VA • The World Needs Changing - Street Funk & Jazz Grooves 1967-1976

 

  

Reuben Wilson • Blue Breakbeats

Reuben Wilson was one of many soul-jazz organists to emerge in the late '60s, but he was one of only a handful of new organists from that era to be signed to Blue Note. By that point in the label's history, most of their artists were concentrating on accessible soul-jazz, and while he occasionally strayed outside of the conventions of the genre, Wilson more or less followed their rule. Between 1968 and 1971, he recorded five sessions for the label. None of his records received much acknowledgment at the time, but they were later rediscovered by a new generation of soul-jazz fans, becoming collector's items within acid jazz and soul-jazz revivalist circles.

 

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Reuben Wilson fue uno de los muchos organistas de soul-jazz que surgieron a finales de los 60, pero fue uno de los pocos organistas nuevos de esa época que firmaron con Blue Note. En ese momento de la historia del sello, la mayoría de sus artistas se concentraban en el soul-jazz accesible, y aunque ocasionalmente se desviaba de las convenciones del género, Wilson seguía más o menos su norma. Entre 1968 y 1971, grabó cinco sesiones para el sello. Ninguno de sus discos recibió mucho reconocimiento en su momento, pero más tarde fueron redescubiertos por una nueva generación de aficionados al soul-jazz, convirtiéndose en piezas de coleccionista en los círculos del acid jazz y del soul-jazz revival.

Sonny Phillips • Black On Black

Reviews:
Sonny Phillips' third and final album for Prestige, coming just over a year after his first, shows the soul-jazz organist moving in a somewhat funkier direction than his first two efforts. The roiling title track actually has an edge of menace to it, an idea his other albums never even entertained. Of the five tracks, the most surprisingly effective is the nine-minute take on Creedence Clearwater Revival's "Proud Mary"; even more so than Ike and Tina Turner, Phillips and band completely reshape the song, taking off the edge of distance from Creedence Clearwater Revival's original and the campy showbiz of the better-known cover in favor of a pure soul-jazz workout that's among the finest things Phillips ever did in his short recording career. The other highlight is "The Doll House," a showcase for Rusty Bryant's tenor sax with the album's most satisfying soloing. Sonny Phillips isn't highly rated by some soul-jazz historians, but his unique and characteristic light tone -- heavily influenced by his early teachers, Jodie Christian and Ahmad Jamal -- makes his albums far more interesting to listen to than the usual barrage of Jimmy McGriff lifts. ~ by Stewart Mason, AMG.
Source: http://www.allmusic.com/album/black-on-black-mw0000946457

This 1970 album "Black On Black" is another fine soul-jazz recording. It features Phillips with tenor saxophonist Rusty Bryant, guitarist Melvin Sparks, electric bassist Jimmy Lewis and drummer Bernard Purdie. The music is blues-and groove-oriented. Bryant in particular showcases some fine solos, while Phillips' chugging organ is always appealing.

 

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Reseñas:
El tercer y último álbum de Sonny Phillips para Prestige, que llega poco más de un año después del primero, muestra al organista de soul-jazz moviéndose en una dirección algo más funky que sus dos primeros trabajos. El tema que da título al disco tiene un toque de amenaza, una idea que sus otros álbumes ni siquiera contemplaban. De los cinco temas, el más efectivo es la versión de nueve minutos de "Proud Mary" de Creedence Clearwater Revival; incluso más que Ike and Tina Turner, Phillips y la banda remodelan completamente la canción, quitando el borde de la distancia de la original de Creedence Clearwater Revival y el espectáculo campestre de la versión más conocida en favor de un trabajo de soul-jazz puro que está entre las mejores cosas que Phillips ha hecho en su corta carrera discográfica. El otro punto culminante es "The Doll House", un escaparate para el saxo tenor de Rusty Bryant con el solo más satisfactorio del álbum. Sonny Phillips no es muy valorado por algunos historiadores del soul-jazz, pero su tono ligero, único y característico -muy influenciado por sus primeros maestros, Jodie Christian y Ahmad Jamal- hace que sus álbumes sean mucho más interesantes de escuchar que el habitual aluvión de levantamientos de Jimmy McGriff. ~ por Stewart Mason, AMG.
Fuente: http://www.allmusic.com/album/black-on-black-mw0000946457

Este álbum de 1970, "Black On Black", es otra buena grabación de soul-jazz. Presenta a Phillips con el saxofonista tenor Rusty Bryant, el guitarrista Melvin Sparks, el bajista eléctrico Jimmy Lewis y el baterista Bernard Purdie. La música está orientada al blues y al groove. Bryant, en particular, muestra algunos buenos solos, mientras que el órgano de Phillips es siempre atractivo.

Jimmy McGriff • Countdown [link OK]

Review by Scott Yanow
Jimmy McGriff's Milestone debut, which has been reissued on CD, features the soulful organist heading a group of lesser-known players -- including three horns and the fine guitarist Melvin Sparks -- and doing his best to emulate the sound of a big band. The material ("I'm Walkin'," a couple of Frank Foster numbers including "Shiny Stockings," Benny Green's "Blow Your Horn," "Since I Fell for You" and a McGriff original) is strong and inspires the musicians to play funky, grease-filled solos. Few surprises occur, but the music is quite enjoyable and easily recommended to fans of this genre.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700

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Reseña de Scott Yanow
El debut de Jimmy McGriff en Milestone, que ha sido reeditado en CD, presenta al conmovedor organista al frente de un grupo de músicos menos conocidos -incluyendo tres trompas y el excelente guitarrista Melvin Sparks- y haciendo todo lo posible por emular el sonido de una gran banda. El material ("I'm Walkin'", un par de números de Frank Foster incluyendo "Shiny Stockings", "Blow Your Horn" de Benny Green, "Since I Fell for You" y un original de McGriff) es fuerte e inspira a los músicos a tocar solos funky y llenos de grasa. Hay pocas sorpresas, pero la música es bastante agradable y fácilmente recomendable para los aficionados a este género.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700

VA • Jazz Dispensary The Dank D-Funk Blend Vol.1

 

Ron Levy's Wild Kingdom • Funky Soul Grooves

Ron Levy is one of the finest young masters of the Hammond B-3. Here are 11 soul-satisfying cuts that feature Levy's funky keyboard playing -- many written by Levy himself. Those who look for B-3 jams in the soul-jazz vein that are as funky as can be will not be disappointed. This is a great CD to own.find" Matthew 7:7.

Artist Biography by Steve Huey

Organist/pianist Ron Levy has devoted most of his career to keeping the flame of funky, bluesy soul-jazz alive. Born Reuvin Zev ben Yehoshua Ha Levi in 1959 in Cambridge, MA, Levy played clarinet as a child but switched to piano after seeing Ray Charles at age 13. When he encountered the music of Jimmy Smith, Billy Preston, and Booker T. & the MG's, he fell in love with the Hammond B-3 and made the switch. Levy began working the Boston blues club scene as a teenager, and was hired by Albert King in 1971, before even graduating from high school. He spent a year and a half with King, and then joined B.B. King's backing band, where he remained for the next seven years. He also began working with the Rhythm Rockers in 1976, an association that lasted four years, and then became a member of Roomful of Blues from 1983-1987. It was during that time that Levy recorded his first session as a leader, 1985's Ron Levy's Wild Kingdom for the Black Top label. Safari in New Orleans followed in 1988, after which Levy moved to the Bullseye Blues label, where he eventually became an in-house producer (an area where he's garnered seven Grammy nominations). His albums for Bullseye Blues include 1992's B-3 Blues and Grooves and 1996's Zim Zam Zoom: Acid Blues on B-3. 1998's Greaze Is What's Good (recorded for Cannonball) featured an all-star roster of guests, including Freddie Hubbard, Melvin Sparks, David T. Walker, Steve Turre, Idris Muhammad, and Preston Shannon. Since 1988 Levy hasn't released anything under his own name, but continues to tour regularly and collaborate with and produce artists like Jimmy King, Karl Denison and Charles Earland.

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Ron Levy es uno de los mejores jóvenes maestros del Hammond B-3. Aquí hay 11 cortes que satisfacen el alma y que presentan el funky juego de teclado de Levy, muchos escritos por el mismo Levy. Aquellos que busquen los B-3 en la vena del soul-jazz que son tan funky como se puede ser no se sentirán decepcionados. Este es un gran CD para poseer..." Mateo 7:7.

Biografía del artista por Steve Huey

El organista / pianista Ron Levy ha dedicado la mayor parte de su carrera a mantener viva la llama del soul-jazz funky y blues. Nacido como Reuvin Zev ben Yehoshua Ha Levi en 1959 en Cambridge, Massachusetts, Levy tocó el clarinete cuando era niño, pero cambió a piano después de ver a Ray Charles a la edad de 13 años. Cuando conoció la música de Jimmy Smith, Billy Preston y Booker T. MG, se enamoró del Hammond B-3 e hizo el cambio. Levy comenzó a trabajar en la escena del club de blues de Boston cuando era un adolescente, y fue contratado por Albert King en 1971, incluso antes de graduarse de la escuela secundaria. Pasó un año y medio con King, y luego se unió a la banda de apoyo de B. B. King, donde permaneció durante los próximos siete años. También comenzó a trabajar con los Rhythm Rockers en 1976, una asociación que duró cuatro años, y luego se convirtió en miembro de Roomful of Blues desde 1983-1987. Fue durante ese tiempo que Levy grabó su primera sesión como líder, Ron Levy's Wild Kingdom de 1985 para el sello Black Top. Safari en Nueva Orleans lo siguió en 1988, después de lo cual Levy se mudó al sello Bullseye Blues, donde eventualmente se convirtió en productor interno (un área donde obtuvo siete nominaciones a los Grammy). Sus álbumes para Bullseye Blues incluyen B-3 Blues and Grooves de 1992 y Zim Zam Zoom: Acid Blues de 1996 en B-3. Greaze Is What's Good de 1998 (grabado para Cannonball) presentó una lista de estrellas de invitados, entre ellos Freddie Hubbard, Melvin Sparks, David T. Walker, Steve Turre, Idris Muhammad y Preston Shannon. Desde 1988, Levy no ha publicado nada bajo su propio nombre, pero continúa viajando regularmente y colaborando y produciendo artistas como Jimmy King, Karl Denison y Charles Earland.

 

 

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Dr. Lonnie Smith • Think!

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Hank Crawford • Indigo Blue

 

Hank Crawford - Jimmy McGriff • Crunch Time

Review

Classic soul-jazz, once given the R.I.P. treatment, has crawled from its grave in recent years, raiding the grooves of Medeski, Martin & Wood, showing up in samples manipulated by hip-hoppers, and coloring modern-jazz projects by the likes of Javon Jackson. The sound - saturday night's fish fry bumping into sunday-morning services - has long been the cornbread and butter, if you will, of saxophonist Hank Crawford and Hammond B-3 master Jimmy McGriff. With Crunch Time, that couple is back together for their seventh collaboration in 13 years.

Joined by fatback drummer Bernard Purdie and guitarists Melvin Sparks and Cornell Dupree on various tracks, the pair regularly cross and straddle that sacred-profane divide. They slide into action with Crawford's shuffling "Bow Legs," a showcase for the Memphis native's expressive alto - sometimes wailing, sometimes barking, nearly always subject to being mistaken for a vocal cry. And they send listeners home with Horace Silver's "The Preacher," as the Philadelphia-born McGriff's gospel-blues organ intro sets up the unison and harmony lines of his bandmates.

There's plenty of preaching in between, including "Don't Deceive Me (Please Don't Go)," as sultry a ballad as you'll find this side of closing time at the juke joint; the sing-song testifying of Clifford Brown's "Sandu" (notice Sparks' hint of "St. Thomas"); and the McGriff-penned title track, earthy and swinging mean. Also worked into the sermon are a lightly funked take on Marvin Gaye's hit "What's Going On" and a moody, slow-moving version of "Without a Song" that wouldn't be out of place at a tent revival. Call us converted.

Philip Booth, JAZZIZ Magazine Copyright © 2000, Milor Entertainment, Inc. -- From Jazziz

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Revisar

El soul-jazz clásico, que una vez recibió el tratamiento R.I.P., se ha arrastrado desde su tumba en los últimos años, asaltando los surcos de Medeski, Martin & Wood, apareciendo en muestras manipuladas por hip-hoppers, y coloreando proyectos de modern-jazz de gente como Javon Jackson. El sonido - el pescado frito del sábado por la noche chocando con los servicios del domingo por la mañana - ha sido durante mucho tiempo el pan de maíz y la mantequilla, si se quiere, del saxofonista Hank Crawford y el maestro de Hammond B-3 Jimmy McGriff. Con Crunch Time, esa pareja vuelve a estar junta para su séptima colaboración en 13 años.

Acompañados por el baterista Bernard Purdie y los guitarristas Melvin Sparks y Cornell Dupree en varios temas, la pareja se cruza regularmente y se sitúa a horcajadas en esa división sagrado-profana. Se deslizan a la acción con "Bow Legs" de Crawford, una muestra del expresivo alto del nativo de Memphis - a veces lamentando, a veces ladrando, casi siempre sujeto a ser confundido con un grito vocal. Y envían a los oyentes a casa con "El Predicador" de Horace Silver, mientras que la introducción del órgano gospel-blues de McGriff, nacido en Filadelfia, establece las líneas de unísono y armonía de sus compañeros de banda.

Hay mucha predicación en medio, incluyendo "No me engañes (por favor no te vayas)", una balada tan sensual como la que se encuentra a este lado de la hora de cierre en el Juke Joint; la canción que testifica sobre "Sandu" de Clifford Brown (noten la insinuación de "St. Thomas" de Sparks); y el tema del título de McGriff, terrenal y con significado de swing. También se ha incluido en el sermón una versión ligeramente divertida del éxito de Marvin Gaye "What's Going On" y una versión malhumorada y lenta de "Without a Song" que no estaría fuera de lugar en un renacimiento de una tienda de campaña. Llámanos convertidos.

Philip Booth, Revista JAZZIZ Copyright © 2000, Milor Entertainment, Inc. -- De Jazziz

Ron Levy's Wild Kingdom • Mo' Blues & Grooves

Album Notes

This album is part of a four part series showcasing Ron Levy as a composer and master musician. It is an anthology drawn from the various recordings Mr. Levy produced, arranged and played his signature sound on piano, electric piano, vibes, guitar and Hammond organ. There are even a couple of his Blues inspired vocals!

Historically over the last twenty years, Ron has blended many different styles and genres into his own unique musical gumbo within each of his critically acclaimed and popular recordings. Enough so, he has now been able to assemble four separate full length albums comprised in each genre of grooves.

These album titles aptly describe each particular mood and vibe contained in each of them: “Mo’ JAZZY Grooves” - “FUNKY Soul Grooves” - “Mo’ BLUES & Grooves” and “LATIN-a-licious Grooves”.

This newest collection is in addition to his three previously released anthologies: Ron Levy’s Wild Kingdom - “Best Grooves and Jams” - “Jazz-a-licious Grooves” and “Best of RLWK”. All distributed by CdBaby and on his Facebook fan page music store.

As usual, Levy has always surrounded himself with many of the most talented musicians in the world throughout his long and celebrated career. They all have interpreted his compositions with soulful empathy, adding their own unique artistic creative contributions and styles to help fulfill Ron’s vision of his original compositions and are featured throughout all four albums.

Included in this collection are: Karl Denson, Melvin Sparks, The Memphis Horns, Idris Muhammad, James Gadson, David T. Walker, Stanley Banks, Jeff Lockhart, Crispin Cioe, ‘Sax’ Gordon, Albert Collins, Tutu Jones, Johnnie Bassett, Preston Shannon, Smokey Wilson, Bobby Forte, Jim Spake and Scott Thompson, Anson Funderburg and Sam Myers, Kim Wilson, Jimmie Vaughan, Roomful of Blues, Lowell Fulson, Larry Davis and Ronnie Earl.

These songs as well as many of these personalities (and many more) are further explained and candidly revealed in Ron’s web-book, “Tales of a Road Dog” available on his website. Look up Ron Levy / Levtron - online. We hope you enjoy these selections and include them in your regular rotation and consider them among your favorites. So stay tuned, there’s much more to come. Enjoy!

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Notas del álbum

Este álbum es parte de una serie de cuatro partes que muestra a Ron Levy como compositor y músico maestro. Es una antología de las diversas grabaciones que el Sr. Levy produjo, arregló y tocó su sonido característico en el piano, piano eléctrico, vibráfono, guitarra y órgano Hammond. ¡Incluso hay un par de sus voces inspiradas en el Blues!

Históricamente, durante los últimos veinte años, Ron ha mezclado muchos estilos y géneros diferentes en su propio y único gumbo musical dentro de cada una de sus aclamadas y populares grabaciones. Lo suficiente como para que haya sido capaz de reunir cuatro álbumes completos separados, comprendidos en cada uno de los géneros.

Los títulos de estos álbumes describen adecuadamente cada estado de ánimo y vibración particular contenida en cada uno de ellos: "Mo' JAZZY Grooves" - "FUNKY Soul Grooves" - "Mo' BLUES & Grooves" y "LATIN-a-licious Grooves".

Esta nueva colección se suma a sus tres antologías anteriores: Ron Levy's Wild Kingdom - "Best Grooves and Jams" - "Jazz-a-licious Grooves" y "Best of RLWK". Todo distribuido por CdBaby y en su tienda de música de su página de fans en Facebook.

Como de costumbre, Levy siempre se ha rodeado de muchos de los músicos más talentosos del mundo a lo largo de su larga y celebrada carrera. Todos ellos han interpretado sus composiciones con una empatía conmovedora, añadiendo sus propias contribuciones creativas artísticas y estilos únicos para ayudar a cumplir con la visión de Ron de sus composiciones originales y se presentan a lo largo de los cuatro álbumes.

Incluidos en esta colección están: Karl Denson, Melvin Sparks, The Memphis Horns, Idris Muhammad, James Gadson, David T. Walker, Stanley Banks, Jeff Lockhart, Crispin Cioe, 'Sax' Gordon, Albert Collins, Tutu Jones, Johnnie Bassett, Preston Shannon, Smokey Wilson, Bobby Forte, Jim Spake y Scott Thompson, Anson Funderburg y Sam Myers, Kim Wilson, Jimmie Vaughan, Roomful of Blues, Lowell Fulson, Larry Davis y Ronnie Earl.

Estas canciones, así como muchas de estas personalidades (y muchas más) se explican y revelan con franqueza en el libro web de Ron, "Tales of a Road Dog" disponible en su sitio web. Busca Ron Levy / Levtron - en línea. Esperamos que disfrutes de estas selecciones y las incluyas en tu rotación regular y las consideres entre tus favoritas. Así que manténganse en sintonía, hay mucho más por venir. ¡Disfrutad! 

 

 

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Jimmy McGriff • Blue to the Bone

Artist Biography by Steve Huey

One of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic enough to blur the lines of classification. His sound -- deep, down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him quite popular with R&B audiences, even more so than some of his peers; what was more, he was able to condense those charms into concise, funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl," "Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement, switching to various electric keyboards and adopting an increasingly smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his creative vitality and take his place as one of the genre's elder statesmen.

James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his cousins. First getting involved in music through his family's church, he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass remained his primary instrument for a while, although he was inspired to try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military after high school, and served in the Korean War as a military policeman. Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement a career, and after completing the necessary training, he worked on the Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's Showboat club.

With the Hammond organ rising in popularity around Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house (where he stored the instrument). Skipping more and more work time to play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local Combe College to study music. He later moved on to the prestigious Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958; it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become one of the instrument's quintessential performers.

McGriff was performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout from the small Jell label heard him and offered him a chance to record. McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic "I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release. With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman" hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in 1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl" (number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several more McGriff albums over the next two years, including the live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single "Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.

In 1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade, including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with "The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally, McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and again from 1971-1972.

McGriff made Groove Merchant his primary label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans, which also sold respectably.

After 1977's Tailgunner (on LRC), McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford during the late '80s, which released several albums, including 1990's popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K., McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David "Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would become familiar faces on McGriff recordings in the years to come. Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue, which looked back on some of his '60s hits.

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Biografía del artista por Steve Huey

Jimmy McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su ciudad natal, Filadelfia. Es casi seguro que fue el más blues de los principales pioneros del soul-jazz, y de hecho, a menudo insistió en que era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se mantuvo lo suficientemente ecléctico como para desdibujar las líneas de clasificación. Su sonido, profundos y profundos ritmos empapados en el blues y el sentimiento del evangelio, lo hizo bastante popular entre el público de R&B, incluso más que algunos de sus compañeros; más aún, fue capaz de condensar esos encantos en singles concisos, modernos y listos para usar en la máquina de discos que, a menudo, resultaron sorprendentemente bien en las listas de R&B. Su reordenación de "I Got a Woman" de Ray Charles fue un éxito de R&B Top Five en 1962, y otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los años 70 tratando de seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Cuando comenzó la década de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y volvió a su clásico sonido de órgano-trío; como la suerte lo tendría, el soul-jazz vintage pronto volvió a estar de moda con un culto devoto de fanáticos y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su lugar como uno de los estadistas más antiguos del género.

James Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre y su padre tocaron el piano, y él contó entre sus primos al saxofonista Benny Golson y al cantante de soul Harold Melvin. Primero se involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia, había tomado bajo acústico y saxo alto, y también aprendió vibraciones, piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. Bass siguió siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró para probar el órgano de Hammond después de ver a Richard "Groove" Holmes en un club en Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff fue reclutado en el ejército después de la escuela secundaria, y sirvió en la Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos, decidió hacer de la policía una carrera, y después de completar la capacitación necesaria, trabajó en la policía de Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor frecuencia, Big Maybelle, que tenía un concierto habitual en el club local de Pep's Showboat.

Debido a que el órgano Hammond creció en popularidad en Filadelfia, los trabajos para los bajistas eran escasos, y McGriff contactó a Groove Holmes para que aprendiera el órgano, esta vez en serio. Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses practicando todo lo que pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa de Archie Shepp (donde guardó el instrumento). Al saltarse cada vez más tiempo de trabajo para tocar en conciertos, finalmente abandonó la policía y se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music en Nueva York, y también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el single "Foxy Due", cortado para el pequeño sello White Marsh en 1958; contó con un joven saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los intérpretes por excelencia del instrumento.

McGriff se estaba presentando en un pequeño club en Trenton, NJ, en 1962, cuando un cazatalentos de talento del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como single y se vendió lo suficientemente bien para que el sello Sue de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo compre para un lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción a sus espaldas, "Tengo una mujer" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un éxito de buena fe, subiendo al Top Five en las listas de R&B y al Top 20 en el lado pop. Sue lanzó el álbum de debut de McGriff, naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un éxito, casi se convirtió en el Top 20 del pop, y escindió dos singles más en las listas de los originales de McGriff "All About My Girl" (número 12 de R&B, Top 50 pop) y "M.G. Blues". Sue lanzado varios álbumes más McGriff en los próximos dos años, incluyendo el vivo en el Apollo, Jimmy McGriff en el órgano (que produjo el único gráfico "Kiko"), golpeó las vacaciones de Navidad con McGriff (en realidad su álbum de más alto alcanzando el número 15 pop), la cartografía de Topkapi (una colección de temas banda sonora con respaldo orquestal), y otro golpe carta, blues de Mister Jimmy, que resultó ser su última en Sue.

En 1966, McGriff se trasladó al sello Solid State, donde se unió al productor Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos a través de los años 70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band, que lo encontró al frente de una orquesta de swing de estrellas con muchos ex alumnos de Count Basie (que luego fue reeditado como A Tribute to Count Basie). McGriff grabó de forma prolífica para Solid State durante el resto de la década, incluidos álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y I've Got a New Woman (1968; en su mayoría, una mirada retrospectiva a su material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff anotó otro sencillo de éxito con "The Worm", que se convirtió en el Top 30 de R&B y envió el LP del mismo nombre a la Top Ten de R&B a principios de 1969. Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff cortó varios álbumes para Blue Note durante 1969-1971, en particular Electric Funk, una incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió al arreglador / pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluyó versiones de pop / rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de la banda de Buddy Rich durante los últimos años de la década de los 60, y nuevamente entre 1971 y 1972.

McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal en 1971, y aunque dejó el negocio brevemente en 1972 para iniciar una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música demostró ser demasiado poderoso para vencerlo. A principios de la década, alternó entre salidas eléctricas funky (usualmente con covers de éxitos de rock contemporáneo y R&B) y configuraciones más tradicionales de órgano-jazz de grupos pequeños. Entre los álbumes notables se incluyen los Giants of the Organ Come Together de 1973, una cumbre con el mentor y amigo Groove Holmes; un dúo álbum con el bluesman Junior Parker; Mean Machine de 1976, un LP de jazz-funk que lo devolvió al Top 50 de la lista de álbumes de R&B; y los frijoles rojos de seguimiento de 1977, que también se vendieron de manera respetable.

Después de Tailgunner (en LRC) de 1977, la producción grabada de McGriff se redujo en los próximos años. Reapareció en el sello Milestone en 1983, debutando con Countdown, un regreso a su clásico estilo bluesy de soul-jazz que comenzó a traerlo de nuevo al foco del jazz. Siguieron una serie de álbumes fuertes durante los años 80, incluyendo Skywalk de 1984, State of the Art de 1985, The Starting Five de 1986 y Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de éxitos de jazz); También grabó una sesión única para Headfirst en 1990, Debes pensar en mí, que se convirtió en el Top Ten de jazz. Además, McGriff co-dirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a finales de los 80, que lanzó varios álbumes, incluido el popular de 1990 On the Blue Side (número tres en las listas de jazz). También volvió a sus raíces en la iglesia tocando en el álbum en vivo de 1990 de la cantante de gospel Tramaine Hawkins. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de álbumes de 1994-1995, Right Turn on Blue y Blues Groove. Cuando el soul-jazz volvió a su popularidad de culto tanto en Estados Unidos como en Estados Unidos, McGriff se encontró tocando conciertos y lugares de alto perfil en ambos lados del Atlántico. Regresó a Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con The Dream Team, que contó con el saxo David "Fathead" Newman y el baterista Bernard "Pretty" Purdie, quienes se convertirían en rostros familiares en las grabaciones de McGriff en los próximos años. Los seguimientos incluyeron registros sólidos como Straight Up de 1998, McGriff's House Party de 2000, Feelin 'It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordó algunos de sus éxitos de los '60.

Melvin Sparks • Spark Plug

 

Review by Richie Unterberger

Sparks used a similar soul-jazz approach as he had on his previous Prestige session (Sparks!), revamping the lineup to put Reggie Roberts on organ and a young Grover Washington, Jr. on tenor sax (Idris Muhammad remained behind the drums). He also introduced some compositions of his own this time around; three of the five numbers are Sparks originals. It's more relaxed, funky, occasionally bluesy jazz with guitar and organ to the fore, very much of a piece with the Prestige soul-jazz "house" sound circa 1970. Pleasant fare, although it does tend to fade into suitable background music instead of attracting attention or intense scrutiny.

Artist Biography

Melvin Sparks is the Essential Guitar Player! He’s The Master Of The Groove! The Acid-Jazz Pioneer! The Originator of Soul Jazz, Old School Acid Jazz & BarbecueFunk(FUNKJAZZ)

Over the last thirty years he has played with some of Jazz’s greatest musicians: David “Fathead” Newman, Lou Donaldson, Hank Crawford, Reuben Wilson and John Patton (are amongst the many). During the 1970s, Sparks backed up Lou Donaldson on the Funk-Jazz classics “Everything I Play Is Funky” and “Hot Dog”.

Sparks recorded seven albums of his own and played on over 100 other albums. As a session man for Blue Note and Prestige Records, Sparks laid his signature guitar work on many other musician’s albums without ever being in spotlight. It was during this time that Melvin defined the jazz-guitar sound of a generation.

Melvin Sparks is still a much sought-after studio player, both new and old talents seek him out now more than ever. He continues to perform with the greats of this genre such as Leon Spencer Jr., Mike Clark and Idris Mohammed and is now breaking out his legendary guitar wizardry with many younger bands and artists such as Galactic, The Greyboy Allstars, Karl Denson's Tiny Univers, Derek Trucks and Robert Walter's 20th Congress.

Melvin is geared up to show us all what he does better than anyone else. Groove hard and in the pocket. Melvin Sparks has perhaps the most inspiring and soul-energizing guitar chops on this planet or another

. He is admired by many performers, and audiences old and young alike, but continues to be a hidden treasure for music fans worldwide. He is Soul-Jazzy and Funky to the core!

https://musicians.allaboutjazz.com/melvinsparks

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Reseña de Richie Unterberger

Sparks usó un enfoque de soul-jazz similar al de su anterior sesión de Prestige (Sparks!), renovando la alineación para poner a Reggie Roberts en el órgano y a un joven Grover Washington, Jr. en el saxo tenor (Idris Muhammad permaneció detrás de la batería). También introdujo algunas composiciones propias esta vez; tres de los cinco números son originales de Sparks. Es más relajado, funky, ocasionalmente bluesy jazz con guitarra y órgano al frente, una pieza con el sonido "house" de soul-jazz Prestige alrededor de 1970. Es una música agradable, aunque tiende a desvanecerse en una música de fondo adecuada en lugar de atraer la atención o un intenso escrutinio.

Biografía del artista

Melvin Sparks es el guitarrista esencial! Él es el maestro de la música! El pionero del Acid-Jazz! El creador del Soul Jazz, Acid Jazz de la vieja escuela y BarbecueFunk(FUNKJAZZ)

Durante los últimos treinta años ha tocado con algunos de los más grandes músicos de Jazz: David "Fathead" Newman, Lou Donaldson, Hank Crawford, Reuben Wilson y John Patton (son algunos de ellos). Durante los años 70, Sparks apoyó a Lou Donaldson en los clásicos del Funk-Jazz "Todo lo que toco es funky" y "Hot Dog".

Sparks grabó siete álbumes propios y tocó en más de 100 álbumes más. Como hombre de sesión de Blue Note y Prestige Records, Sparks puso su trabajo de guitarra en muchos otros álbumes de otros músicos sin ser nunca el centro de atención. Fue durante este tiempo que Melvin definió el sonido de la guitarra de jazz de una generación.

Melvin Sparks sigue siendo un músico de estudio muy solicitado, tanto los nuevos como los viejos talentos lo buscan ahora más que nunca. Sigue actuando con los grandes de este género como Leon Spencer Jr., Mike Clark e Idris Mohammed y ahora está rompiendo su legendaria magia de la guitarra con muchas bandas y artistas más jóvenes como Galactic, The Greyboy Allstars, Tiny Univers de Karl Denson, Derek Trucks y el 20º Congreso de Robert Walter.

Melvin está preparado para mostrarnos a todos lo que hace mejor que nadie. Acanalar duro y en el bolsillo. Melvin Sparks tiene quizás la guitarra más inspiradora y estimulante del planeta...

. Es admirado por muchos intérpretes y por el público, tanto joven como viejo, pero sigue siendo un tesoro escondido para los aficionados a la música de todo el mundo. Es Soul-Jazzy y Funky hasta la médula!

https://musicians.allaboutjazz.com/melvinsparks

 

 

 

 

Brother Jack Mcduff • Do it now!

Review by Scott Yanow

After a long string of Prestige recordings, organist Jack McDuff recorded a few LPs for Atlantic (all of which are currently out of print) in a similar soul-jazz style. The only change was that the length of the tunes tended to fall into the potential radio airplay range of four to six minutes. McDuff and his regular group of the period (Leo Johnson and Danny Turner on reeds, underrated guitarist Melvin Sparks, and drummer Ray Appleton) swing their way through five of McDuff's originals and two obscurities with plenty of spirit, if not a great deal of originality.

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Traducción Automática:
Revisión por Scott Yanow

Después de una larga serie de grabaciones de Prestige, el organista Jack McDuff grabó algunos LP para Atlantic (todos los cuales están actualmente agotados) en un estilo similar de soul-jazz. El único cambio fue que la duración de las melodías tendía a caer en el rango de reproducción de radio de cuatro a seis minutos. McDuff y su grupo habitual de la época (Leo Johnson y Danny Turner en cañas, el guitarrista subestimado Melvin Sparks y el baterista Ray Appleton) se abren paso a través de cinco de los originales de McDuff y dos oscuridades con mucho espíritu, si no mucha originalidad. .

Melvin Sparks • Im A Gittar Player

 

Review by Alex Henderson

Although he appeared on countless R&B and soul-jazz sessions in the 1960s and early 1970s, Melvin Sparks has recorded only sporadically as a leader over the years. The late 1990s found the swinging, Grant Green-influenced guitarist recording for the Minneapolis-based Cannonball label and playing much the same type of groove-oriented organ-combo music he'd been embracing 25 and 30 years earlier. Recalling his work with Charles Earland, I'm a 'Gittar' Player employs Ron Levy on the Hammond B-3 and offers a very accessible fusion of jazz, R&B, blues and pop that often sounds like it could have been recorded in 1970. The only thing letting you know that this decent, enjoyable CD wasn't recorded back then is some Salt-N-Pepa-ish rapping that Sparks' daughters Ayisha and Idrissa provide on a remake of KC & the Sunshine Band's "Get Down Tonight." Otherwise, a retro outlook prevails. From the Latin-influenced "Jiggy" (which bears a definite resemblance to War's 1970 hit "Spill the Wine") to congenial numbers like "Sparkling," "Taste the Flavor" and "Mr. Texas," I'm a 'Gittar' Player demonstrates that jazz can have commercial appeal and pop leanings without sacrificing the type of spontaneity and blues feeling that make it jazz in the first place.

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Traducción Automática:

Revisión por Alex Henderson
Aunque apareció en innumerables sesiones de R&B y soul-jazz en la década de los 60 y principios de los 70, Melvin Sparks ha grabado solo de forma esporádica como líder a lo largo de los años. A fines de la década de 1990, se encontró con el guitarrista de Grant Green, con influencia de Green, para el sello Cannonball de Minneapolis y tocaba casi el mismo tipo de música de órgano-combo orientada al ritmo que había estado abrazando 25 y 30 años antes. Al recordar su trabajo con Charles Earland, soy un jugador 'Gittar' que emplea a Ron Levy en el Hammond B-3 y ofrece una fusión muy accesible de jazz, R&B, blues y pop que a menudo suena como si pudiera haber sido grabado en 1970. Lo único que te hace saber que este decente y agradable CD no se grabó en ese momento es el rap de Salt-N-Pepa-ish que las hijas de Sparks Ayisha e Idrissa ofrecen en una nueva versión de "Get Down Tonight" de KC & Sunshine Band. " De lo contrario, una perspectiva retro prevalece. Desde el "Jiggy" de influencia latina (que se parece mucho al éxito de 1970 de la Guerra, "Spill the Wine") a números similares como "Sparkling", "Taste the Flavor" y "Mr. Texas", soy un 'Gittar 'El jugador demuestra que el jazz puede tener un atractivo comercial y tendencias pop sin sacrificar el tipo de espontaneidad y el sentimiento de blues que lo hacen el jazz en primer lugar. 

 

 

Lou Donaldson • Everything I Play Is Funky

 Review by Steve Huey

Although purists might not find it as much to their taste as Midnight Creeper, Everything I Play Is Funky is easily one of the best examples of Lou Donaldson's commercially accessible period of the late '60s and early '70s. Donaldson's forays into funk and R&B-driven soul-jazz could sometimes sound stiff, but the grooves here -- which feature many of the same players -- are consistently limber and unforced. And, typical of the style, the grooves (not adventurous improvisation) are what make the album tick. For once, Donaldson's attempt at an R&B cover -- in this case, the Lee Dorsey-sung, Allen Toussaint-penned "Everything I Do Gonna Be Funky (From Now On)" -- is pulled off well enough to make for an entirely convincing statement of purpose. That number kicks off an entertaining program also highlighted by three Donaldson originals -- the cooking funk number "Donkey Walk," which seems to inspire the fieriest solos on the record, the cheery calypso "West Indian Daddy," and the hard bop-flavored "Minor Bash." There's also a version of "Over the Rainbow" done in Donaldson's caressing, melodic ballad style, and the simple funk vamp "Hamp's Hump." It's a nicely varied assortment, all anchored by the percolating rhythm section of guitarist Melvin Sparks, bassist Jimmy Lewis, and drummer Idris Muhammad (Charles Earland and Dr. Lonnie Smith switch off on organ, and Blue Mitchell and Eddie Williams do the same on trumpet). This is the sort of record that modern-day Donaldson disciples like the Sugarman Three cherish, and one of his few truly consistent efforts in this style. Recommended wholeheartedly to funk and rare-groove fans.

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Traducción Automática:

Reseña por Steve Huey

Aunque los puristas no lo encuentren a su gusto como Midnight Creeper, Everything I Play Is Funky es fácilmente uno de los mejores ejemplos del período comercialmente accesible de Lou Donaldson de finales de los sesenta y principios de los setenta. Las incursiones de Donaldson en el funk y el soul-jazz impulsado por el R&B a veces pueden sonar rígidos, pero los ritmos aquí, que incluyen a muchos de los mismos jugadores, son consistentemente ágiles y no forzados. Y, típico del estilo, los surcos (no la improvisación aventurera) son los que hacen que el álbum funcione. Por una vez, el intento de Donaldson de una portada de R&B, en este caso el "Todo lo que hago va a ser funky (interpretado por Lee Dorsey), interpretado por Allen Toussaint" Se arranca lo suficientemente bien como para crear una declaración convincente de propósito. Ese número da inicio a un entretenido programa también resaltado por tres originales de Donaldson: el número funky de cocina "Donkey Walk", que parece inspirar a los solos más feroces del disco, el alegre calypso "West Indian Daddy" y el duro sabor a bop "Golpe menor". También hay una versión de "Over the Rainbow" realizada en el estilo de balada melódica y caricias de Donaldson, y en el simple vampiro funk "Hamp's Hump". Es un surtido muy variado, todo anclado por la sección de ritmo percolador del guitarrista Melvin Sparks, el bajista Jimmy Lewis y el baterista Idris Muhammad (Charles Earland y el Dr. Lonnie Smith apagan el órgano, y Blue Mitchell y Eddie Williams hacen lo mismo en la trompeta ). Este es el tipo de registro que los discípulos modernos de Donaldson como Sugarman Three aprecian, y uno de sus pocos esfuerzos verdaderamente consistentes en este estilo. Recomendado de todo corazón para los fanáticos del funk y el groove raro.

 

Charles Earland • Anthology

 

Review
by Steve Leggett
This two-disc set from London's Soul Brother Records does a great job of consolidating Hammond B-3 player Charles Earland's early and late stylistic phases, picking key tracks from his Prestige and Muse soul-jazz period for the first disc and tracks from his later jazz-funk era with Mercury and Columbia for the second disc. Since fans of one style might not be fans of the other, it's nice having them separated like this, and everything you really need for an introduction to Earland's full career is here, from his first big side, "Black Talk," through his intergalactic "Betty Boop" phase, while the common denominator between the two discs is Earland's relentless pursuit of the groove.
https://www.allmusic.com/album/anthology-mw0000379092

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Reseña
por Steve Leggett
Este conjunto de dos discos de Soul Brother Records de Londres hace un gran trabajo de consolidación de Hammond B-3 de Charles Earland principios y finales de las fases estilísticas, la selección de pistas clave de su Prestige y Muse soul-jazz período para el primer disco y pistas de su última época de jazz-funk con Mercury y Columbia para el segundo disco. Dado que los fans de un estilo pueden no serlo del otro, es agradable tenerlos separados de esta manera, y todo lo que realmente se necesita para una introducción a la carrera completa de Earland está aquí, desde su primera gran cara, "Black Talk", hasta su intergaláctica fase "Betty Boop", mientras que el denominador común entre los dos discos es la incesante búsqueda del groove por parte de Earland.
https://www.allmusic.com/album/anthology-mw0000379092

VA • Hammond Funk #1

Selection by / Compilado por:
http://funky16corners.com/

 

 

 

 

Melvin Sparks • It Is What It Is

Melvin Sparks • Live at Nectar's

 

The fabulous result, Live at Nectar's, is now available on The New Mastersounds' own label, One Note Records.

Organist Beau Sasser and drummer Bill Carbone had been working with Sparks for several years and, despite the difference in age—they were in their early 30s, while the guitarist was an elder- statesmen of the genre—the unit was razor sharp.

The trio played the Burlington, VT club Nectar's regularly, but this evening featured two variables. Per the recommendation of the venue, they used The Grippo Horns, featuring Dave Grippo on alto saxophone and Brian McCarthy on tenor saxophone. This was the only time Sparks utilized a horn section in the last several years of his life. Additionally, they captured the performance on a multitrack recording. Both would prove to be wise decisions.

Lovingly mixed by guitarist, producer and Sparks' fanatic Eddie Roberts and curated for release by drummer Simon Allen, the album demonstrates that the 64-year old guitarist played as well in the final months of his life as at any other time.

From the opening "Miss Riverside" through rousing set-closer "Whip! Whop!," Sparks peppers his performance with quotes from jazz standards, pop songs and cartoon themes, all woven effortlessly into the bebop-funk dialect he helped create. He offers delectable melodies, patiently and methodically, through his lengthy lead on "Breezin,'" while delivering a slice of red hot boogaloo on "Fire Eater."

Sparks is audibly uplifted by The Grippo Horns helping him perform his 1973 arrangement of "Ain't No Woman (Like The One I Got)" for the first time in decades.

Texas-born, Melvin Sparks was an R&B guitarist at the outset of his career, backing Jackie Wilson, Curtis Mayfield and Marvin Gaye as a member of The Upsetters. He gave up his seat on The Upsetters' bus when a chance introduction to George Benson inspired him to relocate to New York City; a decision that would ultimately pave the way for his ascension into the soul jazz pantheon.

Sparks would go onto play and record with Lou Donaldson, Leon Spencer, Bernard Purdie, Jack McDuff, Jimmy McGriff, Idris Muhammad, Dr. Lonnie Smith, Charles Earland, Grover Washington Jr., Reuben Wilson and so many more. He'd also record nearly a dozen stand-out sessions as a leader.

Even when soul jazz experienced a downturn in commercial popularity in the '80s, Sparks stayed relevant with hip-hop artists sampling his work, which now totals more than 150 samples of his "funky chicken scratch."

Sparks' legacy is also heard in contemporary soul/funk bands like The New Mastersounds, Soulive and The Greyboy Allstars, all of whom he guested with several times before his far too early departure.

Every song on Live at Nectar's sounds superb. This is an impeccable live recording that brilliantly captures the master's gorgeous style of playing. His tone is captivating, irresistible, and joyful.

When the horns, organ, bass and drums start getting down—especially on high-energy tunes like "Whip! Whop!" and the cool cover version of "Thank You"—it all comes together. When you listen to Live at Nectar's it transports you to what must have been a magical night.

Good thing they recorded it, and thanks to his proteges for honoring his legacy with this remarkable record.
https://www.allaboutjazz.com/live-at-nectars-melvin-sparks-one-note-records-review-by-joe-gatto.php

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El fabuloso resultado, Live at Nectar's, ya está disponible en el propio sello de The New Mastersounds, One Note Records.

El organista Beau Sasser y el baterista Bill Carbone llevaban varios años trabajando con Sparks y, a pesar de la diferencia de edad -tenían poco más de 30 años, mientras que el guitarrista era un anciano del género-, la unidad estaba muy afilada.

El trío tocaba con regularidad en el club Nectar's de Burlington, VT, pero esta noche presentaba dos variables. Por recomendación del local, utilizaron The Grippo Horns, con Dave Grippo al saxo alto y Brian McCarthy al saxo tenor. Esta fue la única vez que Sparks utilizó una sección de vientos en los últimos años de su vida. Además, la actuación se grabó en un multipistas. Ambas decisiones resultaron ser acertadas.

Mezclado con cariño por el guitarrista, productor y fanático de Sparks, Eddie Roberts, y comisariado para su publicación por el baterista Simon Allen, el álbum demuestra que el guitarrista de 64 años tocaba tan bien en los últimos meses de su vida como en cualquier otro momento.

¡Desde la inicial "Miss Riverside" hasta la emocionante "Whip! Whop!", Sparks salpica su actuación con citas de estándares de jazz, canciones pop y temas de dibujos animados, todo ello entretejido sin esfuerzo en el dialecto bebop-funk que ayudó a crear. Ofrece deliciosas melodías, paciente y metódicamente, a través de su largo liderazgo en "Breezin'", mientras que entrega un trozo de boogaloo al rojo vivo en "Fire Eater".

Sparks se siente muy animado cuando The Grippo Horns le ayudan a interpretar su arreglo de 1973 de "Ain't No Woman (Like The One I Got)" por primera vez en décadas.

Nacido en Texas, Melvin Sparks fue un guitarrista de R&B al principio de su carrera, respaldando a Jackie Wilson, Curtis Mayfield y Marvin Gaye como miembro de The Upsetters. Dejó su asiento en el autobús de The Upsetters cuando una presentación fortuita de George Benson le inspiró a trasladarse a la ciudad de Nueva York; una decisión que acabaría allanando el camino para su ascenso al panteón del soul jazz.

Sparks llegó a tocar y grabar con Lou Donaldson, Leon Spencer, Bernard Purdie, Jack McDuff, Jimmy McGriff, Idris Muhammad, Dr. Lonnie Smith, Charles Earland, Grover Washington Jr. y Reuben Wilson, entre otros. También grabó casi una docena de sesiones destacadas como líder.

Incluso cuando el soul jazz experimentó un declive en su popularidad comercial en los años 80, Sparks siguió siendo relevante gracias a que los artistas de hip-hop tomaron muestras de su trabajo, que ahora suman más de 150 muestras de su "funky chicken scratch".

El legado de Sparks también se escucha en grupos contemporáneos de soul/funk como The New Mastersounds, Soulive y The Greyboy Allstars, con los que colaboró en varias ocasiones antes de su prematura partida.

Todas las canciones de Live at Nectar's suenan magníficamente. Se trata de una grabación en directo impecable que capta brillantemente el magnífico estilo de tocar del maestro. Su tono es cautivador, irresistible y alegre.

¡Cuando las trompetas, el órgano, el bajo y la batería empiezan a bajar, especialmente en temas de gran energía como "Whip! Whop!" y la genial versión de "Thank You", todo cobra sentido. Cuando escuchas Live at Nectar's te transporta a lo que debió ser una noche mágica.

Menos mal que lo grabaron, y gracias a sus protegidos por honrar su legado con este notable disco.
https://www.allaboutjazz.com/live-at-nectars-melvin-sparks-one-note-records-review-by-joe-gatto.php

 

Houston Person • The Nearness Of You

Reseña de Scott Yanow

El siempre conmovedor y conmovedor tenor Houston Person está en típica buena forma en este agradable LP (aún no reeditado en CD). Acompañado por el trompetista Virgil Jones, el guitarrista Melvin Sparks, el organista Charles Earland, Sonny Phillips al piano eléctrico, el bajista Mervyn Bronson, el baterista Grady Tate y el percusionista Lawrence Killian, Person explora números como "Freddie the Freeloader" y "Mean to Me". La cantante Etta Jones aparece para una canción, el blues "Please Mr. Person" (basado en "Please Mr. Johnson" de la banda de Buddy Johnson de la década de 1940). Una cita divertida.

 Artist Biography

Houston Person wears the Boss Tenor crown, worn so long by Gene Ammons. Mr. Person is busy working his own gigs; booking his tours, finding new clubs, having phone numbers for every major concert promoter on every continent. He even produces his own albums. His first big break came while working as a sideman with organist Johnny Hammond and his group, co-led by Etta Jones. Mr. Person's working relationship with Ms. Jones began in 1973 and lasted for thirty years, until her recent passing in 2001. Early gigs happened while serving in the Army overseas in Germany, where he played with Eddie Harris, Cedar Walton and others. On Mr. Person's philosophy of jazz, he says, “Well, it's uplifting and important. And a release and a relief. That's what it is, jazz, so called jazz, to me. It's important that it's relaxing. Something that when the end of the day comes, after a hard and frustrating day out in the world, that relieves you. Relaxes you and makes you feel good.” Mr Person adds that all he wants is to give people “good solid melodies with some improvisation and plenty of blues feel.” He smiles, “You always want that dance feeling there, that happy, happy feeling.”

https://musicians.allaboutjazz.com/houstonperson

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Reseña de Scott Yanow

El siempre conmovedor y conmovedor tenor Houston Person está en típica buena forma en este agradable LP (aún no reeditado en CD). Acompañado por el trompetista Virgil Jones, el guitarrista Melvin Sparks, el organista Charles Earland, Sonny Phillips al piano eléctrico, el bajista Mervyn Bronson, el baterista Grady Tate y el percusionista Lawrence Killian, Person explora números como "Freddie the Freeloader" y "Mean to Me". La cantante Etta Jones aparece para una canción, el blues "Please Mr. Person" (basado en "Please Mr. Johnson" de la banda de Buddy Johnson de la década de 1940). Una cita divertida.

Biografía del artista

Houston Person lleva la corona Boss Tenor, que tanto tiempo lleva Gene Ammons. El Sr. Person está ocupado trabajando en sus propios conciertos; reservando sus giras, buscando nuevos clubes, teniendo números de teléfono de todos los grandes promotores de conciertos en todos los continentes. Incluso produce sus propios álbumes. Su primera gran oportunidad llegó cuando trabajaba como acompañante con el organista Johnny Hammond y su grupo, co-dirigido por Etta Jones. La relación de trabajo del Sr. Person con la Sra. Jones comenzó en 1973 y duró treinta años, hasta su reciente fallecimiento en 2001. Los primeros conciertos tuvieron lugar mientras servía en el Ejército en el extranjero, en Alemania, donde tocó con Eddie Harris, Cedar Walton y otros. Sobre la filosofía del jazz del Sr. Person, dice: "Bueno, es edificante e importante. Y una liberación y un alivio. Eso es lo que es, el jazz, el llamado jazz, para mí. Es importante que sea relajante. Algo que cuando llega el final del día, después de un duro y frustrante día en el mundo, te alivia. Te relaja y te hace sentir bien". El Sr. Person añade que lo único que quiere es dar a la gente "buenas melodías sólidas con un poco de improvisación y un montón de sentimiento blues". Sonríe: "Siempre quieres ese sentimiento de baile, ese sentimiento de felicidad, de felicidad".

https://musicians.allaboutjazz.com/houstonperson