Bucky Pizzarelli Trio • Three For All

 

Pizzarelli was faceless for most of his 75-year career, working with big bands, television ensembles, session musicians, and vocalists’ orchestras. When he was nearly 50 the guitarist began to gain a reputation with the public, getting notice first for a duo act with fellow guitarist George Barnes and then on his own, either leading his own bands or playing solo guitar.

He was a pioneer in jazz for his use of the seven-string guitar, which allowed him to play bass parts simultaneously with understated chords and single-note lines. The unusual instrument aside, he was known for his tasteful style, with chord-based solos that nodded more to rhythm guitarists like Freddie Green (whom he cited as his major influence) than melodists like Wes Montgomery.

Asked in his mid-eighties by writer George Cole about his approach to music, Pizzarelli replied, “Every day I get up and I try to correct what I screwed up the night before!”

John Paul Pizzarelli was born January 9, 1926 in Paterson, New Jersey. His parents, John and Amelia DiDomenico Pizzarelli, owned a grocery store—although his father had previously been a ranch hand in Texas and was obsessed with cowboys. He nicknamed his baby son “Buckskin,” which was shortened to Bucky and stuck for life.

Two of Pizzarelli’s uncles played guitar and banjo, and young Bucky decided to be a musician when he saw his uncle Bobby, the guitarist, working in big bands (and making big money despite the Great Depression). He began playing the guitar himself when he was nine, with his uncles as his first teachers.

Outside his family, Pizzarelli’s musical models were Green, Django Reinhardt, and two guitarists associated with Benny Goodman: Charlie Christian, the first great electric guitarist in jazz, and George Van Eps, the first to play a seven-string guitar. Through these gateways, Pizzarelli became a deep scholar of jazz guitar, able to outline its history and key players chapter and verse.

At 17, he joined singer Vaughn Monroe’s dance band and went on the road. After only a few months, however, he was drafted into the U.S. Army infantry, seeing action in Germany and Austria in the few months before the end of the European phase of World War II. He went to the Philippines to mobilize for an invasion of Japan—which, because of the atomic bombs dropped on Hiroshima and Nagasaki, never came. After his 1946 discharge, he rejoined Monroe.

Pizzarelli went in 1952 to NBC Television, working in the orchestra for singer Kate Smith’s program. When that ended, he joined pop band the Three Suns for two years, then became a New York session player—appearing, uncredited, on massive hit records such as Dion and the Belmonts’ “A Teenager in Love,” Ray Charles’ “Georgia on My Mind,” and Ben E. King’s “Stand By Me.”

He returned in 1964 to NBC, where he became the guitarist in the Tonight Show band. In 1972, when the show’s production moved to Los Angeles, Pizzarelli stayed behind. He had already formed a duo with guitarist George Barnes, winning considerable acclaim and a sizable following at the Playboy Club. (They also performed a much-lauded concert at Town Hall in 1971, later released as an album on Columbia Records.) After breaking with Barnes, Pizzarelli started playing solo gigs and became a success. He soon began recording regularly as a leader.

In 1980, Pizzarelli and his son John, a guitarist and vocalist, began a four-week residency at the Pierre Hotel in New York. It was the beginning of a 40-year collaboration between father and son, who made numerous records together and toured frequently, sometimes with other players but more often just as a duo. Pizzarelli also worked over the years with another son, bassist Martin, and his daughter, Mary, yet another (classical) guitarist.

In addition to Benny Goodman, with whom Pizzarelli worked regularly from 1966 until Goodman’s death in 1986, his high-profile gigs included two performances at the White House under Ronald Reagan—one for the president of Italy, the other for the King of Jordan—and a third under Bill Clinton, as well as a performance at former First Lady Pat Nixon’s birthday party. In 2012, he (and son John) appeared on Paul McCartney’s standards album Kisses on the Bottom.

Bucky Pizzarelli, a celebrated guitarist whose collaborators ranged from Vaughn Monroe and Benny Goodman to Ben E. King and Paul McCartney, died April 1 at his home in Saddle River, New Jersey. He was 94.

His death was announced by his son John Pizzarelli, another frequent collaborator, who said that the cause of death was coronavirus, with which the elder Pizzarelli had been diagnosed on March 29.

https://jazztimes.com/features/tributes-and-obituaries/bucky-pizzarelli-1926-2020/

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Pizzarelli no tuvo rostro durante la mayor parte de su carrera de 75 años, trabajando con grandes bandas, conjuntos de televisión, músicos de sesión y orquestas de vocalistas. Cuando tenía casi 50 años, el guitarrista comenzó a ganarse una reputación entre el público, consiguiendo que le llamaran la atención primero un dúo con su colega George Barnes y luego por su cuenta, dirigiendo sus propias bandas o tocando la guitarra en solitario.

Fue pionero en el jazz por su uso de la guitarra de siete cuerdas, que le permitió tocar partes de bajo simultáneamente con acordes discretos y líneas de una sola nota. Aparte de este inusual instrumento, era conocido por su estilo de buen gusto, con solos basados en acordes que asentían más a guitarristas rítmicos como Freddie Green (a quien citaba como su mayor influencia) que a melodistas como Wes Montgomery.

Cuando el escritor George Cole le preguntó a mediados de los ochenta sobre su enfoque de la música, Pizzarelli respondió: "Todos los días me levanto e intento corregir lo que he estropeado la noche anterior".

John Paul Pizzarelli nació el 9 de enero de 1926 en Paterson, Nueva Jersey. Sus padres, John y Amelia DiDomenico Pizzarelli, eran dueños de una tienda de comestibles, aunque su padre había sido anteriormente un ranchero en Texas y estaba obsesionado con los vaqueros. Apodó a su hijo pequeño "Buckskin", que se acortó a Bucky y se quedó para toda la vida.

Dos de los tíos de Pizzarelli tocaban la guitarra y el banjo, y el joven Bucky decidió ser músico cuando vio a su tío Bobby, el guitarrista, trabajando en grandes bandas (y ganando mucho dinero a pesar de la Gran Depresión). Empezó a tocar la guitarra él mismo cuando tenía nueve años, con sus tíos como sus primeros maestros.

Fuera de su familia, los modelos musicales de Pizzarelli eran Green, Django Reinhardt, y dos guitarristas asociados con Benny Goodman: Charlie Christian, el primer gran guitarrista eléctrico del jazz, y George Van Eps, el primero en tocar una guitarra de siete cuerdas. A través de estas puertas, Pizzarelli se convirtió en un profundo erudito de la guitarra de jazz, capaz de esbozar su historia y los capítulos y versos de los músicos clave.

A los 17 años, se unió a la banda de baile del cantante Vaughn Monroe y se fue de gira. Después de sólo unos meses, sin embargo, fue reclutado por la infantería del ejército de los Estados Unidos, viendo la acción en Alemania y Austria en los pocos meses antes del final de la fase europea de la Segunda Guerra Mundial. Fue a Filipinas para movilizarse para una invasión al Japón que, debido a las bombas atómicas lanzadas sobre Hiroshima y Nagasaki, nunca llegó. Después de su baja en 1946, se reincorporó a Monroe.

Pizzarelli fue en 1952 a la televisión NBC, trabajando en la orquesta para el programa de la cantante Kate Smith. Cuando eso terminó, se unió a la banda de pop Three Suns durante dos años, y luego se convirtió en un intérprete de sesiones de Nueva York, apareciendo, sin crédito, en grandes éxitos como "A Teenager in Love" de Dion y los Belmonts, "Georgia on My Mind" de Ray Charles, y "Stand By Me" de Ben E. King.

Regresó en 1964 a la NBC, donde se convirtió en el guitarrista de la banda Tonight Show. En 1972, cuando la producción del show se trasladó a Los Ángeles, Pizzarelli se quedó atrás. Ya había formado un dúo con el guitarrista George Barnes, ganando una considerable aclamación y un considerable número de seguidores en el Club Playboy. (También dieron un muy aplaudido concierto en el Town Hall en 1971, más tarde lanzado como un álbum en Columbia Records). Después de romper con Barnes, Pizzarelli empezó a dar conciertos en solitario y se convirtió en un éxito. Pronto comenzó a grabar regularmente como líder.

En 1980, Pizzarelli y su hijo John, guitarrista y vocalista, comenzaron una residencia de cuatro semanas en el Hotel Pierre de Nueva York. Fue el comienzo de una colaboración de 40 años entre padre e hijo, que hicieron numerosos discos juntos y salieron de gira con frecuencia, a veces con otros músicos pero más a menudo sólo como dúo. Pizzarelli también trabajó a lo largo de los años con otro hijo, el bajista Martin, y su hija, Mary, otra guitarrista (clásica).

Además de Benny Goodman, con quien Pizzarelli trabajó regularmente desde 1966 hasta la muerte de Goodman en 1986, sus actuaciones de alto perfil incluyeron dos actuaciones en la Casa Blanca bajo la dirección de Ronald Reagan - una para el presidente de Italia, la otra para el Rey de Jordania - y una tercera bajo la dirección de Bill Clinton, así como una actuación en la fiesta de cumpleaños de la ex Primera Dama Pat Nixon. En 2012, él (y su hijo John) aparecieron en el álbum de Paul McCartney Kisses on the Bottom.

Bucky Pizzarelli, un célebre guitarrista cuyos colaboradores iban desde Vaughn Monroe y Benny Goodman hasta Ben E. King y Paul McCartney, murió el 1 de abril en su casa de Saddle River, Nueva Jersey. Tenía 94 años.

Su muerte fue anunciada por su hijo John Pizzarelli, otro frecuente colaborador, quien dijo que la causa de la muerte fue un coronavirus, con el que el anciano Pizzarelli había sido diagnosticado el 29 de marzo.

https://jazztimes.com/features/tributes-and-obituaries/bucky-pizzarelli-1926-2020/

Historia de la Guitarra • Martín Pedreira

La presente selección de textos tiene como objetivo suministrar una información básica sobre la historia de la guitarra española desde sus probables orígenes y posterior evolución, hasta aproximadamente mediados del pasado siglo, momento que hoy podríamos calificar de una definida universalización de su modalidad concertante.

Kenny Burrell • A Generation Ago Today

 

Biography:

After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.

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Biografía:

Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además, es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".

Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.

Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo, apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una gran música".

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la encuesta de Jazz Times International Readers Poll.

Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la Detroit Free Press.

Kenny Burrell • Newport Jazz Festival

 

The hardest working, most in demand guitarist in jazz for over half a century from his Blue Note debut in 1956 through to the second millennium, Kenny Burrell was described by his first employer. Dizzy Gillespie, as the grand master of jazz guitar. A guitarist who could hold his own with sheets-of-sound era John Coltrane; funk it up with Jimmy Smith: create a stone cold jazz classic in Midnight Blue: hold his own with orchestras and be just as happy with a swinging trio. This concert was performed at the Newport Jazz Festival, New York, July 4th 1976 and broadcast by Voice of America, and features Kenny's working trio with Lisle Atkinson on bass and Freddie Warts on drums.

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El guitarrista más trabajador y solicitado del jazz durante más de medio siglo, desde su debut en Blue Note en 1956 hasta el segundo milenio, Kenny Burrell fue descrito por su primer empleador. Dizzy Gillespie, como el gran maestro de la guitarra de jazz. Un guitarrista que podía estar a la altura de John Coltrane en la época de las sábanas, tocar funk con Jimmy Smith, crear un clásico del jazz en Midnight Blue, tocar con orquesta y ser igual de feliz con un trío de swing. Este concierto fue interpretado en el Festival de Jazz de Newport, Nueva York, el 4 de julio de 1976 y retransmitido por Voice of America, y presenta al trío de trabajo de Kenny con Lisle Atkinson al bajo y Freddie Warts a la batería.

Boogaloo Joe Jones • No Way!

Bucky Pizzarelli • April Kisses

Master guitarist Bucky Pizzarelli offers 20 short, patient solo pieces played on his seven-string, acoustic, Benedetto, plectrum, archtop, hollow-bodied, double f-hole instrument. They reflect the style and compositions of early pioneers Carl Kress, Eddie Lang, and George VanEps, and emphasize that Pizzarelli was, and still is in the company of these peers, mentors, and historic figures. A flamenco tinge is unmistakable on the first two numbers, Kress' "Helena" and the Lang written title cut. Then a classical, no-time feeling comes about on the regret filled three part Kress suite "Afterthoughts." By "The End of a Love Affair" Pizzarelli's guitar is weeping and moaning. George M. Smith is another figurehead in this tradition and he gets his due on "Slow Burning," as does Django Reinhardt for "Tears." More classical sounding selections as Kress' "Love Song" make way for tunes with some tempo, like the two beat Pizzarelli original "Indy Annie," based on "Back Home Again in Indiana," the upbeat Kress number "Sutton Mutton," and the slower VanEps chestnut "Squattin' at the Grotto." Pizzarelli tosses in a polka-like, cat quick single line with chordal accented tribute to bassist Slam Stewart "Slamerino," a technical marvel. Concluding the program are more swinging displays like Kress' "Peg Leg Shuffle," Bucky's hard driving "Stompin' for Boz," and the slicker "Silk City Blues." Pizzarelli's sound should be put on the commodities market and sold as a public offering. This music is much more precious than bars of gold. Only the lack of a rhythm section might detract more listeners from getting next to this beautifully conceived work. Those who don't need bass and drums surely will treasure this regardless.



John Paul "Bucky" Pizzarelli (January 9, 1926 – April 1, 2020) was an American jazz guitarist.

He was the father of jazz guitarist John Pizzarelli and double bassist Martin Pizzarelli. He worked for NBC as a staffman for Dick Cavett (1971) and ABC with Bobby Rosengarden in (1952). The list of musicians he collaborated with includes Benny Goodman, Les Paul, Stéphane Grappelli, and Antônio Carlos Jobim. Pizzarelli cited as influences Django Reinhardt, Freddie Green, and George Van Eps

Early life :
Pizzarelli was born on January 9, 1926, in Paterson, New Jersey. He learned to play guitar and banjo at a young age. His uncles, Pete and Bobby Domenick, were professional musicians, and sometimes the extended family would gather at one of their homes with their guitars for jam sessions. Pizzarelli cited as an inspiration Joe Mooney, a blind accordion player who led a quartet that included Pizzarelli's uncle, Bobby Domenick.During high school, Pizzarelli was the guitarist for a small band that performed classical music.

Career :
Pizzarelli began his professional career at 17 when he joined the Vaughn Monroe dance band in 1944.

In 1952 Pizzarelli became a staff musician for NBC, playing with Skitch Henderson.In 1964, he became a member of The Tonight Show Band on The Tonight Show Starring Johnny Carson. During his time spent performing for the Tonight Show, he accompanied guest bands and musicians playing through a variety of musical genres, including playing with Tiny Tim (after tuning the performer's ukulele) on the day that Tiny Tim married Miss Vicki on Carson's show.

From 1956 to 1957, Pizzarelli used the stage name "Johnny Buck" and performed with The Three Suns pop music trio. He toured several times with Benny Goodman until Goodman's death in 1986. During the following year, he and guitarist George Barnes formed a duo and recorded two albums, including a live performance in August 1971, at The Town Hall in New York City. Beginning in the 1970s, he began recording as a leader, issuing many tributes to musicians of the 1930s. He performed with Benny Goodman at the White House in Washington, D.C., and he performed for presidents Ronald Reagan, Bill Clinton,and First Lady Pat Nixon.

"Jersey Jazz Guitars" was the name of a 1985 concert held at the Rutgers University Nicholas Music Center in New Brunswick, New Jersey. The ticket featured Pizzarelli, Les Paul, Tal Farlow, and Pizzarelli's son, John. The concert was aired on New Jersey's public radio station as part of their three-part New Jersey Summerfare Series. Pizzarelli and Les Paul had performed together before, as they were neighbors and friends. The show aired for one hour in August 1985, with son John adding his vocals on two selections.

Pizzarelli continued to play into his 90s, making several appearances even after a stroke in 2016, officially retiring after a final brief appearance with Michael Feinstein in 2018.

Guitars :
Pizzarelli's first guitar was an archtop Gibson, an expensive instrument at the time. He played a Benedetto Bucky Pizzarelli Signature seven-string guitar made by Robert Benedetto, who also makes guitars for Howard Alden and Frank Vignola. He learned to play the seven-string from George Van Eps.The extra string on Pizzarelli's guitar provided him with a bass line during performances. Pizzarelli also played a custom seven-string American archtop guitar made by luthier Dale Unger, who also makes custom guitars for Pizzarelli's partner, Ed Laub.

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El maestro guitarrista Bucky Pizzarelli ofrece 20 cortos y pacientes solos tocados en su instrumento de siete cuerdas, acústico, Benedetto, púa, arco, cuerpo hueco, doble f. Reflejan el estilo y las composiciones de los primeros pioneros Carl Kress, Eddie Lang y George VanEps, y enfatizan que Pizzarelli estuvo y sigue estando en compañía de estos compañeros, mentores y figuras históricas. Un matiz flamenco es inconfundible en los dos primeros números, la "Helena" de Kress y el corte del título escrito por Lang. Luego un sentimiento clásico, sin tiempo, aparece en la suite de tres partes de Kress "After Thoughts". En "El fin de una aventura amorosa" la guitarra de Pizzarelli llora y se queja. George M. Smith es otra figura de esta tradición y se le debe en "Slow Burning", al igual que a Django Reinhardt por "Tears". Selecciones de sonidos más clásicos como "Love Song" de Kress dan paso a melodías con cierto tempo, como la original de Pizzarelli "Indy Annie", basada en "Back Home Again in Indiana", el optimista número de Kress "Sutton Mutton", y el más lento de los VanEps "Squattin' at the Grotto". Pizzarelli lanza una línea rápida como la de una polca, con acento en los acordes, en homenaje al bajista Slam Stewart "Slamerino", una maravilla técnica. Concluyendo el programa hay más exhibiciones de swing como "Peg Leg Shuffle" de Kress, "Stompin' for Boz" de Bucky, y el más elegante "Silk City Blues". El sonido de Pizzarelli debería ser puesto en el mercado de materias primas y vendido como una oferta pública. Esta música es mucho más valiosa que los lingotes de oro. Sólo la falta de una sección rítmica podría distraer a más oyentes de acercarse a esta obra bellamente concebida. Aquellos que no necesiten el bajo y la batería seguramente atesorarán esto a pesar de todo.



John Paul "Bucky" Pizzarelli (9 de enero de 1926 - 1 de abril de 2020) era un guitarrista de jazz americano.

Era el padre del guitarrista de jazz John Pizzarelli y del contrabajista Martin Pizzarelli. Trabajó para la NBC como empleado de Dick Cavett (1971) y para la ABC con Bobby Rosengarden (1952). La lista de músicos con los que colaboró incluye a Benny Goodman, Les Paul, Stéphane Grappelli y Antônio Carlos Jobim. Pizzarelli citó como influencias a Django Reinhardt, Freddie Green, y George Van Eps

La vida temprana :
Pizzarelli nació el 9 de enero de 1926 en Paterson, Nueva Jersey. Aprendió a tocar la guitarra y el banjo a una edad temprana. Sus tíos, Pete y Bobby Domenick, eran músicos profesionales, y a veces la familia extendida se reunía en una de sus casas con sus guitarras para las jam sessions. Pizzarelli citó como inspiración a Joe Mooney, un acordeonista ciego que dirigía un cuarteto que incluía al tío de Pizzarelli, Bobby Domenick. Durante la secundaria, Pizzarelli fue el guitarrista de una pequeña banda que tocaba música clásica.

Carrera:
Pizzarelli comenzó su carrera profesional a los 17 años cuando se unió a la banda de baile de Vaughn Monroe en 1944.

En 1952 Pizzarelli se convirtió en un músico de plantilla de la NBC, tocando con Skitch Henderson. En 1964, se convirtió en miembro de la banda del Tonight Show en el Tonight Show protagonizado por Johnny Carson. Durante el tiempo que pasó actuando para el Tonight Show, acompañó a bandas invitadas y músicos que tocaban en una variedad de géneros musicales, incluyendo tocar con Tiny Tim (después de afinar el ukelele del intérprete) el día que Tiny Tim se casó con la Srta. Vicki en el show de Carson.

De 1956 a 1957, Pizzarelli usó el nombre artístico "Johnny Buck" y actuó con el trío de música pop The Three Suns. Hizo varias giras con Benny Goodman hasta la muerte de Goodman en 1986. Durante el año siguiente, él y el guitarrista George Barnes formaron un dúo y grabaron dos álbumes, incluyendo una actuación en vivo en agosto de 1971, en el Town Hall de la ciudad de Nueva York. A partir de la década de 1970, comenzó a grabar como líder, rindiendo muchos homenajes a los músicos de la década de 1930. Actuó con Benny Goodman en la Casa Blanca en Washington, D.C., y actuó para los presidentes Ronald Reagan, Bill Clinton y la Primera Dama Pat Nixon.

"Jersey Jazz Guitars" fue el nombre de un concierto celebrado en 1985 en el Centro de Música Nicholas de la Universidad de Rutgers en New Brunswick, Nueva Jersey. La entrada incluía a Pizzarelli, Les Paul, Tal Farlow, y el hijo de Pizzarelli, John. El concierto se transmitió en la estación de radio pública de Nueva Jersey como parte de su serie de tres conciertos de verano de Nueva Jersey. Pizzarelli y Les Paul habían actuado juntos antes, ya que eran vecinos y amigos. El programa se emitió durante una hora en agosto de 1985, con el hijo John añadiendo sus voces en dos selecciones.

Pizzarelli continuó tocando hasta los 90 años, haciendo varias apariciones incluso después de un derrame cerebral en 2016, retirándose oficialmente después de una breve aparición final con Michael Feinstein en 2018.

Guitarras :
La primera guitarra de Pizzarelli fue una Gibson de arco, un instrumento muy caro en ese momento. Tocaba una guitarra de siete cuerdas Benedetto Bucky Pizzarelli Signature hecha por Robert Benedetto, quien también hace guitarras para Howard Alden y Frank Vignola. Aprendió a tocar las siete cuerdas de George Van Eps. La cuerda extra de la guitarra de Pizzarelli le proporcionó una línea de bajo durante las actuaciones. Pizzarelli también tocaba una guitarra americana de siete cuerdas hecha por el luthier Dale Unger, que también hace guitarras personalizadas para el socio de Pizzarelli, Ed Laub.

 

Paco de Lucía y familia. El plan maestro

 

 

Este libro pretende ser una historia contemporánea del flamenco tal y como la ha vivido una familia extraordinaria, empezando por el padre, Antonio, guitarrista festero, continuando con el arte cada vez más sofisticado de sus hijos mayores, y culminando con el embrujo del benjamín, Paco de Lucía.

Observaremos como Antonio padre fue desarrollando su Plan Maestro, un plan que está teniendo el efecto de modificar el curso del flamenco incluso cuando estas lineas llegan al lector.

En la narración tendremos oportunidad de observar los enormes cambios sufridos por el flamenco en su arte y estilo de vida durante este siglo, de investigar algo sobre sus causas, y de ser testigos de sus efectos.

 

 

Hank Garland • Jazz Winds From A New Direction

Review by Richard S. Ginell
Lots of folks in the country music streets of Nashville and the jazz canyons of New York were shaken up by this release, for country supersession man Hank Garland demonstrated that he could be just as persuasive rattling off swift, sophisticated bebop as he was playing thousands of country licks on the jukeboxes. Nothing fazes him, not even the tricky "Move," for Garland had technique to burn and a thoroughly modern harmonic approach. Not only that, a 17-year-old Boston kid named Gary Burton makes an astonishingly brash and assured recorded debut on vibes on this record, and bassist Joe Benjamin and the Dave Brubeck Quartet's unquenchably swinging drummer Joe Morello (who had toured with Garland when Garland was a teenager) are on hand from New York. This record seemed to promise great things ahead for Garland in the jazz world, a prospect cut sadly short later in 1961 by a crippling auto accident. Originally recorded in Nashville by Columbia and country & western producer Don Law (another shock to the purists' systems), Jazz Winds has been in print in some form almost continuously.
Bio:  http://en.wikipedia.org/wiki/Hank_Garland

 

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Reseña de Richard S. Ginell
Este disco sacudió a mucha gente en las calles de la música country de Nashville y en los cañones del jazz de Nueva York, ya que Hank Garland, el hombre de la superación del country, demostró que podía ser tan persuasivo desgranando un bebop rápido y sofisticado como tocando miles de licks de country en las máquinas de discos. Nada se le escapa, ni siquiera la complicada "Move", ya que Garland tiene una gran técnica y un enfoque armónico totalmente moderno. Y no sólo eso, un chico de Boston de 17 años llamado Gary Burton hace un debut asombrosamente descarado y seguro con el vibráfono en este disco, y el bajista Joe Benjamin y el insaciable baterista del Dave Brubeck Quartet, Joe Morello (que había estado de gira con Garland cuando éste era un adolescente) están presentes desde Nueva York. Este disco parecía prometer grandes cosas para Garland en el mundo del jazz, una perspectiva truncada más tarde, en 1961, por un accidente de coche. Grabado originalmente en Nashville por el productor de Columbia y de country & western Don Law (otra sacudida para los puristas), Jazz Winds se ha publicado de alguna forma casi continuamente.
Bio:  http://en.wikipedia.org/wiki/Hank_Garland

Emily Remler • Retrospective Volume One 'Standards'

Emily Remler • Retrospective Volumen Two (Compositions)

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

Enciclopedia De La Guitarra / español

Enciclopedia De La Guitarra
En esta historia enciclopédica, el experto Richard Chapman relata la historia del instrumento, examinando sus orígenes, la música que ha inspirado y los numerosos artistas que han modelado su evolución. Entrega un panorama sobre la formidable difusión de la guitarra por todo el mundo, desde los instrumentos folklóricos africanos y las guitarras españolas tradicionales hasta los modernos instrumentos acústicos y eléctricos. Siguiendo la pista de la guitarra desde los tiempos más remotos hasta su actual status como icono de la música popular actual. Combinando soberbias imágenes con un refrescante análisis de la música escrita y grabada, este libro es un estudio indispensable para explicar un fenómeno cultural.

Kenny Burrell • Earthy

 

Howard Roberts • The real Howard Roberts

Howard Roberts was born in Phoenix, Arizona in 1929. He began playing guitar at age 8 and by age 15 was playing gigs in and around the Phoenix area. In 1950 (at age 20) Howard decided to move to Los Angeles, and through hard work and the invaluable assistance of fellow guitarist/arranger-composer Jack Marshall, Howard met and began playing with some of L.A.'s very best musicians, including Bobby Troup, Chico Hamilton and Barney Kessel. This led to a job with Bobby Troup and circa 1956 to a solo recording contract with Verve Records. At around that same time as he signed with Verve, Howard decided to concentrate on recording/studio work - work that he would do nearly non- stop until the early 1970's.

 

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Howard Roberts nació en Phoenix, Arizona, en 1929. Comenzó a tocar la guitarra a los 8 años y a los 15 ya tocaba en conciertos en la zona de Phoenix y sus alrededores. En 1950 (a la edad de 20 años) Howard decidió trasladarse a Los Ángeles, y gracias al trabajo duro y a la inestimable ayuda de su compañero guitarrista/compositor Jack Marshall, Howard conoció y empezó a tocar con algunos de los mejores músicos de Los Ángeles, como Bobby Troup, Chico Hamilton y Barney Kessel. Esto le llevó a trabajar con Bobby Troup y, hacia 1956, a firmar un contrato de grabación en solitario con Verve Records. Más o menos en la misma época en que firmó con Verve, Howard decidió concentrarse en el trabajo de grabación/estudio, trabajo que realizaría de forma casi ininterrumpida hasta principios de la década de 1970.

 

Grant Green • Green is Beautiful

Review by Steve Huey

The second album of Grant Green's thorough jazz-funk makeover, Green Is Beautiful finds the guitarist growing more comfortable with harder, funkier R&B than he seemed on the softer-hued Carryin' On. The switch from Fender Rhodes electric piano back to the more traditional Hammond organ certainly helps give the session a little extra grit, but it doesn't return Green to the land of soul-jazz by any means. Green Is Beautiful is still explicitly commercial and accessible to non-jazz audiences, and (purist objections notwithstanding) that's not necessarily a bad thing. Green's take on James Brown's "Ain't It Funky Now" is one of the funkiest items in his rare-groove period; it may be chordally very simple, but the groove is tight and percolating, and Green, tenor saxophonist Claude Bartee, and trumpeter Blue Mitchell all come up with hot, exciting solos. The album also benefits from Green's discovery of composer and occasional organist Earl Neal Creque, who contributes two bright, slinky, horn-driven originals: "The Windjammer," which became one of the signature tunes of Green's late period, and "Dracula." They help give the album a more original voice, and indicate that Green was actively making himself at home in his new musical environment, not just mixing dull originals with phoned-in covers of pop and R&B hits (as he and many other '70s Blue Note artists were accused of doing). Of course, there are still pop covers present -- the Beatles' "A Day in the Life" is a mellow, mid-tempo groove, and Bacharach's "I'll Never Fall in Love Again" doesn't stray far from the melody. Even if those aren't particularly distinctive, the remainder of Green Is Beautiful proves that Green's reinvention as a jazz-funk artist wasn't the misguided disaster it was initially made out to be.

https://www.allmusic.com/album/green-is-beautiful-mw0000623413

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Reseña de Steve Huey

El segundo álbum de Grant Green, Green Is Beautiful, es un profundo cambio de imagen de jazz-funk, que encuentra al guitarrista cada vez más cómodo con un R&B más duro y funky de lo que parecía en el más suave Carryin' On. El cambio del piano eléctrico Fender Rhodes al órgano Hammond más tradicional ayuda a dar a la sesión un poco más de garra, pero no devuelve a Green a la tierra del soul-jazz de ninguna manera. Green Is Beautiful sigue siendo explícitamente comercial y accesible para el público no jazzístico, y (a pesar de las objeciones puristas) eso no es necesariamente algo malo. La versión de Green de "Ain't It Funky Now" de James Brown es uno de los temas más funky de su período de rarezas; puede ser muy simple, pero el ritmo es apretado y penetrante, y Green, el saxofonista tenor Claude Bartee, y el trompetista Blue Mitchell, todos vienen con calientes y excitantes solos. El álbum también se beneficia del descubrimiento de Green del compositor y organista ocasional Earl Neal Creque, que contribuye con dos brillantes y estilizados originales de trompeta: "The Windjammer", que se convirtió en una de las melodías distintivas del último período de Green, y "Drácula". Ayudan a dar al álbum una voz más original, e indican que Green se sentía activamente a gusto en su nuevo entorno musical, no sólo mezclando aburridos originales con portadas de éxitos pop y R&B (como se le acusó a él y a muchos otros artistas de Blue Note de los 70). Por supuesto, todavía hay covers pop presentes - "A Day in the Life" de los Beatles es una melodía suave y de ritmo medio, y "I'll Never Fall in Love Again" de Bacharach no se aleja mucho de la melodía. Incluso si no son particularmente distintivas, el resto de "Green Is Beautiful" prueba que la reinvención de Green como artista de jazz-funk no fue el desastre equivocado que inicialmente se pensaba.

https://www.allmusic.com/album/green-is-beautiful-mw0000623413

Boogaloo Joe Jones • What It Is

Artist Biography by Richie Unterberger

Not to be confused with Philly Joe Jones, guitarist Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones recorded several albums in a soul-jazz vein for Prestige in the late '60s and early '70s. In addition to leading his own group for recording purposes, Jones also played with Wild Bill Davis, Houston Person, and Willis Jackson. His own dates are solid, if unexceptional groove jazz, leaving plenty of space for the saxes and organ, as well as his own bop/R&B hybrid style. Rusty Bryant, Charles Earland, and ace soul and jazz session drummer Bernard Purdie are among the sidemen also featured on Boogaloo's albums.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Artist Biography by   Douglas Payne

In the short decade (1966-78) he recorded and performed, guitarist Ivan "Boogaloo Joe" Jones was never really given his due as an exciting, rapid-fire R&B plecterist. His sound and style clearly derived from the blues. But it was a solid understanding of rock that Jones brought to his style of jazz. The result, outlined on a handful of albums for Prestige, was a healthy mix of finger-licking funk, sweet-natured soul and infectious blues.

Born Ivan Joseph Jones on November 1, 1940, Boogaloo Joe Jones learned the guitar himself on a three-string instrument that he received as a gift from his father in 1956. He was influenced most by Tal Farlow and Billy Butler, but gravitated toward the R&B juke-joint jazz Butler was popularizing with organist Bill Doggett's popular group. Jones has lived in South New Jersey most of his life and mostly worked in and around the Atlantic City area with chitlin-circuit heroes like Wild Bill Davis, Willis Jackson and Charlie Ventura.

"Right On Brother"He made his solo debut as "Joe Jones" on Prestige Records in 1967, but earned the name "Boogaloo Joe" following a 1969 record of that title. The demeaning name was meant to distinguish him from the other Jo(e) Jones in music: Papa Jo, Philly Joe, and the Joe of the Fluxus movement. But as much as the moniker suited his style it probably straightjacketed his jazz career too. Later, he'd turn to billing himself as Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

While jazz went through some drastic changes during the dozen years of his recording career, Jones’ sound and style stayed remarkably consistent. His twangy tone coupled catchy chordal vamps with astonishing rapid-fire single-note playing. He could handle familiar pop covers ("Light My Fire," "Have You Never Been Mellow") and ballads. But he really excelled in the jazz-funk groove and proved himself a first-rate blues player.

"My Fire!"None of his albums are groundbreaking or marked by individual achievements. But every Joe Jones record contains reliably interesting covers (blues like "St. James Infirmary" and "Trouble In Mind" are the best) and percolating originals that aptly illustrate the guitarist's fretboard talents: "Right Now," "Ivan The Terrible," "Boogaloo Joe," "6:30 Blues," "Poppin," "Hoochie Coo Chickie," "Black Whip," "Confusion" and "Sweetback." These are the songs that today's club crowd discovered and celebrate as the cornerstone of "acid jazz."

Ivan Jones recorded with Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern and, most notably, Willis Jackson. Jones, who never won the notice of critics or great support from fans during his career, is finding new life on CD -- thanks to the apt and rapt attention of the acid-jazz crowd. Today, the retired guitarist is believed to reside in his hometown of Vineland, New Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

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Biografía del artista por Richie Unterberger

No confundir con Philly Joe Jones, el guitarrista Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones grabó varios álbumes en una vena de soul-jazz para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70. Además de dirigir su propio grupo con fines de grabación, Jones también tocó con Wild Bill Davis, Houston Person y Willis Jackson. Sus propias fechas son sólidas, aunque no excepcionales, y dejan mucho espacio para los saxos y el órgano, así como su propio estilo híbrido de bop/R&B. Rusty Bryant, Charles Earland, y el baterista de soul y jazz Bernard Purdie son algunos de los sidemen que también aparecen en los álbumes de Boogaloo.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Biografía del artista por Douglas Payne

En la corta década (1966-78) grabó y tocó, el guitarrista Ivan "Boogaloo Joe" Jones nunca fue realmente reconocido como un apasionante y rápido plecterista de R&B. Su sonido y estilo derivan claramente del blues. Pero fue una sólida comprensión del rock lo que Jones aportó a su estilo de jazz. El resultado, esbozado en un puñado de álbumes para Prestige, fue una saludable mezcla de funk para chuparse los dedos, soul dulce y blues contagioso.

Nacido Ivan Joseph Jones el 1 de noviembre de 1940, Boogaloo Joe Jones aprendió la guitarra él mismo en un instrumento de tres cuerdas que recibió como regalo de su padre en 1956. Fue influenciado por Tal Farlow y Billy Butler, pero se inclinó por el jazz R&B juke-joint Butler se estaba popularizando con el grupo popular del organista Bill Doggett. Jones ha vivido en el sur de Nueva Jersey la mayor parte de su vida y ha trabajado principalmente en el área de Atlantic City y sus alrededores con héroes del circuito de chitlin como Wild Bill Davis, Willis Jackson y Charlie Ventura.

"Right On Brother" debutó en solitario como "Joe Jones" en Prestige Records en 1967, pero se ganó el nombre de "Boogaloo Joe" tras un disco de 1969 con ese título. El nombre degradante tenía la intención de distinguirlo del otro Jo(e) Jones en la música: Papa Jo, Philly Joe, y el Joe del movimiento Fluxus. Pero por mucho que el apodo se adaptara a su estilo, probablemente también enderezó su carrera de jazz. Más tarde, se convertiría en Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

Mientras que el jazz pasó por algunos cambios drásticos durante los doce años de su carrera discográfica, el sonido y el estilo de Jones se mantuvieron notablemente consistentes. Su tono twangy unía a pegadizos vampiros cordales con una asombrosa y rápida interpretación de una sola nota. Podía manejar las conocidas portadas pop ("Light My Fire", "Have You Never Been Mellow") y baladas. Pero realmente sobresalió en el groove del jazz-funk y demostró ser un bluesista de primera clase.

"¡Mi fuego!" Ninguno de sus álbumes es innovador o está marcado por logros individuales. Pero todos los discos de Joe Jones contienen portadas fiables e interesantes (blues como "St. James Infirmary" y "Trouble In Mind" son los mejores) y originales percolantes que ilustran a la perfección los talentos del guitarrista en el diapasón: "Ahora mismo", "Ivan el Terrible", "Boogaloo Joe", "6:30 Blues", "Poppin", "Hoochie Coo Chickie", "Black Whip", "Confusión" y "Sweetback". Estas son las canciones que la gente del club de hoy descubrió y celebra como la piedra angular del "acid jazz".

Ivan Jones grabó con Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern y, sobre todo, Willis Jackson. Jones, que nunca se ganó la atención de los críticos o el gran apoyo de los fans durante su carrera, está encontrando una nueva vida en el CD - gracias a la atención apta y cautivada de la multitud del acid jazz. Hoy en día, se cree que el guitarrista jubilado reside en su ciudad natal de Vineland, Nueva Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Grant Green • Sunday Morning

 

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

 

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Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros músicos. Colaboró con muchos organistas, entre ellos Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green tocó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

 

 

Billy Butler • Night Life

Biography by Ron Wynn

A tasty soul-jazz and blues guitarist, Billy Butler adroitly mixed a Charlie Christian approach with '50s R&B grooves and backbeats. He coaxed a warm, fat tone from his hollow-bodied electric guitar, and provided deceptively simple solos and fills that became staples of the R&B guitar vocabulary. Bill Doggett's "Honky Tonk," featuring Butler, is perhaps the prototype R&B guitar instrumental. "Ram-Bunk-Shush" and "Big Boy" are other highlights of his tenure with Doggett. He began playing with doo wop/R&B group the Harlemaires in the late '40s, then led combos until 1952, when he joined Doc Bagby's trio. Butler co-wrote "Honky Tonk" while playing with Doggett from 1954 to 1961. He also recorded with King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith, and David "Fathead" Newman in the '60s. Butler worked in Broadway pit bands beginning in the late '60s, but found time for recording sessions with Houston Person and Norris Turney in the late '60s and '70s. He led his own band and recorded for Prestige in the late '60s and early '70s. Butler also recorded with Al Casey and Jackie Williams. He toured Europe frequently in the '70s and '80s, doing sessions there and in America.

https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography

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Biografía de Ron Wynn

Un sabroso guitarrista de soul-jazz y blues, Billy Butler mezcló hábilmente un enfoque de Charlie Christian con ritmos de R&B de los años 50. Consiguió un tono cálido y gordo de su guitarra eléctrica de cuerpo hueco, y proporcionó solos y rellenos engañosamente simples que se convirtieron en elementos básicos del vocabulario de la guitarra R&B. "Honky Tonk" de Bill Doggett, con Butler, es quizás el prototipo de instrumento de guitarra R&B. "Ram-Bunk-Shush" y "Big Boy" son otros aspectos destacados de su trabajo con Doggett. Empezó a tocar con el grupo de doo wop/R&B los Harlemaires a finales de los 40, luego dirigió combos hasta 1952, cuando se unió al trío de Doc Bagby. Butler co-escribió "Honky Tonk" mientras tocaba con Doggett de 1954 a 1961. También grabó con King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith y David "Fathead" Newman en los años 60. Butler trabajó en las bandas de Broadway a finales de los 60, pero encontró tiempo para grabar sesiones con Houston Person y Norris Turney a finales de los 60 y 70. Dirigió su propia banda y grabó para Prestige a finales de los 60 y principios de los 70. Butler también grabó con Al Casey y Jackie Williams. Hizo frecuentes giras por Europa en los 70 y 80, haciendo sesiones allí y en América.

https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography