John Coltrane • Last Performance At Newport '66

  

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John Coltrane • Expression

 

John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
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Pharoah Sanders • Love Will Find A Way

 

Description from Dusty Groove (Chicago's Online Record Store):
A beautiful little record by Pharoah Sanders — quite different than most of his other recordings of the 70s, and done in a smoothly jazzy mode that also features plenty of soul! Sanders did the set in collaboration with Norman Connors — and the style is in that same great mix of mellow soul and deeper jazz that Connors used on his own brilliant records from the time. Instrumentation includes some keyboards and guitar mixed in with Sanders' always-soulful work on sax — and a number of cuts have vocals, either by a chorus shading in the tunes, or by Phyllis Hyman in the lead. The whole thing's great — warmly soulful, and almost a tighter extension of the modes that Sanders was exploring on his last album or two for Impulse.
https://www.dustygroove.com/item/2381/Pharoah-Sanders:Love-Will-Find-A-Way

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Descripción de Dusty Groove (Chicago's Online Record Store):
Un hermoso pequeño disco de Pharoah Sanders — bastante diferente de la mayoría de sus otras grabaciones de los anos 70, realizado en un modo de jazz suave que también presenta mucho soul. Sanders hizo el set en colaboración con Norman Connors — y el estilo es esa misma gran mezcla de soul melodioso y jazz mas profundo que Connors usaba en sus propios brillantes discos de la época. La instrumentación incluye algunos teclados y guitarra mezclados con el siempre lleno de alma saxofón de Sanders — y varios temas tienen voces, ya sea de un coro que sombrea las melodías, o de Phyllis Hyman en el rol principal. Todo el conjunto es grandioso — calidamente lleno de alma, y casi una extensión mas ajustada de los modos que Sanders estaba explorando en sus últimos uno o dos álbumes para Impulse.
https://www.dustygroove.com/item/2381/Pharoah-Sanders:Love-Will-Find-A-Way

John Coltrane • A Love Supremeː Live In Seattle

 

 

Review
by Thom Jurek  
Recorded at the Penthouse Club on October 2, 1965, A Love Supreme: Live in Seattle sat in the archive of musician/educator Joe Brazil (he played flute on John Coltrane's OM, recorded the day before) for 55 years. Five years after Brazil's death in 2008, family friend Steve Griggs discovered two 1/4" reels containing this performance. This is only the second complete concert performance of A Love Supreme to see the light of day; the other is from a July 1965 concert in Antibes. The saxophonist's quartet with McCoy Tyner, Elvin Jones, and Jimmy Garrison was nearing its end; they were already augmented by bassist Donald Garrett and saxophonist Pharoah Sanders. Rounding out this septet is alto saxophonist Carlos Ward, who was invited to sit in that day. Brazil used an Akai reel-to-reel tape recorder and two microphones. While the drums sound a bit hot in places, and 'Trane goes off-mic occasionally, the sound is quite good. This performance almost doubles the length of the studio album and is 20 minutes longer than Antibes. In addition to the suite's four movements -- "Acknowledgement," "Resolution," "Pursuance," and "Psalm" -- are four improvised solo interludes.

Opener "Acknowledgement" is nearly 22 minutes long. Other than Coltrane's familiar flutter on the thematic introduction, this piece is almost unrecognizable for 15 minutes. The interplay between bassists is canny. Garrett uses a bow while Garrison strums chords, and Tyner offers chordal counterpoint as Jones double-times on ride cymbals. Coltrane and Sanders trade solo spaces with Ward interjecting tentative bursts. The four-note theme isn't really heard until minute 16. The vocal chant is absent, replaced by bass and percussive themes that lead into the first interlude, a short shared bass and percussion solo. "Resolution" emerges with Coltrane stating the theme briefly. Tyner enters, expands the frame, and signals Ward in. Initially uncertain, he adds sparse, dissonant notes and flurries for a few moments and then grabs onto the rhythm section's tough modal swing and rips the tune wide open with a killer solo, followed by Sanders and Coltrane blazing scorching trails through the tune. After a six-minute drum solo interlude, "Pursuance" begins with Coltrane stating the theme, then Sanders breaks it into pieces with a long, labyrinthine, and furious solo. Tyner supports with sharp, chromatic asides before taking his own long, imaginative solo and dueling with the bassists and Jones. Coltrane doesn't solo at all. "Psalm," with its trademark bluesy tenor intro, stays closest to the studio recording. Coltrane takes only a minute to begin ascending but fades before he reaches a peak as Tyner and Jones envelop him. Coltrane begins rebuilding the tune, reaches an inner pinnacle, then dissembles it again amid bowed basses, Tyner's sparse middle register, and Sanders' Tibetan prayer bells. The audience responds with stunned silence for a few seconds. It's a startling performance. The package design is simply stellar and the liner essays by critic/historian Ashley Kahn and Coltrane biographer Lewis Porter are educational, authoritative, and indispensable.
https://www.allmusic.com/album/a-love-supreme-live-in-seattle-mw0003586098?1660662822833

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Reseña
por Thom Jurek  
Grabado en el Penthouse Club el 2 de octubre de 1965, A Love Supreme: Live in Seattle permaneció en el archivo del músico/educador Joe Brazil (tocó la flauta en el OM de John Coltrane, grabado el día anterior) durante 55 años. Cinco años después de la muerte de Brazil, en 2008, un amigo de la familia, Steve Griggs, descubrió dos bobinas de 1/4" que contenían esta actuación. Se trata de la segunda interpretación completa en concierto de A Love Supreme que ve la luz; la otra es de un concierto de julio de 1965 en Antibes. El cuarteto del saxofonista con McCoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy Garrison se acercaba a su fin; ya se les había añadido el bajista Donald Garrett y el saxofonista Pharoah Sanders. Completa este septeto el saxofonista alto Carlos Ward, que fue invitado a participar ese día. Brasil utilizó una grabadora de carrete Akai y dos micrófonos. Aunque la batería suena un poco caliente en algunas partes, y 'Trane se sale del micrófono ocasionalmente, el sonido es bastante bueno. Esta interpretación casi duplica la duración del álbum de estudio y es 20 minutos más larga que Antibes. Además de los cuatro movimientos de la suite - "Acknowledgement", "Resolution", "Pursuance" y "Psalm"-, hay cuatro interludios improvisados en solitario.

El primer movimiento, "Acknowledgement", dura casi 22 minutos. Aparte del familiar aleteo de Coltrane en la introducción temática, esta pieza es casi irreconocible durante 15 minutos. La interacción entre los bajistas es astuta. Garrett utiliza un arco mientras Garrison rasguea acordes, y Tyner ofrece un contrapunto de acordes mientras Jones hace doblete con los platillos. Coltrane y Sanders intercambian espacios en solitario con Ward interviniendo con ráfagas tentativas. El tema de cuatro notas no se escucha realmente hasta el minuto 16. El canto vocal está ausente, sustituido por temas de bajo y percusión que conducen al primer interludio, un breve solo compartido de bajo y percusión. "Resolution" surge con Coltrane enunciando el tema brevemente. Tyner entra, amplía el marco y hace una señal a Ward. Inicialmente inseguro, añade notas dispersas y disonantes y ráfagas durante unos momentos y luego se aferra al duro swing modal de la sección rítmica y abre la melodía de par en par con un solo asesino, seguido por Sanders y Coltrane abriendo sendas abrasadoras a través de la melodía. Tras un interludio de seis minutos con un solo de batería, "Pursuance" comienza con Coltrane exponiendo el tema, y luego Sanders lo rompe en pedazos con un largo, laberíntico y furioso solo. Tyner le apoya con agudos y cromáticos asideros antes de tomar su propio largo e imaginativo solo y batirse en duelo con los bajistas y Jones. Coltrane no hace ningún solo. "Psalm", con su característica introducción de tenor blues, es lo más parecido a la grabación de estudio. Coltrane tarda sólo un minuto en empezar a ascender, pero se desvanece antes de alcanzar un pico mientras Tyner y Jones le envuelven. Coltrane comienza a reconstruir la melodía, alcanza un pináculo interior y luego vuelve a disolverla entre bajos con arco, el escaso registro medio de Tyner y las campanas de oración tibetanas de Sanders. El público responde con un silencio atónito durante unos segundos. Es una actuación sorprendente. El diseño del paquete es simplemente estelar y los ensayos del crítico/historiador Ashley Kahn y del biógrafo de Coltrane Lewis Porter son educativos, autorizados e indispensables.
https://www.allmusic.com/album/a-love-supreme-live-in-seattle-mw0003586098?1660662822833


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John Coltrane • Live At The Village Vanguard Again!

 

Review by Thom Jurek  
Live at the Village Vanguard Again! is one of the more hotly contested albums in John Coltrane's catalog. Released less than a year before his death, the original recording showcased his new quintet with Alice Coltrane, piano; Pharoah Sanders, tenor saxophone; Jimmy Garrison, bass; and Rashied Ali, drums. Additional percussion on the date was provided by Emanuel Rahim. The three selections here are what survive from a much longer tape. Coltrane's signature ballad "Naima" opens the album and goes on for over 15 minutes. One of the most iconic tunes in his repertoire, the treatment it is given here is radical. While the melody is referenced in the beginning, Coltrane moves it aside fairly quickly to concentrate on improvisation. His tenor solo (heard in the left channel) begins in earnest a minute-and-a-half in. He gradually deconstructs the various phrases in the lyric to blow passionately through them. By the time Sanders begins his (overly long) tenor solo (right channel), the abstraction becomes total. His intensity and ferocity are simply more than the ballad calls for. Even when Coltrane returns to solo again, and gradually winds it down, he has to begin at that hot peak. "Naima" is a different tune when all is said and done. "My Favorite Things" is in two parts. The first six minutes belong to a gorgeous, imaginative solo by Garrison. The tune's familiar theme is not stated by Coltrane until after the mode is introduced; then bits and pieces of the melody are brought in until they become -- however briefly -- the whole head line. It disappears quickly -- even though referenced occasionally throughout Coltrane's solos. His soprano solos are intense but utterly beautiful. His playing is pure passion and creative imagination, ever aware of the shimmering block chords played by Alice. Ali skitters propulsively around them, driving insistently until he's allowed to let loose when Sanders and his tenor begin their violent wail that simply disregards the entire tune save for one quote near the end to bring Coltrane back in. Sanders screams through his horn throughout his solo, and when Coltrane rejoins him, it's to meet him and try to rein him in; it leaves the listener exhausted after its 25-minute run. Live at the Village Vanguard Again! is certainly not for Coltrane newcomers, and may indeed only hold value for his most ardent followers despite its many qualities.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-village-vanguard-again%21-mw0000652602

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Reseña de Thom Jurek  
¡Live At The Village Vanguard Again! es uno de los álbumes más disputados del catálogo de John Coltrane. Lanzado menos de un año antes de su muerte, la grabación original mostraba su nuevo quinteto con Alice Coltrane, piano; Pharoah Sanders, saxofón tenor; Jimmy Garrison, bajo; y Rashied Ali, batería. La percusión adicional en la fecha fue proporcionada por Emanuel Rahim. Las tres selecciones aquí son lo que sobrevive de una cinta mucho más larga. La balada característica de Coltrane, "Naima", abre el álbum y dura más de 15 minutos. Una de las canciones más icónicas de su repertorio, el tratamiento que se le da aquí es radical. Mientras que la melodía está referenciada al principio, Coltrane la hace a un lado con bastante rapidez para concentrarse en la improvisación. Su solo de tenor (escuchado en el canal izquierdo) comienza en serio un minuto y medio. Deconstruye gradualmente las diversas frases de la letra para soplar apasionadamente a través de ellas. Para cuando Sanders comienza su (demasiado largo) solo de tenor (canal derecho), la abstracción se vuelve total. Su intensidad y ferocidad son simplemente más de lo que la balada requiere. Incluso cuando Coltrane vuelve a solo de nuevo, y gradualmente lo baja, tiene que comenzar en ese pico caliente. "Naima" es una melodía diferente cuando todo está dicho y hecho. "Mis cosas favoritas" se divide en dos partes. Los primeros seis minutos pertenecen a un solo magnífico e imaginativo de Garrison. Coltrane no establece el tema familiar de la melodía hasta después de que se introduce el modo; luego, se introducen fragmentos de la melodía hasta que se convierten, aunque sea brevemente , en toda la línea principal. Desaparece rápidamente even a pesar de que se hace referencia de vez en cuando a lo largo de los solos de Coltrane. Sus solos de soprano son intensos pero absolutamente hermosos. Su forma de tocar es pura pasión e imaginación creativa, siempre consciente de los brillantes acordes de bloque que toca Alice. Ali patina propulsivamente a su alrededor, conduciendo insistentemente hasta que se le permite soltarse cuando Sanders y su tenor comienzan su violento lamento que simplemente ignora toda la melodía, excepto por una cita cerca del final para traer de vuelta a Coltrane. Sanders grita a través de su bocina a lo largo de su solo, y cuando Coltrane se reúne con él, es para encontrarse con él y tratar de controlarlo; deja al oyente exhausto después de su carrera de 25 minutos. ¡Live At The Village Vanguard Again! ciertamente no es para los recién llegados a Coltrane, y de hecho solo puede ser valioso para sus seguidores más ardientes a pesar de sus muchas cualidades.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-village-vanguard-again%21-mw0000652602

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Pharoah Sanders • Tauhid

 

Randy Weston • The Spirits of Our Ancestors

 

The Spirits of Our Ancestors is a studio album by jazz pianist Randy Weston, recorded in May 1991 at BMG Studios in New York and released in 1992 on the Antilles/Verve label. The album is a collaborative work between Weston and arranger Melba Liston and features an expanded ensemble including major jazz figures such as Dizzy Gillespie, Pharoah Sanders, Dewey Redman and Idris Muhammad. The concept of the recording was to celebrate African musical roots and honor musical ancestors, blending African, Moroccan and American jazz traditions.

 

Randy Weston • African Sunrise

 

A 1992 jazz release on Verve featuring selections from The Spirits of Our Ancestors, focusing on extended, African-influenced jazz compositions by pianist and composer Randy Weston. The material was recorded in May 1991 and brings together a large ensemble with powerful arrangements rooted in African rhythms and jazz tradition. 

John Coltrane • Kulu Sé Mama

 

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#2

 

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#7

 

VA • The House That Trane Built - The Story of Impulse Records

 

Don Cherry • Where Is Brooklyn ?

 

Biography by Chris Kelsey
Imagination and a passion for exploration made Don Cherry one of the most influential jazz musicians of the late 20th century. A founding member of Ornette Coleman's groundbreaking quartet of the late '50s, Cherry continued to expand his musical vocabulary until his death in 1995. In addition to performing and recording with his own bands, Cherry worked with such top-ranked jazz musicians as Steve Lacy, Sonny Rollins, Archie Shepp, Albert Ayler, John Coltrane, and Gato Barbieri. Cherry's most prolific period came in the late '70s and early '80s when he joined Nana Vasconcelos and Collin Walcott in the worldbeat group Codona, and with former bandmates Charlie Haden and Ed Blackwell, and saxophonist Dewey Redman in the Coleman-inspired group Old and New Dreams. Cherry later worked with Vasconcelos and saxophonist Carlos Ward in the short-lived group Nu.

Born in Oklahoma City in 1936, he first attained prominence with Coleman, with whom he began playing around 1957. At that time Cherry's instrument of choice was a pocket trumpet (or cornet) -- a miniature version of the full-sized model. The smaller instrument -- in Cherry's hands, at least -- got a smaller, slightly more nasal sound than is typical of the larger horn. Though he would play a regular cornet off and on throughout his career, Cherry remained most closely identified with the pocket instrument. Cherry stayed with Coleman through the early '60s, playing on the first seven (and most influential) of the saxophonist's albums. In 1960, he recorded The Avant-Garde with John Coltrane. After leaving Coleman's band, Cherry played with Steve Lacy, Sonny Rollins, Archie Shepp, and Albert Ayler. In 1963-1964, Cherry co-led the New York Contemporary Five with Shepp and John Tchicai. With Gato Barbieri, Cherry led a band in Europe from 1964-1966, recording two of his most highly regarded albums, Complete Communion and Symphony for Improvisers.

Cherry began the '70s by teaching at Dartmouth College in 1970, and recorded with the Jazz Composer's Orchestra in 1973. He lived in Sweden for four years, and used the country as a base for his travels around Europe and the Middle East. Cherry became increasingly interested in other, mostly non-Western styles of music. In the late '70s and early '80s, he performed and recorded with Codona, a cooperative group with percussionist Nana Vasconcelos and multi-instrumentalist Collin Walcott. Codona's sound was a pastiche of African, Asian, and other indigenous musics.

Concurrently, Cherry joined with ex-Coleman associates Charlie Haden, Ed Blackwell, and Dewey Redman to form Old and New Dreams, a band dedicated to playing the compositions of their former employer. After the dissolution of Codona, Cherry formed Nu with Vasconcelos and saxophonist Carlos Ward. In 1988, he made Art Deco, a more traditional album of acoustic jazz, with Haden, Billy Higgins, and saxophonist James Clay.

Until his death in 1995, Cherry continued to combine disparate musical genres; his interest in world music never abated. Cherry learned to play and compose for wood flutes, tambura, gamelan, and various other non-Western instruments. Elements of these musics inevitably found their way into his later compositions and performances, as on 1990's Multi Kulti, a characteristic celebration of musical diversity. As a live performer, Cherry was notoriously uneven. It was not unheard of for him to arrive very late for gigs, and his technique -- never great to begin with -- showed on occasion a considerable, perhaps inexcusable, decline. In his last years, especially, Cherry seemed less self-possessed as a musician. Yet his musical legacy is one of such influence that his personal failings fade in relative significance.
https://www.allmusic.com/artist/don-cherry-mn0000796166/biography

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Biografía por Chris Kelsey
La imaginación y la pasión por la exploración hicieron de Don Cherry uno de los músicos de jazz más influyentes de finales del siglo XX. Miembro fundador del innovador cuarteto de Ornette Coleman de finales de los 50, Cherry siguió ampliando su vocabulario musical hasta su muerte en 1995. Además de actuar y grabar con sus propias bandas, Cherry trabajó con músicos de jazz de primera fila como Steve Lacy, Sonny Rollins, Archie Shepp, Albert Ayler, John Coltrane y Gato Barbieri. El periodo más prolífico de Cherry llegó a finales de los 70 y principios de los 80, cuando se unió a Nana Vasconcelos y Collin Walcott en el grupo de worldbeat Codona, y con sus antiguos compañeros de banda Charlie Haden y Ed Blackwell, y el saxofonista Dewey Redman en el grupo Old and New Dreams, inspirado en Coleman. Más tarde, Cherry trabajó con Vasconcelos y el saxofonista Carlos Ward en el efímero grupo Nu.

Nacido en la ciudad de Oklahoma en 1936, alcanzó la fama por primera vez con Coleman, con quien empezó a tocar hacia 1957. En aquella época, el instrumento elegido por Cherry era una trompeta de bolsillo (o corneta), una versión en miniatura del modelo de tamaño normal. El instrumento más pequeño -en las manos de Cherry, al menos- tenía un sonido más pequeño y ligeramente más nasal que el típico de la trompeta más grande. Aunque a lo largo de su carrera tocó de vez en cuando una corneta normal, Cherry se identificó más con el instrumento de bolsillo. Cherry permaneció con Coleman hasta principios de los años 60, tocando en los siete primeros (y más influyentes) álbumes del saxofonista. En 1960, grabó The Avant-Garde con John Coltrane. Tras dejar la banda de Coleman, Cherry tocó con Steve Lacy, Sonny Rollins, Archie Shepp y Albert Ayler. En 1963-1964, Cherry codirigió el New York Contemporary Five con Shepp y John Tchicai. Con Gato Barbieri, Cherry dirigió una banda en Europa entre 1964 y 1966, grabando dos de sus álbumes más apreciados, Complete Communion y Symphony for Improvisers.

Cherry comenzó los años 70 dando clases en el Dartmouth College en 1970, y grabó con la Jazz Composer's Orchestra en 1973. Vivió en Suecia durante cuatro años, y utilizó el país como base para sus viajes por Europa y Oriente Medio. Cherry se interesó cada vez más por otros estilos musicales, sobre todo no occidentales. A finales de los 70 y principios de los 80, actuó y grabó con Codona, un grupo cooperativo con la percusionista Nana Vasconcelos y el multiinstrumentista Collin Walcott. El sonido de Codona era un pastiche de músicas africanas, asiáticas y otras autóctonas.

Al mismo tiempo, Cherry se unió a sus ex socios de Codona Charlie Haden, Ed Blackwell y Dewey Redman para formar Old and New Dreams, una banda dedicada a tocar las composiciones de su antiguo empleador. Tras la disolución de Codona, Cherry formó Nu con Vasconcelos y el saxofonista Carlos Ward. En 1988, hizo Art Deco, un álbum más tradicional de jazz acústico, con Haden, Billy Higgins y el saxofonista James Clay.

Hasta su muerte en 1995, Cherry siguió combinando géneros musicales dispares; su interés por la música del mundo nunca disminuyó. Cherry aprendió a tocar y componer para flautas de madera, tambura, gamelán y otros instrumentos no occidentales. Elementos de estas músicas se introdujeron inevitablemente en sus composiciones y actuaciones posteriores, como en Multi Kulti, de 1990, una celebración característica de la diversidad musical. Como intérprete en directo, Cherry era notoriamente irregular. No era raro que llegara muy tarde a los conciertos, y su técnica, que nunca fue excelente, mostraba en ocasiones un declive considerable, quizá inexcusable. En sus últimos años, especialmente, Cherry parecía menos dueño de sí mismo como músico. Sin embargo, su legado musical es tan influyente que sus defectos personales pierden importancia relativa.
https://www.allmusic.com/artist/don-cherry-mn0000796166/biography

Pharoah Sanders • Izipho Zam

 

Back in the day knowledgeable jazz collectors flipping through bins would always pause when a release from Strata-East, invariably adventuresome, appeared. Izipho Zam is a clear example. Recorded in January of 1969 with Clifford Jordan as producer, and eventually released by Strata-East in 1973, reflects Sanders’ Afro rhythms and spiritual influences, if not in full flower, then in full development. This was only the second album Sanders recorded as a leader, but its delayed release put it on record-store shelves next to recordings made several years later for Impulse. A stellar group of musicians joined Pharoah Sanders: Sonny Fortune on the saxophone, vocalist Leon Thomas, Sonny Sharrock on guitar, Billy Hart and Majeed Shabazz on drums as well as Chief Bey on African drums, bassists Cecil McBee and Sirone, pianist Lonnie Liston Smith, Howard Johnson on tuba and percussionists Nat Bettis and Tony Wylie, who are also joined by the ensemble adding extra textures and colour with the array of percussion instruments.
https://www.jazzmessengers.com/es/81809/pharoah-sanders/iziphozam-mygifts-

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En su día, los coleccionistas de jazz entendidos que hojeaban los contenedores siempre se detenían cuando aparecía un lanzamiento de Strata-East, invariablemente aventurero. Izipho Zam es un claro ejemplo. Grabado en enero de 1969 con Clifford Jordan como productor, y publicado finalmente por Strata-East en 1973, refleja los ritmos afro y las influencias espirituales de Sanders, si no en plena floración, sí en pleno desarrollo. Éste fue sólo el segundo álbum que Sanders grabó como líder, pero su tardía publicación lo colocó en las estanterías de las tiendas de discos junto a grabaciones realizadas varios años después para Impulse. Un grupo estelar de músicos se unió a Pharoah Sanders: Sonny Fortune al saxofón, el vocalista Leon Thomas, Sonny Sharrock a la guitarra, Billy Hart y Majeed Shabazz a la batería, así como Chief Bey a los tambores africanos, los bajistas Cecil McBee y Sirone, el pianista Lonnie Liston Smith, Howard Johnson a la tuba y los percusionistas Nat Bettis y Tony Wylie, que también se unen al conjunto añadiendo texturas y color extra con la variedad de instrumentos de percusión.
https://www.jazzmessengers.com/es/81809/pharoah-sanders/iziphozam-mygifts-


www.pharoahsanders.com ...
 

Ornette Coleman • Chappaqua Suite

 

Review
by Thom Jurek  
This four-part suite is actually a film soundtrack to the debut feature by Conrad Rooks, though it was never used as such. Recorded in 1965, it was performed by the Ornette Coleman Trio with Charles Moffett on drums and David Izenson on bass; augmenting the session were Pharoah Sanders on tenor and a large studio orchestra arranged by Joseph Tekula. What is most notable is the kind of control Coleman has over the orchestra. His trio is playing by intuition, which was normal for them, but they open to accommodate the more formal constructs of a band who knows little about improvisation and how it works in the free jazz context. Sanders' interaction with Coleman is startling too, in that his normally overpowering voice is tempered here, playing along with the nuances and odd harmonic figures Coleman suggests and then blatantly states from his alto. The improvisation is complementary, not a cutting contest at all. Most of all, the rhythm section carries the balance of power and keeps the entire thing moving, handling the dynamic changes with a feral grace while at the same time suggesting a knottier path for Coleman to follow in the tempting pastoral sections of the work. While not considered a masterwork of Coleman's, perhaps because of its unavailability in the United States in its entirety, Chappaqua Suite is a testament to Coleman's vision as a composer and the power of his orchestral direction. Very worthwhile indeed.
https://www.allmusic.com/album/chappaqua-suite-mw0000596834

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Reseña
por Thom Jurek  
Esta suite en cuatro partes es en realidad la banda sonora de la ópera prima de Conrad Rooks, aunque nunca se utilizó como tal. Grabada en 1965, fue interpretada por el Ornette Coleman Trio con Charles Moffett a la batería y David Izenson al bajo; además de Pharoah Sanders al tenor y una gran orquesta de estudio arreglada por Joseph Tekula. Lo más notable es el tipo de control que Coleman tiene sobre la orquesta. Su trío está tocando por intuición, lo que era normal en ellos, pero se abren para acomodarse a las construcciones más formales de una banda que sabe poco de improvisación y de cómo funciona en el contexto del free jazz. La interacción de Sanders con Coleman también es sorprendente, en el sentido de que su voz, normalmente avasalladora, se atempera aquí, jugando con los matices y las extrañas figuras armónicas que Coleman sugiere y luego declara descaradamente desde su contralto. La improvisación es complementaria, no se trata en absoluto de una competición de cortes. Sobre todo, la sección rítmica lleva el equilibrio de poder y mantiene todo el asunto en movimiento, manejando los cambios dinámicos con una gracia feroz y, al mismo tiempo, sugiriendo un camino más complicado para que Coleman lo siga en las tentadoras secciones pastorales de la obra. Aunque no se considere una obra maestra de Coleman, quizá debido a su falta de disponibilidad en Estados Unidos en su totalidad, Chappaqua Suite es un testimonio de la visión de Coleman como compositor y del poder de su dirección orquestal. Merece mucho la pena.
https://www.allmusic.com/album/chappaqua-suite-mw0000596834

Pharoah Sanders • Great Moments With Pharoah Sanders

 

Biography by Chris Kelsey
Tenor saxophonist Pharoah Sanders was among the most important contributors to the evolution of spiritual jazz, creating emotionally complex and uncompromisingly passionate music for over 60 years. Sanders got his start playing alongside John Coltrane in the mid-'60s, just as Coltrane's playing was turning to more chaotic free jazz expressions, and Sanders carried over some of that same euphoric upheaval into his own albums. Across multiple classics he recorded for the Impulse label in the late '60s and early '70s, however, Sanders incorporated elements of world music and even more pop-adjacent vocalizations into his sometimes chaotic style, crossing over to audiences who weren't primarily jazz listeners with the poetic mysticism of 1969's Karma or the sociopolitical sentiments of 1971's Black Unity. He remained highly active throughout the '80s and '90s, his sound mellowing somewhat into patient but no less powerful form on albums like 1987's Oh Lord, Let Me Do No Wrong. Though his output slowed in the new millennium, Sanders would continue performing and recording into his eighties, collaborating with electronic producer Floating Points and the London Symphony Orchestra on 2021's critically acclaimed album Promises.

Pharoah Sanders was born Ferrell Sanders in Little Rock, Arkansas, in 1940. Both his mother and father taught music, his mother privately and his father in public schools. His first instrument was the clarinet, but he switched to tenor sax as a high school student, under the influence of his band director, Jimmy Cannon, who also exposed Sanders to jazz for the first time. His early favorites included Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker, and John Coltrane. As a teenager, he played blues gigs for 10 and 15 dollars a night around Little Rock, backing such blues greats as Bobby "Blue" Bland and Junior Parker. After high school, Sanders moved to Oakland, California, where he lived with relatives. He attended Oakland Junior College, studying art and music. Known in the San Francisco Bay Area as "Little Rock," he soon began playing bebop, rhythm & blues, and free jazz with many of the region's finest musicians, including fellow saxophonists Dewey Redman and Sonny Simmons, as well as pianist Ed Kelly and drummer Smiley Winters.

In 1961, Sanders moved to New York, where he struggled. Unable to make a living with his music, he took to pawning his horn, working nonmusical jobs, and sometimes sleeping on the subway. During this period, he played with a number of free jazz luminaries, including Sun Ra, Don Cherry, and Billy Higgins. Sanders formed his first group in 1963, with pianist John Hicks (with whom he would continue to play off-and-on into the '90s), bassist Wilbur Ware, and drummer Higgins. When the group played an engagement at New York's Village Gate, a member of the audience was John Coltrane, who apparently liked what he heard. In late 1964, Coltrane asked Sanders to sit in with his band. By the next year, he was playing regularly with the Coltrane group, although he was never made an official member of the band. Coltrane's ensembles with Sanders were some of the most controversial in the history of jazz. Their music, as represented by the group's recordings -- Om, Live at the Village Vanguard Again, and Live in Seattle among them -- represents a near total desertion of traditional jazz concepts, like swing and functional harmony in favor of a teeming, irregularly structured, organic mixture of sound for sound's sake. Strength was a necessity in that band, and as Coltrane soon realized, Sanders had it in abundance.

Sanders made his first record as a leader in 1964 for the ESP label. After Coltrane's death in 1967, Sanders worked briefly with his widow, Alice Coltrane. From the late '60s on, however, he worked primarily as a leader of his own ensembles. From 1966 to 1971, he released several albums on Impulse including Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971), and Thembi (1971). In the mid-'70s he recorded his most commercial effort, Love Will Find a Way (Arista, 1977); it turned out to be a brief detour. From the late '70s until 1987, he recorded for the small independent label Theresa. Starting in 1987, Sanders recorded for the Evidence and Timeless labels. The former bought Theresa Records in 1991 and subsequently re-released Sanders' output for that company.

In 1995, he made his first major-label album in many years, Message from Home (produced by Bill Laswell for Verve). The two followed that one up in 1999 with Save Our Children. In 2000, Sanders released Spirits -- a multi-ethnic live suite with Hamid Drake and Adam Rudolph. In the decades after his first recordings with Coltrane, Sanders developed into a more well-rounded artist, capable of playing convincingly in a variety of contexts, from free to mainstream.

Throughout the 2000s, Sanders played the festival circuit and collaborated on record with various artists including Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco, and others. In 2015, he was granted an NEA Jazz Master Award, along with Gary Burton, Wendy Oxenhorn, and Archie Shepp. It is North America's highest award for the genre. In 2020, an archival concert performance was released as Live in Paris (1975). The next year, Sanders worked with Floating Points and the London Symphony Orchestra on an album of entirely new material called Promises. Released in March 2021, the record was met with almost universal critical praise. It proved to be the last album he would release in his lifetime. Pharoah Sanders died on September 24, 2022, at his home in Los Angeles at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

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Biografía de Chris Kelsey
El saxofonista tenor Pharoah Sanders estuvo entre los contribuyentes más importantes a la evolución del jazz espiritual, creando música emocionalmente compleja e intransigentemente apasionada durante más de 60 años. Sanders comenzó a tocar junto a John Coltrane a mediados de los 60, justo cuando la interpretación de Coltrane se estaba volviendo hacia expresiones de free jazz más caóticas, y Sanders llevó parte de esa misma agitación eufórica a sus propios álbumes. Sin embargo, a través de múltiples clásicos que grabó para el sello Impulse a fines de los 60 y principios de los 70, Sanders incorporó elementos de world music e incluso vocalizaciones más adyacentes al pop en su estilo a veces caótico, cruzando a audiencias que no eran principalmente oyentes de jazz con el misticismo poético de Karma de 1969 o los sentimientos sociopolíticos de Black Unity de 1971. Se mantuvo muy activo durante los años 80 y 90, su sonido se suavizó un poco hasta convertirse en una forma paciente pero no menos poderosa en álbumes como Oh Lord, Let Me Do No Wrong de 1987. Aunque su producción se desaceleró en el nuevo milenio, Sanders continuaría actuando y grabando hasta los ochenta, colaborando con el productor electrónico Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en el álbum Promises, aclamado por la crítica en 2021.

El faraón Sanders nació como Ferrell Sanders en Little Rock, Arkansas, en 1940. Tanto su madre como su padre enseñaban música, su madre en privado y su padre en escuelas públicas. Su primer instrumento fue el clarinete, pero cambió al saxo tenor cuando era estudiante de secundaria, bajo la influencia del director de su banda, Jimmy Cannon, quien también expuso a Sanders al jazz por primera vez. Sus primeros favoritos incluían a Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker y John Coltrane. Cuando era adolescente, tocaba blues por 10 y 15 dólares la noche en Little Rock, respaldando a grandes del blues como Bobby "Blue" Bland y Junior Parker. Después de la secundaria, Sanders se mudó a Oakland, California, donde vivió con familiares. Asistió al Oakland Junior College, estudiando arte y música. Conocido en el área de la Bahía de San Francisco como "Little Rock", pronto comenzó a tocar bebop, rhythm & blues y free jazz con muchos de los mejores músicos de la región, incluidos los saxofonistas Dewey Redman y Sonny Simmons, así como el pianista Ed Kelly y el baterista Smiley Winters.

En 1961, Sanders se mudó a Nueva York,donde luchó. Incapaz de ganarse la vida con su música, se dedicó a empeñar su trompa, a realizar trabajos no musicales y, a veces, a dormir en el metro. Durante este período, tocó con varias luminarias del free jazz, incluidos Sun Ra, Don Cherry y Billy Higgins. Sanders formó su primer grupo en 1963, con el pianista John Hicks (con quien continuaría tocando ocasionalmente hasta los años 90), el bajista Wilbur Ware y el baterista Higgins. Cuando el grupo tocó en un compromiso en Village Gate de Nueva York, un miembro de la audiencia era John Coltrane, a quien aparentemente le gustó lo que escuchó. A finales de 1964, Coltrane le pidió a Sanders que se sentara con su banda. Para el año siguiente, tocaba regularmente con el grupo Coltrane, aunque nunca fue nombrado miembro oficial de la banda. Los conjuntos de Coltrane con Sanders fueron algunos de los más controvertidos en la historia del jazz. Su música, representada por las grabaciones del grupo (Om, Live at the Village Vanguard Nuevamente, y Live in Seattle entre ellos) representa una deserción casi total de los conceptos tradicionales del jazz , como el swing y la armonía funcional, en favor de una mezcla orgánica abundante, irregularmente estructurada, de sonido por el sonido. La fuerza era una necesidad en esa banda, y como Coltrane pronto se dio cuenta, Sanders la tenía en abundancia.

Sanders grabó su primer disco como líder en 1964 para el sello ESP. Después de la muerte de Coltrane en 1967, Sanders trabajó brevemente con su viuda, Alice Coltrane. Sin embargo, a partir de finales de los 60, trabajó principalmente como líder de sus propios conjuntos. De 1966 a 1971, lanzó varios álbumes en Impulse, incluidos Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971) y Thembi (1971). A mediados de los 70 grabó su esfuerzo más comercial, Love Will Find a Way (Arista, 1977); resultó ser un breve desvío. Desde finales de los 70 hasta 1987, grabó para el pequeño sello independiente Theresa. A partir de 1987, Sanders grabó para los sellos Evidence y Timeless. El primero compró Theresa Records en 1991 y posteriormente relanzó la producción de Sanders para esa compañía.

En 1995, hizo su primer álbum con un sello importante en muchos años, Message from Home (producido por Bill Laswell para Verve). Los dos siguieron a ese en 1999 con Save Our Children. En 2000, Sanders lanzó Spirits, una suite en vivo multiétnica con Hamid Drake y Adam Rudolph. En las décadas posteriores a sus primeras grabaciones con Coltrane, Sanders se convirtió en un artista más completo, capaz de tocar de manera convincente en una variedad de contextos, desde el libre hasta el mainstream.

A lo largo de la década de 2000, Sanders tocó en el circuito de festivales y colaboró en grabaciones con varios artistas, incluidos Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco y otros. En 2015, recibió un premio NEA Jazz Master, junto con Gary Burton, Wendy Oxenhorn y Archie Shepp. Es el premio más alto de América del Norte para el género. En 2020, se lanzó una presentación de concierto de archivo como Live in Paris (1975). Al año siguiente, Sanders trabajó con Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en un álbum de material completamente nuevo llamado Promises. Lanzado en marzo de 2021, el disco recibió elogios críticos casi universales. Resultó ser el último álbum que lanzaría en su vida. El faraón Sanders murió el 24 de septiembre de 2022 en su casa de Los Ángeles a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

Pharoah Sanders Quartet • Live At Fabrik Hamburg 1980

 

Biography by Chris Kelsey
Tenor saxophonist Pharoah Sanders was among the most important contributors to the evolution of spiritual jazz, creating emotionally complex and uncompromisingly passionate music for over 60 years. Sanders got his start playing alongside John Coltrane in the mid-'60s, just as Coltrane's playing was turning to more chaotic free jazz expressions, and Sanders carried over some of that same euphoric upheaval into his own albums. Across multiple classics he recorded for the Impulse label in the late '60s and early '70s, however, Sanders incorporated elements of world music and even more pop-adjacent vocalizations into his sometimes chaotic style, crossing over to audiences who weren't primarily jazz listeners with the poetic mysticism of 1969's Karma or the sociopolitical sentiments of 1971's Black Unity. He remained highly active throughout the '80s and '90s, his sound mellowing somewhat into patient but no less powerful form on albums like 1987's Oh Lord, Let Me Do No Wrong. Though his output slowed in the new millennium, Sanders would continue performing and recording into his eighties, collaborating with electronic producer Floating Points and the London Symphony Orchestra on 2021's critically acclaimed album Promises.

Pharoah Sanders was born Ferrell Sanders in Little Rock, Arkansas, in 1940. Both his mother and father taught music, his mother privately and his father in public schools. His first instrument was the clarinet, but he switched to tenor sax as a high school student, under the influence of his band director, Jimmy Cannon, who also exposed Sanders to jazz for the first time. His early favorites included Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker, and John Coltrane. As a teenager, he played blues gigs for 10 and 15 dollars a night around Little Rock, backing such blues greats as Bobby "Blue" Bland and Junior Parker. After high school, Sanders moved to Oakland, California, where he lived with relatives. He attended Oakland Junior College, studying art and music. Known in the San Francisco Bay Area as "Little Rock," he soon began playing bebop, rhythm & blues, and free jazz with many of the region's finest musicians, including fellow saxophonists Dewey Redman and Sonny Simmons, as well as pianist Ed Kelly and drummer Smiley Winters.

In 1961, Sanders moved to New York, where he struggled. Unable to make a living with his music, he took to pawning his horn, working nonmusical jobs, and sometimes sleeping on the subway. During this period, he played with a number of free jazz luminaries, including Sun Ra, Don Cherry, and Billy Higgins. Sanders formed his first group in 1963, with pianist John Hicks (with whom he would continue to play off-and-on into the '90s), bassist Wilbur Ware, and drummer Higgins. When the group played an engagement at New York's Village Gate, a member of the audience was John Coltrane, who apparently liked what he heard. In late 1964, Coltrane asked Sanders to sit in with his band. By the next year, he was playing regularly with the Coltrane group, although he was never made an official member of the band. Coltrane's ensembles with Sanders were some of the most controversial in the history of jazz. Their music, as represented by the group's recordings -- Om, Live at the Village Vanguard Again, and Live in Seattle among them -- represents a near total desertion of traditional jazz concepts, like swing and functional harmony in favor of a teeming, irregularly structured, organic mixture of sound for sound's sake. Strength was a necessity in that band, and as Coltrane soon realized, Sanders had it in abundance.

Sanders made his first record as a leader in 1964 for the ESP label. After Coltrane's death in 1967, Sanders worked briefly with his widow, Alice Coltrane. From the late '60s on, however, he worked primarily as a leader of his own ensembles. From 1966 to 1971, he released several albums on Impulse including Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971), and Thembi (1971). In the mid-'70s he recorded his most commercial effort, Love Will Find a Way (Arista, 1977); it turned out to be a brief detour. From the late '70s until 1987, he recorded for the small independent label Theresa. Starting in 1987, Sanders recorded for the Evidence and Timeless labels. The former bought Theresa Records in 1991 and subsequently re-released Sanders' output for that company.

In 1995, he made his first major-label album in many years, Message from Home (produced by Bill Laswell for Verve). The two followed that one up in 1999 with Save Our Children. In 2000, Sanders released Spirits -- a multi-ethnic live suite with Hamid Drake and Adam Rudolph. In the decades after his first recordings with Coltrane, Sanders developed into a more well-rounded artist, capable of playing convincingly in a variety of contexts, from free to mainstream.

Throughout the 2000s, Sanders played the festival circuit and collaborated on record with various artists including Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco, and others. In 2015, he was granted an NEA Jazz Master Award, along with Gary Burton, Wendy Oxenhorn, and Archie Shepp. It is North America's highest award for the genre. In 2020, an archival concert performance was released as Live in Paris (1975). The next year, Sanders worked with Floating Points and the London Symphony Orchestra on an album of entirely new material called Promises. Released in March 2021, the record was met with almost universal critical praise. It proved to be the last album he would release in his lifetime. Pharoah Sanders died on September 24, 2022, at his home in Los Angeles at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

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Biografía de Chris Kelsey
El saxofonista tenor Pharoah Sanders estuvo entre los contribuyentes más importantes a la evolución del jazz espiritual, creando música emocionalmente compleja e intransigentemente apasionada durante más de 60 años. Sanders comenzó a tocar junto a John Coltrane a mediados de los 60, justo cuando la interpretación de Coltrane se estaba volviendo hacia expresiones de free jazz más caóticas, y Sanders llevó parte de esa misma agitación eufórica a sus propios álbumes. Sin embargo, a través de múltiples clásicos que grabó para el sello Impulse a fines de los 60 y principios de los 70, Sanders incorporó elementos de world music e incluso vocalizaciones más adyacentes al pop en su estilo a veces caótico, cruzando a audiencias que no eran principalmente oyentes de jazz con el misticismo poético de Karma de 1969 o los sentimientos sociopolíticos de Black Unity de 1971. Se mantuvo muy activo durante los años 80 y 90, su sonido se suavizó un poco hasta convertirse en una forma paciente pero no menos poderosa en álbumes como Oh Lord, Let Me Do No Wrong de 1987. Aunque su producción se desaceleró en el nuevo milenio, Sanders continuaría actuando y grabando hasta los ochenta, colaborando con el productor electrónico Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en el álbum Promises, aclamado por la crítica en 2021.

El faraón Sanders nació como Ferrell Sanders en Little Rock, Arkansas, en 1940. Tanto su madre como su padre enseñaban música, su madre en privado y su padre en escuelas públicas. Su primer instrumento fue el clarinete, pero cambió al saxo tenor cuando era estudiante de secundaria, bajo la influencia del director de su banda, Jimmy Cannon, quien también expuso a Sanders al jazz por primera vez. Sus primeros favoritos incluían a Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker y John Coltrane. Cuando era adolescente, tocaba blues por 10 y 15 dólares la noche en Little Rock, respaldando a grandes del blues como Bobby "Blue" Bland y Junior Parker. Después de la secundaria, Sanders se mudó a Oakland, California, donde vivió con familiares. Asistió al Oakland Junior College, estudiando arte y música. Conocido en el área de la Bahía de San Francisco como "Little Rock", pronto comenzó a tocar bebop, rhythm & blues y free jazz con muchos de los mejores músicos de la región, incluidos los saxofonistas Dewey Redman y Sonny Simmons, así como el pianista Ed Kelly y el baterista Smiley Winters.

En 1961, Sanders se mudó a Nueva York,donde luchó. Incapaz de ganarse la vida con su música, se dedicó a empeñar su trompa, a realizar trabajos no musicales y, a veces, a dormir en el metro. Durante este período, tocó con varias luminarias del free jazz, incluidos Sun Ra, Don Cherry y Billy Higgins. Sanders formó su primer grupo en 1963, con el pianista John Hicks (con quien continuaría tocando ocasionalmente hasta los años 90), el bajista Wilbur Ware y el baterista Higgins. Cuando el grupo tocó en un compromiso en Village Gate de Nueva York, un miembro de la audiencia era John Coltrane, a quien aparentemente le gustó lo que escuchó. A finales de 1964, Coltrane le pidió a Sanders que se sentara con su banda. Para el año siguiente, tocaba regularmente con el grupo Coltrane, aunque nunca fue nombrado miembro oficial de la banda. Los conjuntos de Coltrane con Sanders fueron algunos de los más controvertidos en la historia del jazz. Su música, representada por las grabaciones del grupo (Om, Live at the Village Vanguard Nuevamente, y Live in Seattle entre ellos) representa una deserción casi total de los conceptos tradicionales del jazz , como el swing y la armonía funcional, en favor de una mezcla orgánica abundante, irregularmente estructurada, de sonido por el sonido. La fuerza era una necesidad en esa banda, y como Coltrane pronto se dio cuenta, Sanders la tenía en abundancia.

Sanders grabó su primer disco como líder en 1964 para el sello ESP. Después de la muerte de Coltrane en 1967, Sanders trabajó brevemente con su viuda, Alice Coltrane. Sin embargo, a partir de finales de los 60, trabajó principalmente como líder de sus propios conjuntos. De 1966 a 1971, lanzó varios álbumes en Impulse, incluidos Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971) y Thembi (1971). A mediados de los 70 grabó su esfuerzo más comercial, Love Will Find a Way (Arista, 1977); resultó ser un breve desvío. Desde finales de los 70 hasta 1987, grabó para el pequeño sello independiente Theresa. A partir de 1987, Sanders grabó para los sellos Evidence y Timeless. El primero compró Theresa Records en 1991 y posteriormente relanzó la producción de Sanders para esa compañía.

En 1995, hizo su primer álbum con un sello importante en muchos años, Message from Home (producido por Bill Laswell para Verve). Los dos siguieron a ese en 1999 con Save Our Children. En 2000, Sanders lanzó Spirits, una suite en vivo multiétnica con Hamid Drake y Adam Rudolph. En las décadas posteriores a sus primeras grabaciones con Coltrane, Sanders se convirtió en un artista más completo, capaz de tocar de manera convincente en una variedad de contextos, desde el libre hasta el mainstream.

A lo largo de la década de 2000, Sanders tocó en el circuito de festivales y colaboró en grabaciones con varios artistas, incluidos Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco y otros. En 2015, recibió un premio NEA Jazz Master, junto con Gary Burton, Wendy Oxenhorn y Archie Shepp. Es el premio más alto de América del Norte para el género. En 2020, se lanzó una presentación de concierto de archivo como Live in Paris (1975). Al año siguiente, Sanders trabajó con Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en un álbum de material completamente nuevo llamado Promises. Lanzado en marzo de 2021, el disco recibió elogios críticos casi universales. Resultó ser el último álbum que lanzaría en su vida. El faraón Sanders murió el 24 de septiembre de 2022 en su casa de Los Ángeles a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

Pharoah Sanders • Pharoah

 

Biography by Chris Kelsey
Tenor saxophonist Pharoah Sanders was among the most important contributors to the evolution of spiritual jazz, creating emotionally complex and uncompromisingly passionate music for over 60 years. Sanders got his start playing alongside John Coltrane in the mid-'60s, just as Coltrane's playing was turning to more chaotic free jazz expressions, and Sanders carried over some of that same euphoric upheaval into his own albums. Across multiple classics he recorded for the Impulse label in the late '60s and early '70s, however, Sanders incorporated elements of world music and even more pop-adjacent vocalizations into his sometimes chaotic style, crossing over to audiences who weren't primarily jazz listeners with the poetic mysticism of 1969's Karma or the sociopolitical sentiments of 1971's Black Unity. He remained highly active throughout the '80s and '90s, his sound mellowing somewhat into patient but no less powerful form on albums like 1987's Oh Lord, Let Me Do No Wrong. Though his output slowed in the new millennium, Sanders would continue performing and recording into his eighties, collaborating with electronic producer Floating Points and the London Symphony Orchestra on 2021's critically acclaimed album Promises.

Pharoah Sanders was born Ferrell Sanders in Little Rock, Arkansas, in 1940. Both his mother and father taught music, his mother privately and his father in public schools. His first instrument was the clarinet, but he switched to tenor sax as a high school student, under the influence of his band director, Jimmy Cannon, who also exposed Sanders to jazz for the first time. His early favorites included Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker, and John Coltrane. As a teenager, he played blues gigs for 10 and 15 dollars a night around Little Rock, backing such blues greats as Bobby "Blue" Bland and Junior Parker. After high school, Sanders moved to Oakland, California, where he lived with relatives. He attended Oakland Junior College, studying art and music. Known in the San Francisco Bay Area as "Little Rock," he soon began playing bebop, rhythm & blues, and free jazz with many of the region's finest musicians, including fellow saxophonists Dewey Redman and Sonny Simmons, as well as pianist Ed Kelly and drummer Smiley Winters.

In 1961, Sanders moved to New York, where he struggled. Unable to make a living with his music, he took to pawning his horn, working nonmusical jobs, and sometimes sleeping on the subway. During this period, he played with a number of free jazz luminaries, including Sun Ra, Don Cherry, and Billy Higgins. Sanders formed his first group in 1963, with pianist John Hicks (with whom he would continue to play off-and-on into the '90s), bassist Wilbur Ware, and drummer Higgins. When the group played an engagement at New York's Village Gate, a member of the audience was John Coltrane, who apparently liked what he heard. In late 1964, Coltrane asked Sanders to sit in with his band. By the next year, he was playing regularly with the Coltrane group, although he was never made an official member of the band. Coltrane's ensembles with Sanders were some of the most controversial in the history of jazz. Their music, as represented by the group's recordings -- Om, Live at the Village Vanguard Again, and Live in Seattle among them -- represents a near total desertion of traditional jazz concepts, like swing and functional harmony in favor of a teeming, irregularly structured, organic mixture of sound for sound's sake. Strength was a necessity in that band, and as Coltrane soon realized, Sanders had it in abundance.

Sanders made his first record as a leader in 1964 for the ESP label. After Coltrane's death in 1967, Sanders worked briefly with his widow, Alice Coltrane. From the late '60s on, however, he worked primarily as a leader of his own ensembles. From 1966 to 1971, he released several albums on Impulse including Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971), and Thembi (1971). In the mid-'70s he recorded his most commercial effort, Love Will Find a Way (Arista, 1977); it turned out to be a brief detour. From the late '70s until 1987, he recorded for the small independent label Theresa. Starting in 1987, Sanders recorded for the Evidence and Timeless labels. The former bought Theresa Records in 1991 and subsequently re-released Sanders' output for that company.

In 1995, he made his first major-label album in many years, Message from Home (produced by Bill Laswell for Verve). The two followed that one up in 1999 with Save Our Children. In 2000, Sanders released Spirits -- a multi-ethnic live suite with Hamid Drake and Adam Rudolph. In the decades after his first recordings with Coltrane, Sanders developed into a more well-rounded artist, capable of playing convincingly in a variety of contexts, from free to mainstream.

Throughout the 2000s, Sanders played the festival circuit and collaborated on record with various artists including Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco, and others. In 2015, he was granted an NEA Jazz Master Award, along with Gary Burton, Wendy Oxenhorn, and Archie Shepp. It is North America's highest award for the genre. In 2020, an archival concert performance was released as Live in Paris (1975). The next year, Sanders worked with Floating Points and the London Symphony Orchestra on an album of entirely new material called Promises. Released in March 2021, the record was met with almost universal critical praise. It proved to be the last album he would release in his lifetime. Pharoah Sanders died on September 24, 2022, at his home in Los Angeles at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

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Biografía de Chris Kelsey
El saxofonista tenor Pharoah Sanders estuvo entre los contribuyentes más importantes a la evolución del jazz espiritual, creando música emocionalmente compleja e intransigentemente apasionada durante más de 60 años. Sanders comenzó a tocar junto a John Coltrane a mediados de los 60, justo cuando la interpretación de Coltrane se estaba volviendo hacia expresiones de free jazz más caóticas, y Sanders llevó parte de esa misma agitación eufórica a sus propios álbumes. Sin embargo, a través de múltiples clásicos que grabó para el sello Impulse a fines de los 60 y principios de los 70, Sanders incorporó elementos de world music e incluso vocalizaciones más adyacentes al pop en su estilo a veces caótico, cruzando a audiencias que no eran principalmente oyentes de jazz con el misticismo poético de Karma de 1969 o los sentimientos sociopolíticos de Black Unity de 1971. Se mantuvo muy activo durante los años 80 y 90, su sonido se suavizó un poco hasta convertirse en una forma paciente pero no menos poderosa en álbumes como Oh Lord, Let Me Do No Wrong de 1987. Aunque su producción se desaceleró en el nuevo milenio, Sanders continuaría actuando y grabando hasta los ochenta, colaborando con el productor electrónico Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en el álbum Promises, aclamado por la crítica en 2021.

El faraón Sanders nació como Ferrell Sanders en Little Rock, Arkansas, en 1940. Tanto su madre como su padre enseñaban música, su madre en privado y su padre en escuelas públicas. Su primer instrumento fue el clarinete, pero cambió al saxo tenor cuando era estudiante de secundaria, bajo la influencia del director de su banda, Jimmy Cannon, quien también expuso a Sanders al jazz por primera vez. Sus primeros favoritos incluían a Harold Land, James Moody, Sonny Rollins, Charlie Parker y John Coltrane. Cuando era adolescente, tocaba blues por 10 y 15 dólares la noche en Little Rock, respaldando a grandes del blues como Bobby "Blue" Bland y Junior Parker. Después de la secundaria, Sanders se mudó a Oakland, California, donde vivió con familiares. Asistió al Oakland Junior College, estudiando arte y música. Conocido en el área de la Bahía de San Francisco como "Little Rock", pronto comenzó a tocar bebop, rhythm & blues y free jazz con muchos de los mejores músicos de la región, incluidos los saxofonistas Dewey Redman y Sonny Simmons, así como el pianista Ed Kelly y el baterista Smiley Winters.

En 1961, Sanders se mudó a Nueva York,donde luchó. Incapaz de ganarse la vida con su música, se dedicó a empeñar su trompa, a realizar trabajos no musicales y, a veces, a dormir en el metro. Durante este período, tocó con varias luminarias del free jazz, incluidos Sun Ra, Don Cherry y Billy Higgins. Sanders formó su primer grupo en 1963, con el pianista John Hicks (con quien continuaría tocando ocasionalmente hasta los años 90), el bajista Wilbur Ware y el baterista Higgins. Cuando el grupo tocó en un compromiso en Village Gate de Nueva York, un miembro de la audiencia era John Coltrane, a quien aparentemente le gustó lo que escuchó. A finales de 1964, Coltrane le pidió a Sanders que se sentara con su banda. Para el año siguiente, tocaba regularmente con el grupo Coltrane, aunque nunca fue nombrado miembro oficial de la banda. Los conjuntos de Coltrane con Sanders fueron algunos de los más controvertidos en la historia del jazz. Su música, representada por las grabaciones del grupo (Om, Live at the Village Vanguard Nuevamente, y Live in Seattle entre ellos) representa una deserción casi total de los conceptos tradicionales del jazz , como el swing y la armonía funcional, en favor de una mezcla orgánica abundante, irregularmente estructurada, de sonido por el sonido. La fuerza era una necesidad en esa banda, y como Coltrane pronto se dio cuenta, Sanders la tenía en abundancia.

Sanders grabó su primer disco como líder en 1964 para el sello ESP. Después de la muerte de Coltrane en 1967, Sanders trabajó brevemente con su viuda, Alice Coltrane. Sin embargo, a partir de finales de los 60, trabajó principalmente como líder de sus propios conjuntos. De 1966 a 1971, lanzó varios álbumes en Impulse, incluidos Tauhid (1966), Karma (1969), Black Unity (1971) y Thembi (1971). A mediados de los 70 grabó su esfuerzo más comercial, Love Will Find a Way (Arista, 1977); resultó ser un breve desvío. Desde finales de los 70 hasta 1987, grabó para el pequeño sello independiente Theresa. A partir de 1987, Sanders grabó para los sellos Evidence y Timeless. El primero compró Theresa Records en 1991 y posteriormente relanzó la producción de Sanders para esa compañía.

En 1995, hizo su primer álbum con un sello importante en muchos años, Message from Home (producido por Bill Laswell para Verve). Los dos siguieron a ese en 1999 con Save Our Children. En 2000, Sanders lanzó Spirits, una suite en vivo multiétnica con Hamid Drake y Adam Rudolph. En las décadas posteriores a sus primeras grabaciones con Coltrane, Sanders se convirtió en un artista más completo, capaz de tocar de manera convincente en una variedad de contextos, desde el libre hasta el mainstream.

A lo largo de la década de 2000, Sanders tocó en el circuito de festivales y colaboró en grabaciones con varios artistas, incluidos Sleep Walker, Chicago Underground, Joey DeFrancesco y otros. En 2015, recibió un premio NEA Jazz Master, junto con Gary Burton, Wendy Oxenhorn y Archie Shepp. Es el premio más alto de América del Norte para el género. En 2020, se lanzó una presentación de concierto de archivo como Live in Paris (1975). Al año siguiente, Sanders trabajó con Floating Points y la Orquesta Sinfónica de Londres en un álbum de material completamente nuevo llamado Promises. Lanzado en marzo de 2021, el disco recibió elogios críticos casi universales. Resultó ser el último álbum que lanzaría en su vida. El faraón Sanders murió el 24 de septiembre de 2022 en su casa de Los Ángeles a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/pharoah-sanders-mn0000330601#biography

John Coltrane • At Temple University

 

John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
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