The Michael Garrick Septet • ...At Short Notice

 

 

Biography
by Thom Jurek
English pianist, organist, and composer Michael Garrick studied literature at London University before leading a trio and quartet in the late '50s. He mixed music and literature in the early '60s, doing more than 250 concerts that blended poetry and jazz. His earliest recording from 1959 was Blues for the Lonely EP, for Columbia. It also featured Joe Harriott, Shake Keane, and poet Jeremy Robson; he also released Kronos with a different group. Garrick was actively composing and doing stage presentations of large and small works and didn't record again until 1963, when A Case of Jazz appeared, which was quickly followed by Poetry and Jazz in Concert. In 1964 he independently pressed and released Moonscapes, a 10" LP with drummer Colin Barnes and bassist David Green. It was pressed in an edition of 99 copies, which quickly sold out; it remained in obscurity until Jonny Trunk and his Trunk Records imprint remastered and re-released it in 2007.

Garrick formed a sextet in 1965 and recorded the album Promises for Argo/Vocalion that year with Harriott on alto sax, Ian Carr on trumpet, Tony Coe on tenor, and Coleridge Goode on bass. Before Night/Day and the treasured Black Marigolds both appeared in 1966; the latter featured Coe and Harriott. Garrick experimented with harpsichord in the mid-'60s, and explored jazz settings for liturgical works, the first of which was the seminal Jazz Praises at St. Paul's issued in 1968. He made several albums with his various groups into the early '70s, heading trios, quartets, quintets, and septets. Among the most important recordings from this period are The Heart Is a Lotus (featuring vocalist Norma Winstone) in 1970, Cold Mountains in 1972, and Troppo in 1973, all for Argo/Vocalion. Garrick also played with and composed for the Don Rendell/Ian Carr Quintet and Neil Ardley's New Jazz Orchestra.

Garrick began teaching in earnest in the 1970s and his recordings became more infrequent. He had formed the Traveling Jazz Faculty in 1965 for the purpose of entertaining and teaching children the fundamentals of music in the classroom. In the '70s he also held teaching posts at the Royal Academy of Music and the Guildhall, and a professorial post at the Trinity College of Music. In 1975 he instigated a jazz course for the Wavendon All Music Plan at composer John Dankworth's request. (Education and teaching became and remain as big a part of his career as composing and recording.) Garrick didn't record again until 1978 when he issued You've Changed with Don Weller, Chris Lawrence, and Alan Jackson. He stopped recording after this date until the 1990s, though he gigged regularly with Chris Hunter and David Green from 1984 on. He formed a sextet in 1983 and a big band in 1985, both of which remain active, and his "New Quartet" made its recording debut in 2001.

Garrick finally resumed his recording career in 1993 with a trio date entitled A Lady in Waiting with Jackson and Green. In 1994 the pianist also became an orchestral director and arranger. Meteors Close at Hand appeared in 1994 on his Jazz Academy imprint. It was followed by Parting Is Such; another trio recording featured guest appearances by Rendell and violinist Chris Garrick. In 1996 he issued For Love of Duke...and Ronnie on Jazz Academy, which featured his trio, an orchestra, and his first recorded collaboration with vocalist Jacqui Dankworth. He finished the century with Down on Your Knees, recorded by his big band with vocalist Anita Wardell.

As busy as Garrick had been in the 20th century, it was but a precursor to the 21st. In 1999 he helped to establish standards for the Associated Board's jazz examinations. His Jazz Academy label kicked off the new millennium with Joe Harriott: Genius, which featured nine rare Harriott recordings with an additional two from the period with himself, Keane, Johnny Taylor, and Alan Green. In 2001 his New Quartet issued its first recording, with Jackson, Paul Moylan, and Martin Hathaway. He shifted focus a bit in 2002 with the release of the folk-influenced Green and Pleasant Land, with Chris Garrick, Dominic Ashworth, and Moylan, known as Garricks' Strings Quartet. The large-scale orchestra recording Peter Pan: Jazzdance Suite (featuring vocalist Anita Wardell) appeared in 2003. Garrick's big-band tribute entitled Big Band Harriott was issued in 2004, and followed quickly by 2005's Children of Time, performed by yet another large group called the Michael Garrick Jazz Britannia Orchestra with Norma Winstone. The quartet reunited for Inspirations for John Coltrane's 80th birthday in 2006.

Norma Winstone -- who has a busy recording, teaching, and touring schedule of her own -- also fronted the Michael Garrick Jazz Orchestra for Yet Another Spring -- Births, Marriages & Death in 2007 and for the Ellington tribute suite Lady of the Aurian Wood: For Duke in 2009. Also appearing in 2009 was Garrick's Remembered Time: Songs by and for Bill Evans, performed by his orchestra with vocalist Nette Robinson, who also fronted the group for 2010's Tone Poems. While his recording and performing career remained in full swing -- in his seventh decade as a professional musician -- the energetic Garrick continued to teach, as he organized two weeks of workshops each year during the 2000s at his own jazz academy based at the Beechwood Campus in Tunbridge Wells. In 2011 the indefatigable Trunk Records issued Rising Stars: A Case of Jazz Plus Rare Tracks, assembled from recordings done by Michael Garrick and Shake Keane from the late '50s and early '60s. Active and inspired to the end despite heart problems, Michael Garrick died on November 11, 2011 at the age of 78.
https://www.allmusic.com/artist/michael-garrick-mn0000337678/biography

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Biografía
por Thom Jurek
El pianista, organista y compositor inglés Michael Garrick estudió literatura en la Universidad de Londres antes de dirigir un trío y un cuarteto a finales de los años 50. Mezcló música y literatura a principios de los 60, dando más de 250 conciertos en los que mezclaba poesía y jazz. Su primera grabación, de 1959, fue Blues for the Lonely EP, para Columbia. En él también participaron Joe Harriott, Shake Keane y el poeta Jeremy Robson; también publicó Kronos con un grupo diferente. Garrick estaba componiendo activamente y haciendo presentaciones escénicas de obras grandes y pequeñas y no volvió a grabar hasta 1963, cuando apareció A Case of Jazz, al que siguieron rápidamente Poetry y Jazz in Concert. En 1964 editó de forma independiente Moonscapes, un LP de 10 pulgadas con el batería Colin Barnes y el bajista David Green. Se imprimió en una edición de 99 copias, que se agotó rápidamente; permaneció en el olvido hasta que Jonny Trunk y su sello Trunk Records lo remasterizaron y reeditaron en 2007.

Garrick formó un sexteto en 1965 y grabó el álbum Promises para Argo/Vocalion ese mismo año con Harriott al saxo alto, Ian Carr a la trompeta, Tony Coe al tenor y Coleridge Goode al bajo. Before Night/Day y el atesorado Black Marigolds aparecieron en 1966; en este último participaron Coe y Harriott. Garrick experimentó con el clavicémbalo a mediados de los 60 y exploró la ambientación jazzística de obras litúrgicas, la primera de las cuales fue la seminal Jazz Praises at St. A principios de los 70 grabó varios álbumes con sus diversos grupos, al frente de tríos, cuartetos, quintetos y septetos. Entre las grabaciones más importantes de este periodo se encuentran The Heart Is a Lotus (con la vocalista Norma Winstone) en 1970, Cold Mountains en 1972 y Troppo en 1973, todas para Argo/Vocalion. Garrick también tocó y compuso para el Don Rendell/Ian Carr Quintet y la New Jazz Orchestra de Neil Ardley.

Garrick empezó a dar clases en serio en los años 70 y sus grabaciones se hicieron menos frecuentes. Había formado la Traveling Jazz Faculty en 1965 con el propósito de entretener y enseñar a los niños los fundamentos de la música en el aula. En los años 70 también ocupó puestos de profesor en la Royal Academy of Music y el Guildhall, así como en el Trinity College of Music. En 1975 instigó un curso de jazz para el All Music Plan de Wavendon a petición del compositor John Dankworth. (La educación y la enseñanza se convirtieron y siguen siendo una parte tan importante de su carrera como la composición y la grabación). Garrick no volvió a grabar hasta 1978, cuando publicó You've Changed con Don Weller, Chris Lawrence y Alan Jackson. Dejó de grabar después de esta fecha hasta la década de 1990, aunque actuó regularmente con Chris Hunter y David Green a partir de 1984. Formó un sexteto en 1983 y una big band en 1985, que siguen en activo, y su "New Quartet" hizo su debut discográfico en 2001.

Garrick reanudó finalmente su carrera discográfica en 1993 con un trío titulado A Lady in Waiting con Jackson y Green. En 1994, el pianista se convirtió también en director de orquesta y arreglista. Meteors Close at Hand apareció en 1994 en su sello Jazz Academy. Le siguió Parting Is Such, otra grabación en trío con la participación de Rendell y el violinista Chris Garrick. En 1996 publicó For Love of Duke...and Ronnie en Jazz Academy, que incluía a su trío, una orquesta y su primera colaboración grabada con la vocalista Jacqui Dankworth. Terminó el siglo con Down on Your Knees, grabado por su big band con la vocalista Anita Wardell.

La intensa actividad de Garrick en el siglo XX no fue más que la antesala del XXI. En 1999 ayudó a establecer las normas para los exámenes de jazz de la Associated Board. Su sello Jazz Academy inauguró el nuevo milenio con Joe Harriott: Genius, que incluía nueve grabaciones raras de Harriott y otras dos de la época con él mismo, Keane, Johnny Taylor y Alan Green. En 2001, su New Quartet publicó su primera grabación, con Jackson, Paul Moylan y Martin Hathaway. En 2002 cambió un poco de enfoque con el lanzamiento de Green and Pleasant Land, de influencia folk, con Chris Garrick, Dominic Ashworth y Moylan, conocido como Garricks' Strings Quartet. La grabación para orquesta a gran escala Peter Pan: Jazzdance Suite (con la vocalista Anita Wardell) apareció en 2003. El tributo a la big band de Garrick titulado Big Band Harriott se publicó en 2004, y le siguió rápidamente Children of Time en 2005, interpretado por otro gran grupo llamado Michael Garrick Jazz Britannia Orchestra con Norma Winstone. El cuarteto se reunió para Inspirations con motivo del 80 cumpleaños de John Coltrane en 2006.

Norma Winstone, que tiene una apretada agenda de grabaciones, enseñanza y giras, también se puso al frente de la Michael Garrick Jazz Orchestra para Yet Another Spring -- Births, Marriages & Death en 2007 y para la suite tributo a Ellington Lady of the Aurian Wood: For Duke en 2009. En 2009, Garrick publicó Remembered Time: Songs by and for Bill Evans, interpretado por su orquesta con la vocalista Nette Robinson, que también se puso al frente del grupo en Tone Poems, de 2010. Mientras su carrera discográfica e interpretativa seguía en pleno apogeo -en su séptima década como músico profesional-, el enérgico Garrick continuó enseñando, ya que organizó dos semanas de talleres cada año durante la década de 2000 en su propia academia de jazz con sede en el Beechwood Campus de Tunbridge Wells. En 2011 el infatigable Trunk Records publicó Rising Stars: A Case of Jazz Plus Rare Tracks, ensamblado a partir de grabaciones realizadas por Michael Garrick y Shake Keane de finales de los 50 y principios de los 60. Activo e inspirado hasta el final a pesar de sus problemas cardíacos, Michael Garrick falleció el 11 de noviembre de 2011 a la edad de 78 años.
https://www.allmusic.com/artist/michael-garrick-mn0000337678/biography

Joe Harriott & Co Feat. John Dankworth & Tubby Hayes • Helter Skelter

Biography

Joe Harriott's music goes virtually unheard today, yet the alto saxophonist exerted a powerful influence on early free jazz in England. The Jamaican-born and raised Harriott played with his countrymen, trumpeter Dizzy Reece and tenor saxophonist Wilton "Bogey" Gaynair, before emigrating to England in 1951. In London, Harriott worked freelance and in the band of trumpeter Pete Pitterson. In 1954, he landed an important gig with drummer Tony Kinsey; the next year he played in saxophonist Ronnie Scott's big band. His first album as a leader was 1959's Southern Horizon. Originally a bop-oriented player, Harriott gradually grew away from the conventions of that style. During a 1960 hospital stay, Harriott envisaged a new method of improvisation that, to an extent, paralleled the innovations of Ornette Coleman. Harriott was initially branded a mere imitator of Coleman, but close listening to both men reveals distinct differences in their respective styles. Harriott manifested a more explicit philosophical connection with bebop, for one thing, and his music was more concerned with ensemble interaction than was Coleman's early work. The 1960 album Free Form, which included trumpeter Shake Keane, pianist Pat Smythe, bassist Coleridge Goode, and drummer Phil Seaman, illustrated Harriott's new techniques. Beginning in 1965, he began fusing jazz with various types of world folk musics. He collaborated with Indian musician John Mayer on a record -- 1967's Indo-Jazz Suite -- that utilized modal and free jazz procedures. The album's traditional jazz quintet instrumentation was augmented by a violin, sitar, tambura, and tabla. Harriott's recorded output was scarce and virtually none of it remains in print.

https://www.allmusic.com/artist/joe-harriott-mn0000136875/biography

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Biografía

La música de Joe Harriott es prácticamente inaudita hoy en día, pero el saxofonista alto ejerció una poderosa influencia en el free jazz temprano en Inglaterra. Harriott, nacido y criado en Jamaica, tocó con sus compatriotas, el trompetista Dizzy Reece y el saxofonista tenor Wilton "Bogey" Gaynair, antes de emigrar a Inglaterra en 1951. En Londres, Harriott trabajó por cuenta propia y en la banda del trompetista Pete Pitterson. En 1954, consiguió un importante concierto con el baterista Tony Kinsey; al año siguiente tocó en la gran banda del saxofonista Ronnie Scott. Su primer álbum como líder fue Southern Horizon de 1959. Originalmente orientado al bop, Harriott se alejó gradualmente de las convenciones de ese estilo. Durante una estancia en el hospital en 1960, Harriott concibió un nuevo método de improvisación que, hasta cierto punto, era paralelo a las innovaciones de Ornette Coleman. En un principio, Harriott fue tildado de mero imitador de Coleman, pero al escuchar atentamente a ambos hombres se observan claras diferencias en sus respectivos estilos. Harriott manifestó una conexión filosófica más explícita con el bebop, por un lado, y su música se preocupaba más por la interacción con el conjunto que por la obra temprana de Coleman. El álbum Free Form de 1960, que incluía al trompetista Shake Keane, al pianista Pat Smythe, al bajista Coleridge Goode y al batería Phil Seaman, ilustraba las nuevas técnicas de Harriott. A partir de 1965, comenzó a fusionar el jazz con varios tipos de música folclórica mundial. Colaboró con el músico indio John Mayer en un disco, el Indo-Jazz Suite de 1967, que utilizaba procedimientos de jazz modal y libre. La instrumentación tradicional del quinteto de jazz del álbum fue aumentada con un violín, un sitar, una tambura y una tabla. La producción grabada de Harriott fue escasa y prácticamente nada de ella permanece en la imprenta.

https://www.allmusic.com/artist/joe-harriott-mn0000136875/biography

The New Don Rendell Quintet • Roarin'

 

 

Review
by Richie Unterberger
Billed to "the New Don Rendell Quintet," this 1961 album was an important document of early-'60s British jazz, proving that U.K. jazz musicians could play well in the hard bop style that had been pioneered in the United States. It's not incredibly distinctive or innovative when measured against the best American music in the style, particularly since the group chose to make three of the seven tracks covers of famous compositions by three major U.S. jazzmen (Thelonious Monk's "Blue Monk," Duke Pearson's "Jeannine," and Miles Davis' "So What"). However, the group does perform with respectable energy and swing, as well as effectively integrating decent original material. For rock fans, the record's most notable for Graham Bond's presence on alto sax; a couple of years or so after this session, Bond would form his own group, the other players including future Cream rhythm section members Jack Bruce and Ginger Baker. He's not the dominant force on this LP, however, or even the only sax player, as leader Rendell handles the tenor sax. In addition, there's little specific similarity with Bond's later work, on which he'd usually sing and play organ on British blues-rock with a jazz influence, though you can hear some of the manic intensity for which Bond was known in his alto playing on "Manumission."
https://www.allmusic.com/album/roarin-mw0000535797



Biography
by Thom Jurek
For more than half a century, English saxophonist, bandleader, composer, and arranger Don Rendell was a leading light in British jazz circles, and proved exceptionally influential among modernists and subsequent generations of players. While he played with a who’s-who of British jazz musicians from the late 1940s onward, and led his own bands from 1955 until 2002, it was the quintet he co-led with trumpeter/composer Ian Carr -- they released five albums between 1965 and 1969 -- that established him as a bona fide legend. Rendell's instantly recognizable tone was influenced by players ranging from Lester Young to John Coltrane. Though he was always expressive, his unconventional, clouded tone was rooted in blues modes, and was deliberately thinner and drier; his sound on his horns continued to evolve until he quit playing in 2010 as his health began to fail. Rendell's earliest recordings were with Oscar Rabin & His Orchestra in 1949; in the '50s he worked with Tony Crombie and Ted Heath, toured Europe with Stan Kenton and Woody Herman's Anglo-American Herd, and led a group accompanying Billie Holiday when she toured the U.K. 1958's Playtime established him as a bandleader. In 1961, he signed a deal with Jazzland and cut the influential sextet outing Roarin' with Graham Bond on alto. The Don Rendell-Ian Carr Quintet formed and signed with Columbia, releasing Shades of Blue in 1965, the first of five group albums that have since been reissued and are among the most treasured in the annals of British jazz; these were the most successful recordings of his career. After the quintet split, Rendell continued working with a host of younger players including Neil Ardley and Barbara Thompson, and became an educator at a series of revered institutions. He continued to record as a leader and as a sideman, with artists ranging from Joe Harriott and Amancio d'Silva to Thompson, and led his own quintet until 2002 when he reunited for an album with Carr and Garrick. He taught, wrote instructional books, and continued to play in clubs until 2010.

Rendell was born in 1926 in Plymouth, but grew up in London, the son of musician parents. He initially studied piano and clarinet and switched to alto saxophone at 15 -- his shift to tenor occurred after 18. His earliest professional engagements were with big bands, first on U.S. bases for the U.S.O. in 1944, and then with Oscar Rabin and others. In 1950 he became a member of the Johnny Dankworth Seven, remaining until 1953. He knocked around playing clubs as a soloist before releasing his first two EPS as a leader and the album Recontre a Paris, co-led by Bobby Jaspar, all in 1955. Economics were such that Rendell, despite the critical acclaim shown him by jazz magazines at home and in Europe, needed his sideman and touring gigs to make ends meet. He worked with Ted Heath, Tony Kinsey, and others before delivering his debut full-length Playtime with a sextet in 1958, featuring Bert Courtley on trumpet and fellow saxophonist Ronnie Ross. In early 1961, he signed with Jazzland and released Roarin' by the New Don Rendell Quintet; startlingly, it featured only one Rendell composition with the remainder written by saxophonist Bond, pianist John Burch, Thelonious Monk, and Duke Pearson.

Rendell met Carr after the trumpeter moved to London from Glasgow, Scotland in 1962. Both were under the sway of Ornette Coleman and John Coltrane, and obsessed with penning their own tunes in order to establish a unique identity apart from their American counterparts. They joined forces in 1963 and began woodshedding and playing club gigs. After an A&R man heard them playing, they were signed to a multi-album deal with Columbia and cut Shades of Blue at the famed Lansdowne Studios in 1964. The lineup with Trevor Tompkins on drums and Dave Green on bass was the only one of their albums to feature pianist Colin Purbrook. All seven tunes were penned by bandmembers, and the album, issued in 1965, won positive notice from Melody Maker and other publications. Pianist Michael Garrick played on the band's most acclaimed offering, Dusk Fire, issued in 1966. Rendell wrote four of the set's seven cuts while Garrick wrote two and penned another with Carr. This set drew real acclaim internationally. Even Downbeat, on the other side of the Atlantic, praised it, giving it four stars. The group spent the better part of a year touring the U.K. and Europe before releasing Phase III in 1968. Once more, the three frontline players in the quintet penned all the tunes and won their second consecutive (of three consecutive) Band of the Year accolades from Melody Maker. Their final studio offering was the defiantly angular post-bop set Change Is, issued the same year and followed by Live before Carr left (amicably) to form his own very successful jazz-rock fusion ensemble Nucleus.

Rendell took to playing sessionman on seminal British recordings such as Amancio D'Silva's Integration, Garrick's A Jazz Cantata (For Martin Luther King), and Stan Tracey's Passion Flower and The Latin-American Caper. Rendell and Carr reunited as sidemen on Neil Ardley's 1970 offering Greek Variations & Other Aegean Exercises. Rendell enjoyed playing with younger musicians and held down the saxophone chair (tenor and soprano) on subsequent Garrick albums such as The Heart Is a Lotus (with Norma Winstone) and as a member of Garrick's Fairground. He continued to work with Ardley, too, appearing in an important role on 1972's A Symphony of Amaranths. Rendell formed a piano-less quintet with Tomkins, vibraphonist/flutist Peter Shade, bassist Jack Thorncroft, and saxophonist Stan Robinson. The group issued the acclaimed and charting Space Walk on Columbia in 1972. After more work with Garrick's Fairground, Rendell reunited with Johnny Dankworth for 1973's Lifeline, and Dankworth's orchestra for 1974's Movies 'N' Me. Arguably, his most significant sideman gig of the '70s was on Garrick's now-landmark modal masterpiece Troppo in 1974, which featured four of the saxophonist's quintet members as well as Winstone and Henry Lowther. In addition, he held down the tenor role on D'Silva's fine offering Konkan Dance. In 1976, the Don Rendell Five Featuring Barbara Thompson issued Just Music on Spotlite, showcasing Thompson on the saxophone. The group began touring and playing European festivals while winning acclaim at home for their meld of post-bop and angular modalism. Rendell kept his session work up, appearing on the album A Lover and His Lass by Cleo Laine & the Johnny Dankworth Seven in 1976, but in 1978, he issued a double-A-side 12" with the Don Rendell Five (with Thompson now a full member) of "Roundabouts and Swings" b/w "Blues for Adolphe Sax." The following year the saxist issued his ambitious live nonet project, Earth Music, performed at that year's Greenwich Festival. While it resonated with older fans, it was lost amid the British music press' attention to punk and post-punk.

By the '80s, Rendell was more often off the scene than on, playing occasional session work but mostly pursing his vocation as an educator. Under his own name, Time Presence appeared in 1988 on his DR label. In 1991, he toured Europe with Jutta Hipp and released If I Should Lose You with Don Rendell's Big Eight and the quintet offering What Am I Here For in 1993. He worked with Garrick again on Parting Is Such in 1995. Over the course of the early years of the 21st century, Rendell worked primarily as an educator at the Royal Academy, Goldsmiths, and at the Guildhall School. He also authored several books of saxophone and composition instructional materials and played as a sideman on club gigs, particularly after BGO reissued the entire Don Rendell-Ian Carr Quintet catalog, and DJ Gilles Peterson featured him on Impressed 2, spreading the Rendell gospel to yet another new generation of players. Garrick, Carr, and Rendell collaborated on Reunion for Spotlite in 2001, which proved the saxophonist's final recording session.

Rendell died in 2015 after a short illness. In 2018, Jazzman Records re issued the Don Rendell-Ian Carr Quintet recordings in a deluxe vinyl-only box set titled Complete Lansdowne Recordings: 1965-1969. The label's Gerald Short did two decades' worth of research and negotiation to license and reissue the albums. He had been hemmed in along the way by missing original documentation and Universal's takeover of EMI. All albums were remastered from the original analog tapes at Abbey Road studios and pressed on high-quality vinyl presented in exact replica sleeves. The box set also included a booklet containing liner notes by BBC Radio 3 presenter and Jazzwise writer Alyn Shipton, along with previously unseen photos and interviews with Green and Tomkins. The set sold out its preorder and had to be repressed before it was even released.
https://www.allmusic.com/artist/don-rendell-mn0000193495/biography

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Reseña
por Richie Unterberger
Anunciado como "el nuevo Don Rendell Quintet", este álbum de 1961 fue un importante documento del jazz británico de principios de los 60, demostrando que los músicos de jazz del Reino Unido podían tocar bien en el estilo hard bop que había sido pionero en los Estados Unidos. No es increíblemente distintivo o innovador si se compara con la mejor música americana del estilo, sobre todo porque el grupo eligió hacer tres de los siete temas versiones de composiciones famosas de tres grandes jazzistas estadounidenses ("Blue Monk" de Thelonious Monk, "Jeannine" de Duke Pearson y "So What" de Miles Davis). Sin embargo, el grupo actúa con respetable energía y swing, además de integrar eficazmente un material original decente. Para los fans del rock, el disco es más notable por la presencia de Graham Bond en el saxo alto; un par de años después de esta sesión, Bond formaría su propio grupo, con otros músicos como los futuros miembros de la sección rítmica de Cream, Jack Bruce y Ginger Baker. Sin embargo, no es la fuerza dominante en este LP, ni siquiera el único saxofonista, ya que el líder Rendell se encarga del saxo tenor. Además, hay poca similitud específica con el trabajo posterior de Bond, en el que normalmente cantaba y tocaba el órgano en el blues-rock británico con influencia del jazz, aunque se puede oír algo de la intensidad maníaca por la que Bond era conocido en su interpretación del alto en "Manumission".
https://www.allmusic.com/album/roarin-mw0000535797



Biografía
por Thom Jurek
Durante más de medio siglo, el saxofonista, director de orquesta, compositor y arreglista inglés Don Rendell fue una figura destacada en los círculos de jazz británicos, y demostró ser excepcionalmente influyente entre los modernistas y las generaciones posteriores de músicos. Aunque tocó con todo un elenco de músicos de jazz británicos desde finales de la década de 1940 y dirigió sus propios grupos desde 1955 hasta 2002, fue el quinteto que dirigió junto con el trompetista y compositor Ian Carr (publicaron cinco álbumes entre 1965 y 1969) el que le convirtió en una auténtica leyenda. El tono instantáneamente reconocible de Rendell estaba influido por músicos que iban desde Lester Young a John Coltrane. Aunque siempre fue expresivo, su tono poco convencional y nublado tenía sus raíces en los modos del blues, y era deliberadamente más fino y seco; su sonido en las trompas siguió evolucionando hasta que dejó de tocar en 2010 cuando su salud empezó a fallar. Las primeras grabaciones de Rendell fueron con Oscar Rabin & His Orchestra en 1949; en los años 50 trabajó con Tony Crombie y Ted Heath, realizó una gira por Europa con Stan Kenton y la Anglo-American Herd de Woody Herman, y lideró un grupo que acompañó a Billie Holiday en su gira por el Reino Unido. En 1958, Playtime le consagró como director de orquesta. En 1961, firmó un contrato con Jazzland y grabó el influyente sexteto Roarin' con Graham Bond como contralto. Formó el Don Rendell-Ian Carr Quintet y firmó un contrato con Columbia, publicando Shades of Blue en 1965, el primero de los cinco álbumes del grupo que se han reeditado desde entonces y que figuran entre los más preciados en los anales del jazz británico; fueron las grabaciones de mayor éxito de su carrera. Tras la separación del quinteto, Rendell continuó trabajando con una serie de músicos más jóvenes, entre ellos Neil Ardley y Barbara Thompson, y se convirtió en profesor en una serie de prestigiosas instituciones. Siguió grabando como líder y como músico de acompañamiento, con artistas que iban desde Joe Harriott y Amancio d'Silva hasta Thompson, y dirigió su propio quinteto hasta 2002, cuando se reunió para grabar un álbum con Carr y Garrick. Dio clases, escribió libros instructivos y siguió tocando en clubes hasta 2010.

Rendell nació en 1926 en Plymouth, pero creció en Londres, hijo de padres músicos. Al principio estudió piano y clarinete, y a los 15 años se pasó al saxofón alto (el cambio al tenor se produjo después de los 18). Sus primeros compromisos profesionales fueron con grandes bandas, primero en bases estadounidenses para la U.S.O. en 1944, y después con Oscar Rabin y otros. En 1950 se convirtió en miembro de Johnny Dankworth Seven, donde permaneció hasta 1953. Tocó en clubes como solista antes de publicar sus dos primeros EPS como líder y el álbum Recontre a Paris, codirigido por Bobby Jaspar, todo ello en 1955. La situación económica era tal que Rendell, a pesar de los elogios que le dedicaban las revistas de jazz de su país y de Europa, necesitaba sus actuaciones como acompañante y en giras para llegar a fin de mes. Trabajó con Ted Heath, Tony Kinsey y otros antes de publicar su primer álbum completo Playtime con un sexteto en 1958, con Bert Courtley a la trompeta y el saxofonista Ronnie Ross. A principios de 1961, firmó con Jazzland y publicó Roarin' con el New Don Rendell Quintet; sorprendentemente, sólo incluía una composición de Rendell, mientras que el resto estaba escrito por el saxofonista Bond, el pianista John Burch, Thelonious Monk y Duke Pearson.

Rendell conoció a Carr después de que el trompetista se trasladara a Londres desde Glasgow (Escocia) en 1962. Ambos estaban bajo el influjo de Ornette Coleman y John Coltrane, y obsesionados con componer sus propias melodías para establecer una identidad única aparte de sus homólogos estadounidenses. En 1963 unieron sus fuerzas y empezaron a tocar en clubes y a tocar en la madera. Después de que un hombre de A&R les oyera tocar, firmaron un contrato multiálbum con Columbia y grabaron Shades of Blue en los famosos estudios Lansdowne en 1964. La formación, con Trevor Tompkins a la batería y Dave Green al bajo, fue la única de sus álbumes que contó con el pianista Colin Purbrook. Las siete canciones fueron escritas por los miembros de la banda, y el álbum, publicado en 1965, recibió críticas positivas de Melody Maker y otras publicaciones. El pianista Michael Garrick tocó en el álbum más aclamado de la banda, Dusk Fire, publicado en 1966. Rendell escribió cuatro de los siete temas del álbum, mientras que Garrick escribió dos y escribió otro con Carr. Este álbum fue aclamado internacionalmente. Incluso Downbeat, al otro lado del Atlántico, lo alabó con cuatro estrellas. El grupo pasó casi un año de gira por el Reino Unido y Europa antes de publicar Phase III en 1968. Una vez más, los tres músicos del quinteto escribieron todos los temas y obtuvieron su segundo (de tres) galardón consecutivo de Melody Maker al mejor grupo del año. Su último trabajo de estudio fue el desafiante y anguloso conjunto post-bop Change Is, publicado ese mismo año y seguido por Live, antes de que Carr lo abandonara (amistosamente) para formar su propio y exitoso conjunto de fusión jazz-rock Nucleus.

Rendell participó como músico de sesión en grabaciones británicas fundamentales como Integration, de Amancio D'Silva, A Jazz Cantata (For Martin Luther King), de Garrick, y Passion Flower and The Latin-American Caper, de Stan Tracey. Rendell y Carr se reunieron como músicos de acompañamiento en Greek Variations & Other Aegean Exercises, de Neil Ardley, publicado en 1970. Rendell disfrutaba tocando con músicos más jóvenes y ocupó la silla de saxofón (tenor y soprano) en posteriores álbumes de Garrick como The Heart Is a Lotus (con Norma Winstone) y como miembro de Garrick's Fairground. También continuó trabajando con Ardley, apareciendo en un papel importante en A Symphony of Amaranths, de 1972. Rendell formó un quinteto sin piano con Tomkins, el vibrafonista y flautista Peter Shade, el bajista Jack Thorncroft y el saxofonista Stan Robinson. El grupo publicó el aclamado Space Walk en Columbia en 1972. Después de trabajar más con Garrick's Fairground, Rendell se reunió con Johnny Dankworth para Lifeline, de 1973, y con la orquesta de Dankworth para Movies 'N' Me, de 1974. Podría decirse que su actuación como músico de acompañamiento más importante de los años 70 fue en la obra maestra modal de Garrick, Troppo, en 1974, en la que participaron cuatro de los miembros del quinteto del saxofonista, así como Winstone y Henry Lowther. Además, desempeñó el papel de tenor en Konkan Dance, de D'Silva. En 1976, los Don Rendell Five Featuring Barbara Thompson publicaron Just Music en Spotlite, con Thompson al saxofón. El grupo empezó a hacer giras y a tocar en festivales europeos, al tiempo que se ganaba el aplauso en su país por su fusión de post-bop y modalismo angular. Rendell mantuvo su trabajo de sesión, apareciendo en el álbum A Lover and His Lass de Cleo Laine & the Johnny Dankworth Seven en 1976, pero en 1978, publicó un 12" de doble cara A con Don Rendell Five (con Thompson ahora como miembro de pleno derecho) de "Roundabouts and Swings" b/w "Blues for Adolphe Sax". Al año siguiente, el saxofonista publicó su ambicioso proyecto de noneto en directo, Earth Music, interpretado en el Festival de Greenwich de ese año. Aunque resonó entre los fans más veteranos, se perdió en medio de la atención que la prensa musical británica prestaba al punk y al post-punk.

En los años 80, Rendell estaba más fuera que dentro de la escena, tocando ocasionalmente en sesiones pero dedicándose sobre todo a su vocación de educador. Bajo su propio nombre, Time Presence apareció en 1988 en su sello DR. En 1991, realizó una gira por Europa con Jutta Hipp y publicó If I Should Lose You con Don Rendell's Big Eight y el quinteto What Am I Here For en 1993. Volvió a trabajar con Garrick en Parting Is Such en 1995. Durante los primeros años del siglo XXI, Rendell trabajó principalmente como profesor en la Royal Academy, Goldsmiths y la Guildhall School. También fue autor de varios libros de saxofón y material didáctico de composición y tocó como músico de acompañamiento en conciertos de club, sobre todo después de que BGO reeditara todo el catálogo de Don Rendell-Ian Carr Quintet, y de que el DJ Gilles Peterson lo presentara en Impressed 2, difundiendo el evangelio Rendell a otra nueva generación de músicos. Garrick, Carr y Rendell colaboraron en Reunion para Spotlite en 2001, que supuso la última sesión de grabación del saxofonista.

Rendell falleció en 2015 tras una corta enfermedad. En 2018, Jazzman Records reeditó las grabaciones de Don Rendell-Ian Carr Quintet en una caja de lujo solo en vinilo titulada Complete Lansdowne Recordings: 1965-1969. Gerald Short, de la discográfica, investigó y negoció durante dos décadas la licencia y reedición de los álbumes. La falta de documentación original y la adquisición de EMI por Universal le habían puesto trabas. Todos los álbumes se remasterizaron a partir de las cintas analógicas originales en los estudios Abbey Road y se prensaron en vinilo de alta calidad presentado en fundas réplica exactas. La caja también incluía un libreto con notas del presentador de BBC Radio 3 y escritor de Jazzwise, Alyn Shipton, junto con fotos inéditas y entrevistas con Green y Tomkins. El álbum se agotó en la fase previa al pedido y tuvo que ser reeditado antes incluso de salir a la venta.
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