Paco de Lucía y familia. El plan maestro

 

 

Este libro pretende ser una historia contemporánea del flamenco tal y como la ha vivido una familia extraordinaria, empezando por el padre, Antonio, guitarrista festero, continuando con el arte cada vez más sofisticado de sus hijos mayores, y culminando con el embrujo del benjamín, Paco de Lucía.

Observaremos como Antonio padre fue desarrollando su Plan Maestro, un plan que está teniendo el efecto de modificar el curso del flamenco incluso cuando estas lineas llegan al lector.

En la narración tendremos oportunidad de observar los enormes cambios sufridos por el flamenco en su arte y estilo de vida durante este siglo, de investigar algo sobre sus causas, y de ser testigos de sus efectos.

 

 

Hank Garland • Jazz Winds From A New Direction

Review by Richard S. Ginell
Lots of folks in the country music streets of Nashville and the jazz canyons of New York were shaken up by this release, for country supersession man Hank Garland demonstrated that he could be just as persuasive rattling off swift, sophisticated bebop as he was playing thousands of country licks on the jukeboxes. Nothing fazes him, not even the tricky "Move," for Garland had technique to burn and a thoroughly modern harmonic approach. Not only that, a 17-year-old Boston kid named Gary Burton makes an astonishingly brash and assured recorded debut on vibes on this record, and bassist Joe Benjamin and the Dave Brubeck Quartet's unquenchably swinging drummer Joe Morello (who had toured with Garland when Garland was a teenager) are on hand from New York. This record seemed to promise great things ahead for Garland in the jazz world, a prospect cut sadly short later in 1961 by a crippling auto accident. Originally recorded in Nashville by Columbia and country & western producer Don Law (another shock to the purists' systems), Jazz Winds has been in print in some form almost continuously.
Bio:  http://en.wikipedia.org/wiki/Hank_Garland

 

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Reseña de Richard S. Ginell
Este disco sacudió a mucha gente en las calles de la música country de Nashville y en los cañones del jazz de Nueva York, ya que Hank Garland, el hombre de la superación del country, demostró que podía ser tan persuasivo desgranando un bebop rápido y sofisticado como tocando miles de licks de country en las máquinas de discos. Nada se le escapa, ni siquiera la complicada "Move", ya que Garland tiene una gran técnica y un enfoque armónico totalmente moderno. Y no sólo eso, un chico de Boston de 17 años llamado Gary Burton hace un debut asombrosamente descarado y seguro con el vibráfono en este disco, y el bajista Joe Benjamin y el insaciable baterista del Dave Brubeck Quartet, Joe Morello (que había estado de gira con Garland cuando éste era un adolescente) están presentes desde Nueva York. Este disco parecía prometer grandes cosas para Garland en el mundo del jazz, una perspectiva truncada más tarde, en 1961, por un accidente de coche. Grabado originalmente en Nashville por el productor de Columbia y de country & western Don Law (otra sacudida para los puristas), Jazz Winds se ha publicado de alguna forma casi continuamente.
Bio:  http://en.wikipedia.org/wiki/Hank_Garland

Emily Remler • Retrospective Volume One 'Standards'

Emily Remler • Retrospective Volumen Two (Compositions)

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

Enciclopedia De La Guitarra / español

Enciclopedia De La Guitarra
En esta historia enciclopédica, el experto Richard Chapman relata la historia del instrumento, examinando sus orígenes, la música que ha inspirado y los numerosos artistas que han modelado su evolución. Entrega un panorama sobre la formidable difusión de la guitarra por todo el mundo, desde los instrumentos folklóricos africanos y las guitarras españolas tradicionales hasta los modernos instrumentos acústicos y eléctricos. Siguiendo la pista de la guitarra desde los tiempos más remotos hasta su actual status como icono de la música popular actual. Combinando soberbias imágenes con un refrescante análisis de la música escrita y grabada, este libro es un estudio indispensable para explicar un fenómeno cultural.

Kenny Burrell • Earthy

 

Howard Roberts • The real Howard Roberts

Howard Roberts was born in Phoenix, Arizona in 1929. He began playing guitar at age 8 and by age 15 was playing gigs in and around the Phoenix area. In 1950 (at age 20) Howard decided to move to Los Angeles, and through hard work and the invaluable assistance of fellow guitarist/arranger-composer Jack Marshall, Howard met and began playing with some of L.A.'s very best musicians, including Bobby Troup, Chico Hamilton and Barney Kessel. This led to a job with Bobby Troup and circa 1956 to a solo recording contract with Verve Records. At around that same time as he signed with Verve, Howard decided to concentrate on recording/studio work - work that he would do nearly non- stop until the early 1970's.

 

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Howard Roberts nació en Phoenix, Arizona, en 1929. Comenzó a tocar la guitarra a los 8 años y a los 15 ya tocaba en conciertos en la zona de Phoenix y sus alrededores. En 1950 (a la edad de 20 años) Howard decidió trasladarse a Los Ángeles, y gracias al trabajo duro y a la inestimable ayuda de su compañero guitarrista/compositor Jack Marshall, Howard conoció y empezó a tocar con algunos de los mejores músicos de Los Ángeles, como Bobby Troup, Chico Hamilton y Barney Kessel. Esto le llevó a trabajar con Bobby Troup y, hacia 1956, a firmar un contrato de grabación en solitario con Verve Records. Más o menos en la misma época en que firmó con Verve, Howard decidió concentrarse en el trabajo de grabación/estudio, trabajo que realizaría de forma casi ininterrumpida hasta principios de la década de 1970.

 

Grant Green • Green is Beautiful

Review by Steve Huey

The second album of Grant Green's thorough jazz-funk makeover, Green Is Beautiful finds the guitarist growing more comfortable with harder, funkier R&B than he seemed on the softer-hued Carryin' On. The switch from Fender Rhodes electric piano back to the more traditional Hammond organ certainly helps give the session a little extra grit, but it doesn't return Green to the land of soul-jazz by any means. Green Is Beautiful is still explicitly commercial and accessible to non-jazz audiences, and (purist objections notwithstanding) that's not necessarily a bad thing. Green's take on James Brown's "Ain't It Funky Now" is one of the funkiest items in his rare-groove period; it may be chordally very simple, but the groove is tight and percolating, and Green, tenor saxophonist Claude Bartee, and trumpeter Blue Mitchell all come up with hot, exciting solos. The album also benefits from Green's discovery of composer and occasional organist Earl Neal Creque, who contributes two bright, slinky, horn-driven originals: "The Windjammer," which became one of the signature tunes of Green's late period, and "Dracula." They help give the album a more original voice, and indicate that Green was actively making himself at home in his new musical environment, not just mixing dull originals with phoned-in covers of pop and R&B hits (as he and many other '70s Blue Note artists were accused of doing). Of course, there are still pop covers present -- the Beatles' "A Day in the Life" is a mellow, mid-tempo groove, and Bacharach's "I'll Never Fall in Love Again" doesn't stray far from the melody. Even if those aren't particularly distinctive, the remainder of Green Is Beautiful proves that Green's reinvention as a jazz-funk artist wasn't the misguided disaster it was initially made out to be.

https://www.allmusic.com/album/green-is-beautiful-mw0000623413

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Reseña de Steve Huey

El segundo álbum de Grant Green, Green Is Beautiful, es un profundo cambio de imagen de jazz-funk, que encuentra al guitarrista cada vez más cómodo con un R&B más duro y funky de lo que parecía en el más suave Carryin' On. El cambio del piano eléctrico Fender Rhodes al órgano Hammond más tradicional ayuda a dar a la sesión un poco más de garra, pero no devuelve a Green a la tierra del soul-jazz de ninguna manera. Green Is Beautiful sigue siendo explícitamente comercial y accesible para el público no jazzístico, y (a pesar de las objeciones puristas) eso no es necesariamente algo malo. La versión de Green de "Ain't It Funky Now" de James Brown es uno de los temas más funky de su período de rarezas; puede ser muy simple, pero el ritmo es apretado y penetrante, y Green, el saxofonista tenor Claude Bartee, y el trompetista Blue Mitchell, todos vienen con calientes y excitantes solos. El álbum también se beneficia del descubrimiento de Green del compositor y organista ocasional Earl Neal Creque, que contribuye con dos brillantes y estilizados originales de trompeta: "The Windjammer", que se convirtió en una de las melodías distintivas del último período de Green, y "Drácula". Ayudan a dar al álbum una voz más original, e indican que Green se sentía activamente a gusto en su nuevo entorno musical, no sólo mezclando aburridos originales con portadas de éxitos pop y R&B (como se le acusó a él y a muchos otros artistas de Blue Note de los 70). Por supuesto, todavía hay covers pop presentes - "A Day in the Life" de los Beatles es una melodía suave y de ritmo medio, y "I'll Never Fall in Love Again" de Bacharach no se aleja mucho de la melodía. Incluso si no son particularmente distintivas, el resto de "Green Is Beautiful" prueba que la reinvención de Green como artista de jazz-funk no fue el desastre equivocado que inicialmente se pensaba.

https://www.allmusic.com/album/green-is-beautiful-mw0000623413

Boogaloo Joe Jones • What It Is

Artist Biography by Richie Unterberger

Not to be confused with Philly Joe Jones, guitarist Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones recorded several albums in a soul-jazz vein for Prestige in the late '60s and early '70s. In addition to leading his own group for recording purposes, Jones also played with Wild Bill Davis, Houston Person, and Willis Jackson. His own dates are solid, if unexceptional groove jazz, leaving plenty of space for the saxes and organ, as well as his own bop/R&B hybrid style. Rusty Bryant, Charles Earland, and ace soul and jazz session drummer Bernard Purdie are among the sidemen also featured on Boogaloo's albums.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Artist Biography by   Douglas Payne

In the short decade (1966-78) he recorded and performed, guitarist Ivan "Boogaloo Joe" Jones was never really given his due as an exciting, rapid-fire R&B plecterist. His sound and style clearly derived from the blues. But it was a solid understanding of rock that Jones brought to his style of jazz. The result, outlined on a handful of albums for Prestige, was a healthy mix of finger-licking funk, sweet-natured soul and infectious blues.

Born Ivan Joseph Jones on November 1, 1940, Boogaloo Joe Jones learned the guitar himself on a three-string instrument that he received as a gift from his father in 1956. He was influenced most by Tal Farlow and Billy Butler, but gravitated toward the R&B juke-joint jazz Butler was popularizing with organist Bill Doggett's popular group. Jones has lived in South New Jersey most of his life and mostly worked in and around the Atlantic City area with chitlin-circuit heroes like Wild Bill Davis, Willis Jackson and Charlie Ventura.

"Right On Brother"He made his solo debut as "Joe Jones" on Prestige Records in 1967, but earned the name "Boogaloo Joe" following a 1969 record of that title. The demeaning name was meant to distinguish him from the other Jo(e) Jones in music: Papa Jo, Philly Joe, and the Joe of the Fluxus movement. But as much as the moniker suited his style it probably straightjacketed his jazz career too. Later, he'd turn to billing himself as Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

While jazz went through some drastic changes during the dozen years of his recording career, Jones’ sound and style stayed remarkably consistent. His twangy tone coupled catchy chordal vamps with astonishing rapid-fire single-note playing. He could handle familiar pop covers ("Light My Fire," "Have You Never Been Mellow") and ballads. But he really excelled in the jazz-funk groove and proved himself a first-rate blues player.

"My Fire!"None of his albums are groundbreaking or marked by individual achievements. But every Joe Jones record contains reliably interesting covers (blues like "St. James Infirmary" and "Trouble In Mind" are the best) and percolating originals that aptly illustrate the guitarist's fretboard talents: "Right Now," "Ivan The Terrible," "Boogaloo Joe," "6:30 Blues," "Poppin," "Hoochie Coo Chickie," "Black Whip," "Confusion" and "Sweetback." These are the songs that today's club crowd discovered and celebrate as the cornerstone of "acid jazz."

Ivan Jones recorded with Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern and, most notably, Willis Jackson. Jones, who never won the notice of critics or great support from fans during his career, is finding new life on CD -- thanks to the apt and rapt attention of the acid-jazz crowd. Today, the retired guitarist is believed to reside in his hometown of Vineland, New Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

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Biografía del artista por Richie Unterberger

No confundir con Philly Joe Jones, el guitarrista Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones grabó varios álbumes en una vena de soul-jazz para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70. Además de dirigir su propio grupo con fines de grabación, Jones también tocó con Wild Bill Davis, Houston Person y Willis Jackson. Sus propias fechas son sólidas, aunque no excepcionales, y dejan mucho espacio para los saxos y el órgano, así como su propio estilo híbrido de bop/R&B. Rusty Bryant, Charles Earland, y el baterista de soul y jazz Bernard Purdie son algunos de los sidemen que también aparecen en los álbumes de Boogaloo.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Biografía del artista por Douglas Payne

En la corta década (1966-78) grabó y tocó, el guitarrista Ivan "Boogaloo Joe" Jones nunca fue realmente reconocido como un apasionante y rápido plecterista de R&B. Su sonido y estilo derivan claramente del blues. Pero fue una sólida comprensión del rock lo que Jones aportó a su estilo de jazz. El resultado, esbozado en un puñado de álbumes para Prestige, fue una saludable mezcla de funk para chuparse los dedos, soul dulce y blues contagioso.

Nacido Ivan Joseph Jones el 1 de noviembre de 1940, Boogaloo Joe Jones aprendió la guitarra él mismo en un instrumento de tres cuerdas que recibió como regalo de su padre en 1956. Fue influenciado por Tal Farlow y Billy Butler, pero se inclinó por el jazz R&B juke-joint Butler se estaba popularizando con el grupo popular del organista Bill Doggett. Jones ha vivido en el sur de Nueva Jersey la mayor parte de su vida y ha trabajado principalmente en el área de Atlantic City y sus alrededores con héroes del circuito de chitlin como Wild Bill Davis, Willis Jackson y Charlie Ventura.

"Right On Brother" debutó en solitario como "Joe Jones" en Prestige Records en 1967, pero se ganó el nombre de "Boogaloo Joe" tras un disco de 1969 con ese título. El nombre degradante tenía la intención de distinguirlo del otro Jo(e) Jones en la música: Papa Jo, Philly Joe, y el Joe del movimiento Fluxus. Pero por mucho que el apodo se adaptara a su estilo, probablemente también enderezó su carrera de jazz. Más tarde, se convertiría en Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

Mientras que el jazz pasó por algunos cambios drásticos durante los doce años de su carrera discográfica, el sonido y el estilo de Jones se mantuvieron notablemente consistentes. Su tono twangy unía a pegadizos vampiros cordales con una asombrosa y rápida interpretación de una sola nota. Podía manejar las conocidas portadas pop ("Light My Fire", "Have You Never Been Mellow") y baladas. Pero realmente sobresalió en el groove del jazz-funk y demostró ser un bluesista de primera clase.

"¡Mi fuego!" Ninguno de sus álbumes es innovador o está marcado por logros individuales. Pero todos los discos de Joe Jones contienen portadas fiables e interesantes (blues como "St. James Infirmary" y "Trouble In Mind" son los mejores) y originales percolantes que ilustran a la perfección los talentos del guitarrista en el diapasón: "Ahora mismo", "Ivan el Terrible", "Boogaloo Joe", "6:30 Blues", "Poppin", "Hoochie Coo Chickie", "Black Whip", "Confusión" y "Sweetback". Estas son las canciones que la gente del club de hoy descubrió y celebra como la piedra angular del "acid jazz".

Ivan Jones grabó con Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern y, sobre todo, Willis Jackson. Jones, que nunca se ganó la atención de los críticos o el gran apoyo de los fans durante su carrera, está encontrando una nueva vida en el CD - gracias a la atención apta y cautivada de la multitud del acid jazz. Hoy en día, se cree que el guitarrista jubilado reside en su ciudad natal de Vineland, Nueva Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Grant Green • Sunday Morning

 

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

 

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Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros músicos. Colaboró con muchos organistas, entre ellos Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green tocó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

 

 

Billy Butler • Night Life

Biography by Ron Wynn

A tasty soul-jazz and blues guitarist, Billy Butler adroitly mixed a Charlie Christian approach with '50s R&B grooves and backbeats. He coaxed a warm, fat tone from his hollow-bodied electric guitar, and provided deceptively simple solos and fills that became staples of the R&B guitar vocabulary. Bill Doggett's "Honky Tonk," featuring Butler, is perhaps the prototype R&B guitar instrumental. "Ram-Bunk-Shush" and "Big Boy" are other highlights of his tenure with Doggett. He began playing with doo wop/R&B group the Harlemaires in the late '40s, then led combos until 1952, when he joined Doc Bagby's trio. Butler co-wrote "Honky Tonk" while playing with Doggett from 1954 to 1961. He also recorded with King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith, and David "Fathead" Newman in the '60s. Butler worked in Broadway pit bands beginning in the late '60s, but found time for recording sessions with Houston Person and Norris Turney in the late '60s and '70s. He led his own band and recorded for Prestige in the late '60s and early '70s. Butler also recorded with Al Casey and Jackie Williams. He toured Europe frequently in the '70s and '80s, doing sessions there and in America.

https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography

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Biografía de Ron Wynn

Un sabroso guitarrista de soul-jazz y blues, Billy Butler mezcló hábilmente un enfoque de Charlie Christian con ritmos de R&B de los años 50. Consiguió un tono cálido y gordo de su guitarra eléctrica de cuerpo hueco, y proporcionó solos y rellenos engañosamente simples que se convirtieron en elementos básicos del vocabulario de la guitarra R&B. "Honky Tonk" de Bill Doggett, con Butler, es quizás el prototipo de instrumento de guitarra R&B. "Ram-Bunk-Shush" y "Big Boy" son otros aspectos destacados de su trabajo con Doggett. Empezó a tocar con el grupo de doo wop/R&B los Harlemaires a finales de los 40, luego dirigió combos hasta 1952, cuando se unió al trío de Doc Bagby. Butler co-escribió "Honky Tonk" mientras tocaba con Doggett de 1954 a 1961. También grabó con King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith y David "Fathead" Newman en los años 60. Butler trabajó en las bandas de Broadway a finales de los 60, pero encontró tiempo para grabar sesiones con Houston Person y Norris Turney a finales de los 60 y 70. Dirigió su propia banda y grabó para Prestige a finales de los 60 y principios de los 70. Butler también grabó con Al Casey y Jackie Williams. Hizo frecuentes giras por Europa en los 70 y 80, haciendo sesiones allí y en América.

https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography
 

 

 

Ivan ''Boogaloo'' Joe Jones • Snake Rhythm Rock

Artist Biography by Richie Unterberger

Not to be confused with Philly Joe Jones, guitarist Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones recorded several albums in a soul-jazz vein for Prestige in the late '60s and early '70s. In addition to leading his own group for recording purposes, Jones also played with Wild Bill Davis, Houston Person, and Willis Jackson. His own dates are solid, if unexceptional groove jazz, leaving plenty of space for the saxes and organ, as well as his own bop/R&B hybrid style. Rusty Bryant, Charles Earland, and ace soul and jazz session drummer Bernard Purdie are among the sidemen also featured on Boogaloo's albums.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Artist Biography by   Douglas Payne

In the short decade (1966-78) he recorded and performed, guitarist Ivan "Boogaloo Joe" Jones was never really given his due as an exciting, rapid-fire R&B plecterist. His sound and style clearly derived from the blues. But it was a solid understanding of rock that Jones brought to his style of jazz. The result, outlined on a handful of albums for Prestige, was a healthy mix of finger-licking funk, sweet-natured soul and infectious blues.

Born Ivan Joseph Jones on November 1, 1940, Boogaloo Joe Jones learned the guitar himself on a three-string instrument that he received as a gift from his father in 1956. He was influenced most by Tal Farlow and Billy Butler, but gravitated toward the R&B juke-joint jazz Butler was popularizing with organist Bill Doggett's popular group. Jones has lived in South New Jersey most of his life and mostly worked in and around the Atlantic City area with chitlin-circuit heroes like Wild Bill Davis, Willis Jackson and Charlie Ventura.

"Right On Brother"He made his solo debut as "Joe Jones" on Prestige Records in 1967, but earned the name "Boogaloo Joe" following a 1969 record of that title. The demeaning name was meant to distinguish him from the other Jo(e) Jones in music: Papa Jo, Philly Joe, and the Joe of the Fluxus movement. But as much as the moniker suited his style it probably straightjacketed his jazz career too. Later, he'd turn to billing himself as Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

While jazz went through some drastic changes during the dozen years of his recording career, Jones’ sound and style stayed remarkably consistent. His twangy tone coupled catchy chordal vamps with astonishing rapid-fire single-note playing. He could handle familiar pop covers ("Light My Fire," "Have You Never Been Mellow") and ballads. But he really excelled in the jazz-funk groove and proved himself a first-rate blues player.

"My Fire!"None of his albums are groundbreaking or marked by individual achievements. But every Joe Jones record contains reliably interesting covers (blues like "St. James Infirmary" and "Trouble In Mind" are the best) and percolating originals that aptly illustrate the guitarist's fretboard talents: "Right Now," "Ivan The Terrible," "Boogaloo Joe," "6:30 Blues," "Poppin," "Hoochie Coo Chickie," "Black Whip," "Confusion" and "Sweetback." These are the songs that today's club crowd discovered and celebrate as the cornerstone of "acid jazz."

Ivan Jones recorded with Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern and, most notably, Willis Jackson. Jones, who never won the notice of critics or great support from fans during his career, is finding new life on CD -- thanks to the apt and rapt attention of the acid-jazz crowd. Today, the retired guitarist is believed to reside in his hometown of Vineland, New Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

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Biografía del artista por Richie Unterberger

No confundir con Philly Joe Jones, el guitarrista Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones grabó varios álbumes en una vena de soul-jazz para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70. Además de dirigir su propio grupo con fines de grabación, Jones también tocó con Wild Bill Davis, Houston Person y Willis Jackson. Sus propias fechas son sólidas, aunque no excepcionales, y dejan mucho espacio para los saxos y el órgano, así como su propio estilo híbrido de bop/R&B. Rusty Bryant, Charles Earland, y el baterista de soul y jazz Bernard Purdie son algunos de los sidemen que también aparecen en los álbumes de Boogaloo.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Biografía del artista por Douglas Payne

En la corta década (1966-78) grabó y tocó, el guitarrista Ivan "Boogaloo Joe" Jones nunca fue realmente reconocido como un apasionante y rápido plecterista de R&B. Su sonido y estilo derivan claramente del blues. Pero fue una sólida comprensión del rock lo que Jones aportó a su estilo de jazz. El resultado, esbozado en un puñado de álbumes para Prestige, fue una saludable mezcla de funk para chuparse los dedos, soul dulce y blues contagioso.

Nacido Ivan Joseph Jones el 1 de noviembre de 1940, Boogaloo Joe Jones aprendió la guitarra él mismo en un instrumento de tres cuerdas que recibió como regalo de su padre en 1956. Fue influenciado por Tal Farlow y Billy Butler, pero se inclinó por el jazz R&B juke-joint Butler se estaba popularizando con el grupo popular del organista Bill Doggett. Jones ha vivido en el sur de Nueva Jersey la mayor parte de su vida y ha trabajado principalmente en el área de Atlantic City y sus alrededores con héroes del circuito de chitlin como Wild Bill Davis, Willis Jackson y Charlie Ventura.

"Right On Brother" debutó en solitario como "Joe Jones" en Prestige Records en 1967, pero se ganó el nombre de "Boogaloo Joe" tras un disco de 1969 con ese título. El nombre degradante tenía la intención de distinguirlo del otro Jo(e) Jones en la música: Papa Jo, Philly Joe, y el Joe del movimiento Fluxus. Pero por mucho que el apodo se adaptara a su estilo, probablemente también enderezó su carrera de jazz. Más tarde, se convertiría en Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

Mientras que el jazz pasó por algunos cambios drásticos durante los doce años de su carrera discográfica, el sonido y el estilo de Jones se mantuvieron notablemente consistentes. Su tono twangy unía a pegadizos vampiros cordales con una asombrosa y rápida interpretación de una sola nota. Podía manejar las conocidas portadas pop ("Light My Fire", "Have You Never Been Mellow") y baladas. Pero realmente sobresalió en el groove del jazz-funk y demostró ser un bluesista de primera clase.

"¡Mi fuego!" Ninguno de sus álbumes es innovador o está marcado por logros individuales. Pero todos los discos de Joe Jones contienen portadas fiables e interesantes (blues como "St. James Infirmary" y "Trouble In Mind" son los mejores) y originales percolantes que ilustran a la perfección los talentos del guitarrista en el diapasón: "Ahora mismo", "Ivan el Terrible", "Boogaloo Joe", "6:30 Blues", "Poppin", "Hoochie Coo Chickie", "Black Whip", "Confusión" y "Sweetback". Estas son las canciones que la gente del club de hoy descubrió y celebra como la piedra angular del "acid jazz".

Ivan Jones grabó con Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern y, sobre todo, Willis Jackson. Jones, que nunca se ganó la atención de los críticos o el gran apoyo de los fans durante su carrera, está encontrando una nueva vida en el CD - gracias a la atención apta y cautivada de la multitud del acid jazz. Hoy en día, se cree que el guitarrista jubilado reside en su ciudad natal de Vineland, Nueva Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Boogaloo Joe Jones • Right On Brother

Right On Brother is the fourth album by guitarist Boogaloo Joe Jones which was recorded in 1970 and released on the Prestige label.

Artist Biography by Richie Unterberger

Not to be confused with Philly Joe Jones, guitarist Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones recorded several albums in a soul-jazz vein for Prestige in the late '60s and early '70s. In addition to leading his own group for recording purposes, Jones also played with Wild Bill Davis, Houston Person, and Willis Jackson. His own dates are solid, if unexceptional groove jazz, leaving plenty of space for the saxes and organ, as well as his own bop/R&B hybrid style. Rusty Bryant, Charles Earland, and ace soul and jazz session drummer Bernard Purdie are among the sidemen also featured on Boogaloo's albums.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Artist Biography by   Douglas Payne

In the short decade (1966-78) he recorded and performed, guitarist Ivan "Boogaloo Joe" Jones was never really given his due as an exciting, rapid-fire R&B plecterist. His sound and style clearly derived from the blues. But it was a solid understanding of rock that Jones brought to his style of jazz. The result, outlined on a handful of albums for Prestige, was a healthy mix of finger-licking funk, sweet-natured soul and infectious blues.

Born Ivan Joseph Jones on November 1, 1940, Boogaloo Joe Jones learned the guitar himself on a three-string instrument that he received as a gift from his father in 1956. He was influenced most by Tal Farlow and Billy Butler, but gravitated toward the R&B juke-joint jazz Butler was popularizing with organist Bill Doggett's popular group. Jones has lived in South New Jersey most of his life and mostly worked in and around the Atlantic City area with chitlin-circuit heroes like Wild Bill Davis, Willis Jackson and Charlie Ventura.

"Right On Brother"He made his solo debut as "Joe Jones" on Prestige Records in 1967, but earned the name "Boogaloo Joe" following a 1969 record of that title. The demeaning name was meant to distinguish him from the other Jo(e) Jones in music: Papa Jo, Philly Joe, and the Joe of the Fluxus movement. But as much as the moniker suited his style it probably straightjacketed his jazz career too. Later, he'd turn to billing himself as Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

While jazz went through some drastic changes during the dozen years of his recording career, Jones’ sound and style stayed remarkably consistent. His twangy tone coupled catchy chordal vamps with astonishing rapid-fire single-note playing. He could handle familiar pop covers ("Light My Fire," "Have You Never Been Mellow") and ballads. But he really excelled in the jazz-funk groove and proved himself a first-rate blues player.

"My Fire!"None of his albums are groundbreaking or marked by individual achievements. But every Joe Jones record contains reliably interesting covers (blues like "St. James Infirmary" and "Trouble In Mind" are the best) and percolating originals that aptly illustrate the guitarist's fretboard talents: "Right Now," "Ivan The Terrible," "Boogaloo Joe," "6:30 Blues," "Poppin," "Hoochie Coo Chickie," "Black Whip," "Confusion" and "Sweetback." These are the songs that today's club crowd discovered and celebrate as the cornerstone of "acid jazz."

Ivan Jones recorded with Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern and, most notably, Willis Jackson. Jones, who never won the notice of critics or great support from fans during his career, is finding new life on CD -- thanks to the apt and rapt attention of the acid-jazz crowd. Today, the retired guitarist is believed to reside in his hometown of Vineland, New Jersey.

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Right On Brother es el cuarto álbum del guitarrista Boogaloo Joe Jones, grabado en 1970 y publicado por el sello Prestige.


Biografía del artista por Richie Unterberger

No confundir con Philly Joe Jones, el guitarrista Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones grabó varios álbumes en una vena de soul-jazz para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70. Además de dirigir su propio grupo con fines de grabación, Jones también tocó con Wild Bill Davis, Houston Person y Willis Jackson. Sus propias fechas son sólidas, aunque no excepcionales, y dejan mucho espacio para los saxos y el órgano, así como su propio estilo híbrido de bop/R&B. Rusty Bryant, Charles Earland, y el baterista de soul y jazz Bernard Purdie son algunos de los sidemen que también aparecen en los álbumes de Boogaloo.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Biografía del artista por Douglas Payne

En la corta década (1966-78) grabó y tocó, el guitarrista Ivan "Boogaloo Joe" Jones nunca fue realmente reconocido como un apasionante y rápido plecterista de R&B. Su sonido y estilo derivan claramente del blues. Pero fue una sólida comprensión del rock lo que Jones aportó a su estilo de jazz. El resultado, esbozado en un puñado de álbumes para Prestige, fue una saludable mezcla de funk para chuparse los dedos, soul dulce y blues contagioso.

Nacido Ivan Joseph Jones el 1 de noviembre de 1940, Boogaloo Joe Jones aprendió la guitarra él mismo en un instrumento de tres cuerdas que recibió como regalo de su padre en 1956. Fue influenciado por Tal Farlow y Billy Butler, pero se inclinó por el jazz R&B juke-joint Butler se estaba popularizando con el grupo popular del organista Bill Doggett. Jones ha vivido en el sur de Nueva Jersey la mayor parte de su vida y ha trabajado principalmente en el área de Atlantic City y sus alrededores con héroes del circuito de chitlin como Wild Bill Davis, Willis Jackson y Charlie Ventura.

"Right On Brother" debutó en solitario como "Joe Jones" en Prestige Records en 1967, pero se ganó el nombre de "Boogaloo Joe" tras un disco de 1969 con ese título. El nombre degradante tenía la intención de distinguirlo del otro Jo(e) Jones en la música: Papa Jo, Philly Joe, y el Joe del movimiento Fluxus. Pero por mucho que el apodo se adaptara a su estilo, probablemente también enderezó su carrera de jazz. Más tarde, se convertiría en Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

Mientras que el jazz pasó por algunos cambios drásticos durante los doce años de su carrera discográfica, el sonido y el estilo de Jones se mantuvieron notablemente consistentes. Su tono twangy unía a pegadizos vampiros cordales con una asombrosa y rápida interpretación de una sola nota. Podía manejar las conocidas portadas pop ("Light My Fire", "Have You Never Been Mellow") y baladas. Pero realmente sobresalió en el groove del jazz-funk y demostró ser un bluesista de primera clase.

"¡Mi fuego!" Ninguno de sus álbumes es innovador o está marcado por logros individuales. Pero todos los discos de Joe Jones contienen portadas fiables e interesantes (blues como "St. James Infirmary" y "Trouble In Mind" son los mejores) y originales percolantes que ilustran a la perfección los talentos del guitarrista en el diapasón: "Ahora mismo", "Ivan el Terrible", "Boogaloo Joe", "6:30 Blues", "Poppin", "Hoochie Coo Chickie", "Black Whip", "Confusión" y "Sweetback". Estas son las canciones que la gente del club de hoy descubrió y celebra como la piedra angular del "acid jazz".

Ivan Jones grabó con Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern y, sobre todo, Willis Jackson. Jones, que nunca se ganó la atención de los críticos o el gran apoyo de los fans durante su carrera, está encontrando una nueva vida en el CD - gracias a la atención apta y cautivada de la multitud del acid jazz. Hoy en día, se cree que el guitarrista jubilado reside en su ciudad natal de Vineland, Nueva Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

Kenny Burrell • Groovin High

 Artist Biography by Matt Collar

One of the leading exponents of straight-ahead jazz guitar, Kenny Burrell is a highly influential artist whose understated and melodic style, grounded in bebop and blues, made him in an in-demand sideman from the mid-'50s onward and a standard by which many jazz guitarists gauge themselves to this day. Born in Detroit in 1931, Burrell grew up in a musical family in which his mother played piano and sang in the Second Baptist Church choir, while his father favored the banjo and ukulele. Burrell began playing guitar at age 12 and quickly fell under the influence of such artists as Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker, and Muddy Waters. Surrounded by the vibrant jazz and blues scene of Detroit, Burrell began to play gigs around town and counted among his friends and bandmates pianist Tommy Flanagan, saxophonists Pepper Adams and Yusef Lateef, drummer Elvin Jones, and others.

In 1951, Burrell made his recording debut on a combo session that featured trumpeter Dizzy Gillespie as well as saxophonist John Coltrane, vibraphonist Milt Jackson, and bassist Percy Heath. Although his talent ranked among the best of the professional jazz players at the time, Burrell continued to study privately with renowned classical guitarist Joe Fava, and enrolled in the music program at Wayne State University. Upon graduating in 1955 with a B.A. in music composition and theory, Burrell was hired for a six-month stint touring with pianist Oscar Peterson's trio. Then, in 1956, Burrell and Flanagan moved to New York City and immediately became two of the most sought-after sidemen in town, performing in gigs with such luminaries as singers Tony Bennett and Lena Horne, playing in Broadway pit orchestras, and recording with an array of legendary musicians including Coltrane, trumpeter Kenny Dorham, organist Jimmy Smith, vocalist Billie Holiday, and many others. Burrell made his recorded debut as a leader on the 1956 Blue Note session Introducing Kenny Burrell -- technically his second session for the label, but the first to see release. From the late '50s onward, Burrell continued to record by himself and with others, and has appeared on countless albums over the years including such notable albums as 1957's The Cats featuring Coltrane, 1963's Midnight Blue featuring saxophonist Stanley Turrentine, 1965's Guitar Forms with arrangements by Gil Evans, and 1968's Blues -- The Common Ground.

Beginning in 1971, Burrell started leading various college seminars including the first regular course to be held in the United States on the music of composer, pianist, and bandleader Duke Ellington. He continued performing, recording, and teaching throughout the '80s and '90s, releasing several albums including 1989's Guiding Spirit, 1991's Sunup to Sundown, 1994's Collaboration with pianist LaMont Johnson, 1995's Primal Blue, and 1998's church music-inspired Love Is the Answer.

In 2001, Burrell released the relaxed quartet date A Lucky So and So on Concord and followed it up in 2003 with Blue Muse. He celebrated turning 75 years old in 2006 by recording a live date, released a year later as 75th Birthday Bash Live! In 2010, Burrell released the live album Be Yourself: Live at Dizzy's Club Coca-Cola, recorded at Lincoln Center's smaller club-like venue, followed two years later by Special Requests (And Other Favorites): Live at Catalina's. In 2015, Burrell released The Road to Love, recorded live at Catalina's Jazz Club in Hollywood. Another Catalina's live date, Unlimited 1, appeared in 2016 and featured Burrell backed by the Los Angeles Jazz Orchestra. Besides continuing to perform, Burrell is the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA, as well as president emeritus of the Jazz Heritage Foundation.

https://www.allmusic.com/artist/kenny-burrell-mn0000068780/biography

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Biografía del artista por Matt Collar

Kenny Burrell, uno de los principales exponentes de la guitarra de jazz en línea recta, es un artista muy influyente cuyo estilo discreto y melódico, basado en el bebop y el blues, lo convirtió en un sideman en demanda desde mediados de los años 50 y un estándar para que muchos guitarristas de jazz calibran hasta el día de hoy. Burrell, nacido en Detroit en 1931, creció en una familia musical en la que su madre tocaba el piano y cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, mientras que su padre favorecía el banjo y el ukelele. Burrell comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y rápidamente cayó bajo la influencia de artistas como Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker y Muddy Waters. Rodeado por la vibrante escena de jazz y blues de Detroit, Burrell comenzó a tocar en conciertos en la ciudad y contó entre sus amigos y compañeros de banda el pianista Tommy Flanagan, los saxofonistas Pepper Adams y Yusef Lateef, el baterista Elvin Jones y otros.

En 1951, Burrell debutó como grabador en una sesión combinada con el trompetista Dizzy Gillespie y el saxofonista John Coltrane, el vibrafonista Milt Jackson y el bajista Percy Heath. Aunque su talento se encontraba entre los mejores músicos de jazz de la época, Burrell continuó estudiando en privado con el famoso guitarrista clásico Joe Fava, y se inscribió en el programa de música de la Universidad Estatal de Wayne. Al graduarse en 1955 con un B.A. en composición y teoría musical, Burrell fue contratado para un período de seis meses de gira con el trío del pianista Oscar Peterson. Luego, en 1956, Burrell y Flanagan se mudaron a la ciudad de Nueva York e inmediatamente se convirtieron en dos de los sidemen más buscados de la ciudad, actuando en conciertos con luminarias como los cantantes Tony Bennett y Lena Horne, tocando en las orquestas de Broadway, y grabando con una variedad de músicos legendarios, incluidos Coltrane, el trompetista Kenny Dorham, el organista Jimmy Smith, la vocalista Billie Holiday y muchos otros. Burrell hizo su debut registrado como líder en la sesión de Blue Note de 1956. Presentó a Kenny Burrell, técnicamente su segunda sesión para el sello, pero el primero en ver el lanzamiento. A partir de finales de los años 50, Burrell continuó grabando solo y con otros, y ha aparecido en innumerables álbumes a lo largo de los años, incluyendo álbumes tan notables como The Cats de 1957 con Coltrane, Midnight Blue de 1963 con el saxofonista Stanley Turrentine, Guitar Forms de 1965 con arreglos por Gil Evans, y Blues de 1968 - The Common Ground.

A partir de 1971, Burrell comenzó a dirigir varios seminarios universitarios, incluido el primer curso regular que se celebró en los Estados Unidos con la música del compositor, pianista y director de orquesta Duke Ellington. Continuó tocando, grabando y enseñando a lo largo de los años 80 y 90, lanzando varios álbumes, entre ellos Guiding Spirit de 1989, Sunup to Sundown de 1991, Colaboración de 1994 con el pianista LaMont Johnson, Primal Blue de 1995 y Amor inspirado en la música de la iglesia de 1998. .

En 2001, Burrell lanzó el cuarteto relajado de A Lucky So and So en Concord y lo siguió en 2003 con Blue Muse. Celebró cumplir 75 años en 2006 al grabar una cita en vivo, lanzada un año después como 75.o cumpleaños Bash Live! En 2010, Burrell lanzó el álbum en vivo Be Yourself: Live en el Club Coca-Cola de Dizzy, grabado en el club más pequeño del Lincoln Center, seguido dos años más tarde por Special Requests (y otros favoritos): Live at Catalina's. En 2015, Burrell lanzó The Road to Love, grabada en vivo en el Catalina's Jazz Club en Hollywood. Otra cita en vivo de Catalina, Unlimited 1, apareció en 2016 y contó con Burrell respaldado por la Los Angeles Jazz Orchestra. Además de seguir actuando, Burrell es el fundador y director del Programa de Estudios de Jazz en UCLA, así como el presidente emérito de la Jazz Heritage Foundation.

https://www.allmusic.com/artist/kenny-burrell-mn0000068780/biography

Paco De Lucia • The Montreux Years

 

pacodelucia.org ...

Colaborador / Contributor:  Mich58

Bucky Pizzarelli & Frank Vignola • Moonglow

 

Review
by Ken Dryden  
Two of the modern masters of jazz guitar, Bucky Pizzarelli and Frank Vignola are a generation apart in age but of the same mind when it comes to their style of playing. Both lovers of memorable melodies, Pizzarelli has long favored a seven-string electric guitar and primarily sticks to playing inventive rhythm accompaniment behind Vignola's bright lead lines. This duo guitar date focuses on ballads, most of which were standards at one time, though many of them have unjustly fallen from favor at the dawn of a new century, including songs like "Moonlight Serenade" and "Deep Purple." Though both have tremendous chops and can show off when they desire to do so, their joint focus in on subtle lyricism throughout the date, seeking to please no one but themselves. The intimate sound makes the listener feel like an eavesdropper on a private session between two old friends. It is almost criminal to highlight just a few of this CD's 16 tracks, so it should be sufficient to say that this release provides a perfect background at the end of a busy day with someone special.https://www.allmusic.com/album/moonglow-mw0000688551

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Reseña
por Ken Dryden  
Dos de los maestros modernos de la guitarra de jazz, Bucky Pizzarelli y Frank Vignola, están separados por una generación en edad, pero tienen la misma mentalidad en lo que se refiere a su estilo de tocar. Ambos amantes de las melodías memorables, Pizzarelli se ha decantado desde hace tiempo por la guitarra eléctrica de siete cuerdas y se ciñe principalmente a tocar un acompañamiento rítmico inventivo tras las brillantes líneas principales de Vignola. Esta cita a dúo de guitarras se centra en baladas, la mayoría de las cuales fueron estándares en su momento, aunque muchas de ellas han caído injustamente en desgracia en los albores de un nuevo siglo, incluyendo canciones como "Moonlight Serenade" y "Deep Purple". Aunque ambos tienen un talento tremendo y pueden lucirse cuando lo desean, se centran en un lirismo sutil a lo largo de todo el disco, sin pretender complacer a nadie más que a sí mismos. El sonido íntimo hace que el oyente se sienta como un espía en una sesión privada entre dos viejos amigos. Resulta casi criminal destacar sólo algunas de las 16 pistas de este CD, por lo que debería ser suficiente decir que este lanzamiento proporciona un fondo perfecto al final de un ajetreado día con alguien especial.https://www.allmusic.com/album/moonglow-mw0000688551

www.frankvignola.com ...

Jimmy Raney • Jimmy Raney Featuring Bob Brookmeyer

Review by Thom Jurek

Though Jimmy Raney recorded under his own name as early as 1953, this 1956 set is regarded as his arrival as a leader. Raney is as fine an arranger as he is a guitarist. These eight tracks with Bob Brookmeyer on trombone (another fine arranger in a soloist's role) shine with the ease and fluidity of the best of the cool sessions recorded at the dawn of hard bop. One of the finest examples of the interplay between Raney and Brookmeyer occurs at the beginning of the album's second track, "How Long Has This Been Going On?," where the pair engage in a brief contrapuntal dialogue before Brookmeyer solos on the melody and Raney gently fills the space behind him by whispering his chords and fills through the trombonist's phrasing, before taking his own solo and slipping an inverted harmonic pattern on the tune's lyric line. The pair re-engage about halfway through before Dick Katz solos on piano with a bluesy series of runs in the upper register. Raney's own tunes, such as "The Flag Is Up," are strident and swinging without losing the breezy cool feel . Raney's solo is a mix of bop phrasing and heated arpeggios that glide effortlessly into Katz's comping. Brookmeyer's "Get Off That Roof" is another swinging mini-opus that offers a new view of the trombonist as soloist. Hank Jones plays piano here and is stellar at creating a solid backdrop for both front-line players. This is as fine a set from the end of the cool jazz period as one is likely to hear.

https://www.allmusic.com/album/jimmy-raney-featuring-bob-brookmeyer-mw0000702145

Artist Biography

Jimmy Raney began his jazz guitar career very early with the history showing he played in the Jerry Wald band in 1944 at age 17. Later that same year he went to Chicago where he worked in local groups and then in 1948 he did a brief stint with Woody Herman. He made some of his earliest recordings with Al Haig (Talk A Little Bop) and with Buddy De Franco (Extrovert) at about that same time in New York, and then joined the Artie Shaw Orchestra in 1949 at the age of 22.

He made a number of recordings with Shaw's orchestra often featured as a soloist. His solo on Fred's Delight from 1949 was an eight bar gem. In 1951 Jimmy Raney joined the Stan Getz Quintet and over the next three years produced, what some feel, his best work. The best examples of the collaboration of Raney and Getz were the live Storyville recordings. These sessions offered the first recorded examples of Jimmy Raney's ability to play chorus after chorus of creative, finely articulated solos.

Jimmy Raney's association with Stan Getz was only one of many associations he had with horn players. Beginning with Buddy De Franco, Raney seemed to like the small ensemble that included a horn. His recordings in this format from 1940, 1950, 1960 and 1970 far outnumber those he made as leader with trio or quartet. Like Barry Galbraith, he seemed able to blend his style, technique and sound into almost any venue, while distinguishing himself as an individual artist and soloist in those same venues.

Over the years, besides Getz, he performed and recorded with Bob Brookmeyer, Urbie Green, Bobby Jasper, Gigi Gyrce, Zoot Sims and Al Cohn just to name a few. And, although his association with Getz attained legendary status, his association with Bob Brookmeyer was equally productive and noteworthy. On the recordings made with Brookmeyer, Raney employed many of the same techniques he used so well on the Getz recordings; voicing his guitar with, or playing in unison with the horn, playing a counter melody behind the horn, providing a solid rhythm for the horn solos and of course, example after example of Raney spinning out his long solo lines.

Facing an alcohol problem and lack of work opportunities in New York, Raney returned to Louisville in early 1967. Between a 1965 Shirley Scott date, and the 1974 Momentum session under his own name, he didn’t make any jazz records. However, four titles from a 1967 concert in Louisville with hometown musicians later appeared as one side of “Jimmy Raney Strings and Swings” on Muse.

In 1975 he began an association with Xanadu Records and the following year he made his only trip to Japan as part of a Xanadu All-Star package. Interest in Raney increased and his New York and European appearances became more numerous in the 1975-85 decade, but he continued to live in Louisville.

In 1981 he produced a series of recordings for Criss Cross Records: Raney '81, Wisteria, The Master and But Beautiful made in 1992. Unlike most of his earlier work, these recordings have Raney in a trio or quartet setting, each showing that he never lost the facility or technique that distinguished him 40 years earlier in 1952.

Source: classic jazz guitar

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmyraney

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Reseña de Thom Jurek

Aunque Jimmy Raney grabó bajo su propio nombre ya en 1953, este set de 1956 es considerado como su llegada como líder. Raney es tan buen arreglista como guitarrista. Estos ocho temas con Bob Brookmeyer en trombón (otro gran arreglista en papel de solista) brillan con la facilidad y fluidez de la mejor de las frescas sesiones grabadas en los albores del hard bop. Uno de los mejores ejemplos de la interacción entre Raney y Brookmeyer ocurre al principio de la segunda canción del álbum, "How Long Has This Been Going On", donde la pareja entablan un breve diálogo contrapuntístico antes de los solos de Brookmeyer sobre la melodía y Raney llena suavemente el espacio detrás de él susurrando sus acordes y llenando el fraseo del trombonista, antes de tomar su propio solo y deslizar un patrón armónico invertido sobre la línea lírica de la melodía. La pareja se reengancha a mitad de camino antes de los solos de Dick Katz al piano con una serie de carreras de blues en el registro superior. Las propias melodías de Raney, como "The Flag Is Up", son estridentes y se balancean sin perder la sensación de frescura de la brisa. El solo de Raney es una mezcla de fraseo bop y arpegios calientes que se deslizan sin esfuerzo en la composición de Katz. "Get Off That Roof" de Brookmeyer es otro mini-opus oscilante que ofrece una nueva visión del trombonista como solista. Hank Jones toca el piano aquí y es estelar en la creación de un sólido telón de fondo para ambos jugadores de primera línea. Este es un conjunto tan bueno del final del período de jazz como uno puede escuchar.

https://www.allmusic.com/album/jimmy-raney-featuring-bob-brookmeyer-mw0000702145

Biografía del artista

Jimmy Raney comenzó su carrera como guitarrista de jazz muy temprano, con la historia demostrando que tocó en la banda de Jerry Wald en 1944 a la edad de 17 años. Más tarde ese mismo año se fue a Chicago donde trabajó en grupos locales y luego en 1948 hizo una breve temporada con Woody Herman. Hizo algunas de sus primeras grabaciones con Al Haig (Talk A Little Bop) y con Buddy De Franco (Extrovert) en esa misma época en Nueva York, y luego se unió a la Artie Shaw Orchestra en 1949 a la edad de 22 años.

Realizó varias grabaciones con la orquesta de Shaw, a menudo como solista. Su solo en Fred's Delight de 1949 fue una joya de ocho compases. En 1951 Jimmy Raney se unió al Quinteto Stan Getz y durante los tres años siguientes produjo, lo que algunos sienten, su mejor trabajo. Los mejores ejemplos de la colaboración de Raney y Getz fueron las grabaciones en vivo de Storyville. Estas sesiones ofrecieron los primeros ejemplos grabados de la habilidad de Jimmy Raney para tocar el coro después de un coro de solos creativos y bien articulados.

La asociación de Jimmy Raney con Stan Getz era sólo una de las muchas asociaciones que tenía con los trompetistas. Comenzando con Buddy De Franco, a Raney pareció gustarle el pequeño grupo que incluía una trompa. Sus grabaciones en este formato de 1940, 1950, 1960 y 1970 superan con creces las que realizó como líder con trío o cuarteto. Al igual que Barry Galbraith, parecía capaz de combinar su estilo, técnica y sonido en casi cualquier lugar, a la vez que se distinguía como artista individual y solista en esos mismos lugares.

A lo largo de los años, además de Getz, tocó y grabó con Bob Brookmeyer, Urbie Green, Bobby Jasper, Gigi Gyrce, Zoot Sims y Al Cohn, entre otros. Y, aunque su asociación con Getz alcanzó un estatus legendario, su asociación con Bob Brookmeyer fue igualmente productiva y notable. En las grabaciones hechas con Brookmeyer, Raney empleó muchas de las mismas técnicas que usó tan bien en las grabaciones de Getz; expresando su guitarra o tocando al unísono con la trompa, tocando una melodía contraria detrás de la trompa, proporcionando un ritmo sólido para los solos de trompa y por supuesto, un ejemplo tras otro de Raney haciendo girar sus largas líneas solistas.

Enfrentando un problema de alcohol y la falta de oportunidades de trabajo en Nueva York, Raney regresó a Louisville a principios de 1967. Entre una cita con Shirley Scott en 1965 y la sesión Momentum de 1974 con su propio nombre, no grabó ningún disco de jazz. Sin embargo, cuatro títulos de un concierto de 1967 en Louisville con músicos de la ciudad natal aparecieron más tarde como un lado de "Jimmy Raney Strings and Swings" en Muse.

En 1975 comenzó una asociación con Xanadu Records y al año siguiente hizo su único viaje a Japón como parte de un paquete de Xanadu All-Star. El interés en Raney aumentó y sus apariciones en Nueva York y Europa se hicieron más numerosas en la década 1975-85, pero continuó viviendo en Louisville.

En 1981 produjo una serie de grabaciones para Criss Cross Records: Raney '81, Wisteria, El Maestro y Pero Hermoso hecho en 1992. A diferencia de la mayoría de sus trabajos anteriores, estas grabaciones tienen a Raney en un trío o cuarteto, cada una mostrando que nunca perdió la facilidad o técnica que lo distinguió 40 años antes en 1952.

Fuente: guitarra clásica de jazz

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmyraney

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