y arreglista Curtis Amy. Estos tres CD contienen la producción completa de seis álbumes de Amy para el sello Pacific Jazz, que incluye su obra maestra, Katanga! La estrella de Amy siguió brillando en diferentes contextos después de dejar el sello, como tenor con Gerald Wilson y Ray Charles, como solista en los álbumes Soft Parade y L.A. Woman de The Doors y, por supuesto, como arreglista y líder de la banda de la cantante de R&B Merry Clayton (la pareja estaba casada). 
Pero es el material aquí incluido el que consolida el lugar de Amy en el panteón del jazz. Amy era originario de Houston y forma parte de la rica y variada tradición del saxo tenor de Texas. Emigró a Los Ángeles para trabajar y lideró numerosas bandas de soul-jazz allí antes de grabar estos seis álbumes para Pacific Jazz. Entre los títulos se incluyen Blues Message y Meetin' Here (codirigidos con el organista Paul Bryant), Groovin' Blue (codirigido con el baterista Frank Butler) y Way Down, Tippin' on Through y Katanga! (los tres últimos como líder en solitario), todos ellos publicados entre 1960 y 1963. Los tres primeros álbumes de este conjunto ofrecen una visión de Amy como una cantante de soul con influencias blues en una escena dominada por el último apogeo de los cool jazzers y los hard boppers de la costa oeste. Los músicos que participaron en estas tres grabaciones ofrecieron una visión de las profundas raíces R&B de la escena de los clubes de jazz de Sunset Strip: junto con Bryant y Butler, el trombonista Roy Brewster, el baterista Jimmy Miller, Bobby Hutcherson al vibráfono y los bajistas Jimmy Bond y Clarence Jones tocaron en estas sesiones, todos ellos incondicionales de esa escena apasionante pero criminalmente desconocida. El cuarto álbum del conjunto, Way Down, cuenta con algunas caras nuevas, entre las que destacan Marcus Belgrave, antes de su etapa con Charles Mingus, y el vibrafonista Roy Ayers, antes de lanzarse en solitario. Otros músicos que participaron en la grabación fueron el bajista George Morrow y el pianista Victor Feldman. Tippin' on Through es una grabación en directo en el Lighthouse, y Amy lo dio todo con Larance Marable, Brewster, Bobby Whitlock y el pianista John Houston. En todas estas sesiones, Amy está profundamente arraigada en las tradiciones del rhythm and blues y el soul de los tenores de Texas. Su trabajo en combo es quizás limitado rítmicamente, pero es armónicamente brillante en la forma en que estira estas formas hasta el límite en la primera línea, y las piezas del álbum en directo encajan y se vuelven sobre sí mismas: fíjate en los grandes marcos modales que Houston establece bajo los vibráfonos de Ayers: Ayers los extrapola para que los metales salten desde ellos. También en cuanto a la textura, la forma en que los solos se superponen, encajan y se vuelven sobre sí mismos de forma dinámica es bastante notable, ya que muchas de las citas del soul-jazz neoyorquino no llegaron a este punto hasta 1966 aproximadamente. Por último, Amy ya estaba profundamente influenciada por Coltrane en Tippin' on Through: sus propios solos adoptan el enfoque modal, se enrollan alrededor de una o dos frases y las tocan desde dentro hacia fuera, explotando en torrentes de sonido sin alejarse del blues. 
Katanga! es un ejemplo claro de ello. Sigue siendo un clásico del jazz por sus armonías maravillosamente extrapoladas y estriadas, su sentido intrincado del intervalo y la sofisticación melódica de Amy, profundamente impregnada de consideraciones escalares latinas y africanas. Este álbum también cuenta con la trompeta del poco conocido y poco grabado Dupree Bolton, el elegante funk del guitarrista Ray Crawford y la soprano de Amy, un instrumento que dominaba y con el que se convirtió en una voz original, a pesar de que lo había tocado durante muy poco tiempo antes de esta sesión. Aquí, a pesar de las estructuras compositivas alargadas, el blues nunca deja de ser el protagonista. La canción que da título al álbum, escrita por Dupree Bolton, y «Lonely Woman» (la versión de Amy, no la de Ornette Coleman) son lo más destacado, pero no hay ni un solo milisegundo flojo en este disco. En conjunto, esta colección es una revelación en sí misma, no solo del talento artístico ignorado de Amy, sino también de la ciudad de Los Ángeles, rebosante de nuevos sonidos y enfoques antes de que la apisonadora del rock and roll la eclipsara.

Curtis Amy & Frank Butler • Groovin' Blue

 

 

Bobby Hutcherson • Components

 

Review
by Steve Huey  
Perhaps the single album that best sums up Bobby Hutcherson's early musical personality, Components is appropriately split into two very distinct halves. The first features four Hutcherson originals in a melodic but still advanced hard bop style, while the latter half has four free-leaning avant-garde pieces by drummer Joe Chambers. Hutcherson allots himself more solo space than on Dialogue, but that's no knock on the excellent supporting cast, which includes Herbie Hancock on piano, James Spaulding on alto sax and flute, Freddie Hubbard on trumpet, and Ron Carter on bass. It's just more Hutcherson's date, and he helps unite the disparate halves with a cool-toned control that's apparent regardless of whether the material is way outside or more conventionally swinging. In the latter case, Hutcherson's originals are fairly diverse, encompassing rhythmically complex hard bop (the title track), pensive balladry ("Tranquillity," which features a lovely solo by Hancock), down-and-dirty swing ("West 22nd Street Theme"), and the gaily innocent "Little B's Poem," which went on to become one of Hutcherson's signature tunes and contains some lyrical flute work from Spaulding. The Chambers pieces tend to be deliberate explorations that emphasize texture and group interaction in the manner of Dialogue, except that there's even more freedom in terms of both structure and tonal center. (The exception is the brief but beautiful closing number, "Pastoral," an accurate title if ever there was one.) Components illustrated that Hutcherson was not only the most adventurous vibes player on the scene, but that he was also capable of playing more straightforward music with intelligence and feeling.
https://www.allmusic.com/album/components-mw0000624439

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Reseña
por Steve Huey  
Quizás el álbum que mejor resume la personalidad musical de Bobby Hutcherson, Components está dividido en dos partes bien diferenciadas. La primera presenta cuatro temas originales de Hutcherson en un estilo hard bop melódico pero avanzado, mientras que la segunda mitad contiene cuatro piezas vanguardistas de estilo libre del batería Joe Chambers. Hutcherson se concede más espacio como solista que en Dialogue, pero eso no es un desprecio al excelente elenco de apoyo, que incluye a Herbie Hancock al piano, James Spaulding al saxo alto y la flauta, Freddie Hubbard a la trompeta y Ron Carter al bajo. Es simplemente más la cita de Hutcherson, y él ayuda a unir las dispares mitades con un control de tono frío que es evidente independientemente de si el material es muy fuera o más convencionalmente swing. En este último caso, los originales de Hutcherson son bastante diversos, abarcando hard bop rítmicamente complejo (el tema que da título al disco), baladas pensativas ("Tranquillity", que cuenta con un precioso solo de Hancock), swing sucio ("West 22nd Street Theme"), y el alegremente inocente "Little B's Poem", que se convirtió en uno de los temas emblemáticos de Hutcherson y contiene un lírico trabajo de flauta de Spaulding. Las piezas de Chambers tienden a ser exploraciones deliberadas que enfatizan la textura y la interacción de grupo a la manera de Dialogue, excepto que hay incluso más libertad en términos tanto de estructura como de centro tonal. (La excepción es el breve pero hermoso número final, "Pastoral", un título acertado donde los haya). Components demostró que Hutcherson no sólo era el intérprete de vibráfono más aventurero de la escena, sino que también era capaz de tocar música más sencilla con inteligencia y sentimiento.
https://www.allmusic.com/album/components-mw0000624439

Bobby Hutcherson • Stick Up!

 

Review
by Steve Huey  
One of Bobby Hutcherson's best albums, Stick-Up! was also his first official release not to feature drummer Joe Chambers, who was a major part of Hutcherson's outside leanings. Instead, Stick-Up! stakes out the middle ground between hard bop and the avant-garde, offering a set of structured yet advanced modal pieces indebted particularly to Coltrane. Hutcherson's originals (five out of six selections) show him at the top of his game as a composer, and the ensemble's playing is tight and focused throughout, but what really lifts Stick-Up! to the top tier of Hutcherson's discography is its crackling energy. It's quite possibly the hardest-swinging album he ever cut, and part of the credit has to go to the stellar rhythm section of McCoy Tyner on piano, Herbie Lewis on bass, and Billy Higgins on drums, who lay down a driving, pulsating foundation that really pushes Hutcherson and tenorist Joe Henderson. Tyner in particular is a standout, charging relentlessly forward on the intricate "8/4 Beat" and "Black Circle" and lending a Coltrane-ish flavor to the spiritually searching "Verse." The lone non-Hutcherson piece, Ornette Coleman's sometimes overlooked "Una Muy Bonita," is given a fantastic, rollicking treatment as catchy as it is progressive, proving that the piece is a classic regardless of whether it's interpreted freely or with a steady groove and tonal center. Hutcherson's originals are uniformly strong and memorable enough to sit very well next to it, and that -- coupled with the energetic performances -- ranks Stick-Up! with Dialogue and Components as the finest work of Hutcherson's tenure at Blue Note.
https://www.allmusic.com/album/stick-up%21-mw0000028035


Biography
by Steve Huey
Easily one of jazz's greatest vibraphonists, Bobby Hutcherson epitomized his instrument in relation to the era in which he came of age the way Lionel Hampton did with swing or Milt Jackson with bop. He wasn't as well-known as those two forebears, perhaps because he started out in less accessible territory when he emerged in the '60s playing cerebral, challenging modern jazz that often bordered on avant-garde. Along with Gary Burton, the other seminal vibraphone talent of the '60s, Hutcherson helped modernize his instrument by redefining what could be done with it -- sonically, technically, melodically, and emotionally. In the process, he became one of the defining (if underappreciated) voices in the so-called "new thing" portion of Blue Note's glorious '60s roster. Hutcherson gradually moved into a more mainstream, modal post-bop style that, if not as adventurous as his early work, still maintained his reputation as one of the most advanced masters of his instrument.

Bobby Hutcherson was born January 27, 1941, in Los Angeles. He studied piano with his aunt as a child, but didn't enjoy the formality of the training; still, he tinkered with it on his own, especially since his family was already connected to jazz: his brother was a high-school friend of Dexter Gordon and his sister was a singer who later dated Eric Dolphy. Everything clicked for Hutcherson during his teen years when he heard a Milt Jackson record; he worked until he saved up enough money to buy his own set of vibes. He began studying with Dave Pike and playing local dances in a group led by his friend, bassist Herbie Lewis. After high school, Hutcherson parlayed his growing local reputation into gigs with Curtis Amy and Charles Lloyd, and in 1960 he joined an ensemble co-led by Al Grey and Billy Mitchell. In 1961, the group was booked at New York's legendary Birdland club and Hutcherson wound up staying on the East Coast after word about his inventive four-mallet playing started to spread. Hutcherson was invited to jam with some of the best up-and-coming musicians in New York: hard boppers like Grant Green, Hank Mobley, and Herbie Hancock, but most importantly, forward-thinking experimentalists like Jackie McLean, Grachan Moncur III, Archie Shepp, Andrew Hill, and Eric Dolphy. Through those contacts, Hutcherson became an in-demand sideman at recording sessions, chiefly for Blue Note.

Hutcherson had a coming-out party of sorts on McLean's seminal "new thing" classic One Step Beyond (1963), providing an unorthodox harmonic foundation in the piano-less quintet. His subsequent work with Dolphy was even more groundbreaking and his free-ringing, open chords and harmonically advanced solos were an important part of Dolphy's 1964 masterwork, Out to Lunch. That year, he won the Down Beat readers' poll as Most Deserving of Wider Recognition on his instrument.

Hutcherson's first shot as a leader came with 1965's Dialogue, a classic of modernist post-bop with a sextet featuring some of the hottest young talent on the scene -- most notably Freddie Hubbard, Sam Rivers, and Andrew Hill, although drummer Joe Chambers would go on to become a fixture on Hutcherson's '60s records (and often contributed some of the freest pieces he recorded). A series of generally excellent sessions followed over the next few years, highlighted by 1965's classic Components (which showcased both the free and straight-ahead sides of Hutcherson's playing) and 1966's Stick-Up! In 1967, he returned to Los Angeles and started a quintet co-led by tenor saxophonist Harold Land, which made its recording debut the following year on Total Eclipse. Several more sessions followed (Spiral, Medina, Now) that positioned the quintet about halfway in between free bop and mainstream hard bop -- advanced territory, but not entirely fashionable at the time. Thus, the group didn't really receive its due and dissolved in 1971.

By that point, Hutcherson was beginning a brief flirtation with mainstream fusion, which produced 1970's funky but still sophisticated San Francisco (named after his new base of operations). By 1973, however, he'd abandoned that direction, returning to modal bop and forming a new quintet with trumpeter Woody Shaw that played at that summer's Montreux Jazz Festival (documented on Live at Montreux). In 1974, he re-teamed with Land, and over the next few years he continued to record cerebral bop dates for Blue Note despite being out of step with the label's more commercial direction. He finally departed in 1977 and signed with Columbia, where he recorded three albums from 1978-1979 (highlighted by Un Poco Loco). Adding the marimba to his repertoire, Hutcherson remained active throughout the '80s as both a sideman and leader, recording most often for Landmark in a modern-mainstream bop mode. He spent much of the '90s touring rather than leading sessions; in 1993, he teamed with McCoy Tyner for the duet album Manhattan Moods. Toward the end of the decade, Hutcherson signed on with Verve, for whom he debuted in 1999 with the well-received Skyline.

In 2004, Hutcherson joined the SFJAZZ Collective, touring with the ensemble for several years. In 2007, he released the album For Sentimental Reasons, which featured pianist Renee Rosnes. Two years later, Hutcherson returned with the John Coltrane-inspired Wise One. The concert album Somewhere in the Night, recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center, appeared in 2012. In 2014, Hutcherson joined organist Joey DeFrancesco and saxophonist David Sanborn for the Blue Note session Enjoy the View. Suffering from emphysema, Hutcherson died at his home in Montara, California in August 2016 at the age of 75.
https://www.allmusic.com/artist/bobby-hutcherson-mn0000081231/biography

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Reseña
por Steve Huey  
Uno de los mejores álbumes de Bobby Hutcherson, Stick-Up! fue también su primer lanzamiento oficial sin el baterista Joe Chambers, que era una parte importante de las inclinaciones externas de Hutcherson. En su lugar, Stick-Up! se sitúa en un punto intermedio entre el hard bop y la vanguardia, ofreciendo un conjunto de piezas modales estructuradas pero avanzadas, especialmente deudoras de Coltrane. Las piezas originales de Hutcherson (cinco de las seis seleccionadas) le muestran en lo más alto de su carrera como compositor, y el conjunto toca con precisión y concentración en todo momento, pero lo que realmente eleva a Stick-Up! al nivel más alto de la discografía de Hutcherson es su energía crepitante. Es muy posible que sea el álbum más movido que haya grabado nunca, y parte del mérito hay que atribuírselo a la estelar sección rítmica de McCoy Tyner al piano, Herbie Lewis al bajo y Billy Higgins a la batería, que establecen una base impulsora y palpitante que realmente empuja a Hutcherson y al tenorista Joe Henderson. Tyner en particular destaca, cargando implacablemente hacia delante en las intrincadas "8/4 Beat" y "Black Circle" y dando un sabor a Coltrane a la búsqueda espiritual de "Verse". La única pieza que no es de Hutcherson, "Una Muy Bonita" de Ornette Coleman, a veces pasada por alto, recibe un tratamiento fantástico, tan pegadizo como progresivo, demostrando que la pieza es un clásico independientemente de si se interpreta libremente o con un groove constante y un centro tonal. Los originales de Hutcherson son uniformemente fuertes y lo suficientemente memorables como para encajar muy bien junto a él, y eso - junto con las enérgicas interpretaciones - sitúa a Stick-Up! con Dialogue and Components como el mejor trabajo de la etapa de Hutcherson en Blue Note.
https://www.allmusic.com/album/stick-up%21-mw0000028035


Biografía
por Steve Huey
Bobby Hutcherson, sin duda uno de los mejores vibrafonistas del jazz, personificó su instrumento en relación con la época en la que alcanzó la mayoría de edad, del mismo modo que Lionel Hampton lo hizo con el swing o Milt Jackson con el bop. No era tan conocido como esos dos precursores, quizá porque empezó en un territorio menos accesible cuando surgió en los años 60 tocando un jazz moderno cerebral y desafiante que a menudo rozaba la vanguardia. Junto con Gary Burton, el otro talento seminal del vibráfono de los 60, Hutcherson ayudó a modernizar su instrumento redefiniendo lo que se podía hacer con él: sonora, técnica, melódica y emocionalmente. En el proceso, se convirtió en una de las voces definitorias (aunque infravaloradas) de la llamada "cosa nueva" de la gloriosa lista de Blue Note de los años 60. Poco a poco, Hutcherson fue evolucionando hacia un estilo post-bop más convencional y modal que, si bien no era tan aventurero como sus primeros trabajos, mantenía su reputación como uno de los maestros más avanzados de su instrumento.

Bobby Hutcherson nació el 27 de enero de 1941 en Los Ángeles. De niño estudió piano con su tía, pero no disfrutó de la formalidad de la formación; aun así, jugueteó con él por su cuenta, sobre todo porque su familia ya estaba relacionada con el jazz: su hermano era amigo de instituto de Dexter Gordon y su hermana era una cantante que más tarde salió con Eric Dolphy. Todo encajó para Hutcherson durante su adolescencia, cuando escuchó un disco de Milt Jackson; trabajó hasta ahorrar lo suficiente para comprarse su propio juego de vibráfonos. Empezó a estudiar con Dave Pike y a tocar en bailes locales en un grupo dirigido por su amigo, el bajista Herbie Lewis. Después del instituto, Hutcherson aprovechó su creciente reputación local para tocar con Curtis Amy y Charles Lloyd, y en 1960 se unió a un conjunto codirigido por Al Grey y Billy Mitchell. En 1961, el grupo fue contratado en el legendario club Birdland de Nueva York y Hutcherson acabó quedándose en la Costa Este después de que empezara a correrse la voz sobre su inventiva tocando cuatro ballets. Hutcherson fue invitado a improvisar con algunos de los mejores músicos emergentes de Nueva York: músicos de hard bop como Grant Green, Hank Mobley y Herbie Hancock, pero sobre todo, experimentalistas con visión de futuro como Jackie McLean, Grachan Moncur III, Archie Shepp, Andrew Hill y Eric Dolphy. Gracias a esos contactos, Hutcherson se convirtió en un acompañante muy solicitado en las sesiones de grabación, principalmente para Blue Note.

Hutcherson tuvo una especie de fiesta de presentación en el clásico de McLean One Step Beyond (1963), aportando una base armónica poco ortodoxa en el quinteto sin piano. Su trabajo posterior con Dolphy fue aún más innovador, y sus acordes abiertos, de timbre libre, y sus solos armónicamente avanzados fueron una parte importante de la obra maestra de Dolphy de 1964, Out to Lunch. Ese año, ganó la encuesta de los lectores de Down Beat como "Most Deserving of Wider Recognition" por su instrumento.

La primera oportunidad de Hutcherson como líder llegó con Dialogue, de 1965, un clásico del post-bop modernista con un sexteto que incluía a algunos de los jóvenes talentos más prometedores de la escena, sobre todo Freddie Hubbard, Sam Rivers y Andrew Hill, aunque el batería Joe Chambers se convertiría en un fijo en los discos de Hutcherson de los 60 (y a menudo contribuyó con algunas de las piezas más libres que grabó). Una serie de sesiones generalmente excelentes siguieron en los años siguientes, destacando el clásico Components de 1965 (que mostraba tanto el lado libre como el directo de Hutcherson) y Stick-Up! de 1966. En 1967, regresó a Los Ángeles y formó un quinteto codirigido por el saxofonista tenor Harold Land, que hizo su debut discográfico al año siguiente en Total Eclipse. Siguieron varias sesiones más (Spiral, Medina, Now) que situaron al quinteto a medio camino entre el free bop y el hard bop dominante, territorio avanzado, pero no del todo de moda en aquella época. Así pues, el grupo no recibió realmente su merecido y se disolvió en 1971.

Para entonces, Hutcherson había iniciado un breve coqueteo con la fusión mainstream, que dio lugar al funky pero sofisticado San Francisco (llamado así por su nueva base de operaciones) de 1970. En 1973, sin embargo, había abandonado esa dirección, volviendo al bop modal y formando un nuevo quinteto con el trompetista Woody Shaw que tocó en el Festival de Jazz de Montreux de ese verano (documentado en Live at Montreux). En 1974, volvió a formar equipo con Land, y durante los años siguientes continuó grabando fechas de bop cerebral para Blue Note a pesar de no estar en sintonía con la dirección más comercial del sello. Finalmente se marchó en 1977 y firmó con Columbia, donde grabó tres álbumes entre 1978 y 1979 (entre los que destaca Un Poco Loco). Tras añadir la marimba a su repertorio, Hutcherson se mantuvo activo a lo largo de los años 80 como músico de acompañamiento y como líder, grabando sobre todo para Landmark en un estilo bop moderno y mainstream. Pasó gran parte de los 90 de gira más que dirigiendo sesiones; en 1993, se asoció con McCoy Tyner para el álbum de duetos Manhattan Moods. Hacia el final de la década, Hutcherson fichó por Verve, para la que debutó en 1999 con el bien recibido Skyline.

En 2004, Hutcherson se unió al SFJAZZ Collective, con el que realizó giras durante varios años. En 2007, publicó el álbum For Sentimental Reasons, en el que participó la pianista Renee Rosnes. Dos años después, Hutcherson volvió con Wise One, inspirado en John Coltrane. El álbum de conciertos Somewhere in the Night, grabado en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center, apareció en 2012. En 2014, Hutcherson se unió al organista Joey DeFrancesco y al saxofonista David Sanborn para la sesión de Blue Note Enjoy the View. Aquejado de enfisema, Hutcherson falleció en su casa de Montara (California) en agosto de 2016 a los 75 años.
https://www.allmusic.com/artist/bobby-hutcherson-mn0000081231/biography

Bobby Hutcherson, David Sanborn, Joey DeFrancesco Featuring Billy Hart • Enjoy The View

 

Review
by Matt Collar
Bobby Hutcherson's 2014 album, Enjoy the View, finds the vibraphonist joining forces with saxophonist David Sanborn, organist/trumpeter Joey DeFrancesco, and drummer Billy Hart on a set of swinging, funky, and adventurous songs. This is Hutcherson's first album of studio material since 2009's Coltrane-inspired Wise One, and follows his 2012 live album, Somewhere in the Night, which also featured DeFrancesco. In a similar vein to Sanborn's more straight-ahead acoustic collaboration with keyboardist Bob James, 2013's Quartette Humaine, Enjoy the View eschews Hutcherson's more contemporary leanings for a visceral hard bop- and soul-jazz-influenced sound. Here we get a bevy of inspired original compositions, including the moody opening cut, "Delia," the impressionistic and driving modal soul of "Hey Harold," and the swinging, funky "Teddy." Ultimately, Enjoy the View is an album of expansive, highly engaging music that harks back to the best of Hutcherson's '60s and '70s work.
https://www.allmusic.com/album/enjoy-the-view-mw0002605950

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Reseña
por Matt Collar
El álbum de 2014 de Bobby Hutcherson, Enjoy the View, encuentra al vibrafonista uniendo fuerzas con el saxofonista David Sanborn, el organista/trompetista Joey DeFrancesco y el baterista Billy Hart en un conjunto de canciones oscilantes, funky y aventureras. Este es el primer álbum de material de estudio de Hutcherson desde Wise One, de 2009, inspirado en Coltrane, y sigue a su álbum en vivo de 2012, Somewhere in the Night, que también contó con DeFrancesco. En una línea similar a la colaboración acústica más directa de Sanborn con el teclista Bob James, Quartette Humaine de 2013, Enjoy the View evita las inclinaciones más contemporáneas de Hutcherson por un sonido visceral con influencias de hard bop y soul-jazz. Aquí tenemos un puñado de inspiradas composiciones originales, incluyendo el malhumorado corte de apertura, "Delia", el impresionista e impulsivo soul modal de "Hey Harold", y el swing y el funky de "Teddy". En definitiva, Enjoy the View es un álbum de música expansiva y muy atractiva que se remonta a lo mejor del trabajo de Hutcherson en los años 60 y 70.
https://www.allmusic.com/album/enjoy-the-view-mw0002605950

Al Grey • Having A Ball

Artist Biography by Scott Yanow
Al Grey's trademark phrases and often humorous use of the plunger mute long made him quite distinctive. After getting out of the service, he was with the orchestras of Benny Carter (1945-1946), Jimmie Lunceford (1946-1947), Lucky Millinder, and Lionel Hampton (off and on during 1948-1953). Grey was a well-featured soloist with the classic Dizzy Gillespie globetrotting orchestra during 1956-1957 (taking an exciting solo at the 1957 Newport Jazz Festival on a blazing version of "Cool Breeze"). He was with Count Basie's orchestra on three separate occasions (1957-1961, 1964-1966, and 1971-1977), led a band with Billy Mitchell in the early '60s, and had a group with Jimmy Forrest after leaving Basie in 1977. In later years, Grey performed and recorded often with Clark Terry, made a CD with the Statesmen of Jazz, and for a time led a quintet that featured his son Mike Grey on second trombone. Al Grey recorded as a leader for Argo (1959-1964), Tangerine, Black & Blue, Stash, Chiaroscuro, and Capri, and co-led an excellent Pablo date in 1983 with J.J. Johnson. He died of complications from diabetes on March 24, 2000.

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Biografía del artista por Scott Yanow
Las frases características de Al Grey y el uso a menudo humorístico de la sordina de émbolo le hicieron inconfundible durante mucho tiempo. Tras salir del servicio, estuvo con las orquestas de Benny Carter (1945-1946), Jimmie Lunceford (1946-1947), Lucky Millinder y Lionel Hampton (de forma intermitente durante 1948-1953). Grey fue un destacado solista de la clásica orquesta trotamundos de Dizzy Gillespie durante 1956-1957 (con un emocionante solo en el Festival de Jazz de Newport de 1957 en una ardiente versión de «Cool Breeze»). Estuvo con la orquesta de Count Basie en tres ocasiones distintas (1957-1961, 1964-1966 y 1971-1977), dirigió una banda con Billy Mitchell a principios de los 60 y tuvo un grupo con Jimmy Forrest tras dejar Basie en 1977. En años posteriores, Grey actuó y grabó a menudo con Clark Terry, grabó un CD con los Statesmen of Jazz, y durante un tiempo dirigió un quinteto en el que figuraba su hijo Mike Grey como segundo trombón. Al Grey grabó como líder para Argo (1959-1964), Tangerine, Black & Blue, Stash, Chiaroscuro y Capri, y codirigió una excelente fecha de Pablo en 1983 con J.J. Johnson. Murió de complicaciones derivadas de la diabetes el 24 de marzo de 2000.

Grant Green • Blue Note Retrospective

 

Simply put, this is a very decent four-disc collection of the work of guitarist Grant Green. It features tracks from his many albums as a leader and some as a sideman with others, such as Lee Morgan, John Patton, Baby Face Willette, and Sonny Clark. His early-’60s sides are here along with most of his defining cuts from the ’60s, from hard bop to soul-jazz to ballads to gospel — everything most fans would ever want is here, including his late blues sides recorded in the bars of Detroit in 1970. While Green’s own albums can never be replaced, this is a solid portrait of one of the most influential jazz guitarists in history.
 

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En pocas palabras, esta es una muy decente colección de cuatro discos del trabajo del guitarrista Grant Green. Presenta temas de sus muchos álbumes como líder y algunos como acompañante de otros, como Lee Morgan, John Patton, Baby Face Willette y Sonny Clark. Sus lados de principios de los 60 están aquí junto con la mayoría de sus cortes definitorios de los 60, desde el hard bop al soul-jazz a las baladas y al gospel - todo lo que la mayoría de los fans querría está aquí, incluyendo sus lados de blues tardío grabados en los bares de Detroit en 1970. Aunque los álbumes de Green nunca podrán ser reemplazados, este es un sólido retrato de uno de los guitarristas de jazz más influyentes de la historia.