Jimmy Caravan • Look Into The Flower

 

American organist born 1941, died 7 July 1990 in Santa Ana, California

Ari Borger & Igor Prado • Lowdown Boogie

 

Ari Borger is the main Blues-Jazz&Soul pianist and organist in Brazil. Influenced by his American mother, he grew up listening to the Blues and Jazz masters.He fell in love with piano when he was nine years old, starting his studies with classical music. At sixteen he was already touring all around his county playing at the most important festivals.

Ari lived in New Orleans and there he performed at the most popular places, such as House of Blues and Tipitina’s. In Brazil he played at the biggest blues and jazz festivals, sharing evenings with B.B. King, Pinetop Perkins, Marcus Miller and Johnnie Johnson. A dip in the roots of the Blues, Boogie Woogie and Soul is presented in his show through a sound flawless, dosing feeling and virtuosity.

Borger is the pioneer of the genre in his country, his music achieves something very difficult, ring true and authentic, without “decorate” lines when improvising, sometimes sounding sweet, and incendiary in others.
In 2011 and 2013 he played at the biggest and most important piano blues stage in USA, the
Hall of Fame Boogie Woogie Stage, at the Cincy Blues Fest, together with the most prestige players in the world.

He also toured with his group to several countries in Europe, like Austria, Hungary, Slovênia, Romênia and Croatia. Recorded and played with the West Coast Blues genius Junior Watson, Sax Gordon, Mud Morganfield Jr, Linwood Slim and many others blues legends. He has released seven álbuns, with great and enthusiastic complements by specialized critics. Borger sounds modern and vintage at the same time, authentic and full of personality, this is Ari Borger, Listen and fell it!!!
https://ariborger.com/novo-site/?page_id=647

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Ari Borger es el principal pianista y organista de Blues-Jazz&Soul de Brasil. Influido por su madre americana, creció escuchando a los maestros del Blues y el Jazz.Se enamoró del piano a los nueve años, comenzando sus estudios con la música clásica. A los dieciséis años ya estaba de gira por todo su país tocando en los festivales más importantes.

Ari vivió en Nueva Orleans y allí actuó en los lugares más populares, como House of Blues y Tipitina's. En Brasil tocó en los mayores festivales de blues y jazz, compartiendo veladas con B.B. King, Pinetop Perkins, Marcus Miller y Johnnie Johnson. Una inmersión en las raíces del Blues, Boogie Woogie y Soul se presenta en su espectáculo a través de un sonido impecable, dosificando el sentimiento y el virtuosismo.

Borger es el pionero del género en su país, su música logra algo muy difícil, sonar verdadera y auténtica, sin "decorar" las líneas al improvisar, a veces sonando dulce, e incendiaria en otras.
En 2011 y 2013 tocó en el mayor y más importante escenario de piano blues de EEUU, el
Hall of Fame Boogie Woogie Stage, en el Cincy Blues Fest, junto a los músicos más prestigiosos del mundo.

También realizó una gira con su grupo por varios países de Europa, como Austria, Hungría, Eslovenia, Rumanía y Croacia. Grabó y tocó con el genio del blues de la Costa Oeste Junior Watson, Sax Gordon, Mud Morganfield Jr, Linwood Slim y muchas otras leyendas del blues. Ha publicado siete álbunes, con grandes y entusiastas complementos por parte de la crítica especializada. Borger suena moderno y vintage a la vez, auténtico y lleno de personalidad, esto es Ari Borger, ¡¡¡Escucha y cae!!!
https://ariborger.com/novo-site/?page_id=647
 

ariborger.com ...

 

Paul Bryant • The Blues Message / Burnin’

In the late Fifties organ had earned a place with modern jazz fans, and Paul Bryant [1933-2010] was but one of the latest organists to find an audience. He had a hard-hitting, two-fisted style that exploited the registers to the limit. In this set Bryant was blessed with the illustrious company of tenorist Curtis Amy, guitarist Jim Hall, and budding trombonist Roy Brewster.

On the rhythm section, bassist Clarence S. Jones—alternating with Jimmy Bond—and drummer Jimmy Miller, take care of the timing with devotion and intelligence.

This set includes The Blues Message and Burnin’ — the two albums that launched Bryant and Amy’s recording careers. Tenor man Amy, a member of that masculine school of Texas-born “preachers,” is impressive as a featured co-leader. Hall, thoroughly in the cooking spirit of things, was high-spirited and stirring in his solos, comping and balancing the predominant organ adequately. In these tunes, mostly blues with a soul-searching message (Searchin’ and Still Searchin’), Bryant stomps and hollers and then drifts into the sentimental, creating, at some points, moments of pure, unadulterated truth.

Source: http://www.freshsoundrecords.com/the_blues_message_2_lps_on_1_cd-cd-5467.html

A finales de los años 50 el órgano se había ganado un lugar entre los aficionados al jazz moderno, y Paul Bryant [1933-2010] fue uno de los últimos organistas en encontrar un público. Tenía un estilo contundente, de dos puños, que explotaba los registros hasta el límite. En este conjunto Bryant fue bendecido con la ilustre compañía del tenorista Curtis Amy, el guitarrista Jim Hall y el incipiente trombonista Roy Brewster.

En la sección rítmica, el bajista Clarence S. Jones -alternando con Jimmy Bond- y el baterista Jimmy Miller, se encargan de la sincronización con devoción e inteligencia.

Este set incluye The Blues Message y Burnin' - los dos álbumes que lanzaron las carreras de grabación de Bryant y Amy. El tenor Amy, miembro de esa escuela masculina de "predicadores" nacidos en Texas, es impresionante como co-líder destacado. Hall, con un espíritu de cocinero, era muy animado y conmovedor en sus solos, compaginando y equilibrando adecuadamente el órgano predominante. En estas melodías, en su mayoría blues con un mensaje de búsqueda del alma (Searchin' and Still Searchin'), Bryant pisa fuerte y grita y luego se sumerge en lo sentimental, creando, en algunos puntos, momentos de pura verdad no adulterada.

Fuente: http://www.freshsoundrecords.com/the_blues_message_2_lps_on_1_cd-cd-5467.html

Dr. Lonnie Smith • The Art Of Organizing

Biography by Alex Henderson:

Organist Lonnie Smith has often been confused with keyboardist/pianist Lonnie Liston Smith -- and, in fact, more than a few retailers have wrongly assumed that they're one and the same. In the mid-'60s, the Hammond hero earned recognition for his membership in George Benson's classic quartet before going on to play with Lou Donaldson (contributing some memorable solos to the alto saxman's hit 1967 album Alligator Bogaloo) and recording enjoyable dates of his own for Blue Note. For all their accessibility and commercial appeal, funk-influenced Smith sessions like 1968's Think and 1970's Drives showed that he could be quite imaginative. Smith, who later became Dr. Lonnie Smith (for "no particular reason," the same reason he gives for why he always wears a traditional Sikh turban), remained an inspired representative of soul-jazz, releasing his own albums like 1993's Afro Blue and continuing his long association with Donaldson.

The 21st century saw him step up the pace, releasing several albums, including a tribute to Beck, 2003's Boogaloo to Beck; an album of reworked and modernized jazz standards, 2006's Jungle Soul; and 2009's Rise Up! Smith and his trio members -- Jonathan Kreisberg, guitar; Jamire Williams, drums -- continued a relentless and tireless touring and recording schedule; he issued Spiral in 2010 on Palmetto with Matt Balitsaris producing, followed by the live album Healer in 2012. In 2016, Smith delivered Evolution, his first album for Blue Note since 1970's Drives. Produced by Don Was, it featured guest appearances from saxophonist Joe Lovano, pianist Robert Glasper, and others. Smith enlisted Was as a producer again, this time for a trio date entitled All in My Mind. Released in January of 2018, the set included two originals, a cover of Paul Simon's "50 Ways to Leave Your Lover" (featuring guest vocalist Alicia Olatuja), Wayne Shorter's "Juju," and Tadd Dameron's "On a Misty Night" in its track list.

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Biografía de Alex Henderson:

El organista Lonnie Smith a menudo ha sido confundido con el teclista / pianista Lonnie Liston Smith, y, de hecho, más de unos pocos minoristas han asumido erróneamente que son lo mismo. A mediados de los años 60, el héroe de Hammond se ganó el reconocimiento por su membresía en el cuarteto clásico de George Benson antes de ir a tocar con Lou Donaldson (contribuyendo con algunos solos memorables al exitoso álbum de 1967, Alligator Bogaloo) y grabando agradables fechas propias. para Blue Note. A pesar de su accesibilidad y atractivo comercial, las sesiones de Smith influenciadas por el funk, como Think's de 1968 y Drives de 1970, demostraron que podía ser bastante imaginativo. Smith, quien más tarde se convirtió en el Dr. Lonnie Smith (por "ninguna razón en particular", la misma razón por la que siempre usa un turbante tradicional Sikh), siguió siendo un representante inspirado del soul-jazz, lanzando sus propios álbumes como Afro Blue de 1993. y continuando su larga asociación con Donaldson.

El siglo XXI lo vio aumentar el ritmo, lanzando varios álbumes, incluido un homenaje a Beck, Boogaloo to Beck de 2003; un álbum de estándares de jazz reformados y modernizados, Jungle Soul de 2006; y Rise Up 2009! Smith y sus miembros del trío - Jonathan Kreisberg, guitarra; Jamire Williams, batería: continuó un incansable e incansable programa de giras y grabaciones; emitió Spiral en 2010 en Palmetto con la producción de Matt Balitsaris, seguido del álbum en vivo Healer en 2012. En 2016, Smith presentó Evolution, su primer álbum para Blue Note desde los Drives en 1970. Producido por Don Was, contó con la participación de invitados del saxofonista Joe Lovano, el pianista Robert Glasper y otros. Smith se alistó nuevamente como productor, esta vez para una fecha de trío titulada All in My Mind. Lanzado en enero de 2018, el set incluye dos originales, una versión de "50 Ways to Leave Your Lover" de Paul Simon (con la vocalista invitada Alicia Olatuja), "Juju" de Wayne Shorter y "On a Misty Night" de Tadd Dameron en su lista de canciones

www.drlonniesmith.com ...

Robert Walter • There Goes the Neighborhood

Instrumental soul-jazz-funk never sounded so good! Robert Walter's There Goes The Neighborhood is a timeless collection of soul-drenched, funky jazz tunes spiced up with electronic grooves; the perfect dance or party record for any DJ or host to spin. Bright, vibrant, and never dull, this is what soul music and jazz are all about, getting people to feel, move, and sweat to the lovely rhythms and grooves that pour out of their sound systems.

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¡El soul-jazz-funk instrumental nunca sonó tan bien! There Goes The Neighborhood, de Robert Walter, es una colección intemporal de melodías de jazz con alma y funky, condimentadas con ritmos electrónicos; el disco de baile o de fiesta perfecto para que cualquier DJ o anfitrión lo haga girar. Brillante, vibrante y nunca aburrida, de esto se trata la música soul y el jazz, haciendo que la gente sienta, se mueva y sude con los encantadores ritmos y ritmos que salen de sus sistemas de sonido.

https://www.robertwalter.com/

 

Ingfried Hoffmann • Hammond Bond

 

Review by Christian Genzel

Essentially, Hammond Bond is a re-release of the 1966 album From Twen with Love by German organist Ingfried Hoffmann, who was a member of Klaus Doldinger's band in the '60s. The new title (which is given the tagline "Ingfried Hoffmann plays jazz for secret agents" on the CD cover) emphasizes the fact that the original album was released to benefit from the first James Bond craze, but it makes the album appear to be more of a novelty record than it really is: From Twen with Love (the original title references the second James Bond movie, of course, and the Philips Twen label where it was first published) is an organ jazz album very much in the vein of the soul-jazz recordings popular during this time, and apart from the inclusion of covers of the three Bond title songs that existed back then -- "Thunderball," "Goldfinger," and "From Russia with Love" -- and the fact that several tracks reference the superspy in their titles ("Yeah, Dr. No," "007 Bond Street"), the album isn't as gimmick-driven as its reissue title implies. Granted, several tracks have a strong beat influence and aren't too far away from what Riz Ortolani, Piero Piccioni, and other Italian musicians were composing for dozens of European crime movies (and, yes, Bond rip-offs) -- "Phantom's Walk" would easily fit on a compilation from the Beat at Cinecitta or Easy Tempo series -- but Hoffmann's bright, slightly psychedelic organ and Volker Kriegel's guitar get a lot of space for a number of inspired solos. Most of the tracks are originals by Hoffmann, and he has a knack for writing good hooks (he would later score movies himself), and more often than not, you could imagine Lou Donaldson dropping by to add some saxophone to the music. The Bond covers are fun, and it's interesting to hear those bombastic arrangements played this breezily. Unfortunately, the reissue messes up the original sequencing of the album, and it adds four tracks from different sessions: three from Hoffmann's 1963 album Hammond Tales (recorded with a different group which includes drummer Klaus Weiss), and one from Peter Thomas' 1966 soundtrack Playgirl. Still, the new track order works well, and the fact that the added tracks have little to do with the original album concept doesn't detract from the fun. Hammond Bond isn't groundbreaking or essential in any regard, but it's a solid organ jazz album that's enjoyable even after the novelty factor has long worn off.

https://www.allmusic.com/album/hammond-bond-mw0001530957

Ingfried Hoffmann (born January 30, 1935) is a German jazz organist, pianist, trumpeter, arranger and composer. He has released several commercial recordings on a variety of labels, including Columbia Records, Philips Records, Polydor Records, and Verve Records. He has also composed music for several German television films and programs, including most of the music for the German version of Sesame Street and Robbi, Tobbi und das Fliewatüüt.

 

 

Reseña de Christian Genzel

Esencialmente, Hammond Bond es una reedición del álbum de 1966 From Twen with Love del organista alemán Ingfried Hoffmann, quien fue miembro de la banda de Klaus Doldinger en los años 60. El nuevo título (que lleva el lema "Ingfried Hoffmann toca jazz para agentes secretos" en la portada del CD) enfatiza el hecho de que el álbum original fue lanzado para beneficiarse de la primera locura de James Bond, pero hace que el álbum parezca ser más novedoso de lo que realmente es: From Twen with Love (el título original hace referencia a la segunda película de James Bond, por supuesto, y al sello Philips Twen donde se publicó por primera vez) es un álbum de jazz para órgano muy similar a las grabaciones de soul-jazz populares durante este tiempo, y aparte de la inclusión de las versiones de las tres canciones de título de Bond que existían en ese entonces - "Thunderball", "Goldfinger" y "From Russia with Love" - y el hecho de que varios temas hacen referencia a la superespionaje en sus títulos ("Yeah, Dr. No", "007 Bond Street"), el álbum no está tan orientado a los trucos como implica su título de reedición. Es cierto que varios temas tienen una fuerte influencia beat y no están muy lejos de lo que Riz Ortolani, Piero Piccioni y otros músicos italianos estaban componiendo para docenas de películas policíacas europeas (y, sí, Bond rip-offs) -- "Phantom's Walk" encajaría fácilmente en una compilación de las series Beat at Cinecitta o Easy Tempo -- pero el brillante y ligeramente psicodélico órgano de Hoffmann y la guitarra de Volker Kriegel tienen mucho espacio para un número de solos inspirados. La mayoría de los temas son originales de Hoffmann, y tiene un don para escribir buenos ganchos (más tarde se dedicaría a componer películas), y la mayoría de las veces, se puede imaginar a Lou Donaldson viniendo a añadir un poco de saxofón a la música. Las portadas de Bond son divertidas, y es interesante escuchar esos arreglos pomposos que se tocan de forma tan alegre. Desafortunadamente, la reedición estropea la secuencia original del álbum, y añade cuatro temas de diferentes sesiones: tres del álbum de Hoffmann de 1963 Hammond Tales (grabado con un grupo diferente que incluye al baterista Klaus Weiss), y uno de la banda sonora de Peter Thomas de 1966, Playgirl. Aún así, el nuevo orden de las pistas funciona bien, y el hecho de que las pistas añadidas tengan poco que ver con el concepto original del álbum no quita diversión. Hammond Bond no es innovador ni esencial en ningún aspecto, pero es un sólido álbum de jazz para órgano que es agradable incluso después de que el factor novedad haya desaparecido hace tiempo.

https://www.allmusic.com/album/hammond-bond-mw0001530957

Ingfried Hoffmann (nacido el 30 de enero de 1935) es un organista de jazz, pianista, trompetista, arreglista y compositor alemán. Ha publicado varias grabaciones comerciales en una variedad de sellos discográficos, incluyendo Columbia Records, Philips Records, Polydor Records y Verve Records. También ha compuesto música para varias películas y programas de la televisión alemana, incluyendo la mayoría de la música para la versión alemana de Plaza Sésamo y Robbi, Tobbi und das Fliewatüüt.

Boogaloo Joe Jones • Legends of Acid Jazz - Vol. 2

Review by Richie Unterberger
A CD reissue that combines Jones' fifth and sixth Prestige LPs, Noway! (1970) and What It Is (1971), onto one disc. Grover Washington, Jr. (tenor sax) and Bernard Purdie (drums) are the key accompanists on both sessions. Noway! is a set of pretty funky early-1970s soul-jazz, though the covers of fairly straight pop numbers ("Georgia on My Mind," the Jackson 5's "I'll Be There") are kind of undistinguished. Better are the originals "No Way" and "Holdin' Back" (by Jones) and "Sunshine Alley" (by organist Butch Cornell), which have a more convincing groove. "No Way" is the toughest, with funk guitar lines betraying some influence from James Brown; "Holdin' Back" sounds a bit like a jazzy instrumental treatment of the kind of songs Marvin Gaye used to record in his early Motown days. Using the same personnel, Jones offers more good-natured funk-soul-jazz on What It Is. After getting a couple of contemporary pop covers (of Bill Withers' "Ain't No Sunshine" and Carole King's "I Feel the Earth Move") out of the way, it's mostly Jones originals. On his slower moments, as in "Fadin'" and Sonny Thompson's "Let Them Talk," he shows the influence of straight jazz players such as Wes Montgomery; "What It Is" and "Inside Job" are more cut-to-the-chase funk riffs. Jones has his cult following, but as soul-jazz goes, this is kind of run-of-the-mill: good for background, but not captivating foreground listening.

 

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Reseña de Richie Unterberger
Una reedición en CD que combina el quinto y sexto LP de Jones, Noway! (1970) y What It Is (1971), en un solo disco. Grover Washington, Jr. (saxo tenor) y Bernard Purdie (batería) son los acompañantes clave en ambas sesiones. ¡De ninguna manera! es un conjunto de soul-jazz bastante funky de principios de la década de 1970, aunque las versiones de números pop bastante sencillos ("Georgia on My Mind", "I'll Be There" de los Jackson 5) son algo poco distinguidas. Mejores son los originales "No Way" y "Holdin 'Back" (de Jones) y "Sunshine Alley" (del organista Butch Cornell), que tienen un ritmo más convincente. "No Way" es el más duro, con líneas de guitarra funk que traicionan alguna influencia de James Brown; "Holdin 'Back" suena un poco como un tratamiento instrumental de jazz del tipo de canciones que Marvin Gaye solía grabar en sus primeros días en Motown. Utilizando el mismo personal, Jones ofrece más funk-soul-jazz afable en What It Is. Después de sacar un par de versiones de pop contemporáneo (de "Ain't No Sunshine" de Bill Withers y "I Feel the Earth Move" de Carole King), la mayoría son originales de Jones. En sus momentos más lentos, como en "Fadin '" y "Let Them Talk" de Sonny Thompson, muestra la influencia de músicos de jazz heterosexuales como Wes Montgomery; "What It Is" e "Inside Job" son riffs funk más sencillos. Jones tiene seguidores de culto, pero en lo que respecta al soul-jazz, esto es algo común y corriente: bueno para el fondo, pero no para cautivar la escucha en primer plano.

Eddie ''Lockjaw'' Davis & Shirley Scott • Bacalao

When it came to tenor saxophonists, the late organist Shirley Scott had excellent taste. One of the big-toned tenor men she worked with extensively was Stanley Turrentine, whom she married; another was Eddie "Lockjaw" Davis. Recorded in Rudy Van Gelder's New Jersey studio in 1959, Bacalao is among the many solid hard bop/soul-jazz albums that resulted from Davis' association with Scott. The two of them enjoyed an incredibly strong rapport in the late '50s and early '60s, and they are very much in sync on Bacalao (which unites them with bassist George Duvivier, drummer Arthur Edgehill, and two Latin percussion men: Luis Perez and salsa giant Ray Barretto). The presence of Perez and Barretto gives the album some Afro-Cuban appeal, and both of them do well by Davis and Scott -- who are in fine form whether they turn their attention to two James Moody items ("Last Train From Overbrook" and "Dobbin' With Redd Foxx") or well-known pop standards (which include "That Old Black Magic," "Sometimes I'm Happy," "When Your Lover Has Gone," and "Come Rain or Come Shine"). In the liner notes that he wrote for Bacalao in 1959 or 1960, Amiri Baraka (formerly Leroi Jones) describes "Come Rain or Come Shine" and "That Old Black Magic" as "old beat-up tunes"; even back then, those Harold Arlen standards were considered warhorses. But Baraka also goes on to say that Davis and his colleagues revitalize the songs. Organ combo soul-jazz was still new and fresh in 1959, and Scott was helping Davis find new ways to interpret very familiar melodies. Although not quite essential, Bacalao is a rewarding example of Davis' ability to thrive in an organ/tenor setting.

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Cuando se trataba de saxofonistas tenores, la difunta organista Shirley Scott tenía un excelente gusto. Uno de los grandes tenores con los que trabajó extensamente fue Stanley Turrentine, con quien se casó; otro fue Eddie "Lockjaw" Davis. Grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey en 1959, Bacalao es uno de los muchos álbumes sólidos de hard bop/soul-jazz que resultaron de la asociación de Davis con Scott. Los dos disfrutaron de una relación increíblemente fuerte a finales de los 50 y principios de los 60, y están muy sincronizados en Bacalao (que los une con el bajista George Duvivier, el baterista Arthur Edgehill, y dos hombres de percusión latina: Luis Pérez y el gigante de la salsa Ray Barretto). La presencia de Pérez y Barretto le da al disco un cierto atractivo afrocubano, y a ambos les va bien por parte de Davis y Scott - que están en buena forma ya sea que pongan su atención en dos temas de James Moody ("Last Train From Overbrook" y "Dobbin' With Redd Foxx") o en estándares pop muy conocidos (que incluyen "That Old Black Magic", "Sometimes I'm Happy", "When Your Lover Has Gone" y "Come Rain or Come Shine"). En las notas de línea que escribió para Bacalao en 1959 ó 1960, Amiri Baraka (antes Leroi Jones) describe "Come Rain or Come Shine" y "That Old Black Magic" como "viejas melodías desgastadas"; incluso en aquel entonces, esos estándares de Harold Arlen se consideraban caballos de guerra. Pero Baraka también dice que Davis y sus colegas revitalizan las canciones. El soul-jazz en combinación de órganos era todavía nuevo y fresco en 1959, y Scott ayudaba a Davis a encontrar nuevas formas de interpretar melodías muy familiares. Aunque no es esencial, Bacalao es un ejemplo gratificante de la capacidad de Davis para prosperar en un entorno de órgano/tenor.

Rusty Bryant • Returns

Review by S

Rusty Bryant, a veteran R&B tenor player, was somewhat forgotten at the time of his debut Prestige album, but due to the commercial success of this recording, Bryant would record seven more sessions for Prestige during the next five years. Actually, this date is a bit surprising, with Bryant sticking exclusively to alto and sometimes using an electrified model similar to what Lou Donaldson was playing at the time. The music (mostly blues-oriented originals) is enjoyable, with plenty of boogaloos and soulful vamps. In addition to Bryant, the main soloists are guitarist Grant Green, in excellent form, and organist Sonny Phillips.

Artist Biography by Steve Huey

The muscular, groove-oriented tenor of Rusty Bryant was heard to best effect on his funky soul-jazz albums for Prestige in the late '60s and early '70s, though he'd actually been leading bands since the '50s. Born Royal G. Bryant in Huntington, WV, on November 25, 1929, he grew up in Columbus, OH, where he became an important part of the local jazz scene, playing a robust, wailing tenor sax inspired by the likes of Gene Ammons and Sonny Stitt. He first worked as a sideman with Tiny Grimes and Stomp Gordon, and began leading his own bands in 1951. In the mid-'50s, Bryant signed with the Dot label and landed a major R&B hit with "All Night Long," a double-time cover of "Night Train." Bryant toured the country, but his association with Dot only lasted for a few sessions (including some where he attempted to introduce vocalist Nancy Wilson), and he soon returned to Columbus, where he was content to play on a strictly local basis. After around a decade, he returned to recording in 1968 on Groove Holmes' classic That Healin' Feelin', and began leading his own sessions again for Prestige, beginning with 1969's Rusty Bryant Returns, an anomaly where he played a Lou Donaldson-inspired, sometimes-electrified alto. His next few albums -- including Night Train Now!, Soul Liberation, Fire Eater, and Wildfire -- successfully updated his sound for the times, and became cult classics among acid jazz aficionados for their strong, funky grooves. Bryant returned for a couple of albums in the early '80s before settling back into his hometown once again. He passed away on March 25, 1991.

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Revisado por S

Rusty Bryant, un veterano tenor de R&B, fue olvidado en el momento de su álbum debut Prestige, pero debido al éxito comercial de esta grabación, Bryant grabaría siete sesiones más para Prestige durante los próximos cinco años. En realidad, esta fecha es un poco sorprendente, con Bryant pegándose exclusivamente a la contralto y a veces usando un modelo electrificado similar al que Lou Donaldson estaba tocando en ese momento. La música (en su mayoría originales orientados al blues) es agradable, con un montón de boogaloos y vampiros llenos de alma. Además de Bryant, los principales solistas son el guitarrista Grant Green, en excelente forma, y el organista Sonny Phillips.

Biografía del artista por Steve Huey

El tenor musculoso y orientado al groove de Rusty Bryant fue escuchado con el mejor efecto en sus álbumes de soul-jazz funky para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70, aunque en realidad había estado dirigiendo bandas desde los'50. Nacido como Royal G. Bryant en Huntington, WV, el 25 de noviembre de 1929, creció en Columbus, OH, donde se convirtió en una parte importante de la escena del jazz local, tocando un saxo tenor robusto y llorón inspirado por gente como Gene Ammons y Sonny Stitt. Primero trabajó como sideman con Tiny Grimes y Stomp Gordon, y comenzó a dirigir sus propias bandas en 1951. A mediados de los 50, Bryant firmó con el sello Dot y consiguió un gran éxito de R&B con "All Night Long", una versión doble de "Night Train". Bryant recorrió el país, pero su relación con Dot sólo duró unas pocas sesiones (incluyendo algunas en las que intentó presentar a la vocalista Nancy Wilson), y pronto regresó a Columbus, donde se conformó con tocar a nivel estrictamente local. Después de alrededor de una década, volvió a grabar en 1968 en el clásico de Groove Holmes That Healin' Feelin', y comenzó a dirigir sus propias sesiones de nuevo para Prestige, comenzando con Rusty Bryant Returns de 1969, una anomalía en la que tocó una contralto inspirada en Lou Donaldson, a veces electrificada. Sus próximos álbumes - incluyendo Night Train Now, Soul Liberation, Fire Eater y Wildfire - actualizaron con éxito su sonido para la época, y se convirtieron en clásicos de culto entre los aficionados al acid jazz por sus ritmos fuertes y funky. Bryant regresó por un par de álbumes a principios de los'80 antes de volver a su ciudad natal una vez más. Falleció el 25 de marzo de 1991.

Henry Cain • The Funky Organ-ization Of Henry Cain

Review

Henry Cain's lone Capitol LP is most notable for its credits. Produced by the great David Axelrod and arranged by H.B. Barnum and Oliver Nelson, The Funky Organ-ization of Henry Cain is a funky if slight set of soul-jazz instrumentals crafted with uncommon attention to detail. Cain is a soulful keyboardist with an appealing approach to the Hammond, and even if he lacks the vision and virtuosity of some of his better-known contemporaries, there's no denying the infectiousness of this record. Barnum and Nelson's arrangements deserve significant credit for keeping the music on message while also creating panoramic pockets of space for the musicians to move freely.

by Jason Ankeny

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Revisar

El único LP de Henry Cain en Capitol es más notable por sus créditos. Producido por el gran David Axelrod y arreglado por H.B. Barnum y Oliver Nelson, The Funky Organ-ization de Henry Cain es un conjunto de instrumentos de soul-jazz con una atención a los detalles poco común. Cain es un teclista con alma y un atractivo acercamiento al Hammond, y aunque carece de la visión y el virtuosismo de algunos de sus más conocidos contemporáneos, no se puede negar la infecciosidad de este disco. Los arreglos de Barnum y Nelson merecen un crédito significativo por mantener la música en el mensaje, mientras que también crean bolsillos panorámicos de espacio para que los músicos se muevan libremente.

por Jason Ankeny

Jackie Mitto • Macka Fat

 

Jackie Mittoo (3 March 1948 – 16 December 1990) was a Jamaican keyboardist, songwriter and musical director. He was a member of The Skatalites and musical director of the Studio One record label.

He was born Donat Roy Mittoo in Browns Town, Saint Ann Parish, Jamaica, and began learning to play the piano when he was four under the tutelage of his grandmother.

In the 1960s he was a member of The Skatalites, The Sheiks, The Soul Brothers, The Soul Vendors and Sound Dimension. Mittoo's compositions in this period included "Darker Shade of Black", "Feel Like Jumping", and "Baby Why". He played with Lloyd "Matador" Daley in 1968 and 1969.

He emigrated to Toronto, Canada at the end of the 1960s. There he recorded three albums, Wishbone (Summus), Reggae Magic (CTL) and Let's Put It All Together (CTL). He also set up the Stine-Jac record label, as well as running a record store.

In 1970, his song "Peanie Wallie" was reworked into a song called "Duppy Conqueror" and recorded by The Wailers. Mittoo's song Wishbone was a hit in 1971. He performed in local Toronto lounges throughout the 1970s. Mittoo assisted Toronto-area reggae musicians, including Earth, Roots and Water, Esso Jaxxon (R. Zee Jackson), Carl Harvey, Lord Tanamo, Boyo Hammond, Carl Otway, The Sattalites, Jackie James and Jason Wilson. Mittoo continued to record for Jamaican producers in the 1970s, mostly Bunny Lee. He co-wrote "Armagideon Time" (later recorded by The Clash) with Willi Williams, release in 1980.

In the 1980s, he often worked with Sugar Minott. In 1989, he briefly rejoined the Skatalites, but left when his health started to deteriorate. In 1989 and 1990 he recorded Wild Jockey for Lloyd Barnes’ Wackies label.

Mittoo entered a hospital on 12 December 1990 and died of cancer on 16 December at the age of 42. His funeral was held at the National Arena in Kingston, Jamaica, on 2 January 1991. Hortense Ellis, Neville 'Tinga' Stewart, Desmond "Desi Roots" Young, Ruddy Thomas, Tommy Cowan, Clement "Coxsone" Dodd were among the attendees. A memorial concert was held around the same time, with performances by Vin Gordon, Leroy "Horsemouth" Wallace, Glen 'Bagga' Fagan, Pablo Black, Robbie Lyn, Michael "Ibo" Cooper, Ken Boothe, Delroy Wilson, Carlene Davis, Tinga Stewart and others.

 

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Jackie Mittoo (3 de marzo de 1948 - 16 de diciembre de 1990) fue un tecladista, compositor y director musical jamaicano. Fue miembro de The Skatalites y director musical del sello discográfico Studio One.

Nació Donat Roy Mittoo en Browns Town, Saint Ann Parish, Jamaica, y comenzó a aprender a tocar el piano cuando tenía cuatro años bajo la tutela de su abuela.

En la década de 1960 fue miembro de The Skatalites, The Sheiks, The Soul Brothers, The Soul Vendors y Sound Dimension. Las composiciones de Mittoo en este período incluyen "Darker Shade of Black", "Feel Like Jumping" y "Baby Why". Jugó con Lloyd "Matador" Daley en 1968 y 1969.

Emigró a Toronto, Canadá a fines de los años sesenta. Allí grabó tres álbumes, Wishbone (Summus), Reggae Magic (CTL) y Let's Put It All Together (CTL). También instaló el sello discográfico Stine-Jac, además de dirigir una tienda de discos.

En 1970, su canción "Peanie Wallie" fue reelaborada en una canción llamada "Duppy Conqueror" y grabada por The Wailers. La canción Wishbone de Mittoo fue un éxito en 1971. Tocó en salones locales de Toronto durante la década de 1970. Mittoo ayudó a los músicos de reggae del área de Toronto, incluyendo Earth, Roots and Water, Esso Jaxxon (R. Zee Jackson), Carl Harvey, Lord Tanamo, Boyo Hammond, Carl Otway, The Sattalites, Jackie James y Jason Wilson. Mittoo continuó grabando para los productores jamaiquinos en la década de 1970, principalmente Bunny Lee. Él co-escribió "Armagideon Time" (más tarde grabado por The Clash) con Willi Williams, lanzado en 1980.

En la década de 1980, a menudo trabajaba con Sugar Minott. En 1989, se reincorporó brevemente a los Skatalites, pero se fue cuando su salud comenzó a deteriorarse. En 1989 y 1990 grabó Wild Jockey para el sello Wackies de Lloyd Barnes.

Mittoo ingresó en un hospital el 12 de diciembre de 1990 y murió de cáncer el 16 de diciembre a la edad de 42 años. Su funeral se celebró en el National Arena en Kingston, Jamaica, el 2 de enero de 1991. Hortense Ellis, Neville 'Tinga' Stewart, Desmond " Desi Roots "Young, Ruddy Thomas, Tommy Cowan, Clement" Coxsone "Dodd estuvieron entre los asistentes. Un concierto conmemorativo se llevó a cabo casi al mismo tiempo, con actuaciones de Vin Gordon, Leroy "Horsemouth" Wallace, Glen 'Bagga' Fagan, Pablo Black, Robbie Lyn, Michael "Ibo" Cooper, Ken Boothe, Delroy Wilson, Carlene Davis, Tinga Stewart y otros.

 

 

Odell Brown • Plays Otis Redding

Review by Jason Ankeny

After splitting with longtime backing combo the Organ-Izers, Odell Brown teamed with arranger Gene Barge to craft this fitting tribute to fallen soul icon Otis Redding. The all-instrumental set implicitly celebrates Redding the songwriter, not the singer, and Barge's thoughtful large-group charts make sure the music's transition from Memphis R&B to Chicago soul-jazz goes off without a hitch. While Brown delivers some of his funkiest, most inspired Hammond solos on cuts like "Hard to Handle" and "Respect," the overall mood here is more somber than on previous outings -- it's clear Redding's tragic death affected him greatly, and the album channels that grief to create something truly heartfelt.

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Reseña de Jason Ankeny

Después de separar con un largo apoyo a los Organ-Izers, Odell Brown se asoció con el arreglista Gene Barge para crear este tributo al icono del alma caída Otis Redding. El conjunto de instrumentos celebra implícitamente a Redding como compositor, no como cantante, y las listas de éxitos de Barge aseguran que la transición de la música del R&B de Memphis al soul-jazz de Chicago se realice sin problemas. Mientras que Brown ofrece algunos de sus solos más funky e inspirados de Hammond en cortes como "Hard to Handle" y "Respect", el estado de ánimo general aquí es más sombrío que en salidas anteriores - está claro que la trágica muerte de Redding le afectó mucho, y el álbum canaliza ese dolor para crear algo verdaderamente sincero.

Jimmy Smith • Prime Time

 

James Taylor Quartet • New World

Emerging from the tragic bankruptcy of Stiff Records, James Taylor, founding member of the infamous group The Prisoners - formed The James Taylor Quartet JTQ's first single, Blow Up, was released on the Re Elect The President (Acid Jazz) label in 1985. It was a huge success, immediately attracting the attention of John Peel who championed it; the track appearing three years running on Peel's seminal Festive 50 Chart. After an impressive 13 weeks in the Indie Singles Chart, the band decided to start work on a mini album, titled Mission Impossible.

This debut, released in '86, was naturally featured around Taylor's Hammond organ sound to produce classic covers of Sixties film themes Mission Impossible, Goldfinger, Mrs Robinson and other heavily grooving instrumental punk funk tunes. With JTQ's following growing, the band were encouraged to put out their second album on Re Elect The President, The Money Spyder.

By the time it was released in 1987, the band's attentions were being drawn away from their recording career to their now massive live audience. JTQ's emphasis on live 'dance' music has been the key to the band's success, enabling them to establish a solid relationship between them and their fans. With the focus now strongly on being a 'live' band, The Quartet gigged relentlessly, selling out on the London club circuit. During this period, major record company interest was aroused resulting in a long term deal with Polydor. The James Taylor Quartet released three albums on Polydor, Wait a Minute in 1988, Get Organised in 1989 and Do Your Own Thing in 1990. A number of hit singles were spawned from these such as the acclaimed and well-loved classic The Theme from Starsky & Hutch.

With the release of their first live album, Absolute in 1991, The Quartet moved to Polydor subsidiary Big Life. Featuring guest vocals from Rose Windross of Soul II Soul on Shelter and Noel McKoy on Somebody, the album initiated JTQ's introduction to the Soul Market. In 1992, Noel McKoy officially became the Quartet's lead vocalist. Singles See a Brighter day and the top 40 Love the life were both taken from the Top 30 album Supernatural Feeling, released in 1993. In this year alone, the band performed over one hundred and fifty shows in 15 different countries, including destinations as far flung as Thailand, Japan and the USA. The climax of this was headlining in front of 5,000 people at London's Brixton Academy. With JTQ's success, James' musical talent became admired by numerous other acts - The Wonderstuff, Manic Street Preachers, The Pogues and U2 have all featured James and his distinctive Hammond playing on their albums.

In 1994, with chart success behind them and their established international live network, The James Taylor Quartet made the decision to go full circle and rejoin Edward Piller at the independent Acid Jazz. The first album from his new home, In The hand of the Inevitable was received with critical acclaim and is Acid Jazz's current top seller having sold over 200,000 copies - further proof that James Taylor is one of the great Hammond players of this generation.

Also released was the retrospective BBC Radio Sessions LP and for the first time James' material was released in the USA via Hollywood records with tracks from Mission Impossible being the highest climber in the college radio charts.

James' 10th album - Living Underground saw a return to the style he loved most - instrumental Hammond led rocking jazz funk workouts. It featured the stripped down to the bone sound that pays respect to the earliest JTQ hits like Mission Impossible and The Money Spyder. The press respected him for the move away from commercial pop/soul and the now wholly instrumental live set ripped up the crowds more than ever. 1996 saw James play two full sell out weeks at London's Jazz Cafe and a sell out show at The Brixton Academy, as well as tours in uncharted territories from Brazil to Yugoslavia.

In 1997 James had the chance to fulfil a dream - film theme's always featured heavily throughout his albums and he was asked to score a theme for Austin Powers, a spy spoof starring Mike Myers (Wayne's World). James also set up his own label JTI Records, releasing a compilation album of various artists who he has worked with and respected over the years including Simon Bartholomew (Brand New Heavies), The Prisoners, New Jersey Kings and The Apostles. 1998 saw James touring the UK and Europe to support the release of MOBO-nominated Whole Lotta Live, a new live album by the band released in May. It also saw James sign to a new label GUT Records, to begin the next phase of the adventure. The autumn of 1999 saw James featuring on the Tom Jones duets album Reload with Looking Out of My Window which they performed together on the National Lottery Show. A change of label also spawned a change of style with the latest album on Gut records released in December. A Bigger Picture saw the band mixing their unique brand of funk with a more polished and 'clubby' production, with the vocals being provided by a brand new singer, Yvonne Yaney. The band however, decided to leave the label after just one release due to creative differences, and have recently signed a new deal with American label Ubiquity.
https://musicians.allaboutjazz.com/jamestaylorquartet

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Tras la trágica quiebra de Stiff Records, James Taylor, miembro fundador del tristemente célebre grupo The Prisoners, formó el primer sencillo de James Taylor Quartet JTQ, Blow Up, que salió a la venta en el sello Re Elect The President (Acid Jazz) en 1985. Fue un gran éxito, atrayendo inmediatamente la atención de John Peel que lo defendió; la pista apareció tres años seguidos en el seminal Festive 50 Chart de Peel. Después de unas impresionantes 13 semanas en el Indie Singles Chart, la banda decidió empezar a trabajar en un mini álbum, titulado Mission Impossible.

Este debut, lanzado en el 86, se presentó naturalmente alrededor del sonido del órgano Hammond de Taylor para producir portadas clásicas de temas de películas de los años 60, Mission Impossible, Goldfinger, Mrs Robinson y otras melodías punk funk instrumentales de gran impacto. Con el crecimiento de JTQ, la banda se animó a sacar su segundo álbum en Re Elect The President, The Money Spyder.

Para cuando fue lanzado en 1987, la atención de la banda se alejó de su carrera discográfica hacia su ahora masiva audiencia en vivo. El énfasis de JTQ en la música "dance" en vivo ha sido la clave del éxito de la banda, permitiéndoles establecer una sólida relación entre ellos y sus fans. Con el enfoque de ser una banda en vivo, The Quartet actuó implacablemente, vendiéndose en el circuito de clubes de Londres. Durante este período, se despertó el interés de la compañía discográfica, lo que resultó en un acuerdo a largo plazo con Polydor. El Cuarteto de James Taylor lanzó tres álbumes con Polydor, Wait a Minute en 1988, Get Organised en 1989 y Do Your Own Thing en 1990. De ellos surgieron varios sencillos de éxito como el aclamado y querido clásico The Theme de Starsky & Hutch.

Con el lanzamiento de su primer álbum en vivo, Absolute en 1991, el cuarteto se trasladó a la filial de Polydor Big Life. Con las voces invitadas de Rose Windross de Soul II Soul en Shelter y Noel McKoy en Somebody, el álbum inició la introducción de JTQ en el mercado de las almas. En 1992, Noel McKoy se convirtió oficialmente en el vocalista principal del cuarteto. Los singles See a Brighter day y los 40 primeros Love the life fueron tomados del álbum Supernatural Feeling, lanzado en 1993. Sólo en este año, la banda realizó más de ciento cincuenta presentaciones en 15 países diferentes, incluyendo destinos tan lejanos como Tailandia, Japón y los Estados Unidos. El clímax de esto fue encabezado frente a 5.000 personas en la Academia Brixton de Londres. Con el éxito de JTQ, el talento musical de James fue admirado por muchos otros actos - The Wonderstuff, Manic Street Preachers, The Pogues y U2 han presentado a James y a su característico Hammond en sus álbumes.

En 1994, con el éxito de las listas de éxitos a sus espaldas y su establecida red internacional en vivo, The James Taylor Quartet tomó la decisión de cerrar el círculo y volver a unirse a Edward Piller en el Acid Jazz independiente. El primer álbum de su nuevo hogar, In The hand of the Inevitable, fue recibido con elogios de la crítica y es el actual top seller de Acid Jazz, con más de 200.000 copias vendidas, lo que demuestra una vez más que James Taylor es uno de los grandes músicos de Hammond de esta generación.

También se publicó el LP retrospectivo BBC Radio Sessions y por primera vez el material de James se publicó en los EE.UU. a través de los discos de Hollywood con temas de Mission Impossible siendo el escalador más alto en las listas de la radio universitaria.

El décimo álbum de James - Living Underground vio un regreso al estilo que más le gustaba - el instrumental de Hammond lideró los entrenamientos de funk de jazz. Presentaba el sonido despojado hasta el hueso que respetaba los primeros éxitos de JTQ como Mission Impossible y The Money Spyder. La prensa lo respetaba por su alejamiento del pop/soul comercial y el ahora totalmente instrumental set en vivo desgarró a las multitudes más que nunca. En 1996 James tocó dos semanas con todas las entradas vendidas en el Jazz Cafe de Londres y un concierto con todas las entradas vendidas en la Academia Brixton, así como giras por territorios inexplorados desde Brasil hasta Yugoslavia.

En 1997 James tuvo la oportunidad de cumplir un sueño - el tema de la película siempre ha aparecido en todos sus álbumes y se le pidió que marcara un tema para Austin Powers, una parodia de espía protagonizada por Mike Myers (Wayne's World). James también creó su propio sello JTI Records, lanzando un álbum recopilatorio de varios artistas con los que ha trabajado y a los que ha respetado a lo largo de los años, incluyendo a Simon Bartholomew (Brand New Heavies), The Prisoners, New Jersey Kings y The Apostles. En 1998 James realizó una gira por el Reino Unido y Europa para apoyar el lanzamiento de Whole Lotta Live, nominado por MOBO, un nuevo álbum en vivo de la banda lanzado en mayo. También vio a James firmar con un nuevo sello GUT Records, para comenzar la siguiente fase de la aventura. El otoño de 1999 vio a James en el álbum de duetos de Tom Jones Reload con Looking Out of My Window, que tocaron juntos en el National Lottery Show. El cambio de sello también generó un cambio de estilo con el último álbum de Gut Records publicado en diciembre. A Bigger Picture vio a la banda mezclar su marca única de funk con una producción más pulida y "clubby", con la voz proporcionada por una nueva cantante, Yvonne Yaney. La banda, sin embargo, decidió dejar el sello después de un solo lanzamiento debido a diferencias creativas, y recientemente han firmado un nuevo acuerdo con el sello americano Ubiquity.
https://musicians.allaboutjazz.com/jamestaylorquartet

 

 

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Jimmy McGriff • Skywalk

 

Lou Bennett • Pentacostal Feeling

Lou Bennett began as a bop pianist, then switched to organ and became a solid player in the late '50s. With Jimmy Smith's virtuostic approach as inspiration, Bennett left piano behind in 1956, and toured the East and Midwest with his organ trio from 1957 through 1959. Bennett left America for Paris in 1960. He recorded there, played at the city's Blue Note club with Jimmy Gourley and fellow expatriate Kenny Clarke, who became one of his regulars alongside Rene Thomas. Bennett made only one return visit to America, appearing at the 1964 Newport Jazz Festival. He led his own group during the '80s." -All Music Guide

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Lou Bennett fue el nombre artístico de Jean-Louis Benoît (n. Filadelfia, Estados Unidos, 18 de mayo de 1926 - Le Chesnay, Francia, 10 de febrero de 1997), músico organista de jazz norteamericano.

Lou Bennett tocó primero bebop al piano en algunos locales de Baltimore hasta 1956 y se decide por consagrarse al órgano tras escuchar la música de Jimmy Smith.

Gira por Estados Unidos con un trío de órgano entre 1957 y 1959, y se traslada a París en 1960 para iniciar su carrera europea, allí toca y graba en Blue Note con Jimmy Gourley y Kenny Clarke, así como con René Thomas, volverá solo en una ocasión a América, al Newport Jazz Festival de 1964.

Grabó además en los años 60 con Philip Catherine y Franco Manzecchi. En los años 80 tocó en su propio quinteto junto a Gerard Badini, entre otros, en ese período realizó giras por España, pasando por escenarios de Almería, Barcelona, La Coruña, Segovia y Madrid. En 1966 graba un disco junto a la cantante catalana Núria Feliu: Núria Feliu amb Lou Bennett i els seus amics y su disco Now hear my meaning editado en 1993 fue grabado en vivo en Barcelona.

Don Patterson • Satisfaction

Biograph:

Inspired to switch from piano to organ by Jimmy Smith, Don Patterson was one of the Hammond B-3's most bop-rooted players, able to play bluesy soul-jazz grooves or break out of the pocket for some nimble, sharply defined solo lines. Though he led numerous recording dates for Prestige and later Muse, he was best-known as Sonny Stitt's favorite organist, proving eminently compatible with the Parker-influenced saxophonist. Patterson was born in Columbus, OH, on July 22, 1936, and began studying piano as a child. His first major influence was Erroll Garner, and some of that flavor remained in his playing even after he heard Jimmy Smith in 1956 and changed instruments. Patterson made his professional debut on the organ in 1959, and played with a number of groups before Stitt discovered him. The association helped make Patterson's name, and he began recording for Prestige in 1964, often with a trio featuring guitarist Pat Martino and drummer Billy James. Patterson also played with numerous other soul-jazz sax greats over the course of the '60s, before settling in Gary, IN, toward the end of the decade. Drug addiction curtailed his recording activities somewhat, as only a few sporadic sessions for Muse appeared during the '70s. He did revive his career somewhat after moving to Philadelphia, but his health worsened, forcing him to take dialysis frequently; he died on February 10, 1988.

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Biografía:

Inspirado por Jimmy Smith para pasar del piano al órgano, Don Patterson fue uno de los intérpretes más arraigados del Hammond B-3, capaz de tocar ritmos de soul-jazz o de salir del bolsillo para obtener líneas solistas ágiles y bien definidas. Aunque dirigió numerosas grabaciones para Prestige y más tarde para Muse, era más conocido como el organista favorito de Sonny Stitt, demostrando ser eminentemente compatible con el saxofonista influenciado por Parker. Patterson nació en Columbus, OH, el 22 de julio de 1936, y comenzó a estudiar piano de niño. Su primera gran influencia fue Erroll Garner, y parte de ese sabor permaneció en su forma de tocar incluso después de escuchar a Jimmy Smith en 1956 y cambiar de instrumento. Patterson debutó profesionalmente en el órgano en 1959, y tocó con varios grupos antes de que Stitt lo descubriera. La asociación ayudó a hacer el nombre de Patterson, y comenzó a grabar para Prestige en 1964, a menudo con un trío que incluía al guitarrista Pat Martino y al baterista Billy James. Patterson también tocó con muchos otros grandes del saxo soul-jazz durante los años 60, antes de establecerse en Gary, IN, hacia el final de la década. La adicción a las drogas redujo un poco sus actividades de grabación, ya que sólo unas pocas sesiones esporádicas de Muse aparecieron durante los 70. Revivió un poco su carrera después de mudarse a Filadelfia, pero su salud empeoró, forzándolo a tomar diálisis frecuentemente; murió el 10 de febrero de 1988.

Wynder K. Frog • Into The Fire

 

Mick Weaver (born 16 June 1944, Bolton, Lancashire, England) is an English session musician, best known for his playing of the Hammond B3 organ, and as an exponent of the blues and funk.Weaver's band performed as Wynder K. Frog and became popular on the student union and club circuit of the mid sixties. A brief merging of this band with Herbie Goins and the Night-Timers took his work to a higher level. Wynder K. Frogg—they are billed under this spelling—appeared on the bill at The Savile Theatre, London on 24 September 1967 supporting Traffic on their first U.K. presentation. Also on the bill were Jackie Edwards and Nirvana. The compere was David Symonds.

When Steve Winwood left Traffic to form Blind Faith, Weaver was recruited to replace him and Traffic became Mason, Capaldi, Wood and Frog, soon shortened to Wooden Frog. They played a few gigs before dissolving three months later when Traffic reformed. After this he recorded with solo artists such as Buddy Guy, Dave Gilmour, Joe Cocker, Eric Burdon, Frankie Miller, Roger Chapman Steve Marriott and Gary Moore as well as Taj Mahal and The Blues Band, also playing keyboards with Steve Marriott's Majik Mijits.

All tracks featured Mick Weaver as Wynder K. Frog, playing a Hammond B3 organ and were recorded in London playing over backing tapes by unnamed session musicians from New York. In the album liner notes Jimmy Miller noted that Weaver had "supplemented the band with trumpet, tenor sax, guitar, bass and drums, Wynder has transformed the organ into a highly enjoyable medium of sound, combining jazzy finesse with popular and commercial phrasing suitable for vast appeal".

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Mick Weaver (nacido el 16 de junio de 1944 en Bolton, Lancashire, Inglaterra) es un músico de sesión inglés, mejor conocido por su interpretación del órgano Hammond B3, y como exponente del blues y el funk. la banda de Weaver actuó como Wynder K. Frog y se hizo popular en la unión de estudiantes y el circuito de clubes de mediados de los sesenta. Una breve fusión de esta banda con Herbie Goins y los Night-Timers llevó su trabajo a un nivel superior. Wynder K. Frogg -se les factura bajo esta ortografía- apareció en el cartel del Teatro Savile de Londres el 24 de septiembre de 1967 apoyando a Traffic en su primera presentación en el Reino Unido. También estaban en la cuenta Jackie Edwards y Nirvana. El árbitro era David Symonds.

Cuando Steve Winwood dejó Traffic para formar Blind Faith, Weaver fue reclutado para reemplazarlo y Traffic se convirtió en Mason, Capaldi, Wood and Frog, y pronto se convirtió en Wooden Frog. Tocaron en algunos conciertos antes de disolverse tres meses después cuando Traffic se reformó. Después grabó con artistas solistas como Buddy Guy, Dave Gilmour, Joe Cocker, Eric Burdon, Frankie Miller, Roger Chapman Steve Marriott y Gary Moore, así como con Taj Mahal y The Blues Band, tocando también el teclado con Majik Mijits de Steve Marriott.

Todos los temas tenían a Mick Weaver como Wynder K. Frog, tocando un órgano Hammond B3 y fueron grabados en Londres tocando sobre cintas de acompañamiento por músicos de sesión anónimos de Nueva York. En las notas del disco Jimmy Miller señaló que Weaver había "complementado a la banda con trompeta, saxo tenor, guitarra, bajo y batería, Wynder ha transformado el órgano en un medio de sonido muy agradable, combinando la delicadeza del jazz con frases populares y comerciales adecuadas para un gran atractivo".

Billy Larkin & The Delegates • Aint That A Groove

Organist Billy Larkin and The Delegates immediately came to the attention of the Los Angeles jazz audience when their first record was released, but they also picked up a larger audience when the teenagers discovered they could dance to it. Just as Ramsey Lewis, they had an appeal that far exceeded just the jazz listener.

Basically a jazz trio with heavy emphasis on the blues, Billy Larkin and The Delegates was a versatile and dynamic group that reached into all corners of music to come up with a style and an approach that is both fresh and distinctive.

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El organista Billy Larkin y The Delegates llamaron inmediatamente la atención del público de jazz de Los Ángeles cuando salió su primer disco, pero también captaron un público más numeroso cuando los adolescentes descubrieron que podían bailarlo. Al igual que Ramsey Lewis, tenían un atractivo que superaba con creces al oyente de jazz.

Básicamente un trío de jazz con gran énfasis en el blues, Billy Larkin y The Delegates fue un grupo versátil y dinámico que llegó a todos los rincones de la música para crear un estilo y un enfoque que es a la vez fresco y distintivo.

Pat Bianchi • A Higher Standard

Fiery displays, lyrical expressions, bluesy statements, punchy interludes, torrential downpours of notes, and space-conscious thoughts all come to the surface on this well-crafted trio date from rising star organist Pat Bianchi.

While Bianchi has drawn a lot of attention for his sideman work with such high profile artists as saxophone legend Lou Donaldson, guitar great Pat Martino, and heavy-hitter drummer Ralph Peterson, he has plenty to say when he's in the driver seat. Here, joined by two regulars in the organ trio world—guitarist Craig Ebner, who's played with organists Tony Monaco and Joey DeFrancesco, and Byron Landham, DeFrancesco's drummer of choice for more than two decades—Bianchi demonstrates that he's both a tradition-minded player and a risk-taker. He's not afraid to go at the music head-on, but he's also willing to peak into the outer limits from time to time, inspiring his band mates to do the same.

Bianchi and company swing in low gear on a Horace Silver favorite ("Blue Silver"), work contemplative angles ("Some Other Time"), move full steam ahead with fire ("Bohemia After Dark"), lightly prance and waltz on a Bill Evans standard ("Very Early"), crank the tempo and throw a metric twist into a John Coltrane classic ("Satellite"), and lay it down on a backbeat-driven, album-ending Stevie Wonder cover ("From The Bottom Of My Heart"). Across this entire program, Bianchi's many gifts come to the surface, Ebner's rounded sound and pointed delivery make a mark, and Landham's class and strength drive the music onward. This is one real-deal trio and it only takes one listen to this album to realize why Bianchi has become such a sought-after organist.

By DAN BILAWSKY

https://www.allaboutjazz.com/a-higher-standard-pat-bianchi-self-produced-review-by-dan-bilawsky.php

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Exhibiciones ardientes, expresiones líricas, declaraciones azules, interludios impactantes, lluvias torrenciales de notas y pensamientos espaciales, todos salen a la superficie en este trío bien elaborado que data del organista de estrellas en ascenso Pat Bianchi.

Aunque Bianchi ha llamado mucho la atención por su trabajo con artistas de alto perfil como la leyenda del saxofón Lou Donaldson, el gran guitarrista Pat Martino, y el baterista Ralph Peterson, tiene mucho que decir cuando está en el asiento del conductor. Aquí, junto con dos habituales del mundo del trío de órgano, el guitarrista Craig Ebner, que ha tocado con los organistas Tony Monaco y Joey DeFrancesco, y Byron Landham, el baterista elegido por DeFrancesco durante más de dos décadas, Bianchi demuestra que es a la vez un jugador con mentalidad tradicional y un arriesgado. No tiene miedo de ir a la música de frente, pero también está dispuesto a llegar a los límites exteriores de vez en cuando, inspirando a sus compañeros de banda a hacer lo mismo.

Bianchi y compañía se balancean a baja velocidad en un favorito de Horace Silver ("Blue Silver"), trabajan ángulos contemplativos ("Some Other Time"), avanzan a todo vapor con fuego ("Bohemia After Dark"), brincan ligeramente y bailan el vals en un estándar de Bill Evans ("Very Early"), ...y darle un giro métrico a un clásico de John Coltrane ("Satellite"), y ponerlo en la portada de Stevie Wonder ("From The Bottom Of My Heart"). A lo largo de todo el programa, los muchos regalos de Bianchi salen a la superficie, el sonido redondo y la entrega puntual de Ebner dejan huella, y la clase y la fuerza de Landham impulsan la música hacia adelante. Este es un trío real y sólo se necesita escuchar este álbum para darse cuenta de por qué Bianchi se ha convertido en un organista tan solicitado.

Por DAN BILAWSKY

https://www.allaboutjazz.com/a-higher-standard-pat-bianchi-self-produced-review-by-dan-bilawsky.php

  patbianchi.com ...