Brad Mehldau • ODE

 

 

Review
by Thom Jurek  

Pianist Brad Mehldau has regularly performed with his trio, which has included bassist Larry Grenadier and drummer Jeff Ballard since 2004, when the latter replaced Jorge Rossy. As a trio, they've spent relatively little time in the studio together exclusively -- it's been seven years since Day Is Done. On 2010's Highway Rider, Mehldau augmented the group with Matt Chamberlain, Joshua Redman, and an orchestra. Ode marks the very first album comprised of all Mehldau material cut by this trio. While the title may reflect a a certain ponderousness, these 11 tunes are anything but. Specifically written for this group, they show off an increasingly muscular sense of interplay and stylistic athleticism that wasn't nearly as present on Day Is Done. "M.B." (written in memory of Michael Brecker) states a bluesy theme and moves off into several directions, seemingly at once. Mehldau quickly moves through the head, finds a space, and the band stops on a dime, investigating the various changes seemingly note by note before taking off again. Grenadier's riffing during Mehldau's solo is especially riveting, and his tone is full of wood. Mehldau's soloing on "Stan the Man" is busier, faster, and even denser, as if Art Tatum's wide-reaching blues were his inspiration. On the title track, he maintains the changes and vamp with his left hand as his right hand goes off into free dancing mode. On the Latin-tinged "Dream Sketches," Grenadier's bass solo is not only full of imagination, but twists and turns in groove quotient as well. Ballard's kinetic drumming and percussion are riveting on virtually everything, but here it is exceptionally propulsive. Mehldau's pianism is much more pointillistic; accenting grooves, underscoring them, and finding spaces within them for short, melodic bursts that point to the worlds outside the tune. "Wyatt's Eulogy For George Hanson," begins as a sketchy ballad that moves into a wonderful Grenadier solo before becoming a complex, somewhat dissonant harmonic exploration --Mehldau's use of the lower register is gorgeous. "Aquaman" is another sprint, with quickly shifting ideas and taut interplay. As an album, Odes reveals just how far this group has traveled together these past seven years. More importantly, it provides an exciting glimpse of what may lie on their collective horizon.
https://www.allmusic.com/album/ode-mw0002294650


Biography
by Richard S. Ginell
One of the most acclaimed pianists of his generation, Brad Mehldau is a virtuoso performer with an ear for deeply nuanced, harmonically sophisticated acoustic jazz. While Mehldau is one of the more absorbing and thoughtful practitioners within that idiom, he is also receptive to the idea of using material from the rock era (Paul McCartney's "Blackbird" for example). Though Mehldau's training is primarily classical, his interest in jazz began early and he has subsequently utilized both forms throughout his career. This is evident on his first (of five) Art of the Trio volume, and on 2006's House on Hill and 2010's Day Is Done. Both originals and covers of popular music standards -- from Radiohead to Nick Drake to Paul Simon -- reflect that his playing and compositional style owe as much to the 20th century classical impressionism of Claude Debussy as they do Bill Evans. He delivers classically oriented recordings on his own and with singers Renée Fleming and Anne Sofie von Otter, but he has also issued cross-pollinated explorations of J.S. Bach's classical pieces on After Bach, and worked with the Orpheus Chamber Orchestra on Variations on a Melancholy Theme. Mehldau continues to expand the depth and breadth of the jazz piano tradition, whether playing with his contemporaries Joshua Redman, Christian McBride, and Brian Blade on Round Again, or releasing solo albums like Seymour Reads the Constitution, the Grammy-winning Finding Gabriel, and 2022's prog-rock-inspired Jacob's Ladder.

Born in 1970 in Jacksonville, Florida, Mehldau started playing piano at a young age. Around age ten, he moved to West Hartford, Connecticut where he began taking classical piano lessons. By his teens, he had discovered jazz, listening to artists like Oscar Peterson, John Coltrane, and Keith Jarrett. He played in the Hall High School jazz band in West Hartford, Connecticut, winning the Berklee College of Music's Best All-Around Musician Award while still in his junior year of high school. In college, he studied jazz at New York's New School for Social Research under Fred Hersch, Junior Mance, Kenny Werner, and Jimmy Cobb. Cobb soon hired him to play in his band, Cobb's Mob. Mehldau also played alongside bassist Christian McBride and drummer Brian Blade in saxophonist Joshua Redman's first acoustic quartet before forming his own trio in 1994 and recording his first Warner Bros. album, Introducing Brad Mehldau, in 1995. Art of the Trio, Vol. 1 followed in 1997, with the next two volumes in the series appearing in the following months. Two years later, Mehldau returned with Elegiac Cycle, as well as Art of the Trio, Vol. 4: Back at the Vanguard. Places followed in 2000, consisting of all-original compositions focusing on various cities, hence the title of the album.

Another Art of the Trio album came out in 2001, but the most significant release was Largo, which featured Mehldau performing with other groups outside of his usual trio format. This was a big change from his previous work and offered new challenges as he adapted to several interesting lineup situations. Mehldau followed the genre-bending album with the standards-based Anything Goes and Live in Tokyo in 2004, with Day Is Done arriving the following year. In 2006, he released House on Hill as well as Love Sublime, the latter with soprano vocalist Renée Fleming on Nonesuch Records. Mehldau chose to work with his trio plus Pat Metheny on Quartet in 2007; he followed it up with the double-disc Live in 2008, which was recorded with his trio at the Village Vanguard.

In 2010, Mehldau emerged with the ambitious Highway Rider, a double-disc of 15 new compositions produced by Jon Brion. He employed his trio as well as drummer Matt Chamberlain, saxophonist Joshua Redman, and a small chamber orchestra led by Dan Coleman. Mehldau arranged and orchestrated all the music. Also in 2010, Mehldau was honored by Carnegie Hall when he was named the first jazz artist to hold the Richard and Barbara Debs Composer's Chair for the 2010-2011 season. In 2011, Mehldau appeared on two live albums: His own Live in Marciac and the ECM date Live at Birdland (recorded in 2009) with saxophonist Lee Konitz, bassist Charlie Haden, and drummer Paul Motian. In September of that year, Nonesuch also released a studio album, Modern Music, a collaboration between Mehldau, pianist Kevin Hays, and composer/arranger Patrick Zimmerli. The music on this set comprised tunes by each of the principals, as well as compositions by Ornette Coleman, Steve Reich, and Philip Glass.

On December 6, 2011, while Mehldau was at the beginning of a world tour, Nonesuch issued a box set entitled Art of the Trio Recordings: 1996–2001. The set includes the five Art of the Trio albums -- the last a double-disc -- that were originally issued on Warner Bros. The box also included a seventh disc of previously unreleased material from shows at the Village Vanguard in 1997, 1999, and 2001. A year later, the Brad Mehldau Trio released two studio albums: the all-original Ode and a companion collection of cover songs, Where Do You Start. The pianist then joined drummer/electronicist Mark Guiliana for the duo's collaborative 2014 effort, Mehliana: Taming the Dragon.

The box set 10 Years Solo Live appeared in 2015 and featured solo performances Mehldau had given in Europe in the preceding decade. He then returned to his tried-and-tested trio of Larry Grenadier and Jeff Ballard for 2016's Blues and Ballads, an album that featured their meticulous collective touch on compositions by Cole Porter, Charlie Parker, Lennon/McCartney, and others. Also in 2016, the pianist joined longtime associate saxophonist Joshua Redman for the Grammy-nominated duo album Nearness. The following year, he paired with progressive bluegrass star Chris Thile for the Nonesuch effort Chris Thile & Brad Mehldau, then explored composer J.S. Bach's Well-Tempered Clavier fugues with 2018's After Bach. A few short months later, he was back with another trio album, Seymour Reads the Constitution! His first trio date to include any original material since 2012's Ode, it featured three originals alongside his usual covers of pop songs, jazz tunes, and standards. The pianist continued to stretch himself, playing in guitarist Wolfgang Muthspiel's trio along with Ambrose Akinmusire on the ECM date Where the River Goes. He closed out the year with the archival duo offering Long Ago and Far Away with the late bassist Charlie Haden, recorded at the Enjoy Jazz Festival in Mannheim, Germany in 2007.

Mehldau followed with Finding Gabriel, a recording outside the confines of post-bop jazz that aligned more closely with his other slipstream albums such as Mehliana: Taming the Dragon, Largo, and The Highway Rider. The set included nine thematically related originals by Mehldau, who played piano, synthesizers, percussion, and Fender Rhodes, as well as delivering wordless vocals. The album sessions also offered contributions from guests such as Akinmusire, Giuliana, Sara Caswell, Kurt Elling, Joel Frahm, Gabriel Kahane, Becca Stevens, and others. Its inspiration was taken from a biblical prophecy as related through the ages by the angel Gabriel. Released in the spring of 2019, it took home the Grammy Award for Best Jazz Instrumental Album. The following year, he reunited with the other members of saxophonist Joshua Redman's '90s quartet, including Christian McBride and Brian Blade, for Round Again.

In July, Mehldau released the solo recital Suite: April 2020. Recorded in Amsterdam during the COVID-19 pandemic, the work included 12 original compositions and three favorite standards that, according to the pianist, "... provide a musical snapshot of life in the last month in the world in which we’ve all found ourselves...." Issued digitally and in a numbered, limited-edition run of 1,000 deluxe 180-gram vinyl LPs, all of the latter's proceeds were donated to the Jazz Foundation of America's COVID-19 Musician's Emergency Fund. (CDs and standard vinyl editions were released by Nonesuch in September, also with a significant portion of sales donated to benefit JFA's fund.) A collaboration with the Orpheus Chamber Orchestra, Variations on a Melancholy Theme, arrived in June 2021. Released in 2022, Jacob's Ladder found Mehldau drawing inspiration from scripture and his longtime love of prog rock. Featured on the album were guest appearances from Chris Thile, Cecile McLorin Salvant, Becca Stevens, and others.

https://www.allmusic.com/artist/brad-mehldau-mn0000934305/biography

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Reseña
por Thom Jurek  

El pianista Brad Mehldau ha actuado regularmente con su trío, que incluye al bajista Larry Grenadier y al baterista Jeff Ballard desde 2004, cuando este último sustituyó a Jorge Rossy. Como trío, han pasado relativamente poco tiempo juntos en el estudio de forma exclusiva -- han pasado siete años desde Day Is Done. En Highway Rider, de 2010, Mehldau aumentó el grupo con Matt Chamberlain, Joshua Redman y una orquesta. Ode es el primer álbum compuesto por todo el material de Mehldau grabado por este trío. Aunque el título puede reflejar cierta pesadez, estas 11 melodías son todo menos eso. Específicamente escritas para este grupo, muestran un sentido cada vez más musculoso de la interacción y el atletismo estilístico que no estaba tan presente en Day Is Done. "M.B." (escrita en memoria de Michael Brecker) presenta un tema bluesero y se mueve en varias direcciones, aparentemente a la vez. Mehldau se mueve rápidamente por la cabeza, encuentra un espacio, y la banda se detiene en un instante, investigando los diversos cambios aparentemente nota por nota antes de volver a despegar. El riffing de Grenadier durante el solo de Mehldau es especialmente fascinante, y su tono está lleno de madera. Los solos de Mehldau en "Stan the Man" son más bulliciosos, más rápidos e incluso más densos, como si el blues de gran alcance de Art Tatum fuera su inspiración. En el tema que da título al disco, mantiene los cambios y el vampiro con su mano izquierda mientras su mano derecha se lanza al modo de baile libre. En el tema "Dream Sketches", con tintes latinos, el solo de bajo de Grenadier no sólo está lleno de imaginación, sino que también da giros y vueltas en el cociente del groove. La batería y la percusión cinéticas de Ballard son fascinantes en prácticamente todo, pero aquí son excepcionalmente propulsivas. El pianismo de Mehldau es mucho más puntillista; acentúa los surcos, los subraya y encuentra espacios dentro de ellos para breves estallidos melódicos que apuntan a los mundos fuera de la melodía. "Wyatt's Eulogy For George Hanson" comienza como una balada superficial que da paso a un maravilloso solo de Grenadier antes de convertirse en una exploración armónica compleja y algo disonante. "Aquaman" es otro sprint, con ideas que cambian rápidamente y una interacción tensa. Como álbum, Odes revela lo lejos que ha llegado este grupo en estos últimos siete años. Y lo que es más importante, ofrece una emocionante visión de lo que puede haber en su horizonte colectivo.
https://www.allmusic.com/album/ode-mw0002294650


Biografía
por Richard S. Ginell
Uno de los pianistas más aclamados de su generación, Brad Mehldau es un intérprete virtuoso con un oído para el jazz acústico profundamente matizado y armónicamente sofisticado. Aunque Mehldau es uno de los intérpretes más absorbentes y reflexivos dentro de ese lenguaje, también es receptivo a la idea de utilizar material de la era del rock ("Blackbird" de Paul McCartney, por ejemplo). Aunque la formación de Mehldau es principalmente clásica, su interés por el jazz comenzó pronto y posteriormente ha utilizado ambas formas a lo largo de su carrera. Esto es evidente en su primer (de cinco) volumen Art of the Trio, y en House on Hill de 2006 y Day Is Done de 2010. Tanto los originales como las versiones de los estándares de la música popular -desde Radiohead hasta Nick Drake o Paul Simon- reflejan que su forma de tocar y componer debe tanto al impresionismo clásico del siglo XX de Claude Debussy como a Bill Evans. Ofrece grabaciones de orientación clásica en solitario y con las cantantes Renée Fleming y Anne Sofie von Otter, pero también ha publicado exploraciones cruzadas de las piezas clásicas de J.S. Bach en After Bach, y ha trabajado con la Orpheus Chamber Orchestra en Variations on a Melancholy Theme. Mehldau sigue ampliando la profundidad y la amplitud de la tradición del piano de jazz, ya sea tocando con sus contemporáneos Joshua Redman, Christian McBride y Brian Blade en Round Again, o publicando álbumes en solitario como Seymour Reads the Constitution, el ganador del Grammy Finding Gabriel y el prog-rock de 2022 Jacob's Ladder.

Nacido en 1970 en Jacksonville, Florida, Mehldau empezó a tocar el piano a una edad temprana. Alrededor de los diez años, se trasladó a West Hartford, Connecticut, donde empezó a tomar clases de piano clásico. En su adolescencia, descubrió el jazz, escuchando a artistas como Oscar Peterson, John Coltrane y Keith Jarrett. Tocó en la banda de jazz del Hall High School de West Hartford, Connecticut, y ganó el premio al mejor músico completo del Berklee College of Music cuando aún estaba en su primer año de instituto. En la universidad, estudió jazz en la New School for Social Research de Nueva York con Fred Hersch, Junior Mance, Kenny Werner y Jimmy Cobb. Cobb no tardó en contratarlo para que tocara en su banda, Cobb's Mob. Mehldau también tocó junto al bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade en el primer cuarteto acústico del saxofonista Joshua Redman antes de formar su propio trío en 1994 y grabar su primer álbum en Warner Bros., Introducing Brad Mehldau, en 1995. Art of the Trio, Vol. 1 le siguió en 1997, y los dos siguientes volúmenes de la serie aparecieron en los meses siguientes. Dos años después, Mehldau volvió con Elegiac Cycle, así como con Art of the Trio, Vol. 4: Back at the Vanguard. En el año 2000 le siguió Places, compuesto por composiciones originales centradas en varias ciudades, de ahí el título del álbum.

En 2001 apareció otro álbum de Art of the Trio, pero el lanzamiento más significativo fue Largo, en el que Mehldau actuaba con otros grupos fuera de su formato habitual de trío. Esto supuso un gran cambio con respecto a su trabajo anterior y le ofreció nuevos retos al adaptarse a varias situaciones de formación interesantes. Mehldau continuó con este álbum de género con los álbumes "Anything Goes" y "Live in Tokyo" en 2004, y al año siguiente con "Day Is Done". En 2006, publicó House on Hill y Love Sublime, este último con la soprano Renée Fleming, en Nonesuch Records. Mehldau optó por trabajar con su trío más Pat Metheny en Quartet en 2007; le siguió el doble disco Live en 2008, que fue grabado con su trío en el Village Vanguard.

En 2010, Mehldau apareció con el ambicioso Highway Rider, un doble disco de 15 nuevas composiciones producido por Jon Brion. Empleó a su trío, así como al baterista Matt Chamberlain, al saxofonista Joshua Redman y a una pequeña orquesta de cámara dirigida por Dan Coleman. Mehldau arregló y orquestó toda la música. También en 2010, Mehldau fue honrado por el Carnegie Hall al ser nombrado el primer artista de jazz en ocupar la Cátedra de Compositor Richard y Barbara Debs para la temporada 2010-2011. En 2011, Mehldau apareció en dos álbumes en directo: Su propio Live in Marciac y la fecha de ECM Live at Birdland (grabado en 2009) con el saxofonista Lee Konitz, el bajista Charlie Haden y el baterista Paul Motian. En septiembre de ese año, Nonesuch también publicó un álbum de estudio, Modern Music, una colaboración entre Mehldau, el pianista Kevin Hays y el compositor y arreglista Patrick Zimmerli. La música de este disco incluía temas de cada uno de los protagonistas, así como composiciones de Ornette Coleman, Steve Reich y Philip Glass.

El 6 de diciembre de 2011, mientras Mehldau se encontraba al comienzo de una gira mundial, Nonesuch publicó una caja titulada Art of the Trio Recordings: 1996-2001. El conjunto incluye los cinco álbumes de Art of the Trio -el último un disco doble- que se publicaron originalmente en Warner Bros. La caja también incluía un séptimo disco de material inédito de espectáculos en el Village Vanguard en 1997, 1999 y 2001. Un año después, el Brad Mehldau Trio publicó dos álbumes de estudio: el original Ode y una colección de versiones, Where Do You Start. El pianista se unió entonces al baterista/electricista Mark Guiliana para el esfuerzo de colaboración del dúo en 2014, Mehliana: Taming the Dragon.

La caja 10 Years Solo Live apareció en 2015 y recogía las actuaciones en solitario que Mehldau había realizado en Europa en la década anterior. A continuación, regresó a su trío, formado por Larry Grenadier y Jeff Ballard, para el álbum Blues and Ballads, de 2016, en el que se muestra su meticuloso toque colectivo en composiciones de Cole Porter, Charlie Parker, Lennon/McCartney y otros. También en 2016, el pianista se unió al saxofonista Joshua Redman, asociado desde hace tiempo, para el álbum a dúo Nearness, nominado al Grammy. Al año siguiente, se emparejó con la estrella del bluegrass progresivo Chris Thile para el esfuerzo de Nonesuch Chris Thile & Brad Mehldau, y luego exploró las fugas del Clave bien temperado del compositor J.S. Bach con After Bach de 2018. ¡Pocos meses después, volvió con otro álbum de trío, Seymour Reads the Constitution! Su primera fecha de trío que incluye material original desde Ode, de 2012, presentaba tres originales junto a sus habituales versiones de canciones pop, temas de jazz y estándares. El pianista continuó estirándose, tocando en el trío del guitarrista Wolfgang Muthspiel junto con Ambrose Akinmusire en la fecha de ECM Where the River Goes. Cerró el año con el dúo de archivo Long Ago and Far Away con el fallecido bajista Charlie Haden, grabado en el Enjoy Jazz Festival de Mannheim (Alemania) en 2007.

Mehldau siguió con Finding Gabriel, una grabación fuera de los confines del jazz post-bop que se alineaba más con sus otros álbumes del torbellino, como Mehliana: Taming the Dragon, Largo y The Highway Rider. El conjunto incluía nueve temas originales de Mehldau, que tocaba el piano, los sintetizadores, la percusión y el Fender Rhodes, además de poner voz sin palabras. En las sesiones del álbum también participaron invitados como Akinmusire, Giuliana, Sara Caswell, Kurt Elling, Joel Frahm, Gabriel Kahane y Becca Stevens, entre otros. Su inspiración fue tomada de una profecía bíblica relatada a través de los tiempos por el ángel Gabriel. Publicado en la primavera de 2019, se llevó a casa el premio Grammy al mejor álbum instrumental de jazz. Al año siguiente, se reunió con los otros miembros del cuarteto de los 90 del saxofonista Joshua Redman, incluidos Christian McBride y Brian Blade, para Round Again.

En julio, Mehldau publicó el recital en solitario Suite: April 2020. Grabado en Ámsterdam durante la pandemia del COVID-19, el trabajo incluía 12 composiciones originales y tres estándares favoritos que, según el pianista, "... proporcionan una instantánea musical de la vida en el último mes en el mundo en el que todos nos hemos encontrado....". Publicado en formato digital y en una edición limitada y numerada de 1.000 LPs de vinilo de lujo de 180 gramos, todos los ingresos de este último se han donado al Fondo de Emergencia para Músicos COVID-19 de la Jazz Foundation of America. (Nonesuch publicó en septiembre CDs y ediciones en vinilo estándar, también con una parte importante de las ventas donada a beneficio del fondo de la JFA). Una colaboración con la Orpheus Chamber Orchestra, Variations on a Melancholy Theme, llegó en junio de 2021. Publicado en 2022, Jacob's Ladder encontró a Mehldau inspirándose en las escrituras y en su antiguo amor por el prog rock. En el álbum aparecen como invitados Chris Thile, Cecile McLorin Salvant y Becca Stevens, entre otros.

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bradmehldau.com ...

Dick Schory And The Percussive Art Ensemble • Re-Percussion

by Lauren Vogel Weiss

Dick Schory, If Dick Schory is more than a percussionist. He is also acomposer, arranger, conductor, music publisher, record and television producer,audio pioneer, and music industry veteran responsible for instrument design and marketing. But perhaps one of the most telling facts about his impressive musical career is that nine members of the PAS Hall of Fame performed with Schory’s famous Percussion Pops Orchestra. What made this musician so specialto attract such stellar sidemen and soloists?

Richard L. “Dick” Schory was born in Chicago, Illinois on December 13, 1931 to a musical family. His father, Howard, had been a noted bandleader and percussionist in Columbus, Ohio, and his mother, Dorothea, was a Community Concert Representative for Columbia Artists Management in its Community Concert division. Following a concert by the Chicago Salvation Army Headquarters Staff Band at DeWitt Clinton Grade School, young Dick was hooked. He came home from school and told his family that he wanted to be a musician.

In 1942, the family moved to Ames, Iowa, and Schory began to take music lessons—on trumpet! But by the time he got to high school, he was playing percussion. “I played in the marching, concert, and pep bands as well as the symphony orchestra,” recalls Schory. “I started the first Ames High School jazz band, and the 16 members would rehearse in our living room every Wednesday night. We played all the school dances and special jazz concerts.

“In those days,” Schory continued, “there were no percussion teachers in Iowa. My dad taught me a lot of the fundamentals.” During his summer breaks from high school, Schory would play in the Ames Municipal Band and the summer band at Iowa State University, where he met Frank Piersol, Director of Bands at ISU. “He was my first influential teacher as well as a real mentor to me,” adds Schory. “He was such a great musician with a lot of ‘heart’.”

Schory graduated from high school in 1950 and enrolled in Iowa State University. “Even though they weren’t offering a degree in music at that time, I thought I’d get my freshman year out of the way,” he remembers.

In January 1951, after his first quarter at ISU, Schory enlisted in the U.S. Air Force and was assigned to the Strategic Air Command (SAC) headquarters in Omaha, Nebraska, where he remained until the end of his enlistment. “I probably learned more about music in the four years I was with the Air Force than I did at either Iowa State or Northwestern,” Schory says with a laugh. “We had a marching band, a jazz band, two jazz combos, a glee club, and a concert band. We were always rehearsing or performing.

“One of the things we did was a weekly television show on WOW-TV Channel 6—the same station Johnny Carson came from,” he continues. “One week was the concert band and the glee club and the next week was the jazz band, so we had to write a lot of original charts and arrangements. Of course, that’s the best kind of experience you can get—to be able to hear your music played immediately upon writing it.”

Another benefit of being in the Air Force was that during performing tours throughout the SAC Command and the Midwest, Schory often wound up in Chicago, giving him the opportunity to study with Edward Metzinger, Principal Timpanist with the Chicago Symphony. He also studied composition via a correspondence course from the University of California–Berkeley.

When Schory’s tour of duty was up, he returned to Iowa State University. In the fall of 1954 he transferred to Northwestern University in Evanston, Illinois, where he received a full scholarship and assistantship. Schory played in the NU marching band, chamber and symphony orchestras, concert band, wind ensemble, and jazz band. He continued to study with Metzinger while also teaching a class and private lessons to the music education majors. Some of his fellow percussionists included Tom Davis, who would go on to teach at the University of Iowa; Bob Wessberg, a top Chicago studio musician who also played with Frank Sinatra; and Jerry Olson, who later became head of instrumental music for the Chicago Public Schools.

Schory founded and conducted the percussion ensemble at Northwestern. “It was one of the first college percussion ensembles in the United States,” he states with pride. “Since there were only a few pieces published for percussion, we wrote about 95 percent of what we played ourselves. It was very different than what Paul Price was doing at the University of Illinois because we featured the extensive use of mallet instruments.

“It was during this time that I wrote ‘Introduction and Allegro’ and ‘Baja’,” Schory continues. “Tom Davis also wrote some pieces, which I published later.” These early ensembles formed the initial catalog for Creative Music, the publishing company that Schory founded in 1956 and continues to this day.

“The Northwestern Percussion Ensemble evolved into the Percussion Pops Orchestra,” he remembers. “We did our first album two days after graduation in June 1957. That recording, Re-Percussion, was the first album pressed in stereophonic sound in the industry. We had 12 percussion, two guitars, string bass, a harp, and a keyboard player. It featured several of the original compositions and arrangements that we had created for the NU Percussion Ensemble.”

Following the success of that album, RCA Victor invited Schory to join its label, and in June 1958, he recorded Music for Bang, Baaroom, and Harp. Recorded on the stage of Chicago’s Orchestra Hall, there cording was an excellent example of stereophonic sound, which helped to keep it on Billboard’s album chart for two years, including six months in the Top10. Later the album was re-released as a digital CD and has been added to Classical CD Review’s Sonic Hall of Fame as an outstanding example of the art of stereo recording.

During this time, Schory was also playing and recording with the Chicago Symphony Orchestra. The percussion section in the late 1950s consisted of Metzinger on timpani along with Gordon Peters, Al Payson, and Sam Denov. “I was the on-call fifth player when we recorded all the Mahler and Strauss under Fritz Reiner,” says Schory.

Thanks to the popularity of Music for Bang, Baaroom, and Harp, Dick Schory and his Percussion Pops recorded Music to Break Any Mood in 1959 and Wild Percussion and Horns A’ Plenty in 1960, both for the RCA Victor label. The latter brought him his first Grammy nomination for Arranger of the Year.

The 22-piece ensemble, which consisted of a big band plus several percussionists, began to perform more and more live concerts. “We toured every year for 15 years,” recalls Schory. “We’d go out for a few weeks in the fall and again in the spring, plus some summer tours. We played a lot of community concerts as well as college events.”

Michael Balter, President of Mike Balter Mallets and lifelong Chicago-area resident, remembers his first Percussion Pops Orchestra concert. “Dick Schory wanted the audience to have a ‘live’ stereophonic experience. Whichever percussion instruments were on the left side of the stage were mirrored on the right side, with the band on risers in the middle behind the percussionists.”

LUDWIG

During one of his visits to Chicago while still in the AirForce Band, Schory met William F. Ludwig, Sr. and impressed him by playing drum rudiments. “I had just passed the NARD test,” laughs Schory. “Once ‘Senior’ heard me play, he asked me to give up my Slingerland drums and become a clinician for the WFL Drum Company; this was before he [William Ludwig, Sr.] bought back the Ludwig name in 1955. While I was based in Omaha, I started doing WFL clinics throughout Nebraska, Iowa, Kansas, and South Dakota.”

When Schory moved to Evanston to attend Northwestern, he also began to work part time for Ludwig, doing everything from helping with inventory to writing copy for catalogs. By the time he graduated from college, he had been offered a full-time position at Ludwig.

“At that time I was performing in the studios as well as with the Chicago Symphony,” he explains. “Plus I was already recording my own albums. My agreement with Ludwig was that I could continue those activities. So I’d arrive at the factory on Damen Avenue at 7:00 in the morning, then at 8:45 catch the ‘L’ downtown and do a CSO rehearsal at Orchestra Hall. Then I’d get back on the ‘L’, finish up at Ludwig until about 6:30, and then go down and play the concert.”

“[Dick] pointed us into the direction of total percussion by including the Musser line in our catalogs,” William F. Ludwig II stated in his autobiography, The Making of a Drum Company. “He saw the potential of percussion ensembles in building a market for total percussion. He hired friends in the percussion world to compose percussion ensemble pieces at the high school level and published them himself, selling them to the company as needed. The purpose was to create a market for marimbas, xylophones, bells, chimes, and all else in the percussion world previously sold in very limited quantities. Dick Schory saw the potential of percussion expansion and aggressively pursued it.”

Schory remembers how the term “total percussion” came about. “We did an ad for the center spread in the Ludwig Drummer magazine. It also ran in the Instrumentalist, School Musician, and Music Educators Journal. It showed timpani along with a vibe, marimba, xylophone, orchestra bells, and so forth. I titled the spread ‘Ludwig Total Percussion’.”

Balter remembers that ad as if it was printed yesterday. “The picture was taken in a symphony hall. There was a drumset on a riser, plus a Musser marimba and vibe, timpani, eight concert toms, a concert bass drum—everything. In other words, total percussion! Anything that you would ever use, it was there. The ad was referred to as ‘the centerfold.’ This was in the 1960s—the heyday of the Playboy Club. In those days, if you spoke about a ‘centerfold,’ everyone thought you were referring to some girl in Playboy magazine. But if you asked a drummer, ‘Have you seen the centerfold?’ he knew you were talking about the Ludwig catalog.”

In addition to his jobs as Educational Director and Vice-President of Marketing for Ludwig, Schory was also involved in product development. One of his most important innovations is the beginning percussion kit. “I created the Ludwig Drum Kit. And when Jim Sewrey joined my educational staff, the Junior Percussion Kit,” he recalls. “The Drum Kit included a snare drum, a practice pad, a pair of sticks, a music stand, and a method book, packaged in a red plush-lined case. The Junior Percussion Kit added a set of bells. Ludwig had bought Musser by that time, and if we were going to develop mallet players, we needed to get them started early on and had to teach them to read music.

“At first [Ludwig] Senior didn’t agree and said no one was going to buy kits,” Schory continues. “So I went to Marion Karnes at Karnes Music in Evanston. He was a school dealer that I knew from my Northwestern days. He bought 75 on first showing, and when I went back to check on them he ordered 75 more! So that was the start of the drum kit business.” Schory also worked with William F. Ludwig, Sr. on the development of the Symphonic model timpani as well as the first phase of new instruments for marching bands and drum corps, including high-tension snare drums and multiple bass and tenor drums.

During his 15 years at Ludwig, Schory traveled around the U.S. and Canada as a clinician, lecturer, and guest conductor. Not only did he conduct concert bands, orchestras, jazz bands, and percussion ensembles, he also taught workshops and created the first Ludwig Percussion Symposium, held in July 1968 at Northwestern University. Schory also resurrected the Ludwig Drummer magazine—with a worldwide circulation of 150,000—which became an important educational source for professional performers, band and orchestra directors, and percussion students alike.

Schory combined two of his passions by booking his Percussion Pops Orchestra to perform seven annual NAMM convention concerts at Orchestra Hall in Chicago. “I would bring in guest soloists with the PPO that included the Dave Brubeck Quartet, Ray Brown [bass], and Doc Severinsen [trumpet],” Schory recalls. During one of those NAMM concerts, William F.Ludwig, Sr. and William F. Ludwig II—two members of the PAS Hall of Fame—performed a snare drum duet. “I wrote an arrangement based on ‘Three Camps’ and ‘Downfall of Paris’ and put the band behind it.”

The seven other PAS Hall of Famers to play with the Percussion Pops Orchestra over the years were snare drummer Frank Arsenault (who had served as the PPO road manger on several tours as well as the soloist in “Assault by Arsenault”), jazz drummer Joe Morello (who toured and was featured on four PPO albums), percussionists Bobby Christian (who toured and played on all 12 albums), George Gaber, Al Payson, and Gordon Peters, and vibist Gary Burton (who toured and was featured on five albums). “Gary was just 17 when he started playing with the PPO,” Schory remembers. “And he’s still the Paganini of the vibraphone to me.”

In 1971, Schory left Ludwig but continued with his recording career, both in front of and behind the microphone. Two years earlier, he had left RCA Victor and started his own record label, Ovation. His 1970 recording, Dick Schory...Carnegie Hall, received a Grammy nomination for Best Live Recording of the Year. He had also been nominated as Arranger of the Year in 1960, 1961, 1962, and 1963.

“The Ovation label was formed based on my development of quadraphonic sound with Jim Cunningham, an engineer in Chicago,” Schory states. “At RCA, I had developed two stereo projects: Stereo Action and then Dynagroove. Both series enjoyed good consumer sales.”

Schory produced over 300 Ovation albums featuring such artists as Joe Morello, jazz flutist Paul Horn, the Count Basie Orchestra, and even a series of hit country music singles and albums by The Kendalls. He also established the Black Jazz record label with jazz pianist Gene Russell and produced 30 more albums.

More recent projects include Media Ventures International, which is involved in television production, including the series Egoli for a cable company in South Africa. Schory is also keeping his music writing chops sharp. His latest composition is “Cubana,” written for a 20-member percussion ensemble featuring piano. Dan Moore and the University of Iowa Percussion Ensemble will premiere “Cubana” during PASIC 2011.

What advice would Schory give a young percussionist? “I’d have to say that in order to make it in today’s economy and musical environment, if you’re not a set drummer or a total percussionist, don’t even think about it.” The concept of total percussion that he coined almost half acentury ago is more important than ever.

“Dick Schory wanted to explore the world of percussion sounds,” summarizes Mike Balter, “and prove that a percussion ensemble could play music, not just rhythm. Before I went to the first Ludwig symposium, I was just a drummer. Hearing Dick Schory and the Percussion Pops opened up the world of percussion to me, and it was a life-changing experience."

 https://www.pas.org/about/hall-of-fame/dick-schory

As Tom Gaines said in his liner notes for Dick Schory...Carnegie Hall, Schory was “like a juggler with 15 projects in the air.” Percussionists todayare lucky to enjoy the results of all his “juggling”!

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por Lauren Vogel Weiss

Dick Schory, Si Dick Schory es más que un percusionista. También es compositor, arreglista, director de orquesta, editor de música, productor de discos y televisión, pionero del audio y veterano de la industria de la música, responsable del diseño y comercialización de instrumentos. Pero quizás uno de los hechos más reveladores de su impresionante carrera musical es que nueve miembros del PAS Hall of Fame tocaron con la famosa Percussion Pops Orchestra de Schory. ¿Qué hizo a este músico tan especial para atraer a sidemen y solistas tan estelares?

Richard L. "Dick" Schory nació en Chicago, Illinois el 13 de diciembre de 1931 en el seno de una familia de músicos. Su padre, Howard, había sido un destacado director de orquesta y percusionista en Columbus, Ohio, y su madre, Dorothea, era una Representante de Conciertos Comunitarios para la Administración de Artistas de Columbia en su división de Conciertos Comunitarios. Después de un concierto de la banda del Ejército de Salvación de Chicago en la escuela primaria DeWitt Clinton, el joven Dick quedó enganchado. Volvió de la escuela y le dijo a su familia que quería ser músico.

En 1942, la familia se mudó a Ames, Iowa, y Schory comenzó a tomar clases de música, ¡con trompeta! Pero cuando llegó a la secundaria, ya tocaba la percusión. "Tocaba en las bandas de marcha, conciertos y animaciones, así como en la orquesta sinfónica", recuerda Schory. "Comencé la primera banda de jazz de Ames High School, y los 16 miembros ensayaban en nuestra sala de estar todos los miércoles por la noche. Tocamos todos los bailes de la escuela y conciertos especiales de jazz.

"En aquellos días", continuó Schory, "no había maestros de percusión en Iowa. Mi padre me enseñó muchos de los fundamentos". Durante sus vacaciones de verano de la escuela secundaria, Schory tocaba en la Banda Municipal de Ames y en la banda de verano de la Universidad Estatal de Iowa, donde conoció a Frank Piersol, Director de Bandas de la ISU. "Fue mi primer maestro influyente y un verdadero mentor para mí", añade Schory. "Era un gran músico con mucho corazón".

Schory se graduó de la escuela secundaria en 1950 y se matriculó en la Universidad Estatal de Iowa. "A pesar de que no estaban ofreciendo un título en música en ese momento, pensé que me quitaría el primer año del camino", recuerda.

En enero de 1951, después de su primer trimestre en la ISU, Schory se alistó en la Fuerza Aérea de Estados Unidos y fue asignado al cuartel general del Comando Aéreo Estratégico (SAC) en Omaha, Nebraska, donde permaneció hasta el final de su alistamiento. "Probablemente aprendí más sobre música en los cuatro años que estuve en la Fuerza Aérea que en el estado de Iowa o en Northwestern", dice Schory riendo. "Teníamos una banda de marcha, una banda de jazz, dos combos de jazz, un coro y una banda de conciertos. Siempre estábamos ensayando o actuando.

"Una de las cosas que hicimos fue un programa semanal de televisión en WOW-TV Canal 6, la misma estación de la que vino Johnny Carson", continúa. "Una semana fue la banda de concierto y el coro, y la semana siguiente fue la banda de jazz, así que tuvimos que escribir muchas cartas y arreglos originales. Por supuesto, ese es el mejor tipo de experiencia que puedes tener, para poder escuchar tu música inmediatamente después de escribirla".

Otro beneficio de estar en la Fuerza Aérea fue que durante sus giras por el Comando SAC y el Medio Oeste, Schory a menudo terminaba en Chicago, dándole la oportunidad de estudiar con Edward Metzinger, Timbalista Principal de la Sinfónica de Chicago. También estudió composición a través de un curso por correspondencia de la Universidad de California-Berkeley.

Cuando terminó el período de servicio de Schory, regresó a la Universidad Estatal de Iowa. En el otoño de 1954 fue transferido a la Universidad Northwestern en Evanston, Illinois, donde recibió una beca completa y un puesto de asistente. Schory tocó en la banda de marcha NU, orquestas de cámara y sinfónicas, banda de concierto, conjunto de viento y banda de jazz. Siguió estudiando con Metzinger mientras daba clases y clases particulares a las especialidades de educación musical. Algunos de sus compañeros percusionistas incluían a Tom Davis, que seguiría enseñando en la Universidad de Iowa; Bob Wessberg, un músico de estudio de primera línea de Chicago que también tocaba con Frank Sinatra; y Jerry Olson, que más tarde se convirtió en director de música instrumental de las Escuelas Públicas de Chicago.

Schory fundó y dirigió el conjunto de percusión en Northwestern. "Fue uno de los primeros conjuntos de percusión universitarios en Estados Unidos", afirma con orgullo. "Como sólo había unas pocas piezas publicadas para percusión, escribimos sobre el 95 por ciento de lo que tocamos nosotros mismos. Fue muy diferente a lo que Paul Price estaba haciendo en la Universidad de Illinois porque presentamos el uso extensivo de instrumentos de mazo.

"Fue durante este tiempo que escribí'Introducción y Allegro' y'Baja'", continúa Schory. "Tom Davis también escribió algunas piezas, que publiqué más tarde." Estos primeros conjuntos formaron el catálogo inicial de Creative Music, la editorial que Schory fundó en 1956 y que continúa en la actualidad.

"El Northwestern Percussion Ensemble se convirtió en la Percussion Pops Orchestra", recuerda. "Hicimos nuestro primer álbum dos días después de graduarnos en junio de 1957. Esa grabación, Re-Percussion, fue el primer álbum pulsado en sonido estereofónico en la industria. Teníamos 12 percusiones, dos guitarras, un bajo de cuerda, un arpa y un teclista. Presentaba varias de las composiciones y arreglos originales que habíamos creado para el conjunto de percusión NU".

Tras el éxito de ese álbum, RCA Victor invitó a Schory a unirse a su sello, y en junio de 1958, grabó Music for Bang, Baaroom, and Harp. Grabado en el escenario de la Orchestra Hall de Chicago, su grabación fue un excelente ejemplo de sonido estereofónico, lo que ayudó a mantenerlo en la lista de álbumes de Billboard durante dos años, incluyendo seis meses en el Top10. Más tarde el álbum fue reeditado como un CD digital y ha sido añadido al Sonic Hall of Fame de Classical CD Review como un ejemplo sobresaliente del arte de la grabación en estéreo.

Durante este tiempo, Schory también tocaba y grababa con la Orquesta Sinfónica de Chicago. La sección de percusión a finales de la década de 1950 consistía en Metzinger en timbales junto con Gordon Peters, Al Payson y Sam Denov. "Yo era el quinto jugador de guardia cuando grabamos todos los Mahler y Strauss bajo Fritz Reiner", dice Schory.

Gracias a la popularidad de la música para Bang, Baaroom y Harp, Dick Schory y sus Percussion Pops grabaron Music to Break Any Mood en 1959 y Wild Percussion and Horns A' Plenty en 1960, ambos para el sello RCA Victor. Este último le trajo su primera nominación a los Grammy como Arreglador del Año.

El conjunto de 22 piezas, que consistía en una gran banda y varios percusionistas, comenzó a dar cada vez más conciertos en vivo. "Hicimos giras todos los años durante 15 años", recuerda Schory. "Salíamos unas semanas en otoño y otra vez en primavera, además de algunas excursiones de verano. Tocamos en muchos conciertos comunitarios y en eventos universitarios".

Michael Balter, Presidente de Mike Balter Mallets y residente de toda la vida en el área de Chicago, recuerda su primer concierto de la Percussion Pops Orchestra. "Dick Schory quería que el público tuviera una experiencia estereofónica en directo. Los instrumentos de percusión que estaban en el lado izquierdo del escenario se reflejaban en el lado derecho, con la banda en las bandas en el centro detrás de los percusionistas".

LUDWIG

Durante una de sus visitas a Chicago mientras aún estaba en la banda de la Fuerza Aérea, Schory conoció a William F. Ludwig, Sr. y lo impresionó tocando rudimentos de batería. "Acababa de pasar la prueba NARD", ríe Schory. "Una vez que'Senior' me oyó tocar, me pidió que dejara mi batería Slingerland y me convirtiera en médico de la WFL Drum Company; esto fue antes de que él[William Ludwig, Sr.] comprara de nuevo el nombre Ludwig en 1955. Mientras estaba en Omaha, empecé a hacer clínicas de la WFL en Nebraska, Iowa, Kansas y Dakota del Sur".

Cuando Schory se mudó a Evanston para asistir a Northwestern, también comenzó a trabajar a tiempo parcial para Ludwig, haciendo de todo, desde ayudar con el inventario hasta escribir textos para catálogos. Cuando se graduó de la universidad, le habían ofrecido un puesto de trabajo a tiempo completo en Ludwig.

"En ese momento actuaba en los estudios, así como con la Sinfónica de Chicago", explica. "Además, ya estaba grabando mis propios discos. Mi acuerdo con Ludwig fue que podía continuar con esas actividades. Así que llegaba a la fábrica de Damen Avenue a las 7:00 de la mañana, luego a las 8:45 tomaba la "L" en el centro de la ciudad y hacía un ensayo de CSO en Orchestra Hall. Luego volvía a la'L', terminaba en Ludwig hasta las 6:30, y luego bajaba a tocar el concierto".

"Dick] nos señaló en la dirección de la percusión total al incluir la línea Musser en nuestros catálogos", dijo William F. Ludwig II en su autobiografía, The Making of a Drum Company. "Vio el potencial de los conjuntos de percusión en la construcción de un mercado para la percusión total. Contrató a amigos del mundo de la percusión para componer piezas de conjuntos de percusión a nivel de bachillerato y las publicó él mismo, vendiéndolas a la compañía cuando fue necesario. El propósito era crear un mercado para marimbas, xilófonos, campanas, campanas y todo lo demás en el mundo de la percusión que antes se vendía en cantidades muy limitadas. Dick Schory vio el potencial de la expansión de la percusión y la persiguió agresivamente".

Schory recuerda cómo surgió el término "percusión total". "Hicimos un anuncio para el artículo central de la revista Ludwig Drummer. También se publicó en la revista Instrumentalist, School Musician y Music Educators Journal. Mostraba timbales junto con una vibración, marimba, xilófono, campanas de orquesta, etc. Yo titulé el artículo'Ludwig Total Percussion'."

 

Balter recuerda ese anuncio como si hubiera sido impreso ayer. "La foto fue tomada en una sala sinfónica. Había una batería en un elevador, más una marimba y vibración Musser, timbales, ocho tomos de concierto, un bombo de concierto, todo. En otras palabras, ¡percusión total! Cualquier cosa que usaras, estaba ahí. El anuncio se llamaba "el desplegable central". Esto fue en los años 60, el apogeo del Playboy Club. En aquellos días, si hablabas de un "centerfold", todos pensaban que te referías a una chica de la revista Playboy. Pero si le preguntas a un baterista, ``¿Has visto el desplegable?' supo que hablabas del catálogo de Ludwig."

Además de su trabajo como Director de Educación y Vicepresidente de Marketing para Ludwig, Schory también estuvo involucrado en el desarrollo de productos. Una de sus innovaciones más importantes es el kit de percusión para principiantes. "Yo creé el Ludwig Drum Kit. Y cuando Jim Sewrey se unió a mi equipo educativo, el Junior Percussion Kit", recuerda. "El Drum Kit incluía un tambor, una almohadilla de práctica, un par de palos, un atril y un libro de métodos, empaquetados en un estuche rojo forrado con una cinta adhesiva. El kit de percusión Junior agregó un juego de campanas. Ludwig había comprado Musser para entonces, y si íbamos a desarrollar músicos de mazo, necesitábamos que se iniciaran desde el principio y que aprendieran a leer música.

"Al principio[Ludwig] Senior no estaba de acuerdo y dijo que nadie iba a comprar kits", continúa Schory. "Así que fui a ver a Marion Karnes en Karnes Music en Evanston. Era un traficante de escuela que conocía desde mis días en Northwestern. Compró 75 en la primera exhibición, y cuando volví a verlos, ¡pidió 75 más! Así que ese fue el comienzo del negocio de las baterías". Schory también trabajó con William F. Ludwig, Sr. en el desarrollo de los timbales de modelos sinfónicos, así como en la primera fase de nuevos instrumentos para bandas de marcha y cuerpos de tambores, incluyendo tambores de alta tensión y múltiples tambores de bajo y tenor.

Durante sus 15 años en Ludwig, Schory viajó por los Estados Unidos y Canadá como médico, conferencista y director invitado. No sólo dirigió bandas de concierto, orquestas, bandas de jazz y conjuntos de percusión, sino que también impartió talleres y creó el primer Simposio de Percusión Ludwig, celebrado en julio de 1968 en la Northwestern University. Schory también resucitó la revista Ludwig Drummer -con una circulación mundial de 150.000 ejemplares- que se convirtió en una importante fuente educativa para intérpretes profesionales, directores de bandas y orquestas, y estudiantes de percusión por igual.

Schory combinó dos de sus pasiones al contratar a su Percussion Pops Orchestra para realizar siete conciertos anuales de la convención NAMM en el Orchestra Hall de Chicago. "Traía solistas invitados con el PPO que incluía al Dave Brubeck Quartet, Ray Brown[bajo] y Doc Severinsen[trompeta]", recuerda Schory. Durante uno de esos conciertos de la NAMM, William F. Ludwig, Sr. y William F. Ludwig II -dos miembros de la Sala de la Fama del PAS- tocaron un dúo de tambores. "Escribí un arreglo basado en'Three Camps' y'Downfall of Paris' y puse a la banda detrás."

Los otros siete PAS Hall of Famers que tocaron con la Percussion Pops Orchestra a lo largo de los años fueron el baterista Frank Arsenault (que había servido como el PPO road manger en varias giras, así como el solista en "Assault by Arsenault"), El baterista de jazz Joe Morello (quien estuvo de gira y fue presentado en cuatro álbumes PPO), los percusionistas Bobby Christian (quien estuvo de gira y tocó en los 12 álbumes), George Gaber, Al Payson, y Gordon Peters, y el vibrafonista Gary Burton (quien estuvo de gira y fue presentado en cinco álbumes). "Gary tenía sólo 17 años cuando empezó a jugar con el PPO", recuerda Schory. "Y sigue siendo el Paganini del vibráfono para mí."

En 1971, Schory dejó a Ludwig pero continuó con su carrera discográfica, tanto delante como detrás del micrófono. Dos años antes, había dejado RCA Victor y había comenzado su propio sello discográfico, Ovation. Su grabación de 1970, Dick Schory....Carnegie Hall, recibió una nominación al Grammy como Mejor Grabación en Vivo del Año. También fue nombrado Arreglador del Año en 1960, 1961, 1962 y 1963.

"El sello Ovation se formó en base a mi desarrollo del sonido cuadrafónico con Jim Cunningham, un ingeniero de Chicago", afirma Schory. "En la RCA, había desarrollado dos proyectos estéreo: Stereo Action y luego Dynagroove. Ambas series disfrutaron de buenas ventas al consumidor".

Schory produjo más de 300 álbumes de Ovation con artistas como Joe Morello, el flautista de jazz Paul Horn, la Count Basie Orchestra, e incluso una serie de éxitos de música country y álbumes de The Kendalls. También estableció el sello discográfico Black Jazz con el pianista de jazz Gene Russell y produjo 30 álbumes más.

Entre los proyectos más recientes figuran Media Ventures International, que se dedica a la producción de televisión, incluida la serie Egoli para una empresa de cable en Sudáfrica. Schory también mantiene su música escribiendo chuletas afiladas. Su última composición es "Cubana", escrita para un conjunto de percusión de 20 miembros con piano. Dan Moore y el conjunto de percusión de la Universidad de Iowa estrenarán "Cubana" durante PASIC 2011.

¿Qué consejo le daría Schory a un joven percusionista? "Tendría que decir que para triunfar en la economía y el ambiente musical de hoy, si no eres un baterista o un percusionista total, ni siquiera lo pienses." El concepto de percusión total que acuñó hace casi medio siglo es más importante que nunca.

"Dick Schory quería explorar el mundo de los sonidos de percusión", resume Mike Balter, "y demostrar que un conjunto de percusión puede tocar música, no sólo ritmo. Antes de ir al primer simposio de Ludwig, era sólo un baterista. Escuchar a Dick Schory y a Percussion Pops me abrió el mundo de la percusión, y fue una experiencia que me cambió la vida".

 https://www.pas.org/about/hall-of-fame/dick-schory

Como dijo Tom Gaines en sus notas para Dick Schory... Carnegie Hall, Schory era "como un malabarista con 15 proyectos en el aire". Los percusionistas de hoy en día tienen la suerte de disfrutar de los resultados de todos sus "malabares"!

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Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Monty Alexander • Calypso Blues The Music of Nat King Cole

Review by Michael G. Nastos

Monty Alexander follows up his tribute to Tony Bennett with an homage to another classic jazz singer, Nat King Cole. Also recorded in New York City at St. Peter's Episcopal Church with the same trio of Chicagoans Lorin Cohen on bass and drummer George Fludas, the veteran pianist seems more in his element with this artist's repertoire that sharply defined his personal sound and thinking about populist jazz. Though all of the tunes selected are not so closely linked to Cole's hit parade songbook, the way Alexander plays them with subtlety and depth certainly reflects what made Cole the king in the late '50s and early '60s. Though a competent singer, Alexander does not attempt vocalizing them, and that's all right. What he does is lovingly construct these melodies and extrapolate on them later -- the best way of honoring these great American popular songs. Though "Straighten Up and Fly Right" is not credited as it is in Ira Gitler's liner notes, it's a distinct part of and extant in the theme of the bluesy, two-fisted, and breezy "Can't See for Looking." "Ramblin' Rose" is not at all typical in a bouncy, cowpoke swing, and "Send for Me" has Alexander staggering the chord phrases as if he's juggling them, with double stops and bouncy stride or boogie-woogie inferences. Most typically Nat is the straight-ahead take of "Almost Like Being in Love," the short and sweet "Fascination," and the steamrolling "Sweet Georgia Brown," a tune Cole loved to tear it up on, showcasing Alexander at his best. The most unusual selections go into ethnic overtones, as "Hajji Baba" is Arabic in nature with its mystical exoticism and the storybook, childlike version of "Never Let Me Go" refers to Alexander's Caribbean roots, mixing a bossa nova and reggae feel into a light, cool whip. The CD is bookended with versions of the title track, where Alexander wields the melodica playfully, again in spicier Latin frames. With the immaculate sound and performance by this fine trio -- not to mention that they didn't exactly play Cole's songbook rote or by the numbers -- it's hard to fault the effort, heart, and soul behind this concept album that should delight many jazz listeners.

https://www.allmusic.com/album/calypso-blues-the-songs-of-nat-king-cole-mw0000811429

Artist Biography by Matt Collar

Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.

In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.

In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.

The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.

In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.

https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography

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Reseña de Michael G. Nastos

Monty Alexander sigue su homenaje a Tony Bennett con un homenaje a otro cantante de jazz clásico, Nat King Cole. También grabado en la ciudad de Nueva York en la Iglesia Episcopal de San Pedro con el mismo trío de los Chicagoitas Lorin Cohen en el bajo y el baterista George Fludas, el veterano pianista parece más en su elemento con el repertorio de este artista que definió claramente su sonido personal y su pensamiento sobre el jazz populista. Aunque todas las melodías seleccionadas no están tan estrechamente relacionadas con el exitoso cancionero de Cole, la forma en que Alexander las toca con sutileza y profundidad refleja ciertamente lo que hizo de Cole el rey a finales de los años 50 y principios de los 60. Aunque es un cantante competente, Alexander no intenta vocalizarlos, y eso está bien. Lo que hace es construir amorosamente estas melodías y luego extrapolarlas, la mejor manera de honrar estas grandes canciones populares estadounidenses. Aunque "Straighten Up and Fly Right" no está acreditado como lo está en las notas de Ira Gitler, es una parte distinta y existente en el tema del blues, los dos puños y la brisa "Can't See for Looking". "Ramblin' Rose" no es para nada típico en un swing de vaquero y vaquero, y "Send for Me" tiene a Alexander tambaleando las frases de acordes como si las estuviera haciendo malabares, con dobles paradas y zancadas de rebote o inferencias de boogie-boogie. Lo más típico de Nat es la toma directa de "Casi como estar enamorado", la corta y dulce "Fascinación", y la arrolladora "Sweet Georgia Brown", una melodía que a Cole le encantaba desgarrar, mostrando a Alexander en su mejor momento. Las selecciones más inusuales tienen matices étnicos, ya que "Hajji Baba" es de naturaleza árabe con su exotismo místico y el libro de cuentos, una versión infantil de "Never Let Me Go" (Nunca me dejes ir) se refiere a las raíces caribeñas de Alexander, mezclando una bossa nova y una sensación de reggae en un látigo ligero y fresco. El CD está terminado con las versiones del tema del título, donde Alexander maneja la melódica de manera juguetona, de nuevo en marcos latinos más picantes. Con el inmaculado sonido y la interpretación de este buen trío -por no mencionar que no tocaron exactamente la rutina del libro de canciones de Cole o los números- es difícil culpar al esfuerzo, corazón y alma detrás de este álbum conceptual que debería deleitar a muchos oyentes de jazz.

https://www.allmusic.com/album/calypso-blues-the-songs-of-nat-king-cole-mw0000811429

Biografía del artista por Matt Collar

El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.

En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".

En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.

Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.

En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center. 

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https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography

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Sue Raney • All By Myself

Review by J. Scott McClintock

In 1963, Capitol Records producer Lee Gillette was looking for a way to amp up the singing career of young crooner Sue Raney. Impossibly young when she entered the music business, Raney nevertheless had the talent, looks, and delivery of a star -- she just needed to shake that "little girl" aspect and tap into a more "adult" vein. Gillette tried to secure Stan Kenton as her backing arranger (for the album that would become All by Myself), but when that fell through, Capitol house arranger Ralph Carmichael was brought on board, and he channeled that stabbing, boisterous Kenton vibe to a T. In fact, the arrangements proved so volatile that Raney wondered how she was going to compete. Well, she mostly succeeded. Some tracks (like the explosive opener, "Some of These Days") find Raney struggling to overcome the blasting brass, which all but bury her vocal line. She was not as forceful as Anita O'Day, nor did she have the shrewd phrasing talents of, say, June Christy, but Raney did have a sweet, sweet voice -- maybe not powerful enough to blast through the more bombastic numbers, but on slow burners (like the über-sensual "Don't Let the Sun Catch You Crying" or the appropriately melancholy "Here's That Rainy Day") her breathy delivery is stunning. The album's title track is without a doubt the most successful venture here. By peeling away the flash and getting down to an intimate purr, "All By Myself"'s comely arrangement allows Raney to whisper in your ear, which is ultimately the best way she comes across on record.

https://www.allmusic.com/album/all-by-myself-mw0000549583

Biography by Scott Yanow

Blessed with a beautiful voice from an early age, Sue Raney has performed music ranging from swinging jazz and ballads to cabaret, middle-of-the-road pop and jingles. Her mother was a singer and a great great aunt had been in German opera. Raney started singing when she was four and a year later she first performed in public, at a party in Wichita, Kansas. Because a voice teacher could not be found for her daughter (because of her extreme youth), Raney's mother took voice lessons herself and then passed down what she learned to Sue. A professional before she was a teenager, Raney worked steadily in New Mexico when her family relocated and took several trips out to Los Angeles during a couple of summer vacations. She joined the Jack Carson radio show in 1954 in L.A. when she was barely 14. Raney then appeared on Ray Anthony's television program and became his band's main vocalist. At 18 she started working as a single. She had already recorded for Phillips and then signed with Capitol, recording several middle-of-the-road jazz-influenced pop dates for the company. In the 1960's Raney often appeared on television variety shows, she led her own group and became very active in the studios where her impressive voice helped sell products. By the early 1980's, she was also working as a voice teacher. In the 1990's Sue Raney has sung with the L.A. Voices and Supersax, the Bill Watrous big band and as a single in addition to staying active as a jazz educator and in the studios. Her main jazz recordings were a trio of albums for Discovery in the 1980's; a VSOP/Studio West CD features the singer on various live performances from the 1960's.

https://www.allmusic.com/artist/sue-raney-mn0000491082/biography

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Reseña de J. Scott McClintock

En 1963, el productor de Capitol Records Lee Gillette estaba buscando una manera de ampliar la carrera cantante de la joven cantante Sue Raney. Imposiblemente joven cuando entró en el negocio de la música, Raney, sin embargo, tenía el talento, la apariencia y la entrega de una estrella - sólo necesitaba sacudir ese aspecto de "niña pequeña" y entrar en una vena más "adulta". Gillette trató de asegurar a Stan Kenton como su arreglista de apoyo (para el álbum que se convertiría en All by Myself), pero cuando eso falló, el arreglista de Capitol Ralph Carmichael fue traído a bordo, y canalizó esa vibración apuñaladora y bulliciosa de Kenton a un tono de T. De hecho, los arreglos probaron ser tan volátiles que Raney se preguntó cómo iba a competir. Bueno, ella tuvo éxito en la mayoría de los casos. Algunas canciones (como el explosivo abridor, "Some of these days") encuentran a Raney luchando por superar los metales explosivos, que casi enterraron su línea vocal. Ella no era tan enérgica como Anita O'Day, ni tenía los talentos de fraseado sagaz de, digamos, June Christy, pero Raney tenía una voz dulce, dulce -- tal vez no lo suficientemente poderosa como para hacer sonar los números más pomposos, pero con quemadores lentos (como el über-sensual "Don't Let the Sun Catch You Crying" o el apropiadamente melancólico "Here's That Rainy Day" (Aquí está ese día lluvioso)"), su parto es asombroso. La canción que da título al álbum es sin duda la aventura más exitosa aquí. Al eliminar el flash y llegar a un ronroneo íntimo, "All By Myself" permite a Raney susurrar al oído, que es, en última instancia, la mejor manera de que ella se encuentre en el registro.

https://www.allmusic.com/album/all-by-myself-mw0000549583

Biografía de Scott Yanow

Bendecida con una hermosa voz desde muy temprana edad, Sue Raney ha interpretado música que va desde jazz y baladas hasta cabaret, pop y jingles. Su madre era cantante y una tía abuela había estado en la ópera alemana. Raney comenzó a cantar cuando tenía cuatro años y un año después se presentó por primera vez en público, en una fiesta en Wichita, Kansas. Debido a que no se pudo encontrar un maestro de voz para su hija (debido a su extrema juventud), la madre de Raney tomó clases de canto ella misma y luego le pasó lo que aprendió a Sue. Una profesional antes de ser adolescente, Raney trabajó constantemente en Nuevo México cuando su familia se mudó e hizo varios viajes a Los Ángeles durante un par de vacaciones de verano. Se unió al programa de radio Jack Carson en 1954 en L.A. cuando apenas tenía 14 años. Raney apareció en el programa de televisión de Ray Anthony y se convirtió en el vocalista principal de su banda. A los 18 años empezó a trabajar como soltera. Ella ya había grabado para Phillips y luego firmó con Capitol, grabando varias fechas pop influenciadas por el jazz en el medio de la compañía. En los años 60 Raney apareció a menudo en programas de variedades de televisión, dirigió su propio grupo y se hizo muy activa en los estudios donde su impresionante voz ayudó a vender productos. A principios de los años 80, también trabajaba como profesora de canto. En los 90's Sue Raney ha cantado con L.A. Voices y Supersax, la big band de Bill Watrous y como single además de mantenerse activa como educadora de jazz y en los estudios. Sus principales grabaciones de jazz fueron un trío de álbumes para Discovery en los años 80; un CD de VSOP/Studio West presenta a la cantante en varias actuaciones en vivo de los años 60.

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Leni Stern • Secrets

  

Leni Stern was named one of the “50 Most Sensational Female Guitarists of All Time” in Guitar Player magazine’s 50 th anniversary issue in 2017, with the publication aptly dubbing her “a genre-defying adventurer.” Leni’s example shines beyond just prowess on her instrument. The pursuit of her career across more than four decades has been in effect a political act – a practice in strength and defiance to be a woman and a bandleader, a female electric guitarist and a composer, an artist who manages her own career along with producing her own albums and releasing them via her own label. Moreover, in our current political climate, it is more essential than ever to celebrate the immigrant experience that brought Leni to the U.S. from Germany and her bandmates from Senegal and Argentina. Leni’s inspiration has long been the interconnectedness of music, history and our humanity. She says: “Music is one of the truest, most beautiful expressions of the human spirit, crossing borders, dissolving tribalism, binding us together – if we let it.”
Leni has been on an evolutionary road over the past decade and a half, as she fused her long-honed contemporary jazz sound with a deeply felt exploration of West African styles. She has traveled and studied extensively in Mali and Senegal, performing with the likes of iconic singer-songwriter Salif Keita and other African notables. The Munich-bred New Yorker’s trans-Atlantic journeys have yielded a fresh, personal idiom, one where progressive virtuosity blends seamlessly with age-old folk traditions. In summer 2020, Leni released her 22 nd album – titled 4 – which features the rhythm section of bassist Mamadou Ba and percussionist Alioune Faye (natives of Dakar), plus Argentina-bred keyboardist Leo Genovese, an up-and-coming jazz star in New York. This new quartet album showcases the crystalline guitar, irresistible grooves and multilingual songs that listeners know from Leni’s recent releases, with Genovese’s improvisational fire and hints of South American lyricism added to the mix. In its four-star review, DownBeat marveled over the “joy” in Leni’s playing, adding: “If you love the wail of Youssou N’Dour and the jangle of Franco Luambo, but also have a soft spot for música popular brasileira, this crisply produced, infectiously melodic and rhythmically percolating album is for you.”
As Leni’s muse has led her around the world, the guitarist’s curiosity and empathy have enabled her to develop collaborative relationships with kindred spirits across cultures. Since the mid-’80s, Leni has worked with the likes of Paul Motian, Michael Brecker, Baaba Maal, Bill Frisell, Wayne Krantz, Toumani Diabaté and Esperanza Spalding, among many others. Leni appeared in a 2013 documentary film, Last Song Before the War, about Mali’s Festival in the Desert, where she first made the connections with the West African musicians who have had such a profound effect on her life and music. Having teamed with Salif Keita and his band on multiple occasions in Africa, the singer pulled her onstage Stateside to play a solo during his Celebrate Brooklyn! Concert in 2008. Two years later, she performed at Carnegie Hall with her original African mentors: Bassekou Kouyate and Ami Sacko. As the Washington Post has said, “Stern doesn’t collaborate with the West Africans so much as commune with them.” Leni also played the U.S. Cultural Ambassador tour of Nicaragua in 2014, and she was artist-in-residence at Nepal’s Jazzmandu: The Kathmandu Jazz Festival in 2015. And, of course, she has placed top jazz clubs across the U.S., as well as diverse festivals in Europe. Leni’s live performances and ever-prolific recording career have earned her Gibson’s Female Jazz Guitarist of the Year award five times.

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Leni Stern fue nombrada una de las" 50 Guitarristas Femeninas Más Sensacionales de Todos los tiempos "en la edición del 50 aniversario de la revista Guitar Player en 2017, y la publicación la calificó acertadamente como" una aventurera que desafía el género."El ejemplo de Leni brilla más allá de la destreza en su instrumento. La búsqueda de su carrera a lo largo de más de cuatro décadas ha sido en efecto un acto político: una práctica de fuerza y desafío para ser una mujer y una líder de banda, una guitarrista eléctrica y compositora, una artista que maneja su propia carrera junto con la producción de sus propios álbumes y su lanzamiento a través de su propio sello. Además, en nuestro clima político actual, es más esencial que nunca celebrar la experiencia inmigrante que trajo a Leni a los Estados Unidos desde Alemania y a sus compañeros de banda de Senegal y Argentina. La inspiración de Leni ha sido durante mucho tiempo la interconexión de la música, la historia y nuestra humanidad. Ella dice: "La música es una de las expresiones más verdaderas y hermosas del espíritu humano, cruza fronteras, disuelve el tribalismo, nos une, si lo permitimos.”
Leni ha estado en un camino evolutivo durante la última década y media, ya que fusionó su sonido de jazz contemporáneo perfeccionado durante mucho tiempo con una exploración profunda de los estilos de África occidental. Ha viajado y estudiado extensamente en Malí y Senegal, actuando con artistas como el icónico cantautor Salif Keita y otros notables africanos. Los viajes transatlánticos del neoyorquino criado en Munich han dado como resultado un lenguaje fresco y personal, uno en el que el virtuosismo progresivo se combina a la perfección con las tradiciones populares ancestrales. En el verano de 2020, Leni lanzó su álbum número 22, titulado 4, que presenta la sección rítmica del bajista Mamadou Ba y el percusionista Alioune Faye (nativos de Dakar), además del tecladista argentino Leo Genovese, una prometedora estrella del jazz en Nueva York. Este nuevo álbum de cuarteto muestra la guitarra cristalina, los ritmos irresistibles y las canciones multilingües que los oyentes conocen de los lanzamientos recientes de Leni, con el fuego de improvisación de Genovese y toques de lirismo sudamericano añadidos a la mezcla. En su reseña de cuatro estrellas, DownBeat se maravilló de la " alegría "en la interpretación de Leni, y agregó:" Si amas el lamento de Youssou N'Dour y el tintineo de Franco Luambo, pero también tienes debilidad por la música popular brasileña, este álbum de producción nítida, infecciosamente melódico y rítmicamente percolador es para ti.”
A medida que la musa de Leni la ha llevado por todo el mundo, la curiosidad y la empatía de la guitarrista le han permitido desarrollar relaciones de colaboración con espíritus afines de todas las culturas. Desde mediados de los años 80, Leni ha trabajado con artistas como Paul Motian, Michael Brecker, Baaba Maal, Bill Frisell, Wayne Krantz, Toumani Diabaté y Esperanza Spalding, entre muchos otros. Leni apareció en un documental de 2013, Last Song Before the War, sobre el Festival de Malí en el Desierto, donde estableció por primera vez las conexiones con los músicos de África occidental que han tenido un efecto tan profundo en su vida y su música. Después de haberse asociado con Salif Keita y su banda en múltiples ocasiones en África, el cantante la llevó al escenario en Estados Unidos para tocar un solo durante su Celebrate Brooklyn! Concierto en 2008. Dos años más tarde, actuó en el Carnegie Hall con sus mentores africanos originales: Bassekou Kouyate y Ami Sacko. Como ha dicho el Washington Post, "Stern no colabora con los africanos occidentales, sino que comulga con ellos. Leni también tocó en la gira del Embajador Cultural de Estados Unidos en Nicaragua en 2014, y fue artista residente en Jazzmandu: The Kathmandu Jazz Festival de Nepal en 2015. Y, por supuesto, ha colocado los mejores clubes de jazz en los Estados Unidos, así como diversos festivales en Europa. Las actuaciones en vivo de Leni y su prolífica carrera discográfica le han valido el premio Gibson's Female Jazz Guitarist of the Year cinco veces.


www.lenistern.com/

Shirley Scott • Soul Sister

 

 Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacido en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.