VA • Intimate Jazz

 

 

 

Roy Ayers • Virgo Vibes

 Artist Biography:

Once one of the most visible and winning jazz vibraphonists of the 1960s, then an R&B bandleader in the 1970s and '80s, Roy Ayers' reputation s now that of one of the prophets of acid jazz, a man decades ahead of his time. A tune like 1972's "Move to Groove" by the Roy Ayers Ubiquity has a crackling backbeat that serves as the prototype for the shuffling hip-hop groove that became, shall we say, ubiquitous on acid jazz records; and his relaxed 1976 song "Everybody Loves the Sunshine" has been frequently sampled. Yet Ayers' own playing has always been rooted in hard bop: crisp, lyrical, rhythmically resilient. His own reaction to being canonized by the hip-hop crowd as the "Icon Man" is tempered with the detachment of a survivor in a rough business. "I'm having fun laughing with it," he has said. "I don't mind what they call me, that's what people do in this industry."

Growing up in a musical family -- his father played trombone, his mother taught him the piano -- the five-year-old Ayers was given a set of vibe mallets by Lionel Hampton, but didn't start on the instrument until he was 17. He got involved in the West Coast jazz scene in his early 20s, recording with Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967), and the Gerald Wilson Orchestra (1965-1966); and playing with Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes and Phineas Newborn. A session with Herbie Mann at the Lighthouse in Hermosa Beach led to a four-year gig with the versatile flutist (1966-1970), an experience that gave Ayers tremendous exposure and opened his ears to styles of music other than the bebop that he had grown up with.

After being featured prominently on Mann's hit Memphis Underground album and recording three solo albums for Atlantic under Mann's supervision, Ayers left the group in 1970 to form the Roy Ayers Ubiquity, which recorded several albums for Polydor and featured such players as Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim, and Alphonse Mouzon. An R&B-jazz-rock band influenced by electric Miles Davis and the Herbie Hancock Sextet at first, the Ubiquity gradually shed its jazz component in favor of R&B/funk and disco. Though Ayers' pop records were commercially successful, with several charted singles on the R&B charts for Polydor and Columbia, they became increasingly, perhaps correspondingly, devoid of musical interest.

In the 1980s, besides leading his bands and recording, Ayers collaborated with Nigerian musician Fela Anikulapo-Kuti, formed Uno Melodic Records, and produced and/or co-wrote several recordings for various artists. As the merger of hip-hop and jazz took hold in the early '90s, Ayers made a guest appearance on Guru's seminal Jazzmatazz album in 1993 and played at New York clubs with Guru and Donald Byrd. Though most of his solo records had been out of print for years, Verve issued a two-CD anthology of his work with Ubiquity and the first U.S. release of a live gig at the 1972 Montreux Jazz Festival; the latter finds the group playing excellent straight-ahead jazz, as well as jazz-rock and R&B.

Source: Richard S. Ginell

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 Biografía del artista:

Una vez fue uno de los vibrafonistas de jazz más visibles y ganadores de los años 60, luego director de una banda de R&B en los 70 y 80, la reputación de Roy Ayers es ahora la de uno de los profetas del acid jazz, un hombre adelantado a su tiempo. Una canción como "Move to Groove" de 1972 de Roy Ayers Ubiquity tiene un ritmo de fondo chispeante que sirve de prototipo para el arrastrado del hip-hop que se convirtió, digamos, en omnipresente en los discos de acid jazz; y su relajada canción de 1976 "Everybody Loves the Sunshine" ha sido frecuentemente sampleada. Sin embargo, el propio juego de Ayers siempre ha estado enraizado en el hard bop: nítido, lírico, rítmicamente resistente. Su propia reacción al ser canonizado por la multitud del hip-hop como el "Hombre Icono" se templa con el desapego de un sobreviviente en un negocio difícil. "Me estoy divirtiendo riéndome con ello", ha dicho. "No me importa cómo me llamen, eso es lo que hace la gente en esta industria".

Creciendo en una familia musical - su padre tocaba el trombón, su madre le enseñó el piano - el niño de cinco años Ayers recibió un juego de mazos de vibración de Lionel Hampton, pero no empezó con el instrumento hasta los 17 años. Se involucró en la escena del jazz de la Costa Oeste a los 20 años, grabando con Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967) y la Orquesta de Gerald Wilson (1965-1966); y tocando con Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes y Phineas Newborn. Una sesión con Herbie Mann en el Faro de Hermosa Beach condujo a un concierto de cuatro años con el versátil flautista (1966-1970), una experiencia que le dio a Ayers una tremenda exposición y le abrió los oídos a otros estilos de música distintos del bebop con el que había crecido.

Después de haber aparecido de forma destacada en el exitoso álbum de Mann Memphis Underground y de haber grabado tres álbumes en solitario para Atlantic bajo la supervisión de Mann, Ayers dejó el grupo en 1970 para formar el Roy Ayers Ubiquity, que grabó varios álbumes para Polydor y contó con la participación de jugadores como Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim y Alphonse Mouzon. Una banda de R&B-jazz-rock influenciada por el eléctrico Miles Davis y el Sexteto Herbie Hancock al principio, Ubiquity fue abandonando gradualmente su componente de jazz en favor del R&B/funk y la música disco. Aunque los discos de pop de Ayers tuvieron éxito comercial, con varios singles en las listas de R&B de Polydor y Columbia, se fueron quedando sin interés musical.

En el decenio de 1980, además de dirigir sus bandas y grabar, Ayers colaboró con el músico nigeriano Fela Anikulapo-Kuti, formó Uno Melodic Records y produjo y/o co-escribió varias grabaciones para varios artistas. Cuando la fusión del hip-hop y el jazz se afianzó a principios de los años 90, Ayers apareció como invitado en el disco seminal de Guru Jazzmatazz en 1993 y tocó en los clubes de Nueva York con Guru y Donald Byrd. Aunque la mayoría de sus discos solistas habían estado agotados durante años, Verve publicó una antología en dos CDs de su trabajo con Ubiquity y el primer lanzamiento estadounidense de un concierto en vivo en el Festival de Jazz de Montreux de 1972; este último encuentra al grupo tocando un excelente jazz directo, así como jazz-rock y R&B.

Fuente: Richard S. Ginell

royayers.net ...

Curtis Amy & Dupree Bolton • Katanga!

 

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Curtis Amy recorded six albums for Pacific Jazz during 1960-63. This CD reissue from 1998 has all of the music from his sixth set (Katanga) and half of the performances (three selections) from his fourth outing, Way Down. Amy had a fine hard bop-oriented style with a soulful sound. The Katanga date matched him with the legendary (and barely documented) trumpeter Dupree Bolton, guitarist Ray Crawford (heard in top form), pianist Jack Wilson, bassist Victor Gaskin and drummer Doug Sides on four originals, plus “A Shade of Brown” and “You Don’t Know What Love Is.” The other session finds Amy with a completely different group consisting of trumpeter Marcus Belgrave (one of his few recordings from the era), valve trombonist Roy Brewster, vibraphonist Roy Ayers (at the beginning of his career), bassist George Morrow and drummer Tony Bazley, performing three of Amy’s tunes. Obscure but rewarding music that was overshadowed during the era and was previously long out of print.

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista tenor Curtis Amy grabó seis álbumes para Pacific Jazz entre 1960 y 1963. Esta reedición en CD de 1998 contiene toda la música de su sexto álbum (Katanga) y la mitad de las interpretaciones (tres selecciones) de su cuarto álbum, Way Down. Amy tenía un estilo refinado, orientado al hard bop, con un sonido conmovedor. La actuación en Katanga lo vinculó con el legendario (y apenas documentado) trompetista Dupree Bolton, el guitarrista Ray Crawford (a quien se escuchó en su mejor momento), el pianista Jack Wilson, el bajista Victor Gaskin y el baterista Doug Sides en cuatro temas originales, además de "A Shade of Brown" y "You Don't Know What Love Is". En la otra sesión, Amy se reúne con un grupo completamente diferente, compuesto por el trompetista Marcus Belgrave (una de sus pocas grabaciones de la época), el trombonista Roy Brewster, el vibrafonista Roy Ayers (al comienzo de su carrera), el bajista George Morrow y el baterista Tony Bazley, quienes interpretan tres temas de Amy. Música oscura pero gratificante, eclipsada durante la época y descatalogada desde hacía tiempo.

Jack Wilson • Song For My Daughter

 

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
On Song for My Daughter, his third record for Blue Note, Jack Wilson "changed with the times," to paraphrase one of the record's songs. Like many of his peers on the label, Wilson pursued a pop direction as the '60s drew to a close, which meant he covered pop hits like "Scarborough Fair/Canticle" and "Stormy," and that he recorded the album with a large band augmented by a string section. It is a testament to Wilson's strengths as a pianist that he doesn't get lost in this heavy-handed setting and manages to contribute some typically graceful moments, including the lovely title song. Nevertheless, the song selection is a little uneven, and there isn't much room for the band to improvise, which makes the album of marginal interest to serious jazz listeners. Audience that aren't quite so concerned such matters will find this an engaging pop-jazz album. Although the production has dated somewhat, it remains a pleasant artifact of its time, and fans of that sound should search for it.
https://www.allmusic.com/album/song-for-my-daughter-mw0000914146

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
En Song for My Daughter, su tercer disco para Blue Note, Jack Wilson "cambió con los tiempos", parafraseando una de las canciones del disco. Como muchos de sus colegas de la discográfica, Wilson se orientó hacia el pop a medida que los años 60 se acercaban a su fin, lo que le llevó a versionar éxitos del pop como "Scarborough Fair/Canticle" y "Stormy", y a grabar el álbum con una gran banda aumentada por una sección de cuerda. Es una prueba de la fuerza de Wilson como pianista que no se pierda en esta pesada configuración y consiga contribuir con algunos momentos típicamente elegantes, incluida la encantadora canción que da título al disco. Sin embargo, la selección de canciones es un poco desigual, y no hay mucho espacio para que la banda improvise, lo que hace que el álbum tenga un interés marginal para los oyentes de jazz serios. El público que no esté tan preocupado por estas cuestiones encontrará en este álbum un atractivo pop-jazz. Aunque la producción ha quedado algo anticuada, sigue siendo un agradable artefacto de su época, y los fans de ese sonido deberían buscarlo.
https://www.allmusic.com/album/song-for-my-daughter-mw0000914146

Jack Wilson • Easterly Winds

 

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Easterly Winds provides an excellent contrast to Jack Wilson's first Blue Note album, Somethin' Personal. Where his label debut was cool and romantic, Easterly Winds is a brassy, funky collection of soul-jazz and hard bop with instant appealing. Wilson keeps the tone fairly diverse, both in his originals and covers. After hitting hard with the funky opening pair "Do It" and "On Children" (both of which illustrate that he was familiar with contemporary soul), he quiets the mood with a nice version of Johnny Mandel's "A Time for Love." On the second half, he turns in soul-jazz ("Easterly Winds"), straight hard bop ("Frank's Tune") and the charmingly lyrical "Nirvanna." Throughout it all, Wilson is subtle and tasteful, allowing trumpeter Lee Morgan and alto saxophonist Jackie McLean their time in the spotlight; trombonist Garnett Brown has a couple of nice moments as well, while bassist Bob Cranshaw and Billy Higgins lend solid rhythmic support. It's another impressive, enjoyable effort from one of the most underrated pianists on Blue Note's '60s roster.
https://www.allmusic.com/album/easterly-winds-mw0000170850

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Vientos del Este proporciona un excelente contraste con el primer álbum de Blue Note de Jack Wilson, Somethin ' Personal. Donde su debut en el sello fue genial y romántico, Easterly Winds es una colección atrevida y funky de soul-jazz y hard bop con un atractivo instantáneo. Wilson mantiene el tono bastante diverso, tanto en sus originales como en sus portadas. Después de golpear fuerte con el funky par de apertura "Do It" y " On Children "(los cuales ilustran que estaba familiarizado con el soul contemporáneo), calma el ambiente con una bonita versión de Johnny Mandel " A Time for Love."En la segunda mitad, interpreta soul-jazz ("Vientos del Este"), hard bop directo ("Frank's Tune") y la encantadora lírica " Nirvanna."A lo largo de todo, Wilson es sutil y de buen gusto, permitiendo que el trompetista Lee Morgan y la saxofonista alto Jackie McLean pasen su tiempo en el centro de atención; el trombonista Garnett Brown también tiene un par de buenos momentos, mientras que el bajista Bob Cranshaw y Billy Higgins brindan un sólido apoyo rítmico. Es otro esfuerzo impresionante y agradable de uno de los pianistas más subestimados de la lista de Blue Note de los años 60.
https://www.allmusic.com/album/easterly-winds-mw0000170850


 

Jack Wilson Quartet • Ramblin'

 Editorial Reviews

An extremely talented jazz pianist, Jack Wilson became the youngest member ever to join the Ft. Wayne, Indiana Musician's union at the tender age of 15. By the time he was 26 years old, he had already added organ to his arsenal and had played with some of the biggest names in jazz including James Moody, Dinah Washington, Gene Ammons, Sonny Stitt, Eddie Harris, Lou Donaldson, Herbie Mann, Jackie McLean and Johnny Griffin, did recording stints with Sammy Davis Jr., Sarah Vaughn, Lou Rawls, Eartha Kitt, Julie London and Sonny & Cher - and was a featured soloist on several of Lambert Hendricks and Ross recordings. In 1963 he released his first recording as a leader, an impressive debut entitled "The Jack Wilson Quartet featuring Roy Ayers." Presented here is his highly acclaimed 1966 release with the quartet featuring Roy Ayers entitled "Ramblin'" which features Wilson on piano with Varner Barlow (drums); Monk Montgomery (bass) and Roy Ayers (vibes).

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reseñas editoriales

Jack Wilson, un pianista de jazz extremadamente talentoso, se convirtió en el miembro más joven en unirse al Ft. Wayne, el sindicato de músicos de Indiana a la tierna edad de 15 años. Cuando tenía 26 años, ya había agregado órgano a su arsenal y había tocado con algunos de los nombres más importantes del jazz, como James Moody, Dinah Washington, Gene Ammons, Sonny Stitt, Eddie Harris, Lou Donaldson, Herbie Mann, Jackie McLean y Johnny Griffin, hicieron grabaciones con Sammy Davis Jr., Sarah Vaughn, Lou Rawls, Eartha Kitt, Julie London y Sonny & Cher, y fue solista principal en varios Grabaciones de Lambert Hendricks y Ross. En 1963 lanzó su primera grabación como líder, un impresionante debut titulado "The Jack Wilson Quartet con Roy Ayers". Aquí se presenta su muy aclamado lanzamiento en 1966 con el cuarteto con Roy Ayers titulado "Ramblin '" que presenta a Wilson en el piano con Varner Barlow (batería); Monk Montgomery (bajo) y Roy Ayers (vibraciones).

Jack Wilson • Something Personal

 

Review
by Scott Yanow
On this CD reissue, pianist Jack Wilson's first of three albums for Blue Note, the emphasis is on his interaction with vibraphonist Roy Ayers. Some of the selections recall the Modern Jazz Quartet, while a few of the other songs look toward Herbie Hancock and Bobby Hutcherson. The other musicians on the date are bassist Ray Brown (who plays cello on two numbers that include Charles Williams, Jr. on bass) and drummer Varney Barlow. In two cases (Ornette Coleman's "The Sphinx" and Wilson's "Shosh"), complex melody statements are succeeded by disappointingly conventional chordal jams, but in general this album is an excellent showcase for the often-overlooked Jack Wilson.
https://www.allmusic.com/album/something-personal-mw0000073855

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Reseña
por Scott Yanow
En esta reedición en CD, el primero de los tres álbumes del pianista Jack Wilson para Blue Note, se hace hincapié en su interacción con el vibrafonista Roy Ayersers. Algunas de las selecciones recuerdan al Modern Jazz Quartet, mientras que algunas de las otras canciones miran hacia Herbie Hancock y Bobby Hutcherson. Los otros músicos de la fecha son el bajista Ray Brown (que toca el violonchelo en dos números que incluyen a Charles Williams, Jr. al bajo) y el batería Varney Barlow. En dos casos ("The Sphinx", de Ornette Coleman, y "Shosh", de Wilson), las complejas melodías son sustituidas por acordes decepcionantemente convencionales, pero en general este álbum es un excelente escaparate para el a menudo ignorado Jack Wilson.
https://www.allmusic.com/album/something-personal-mw0000073855

Gerald Wilson • You Better Believe It!

 

Review
by Joe Viglione
Long out of print, the sophisticated and timeless instrumental work titled You Better Believe It by underrated conductor/arranger Gerald Wilson is a first-rate masterpiece released on the Pacific Jazz label in 1961. The seven performances are available on CD in their original order on the 84-track, five-disc compilation, The Complete Pacific Jazz Recordings of Gerald Wilson & His Orchestra released on the Mosaic label, but the additional 77 tracks on the boxed set might distract from this impressive LP which stands as an important work of art on its own. Beginning with "Blues for Yna Yna," the album starts off like an intriguing spy movie complete with understated dramatic tension. Written for Wilson's pet cat, according to liner note writer John William Hardy, the almost seven-minute excursion features the reeds of Harold Land. Explosive horns chirp over Richard "Groove" Holmes' jazz organ solos, but the 17-piece orchestra never gets in the way -- just the opposite as Wilson adds this or that in clever fashion so that the pieces stay fresh over endless spins. "Jeri," the second title and written for Wilson's daughter, is almost half the length of the opening track, but pulls away the curtain and explodes with the horns flowing and Holmes' keyboard ebbing, the rhythm section of drummer Mel Lewis and bassist Jimmy Bond directing the current so everything else can fall nicely into place. "Moody Blue," with its pensive and majestic oozing prowl, was a major inspiration to "Sunny" author and Wilson aficionado Bobby Hebb who immersed himself in this album in the early '60s and pointed out: "The great Gerald Wilson believed in the talent of Richard Holmes." Indeed, Wilson gave Holmes a tremendous platform to infuse his ideas with those of the other gifted players, Joe Maini on alto, Walter Benton on tenor, and reed player Teddy Edwards, who helps open side two with his participation on "The Wailer." "The Wailer" is almost like a "Part Two" to side one's opening track, "Blues for Yna Yna," back to the spy movie style -- and Hardy's essay notes that it was written for a television play. One website claims Wilson appeared as a trumpeter in a 1959 CBS-TV drama, Lineup, for an episode called The Wailer. On the track with the same name as the TV episode the music creeps in and evolves into thickly textured swirls of brass, keyboards, and advancing drums. Richard "Groove" Holmes' organ swells up about six minutes into the seven-and-a-half minute expedition, just a marvelous performance that transcends jazz and borders on modern pop, a foundation for things that became mainstream within a decade of its release.

On the back cover of the original imprint, Hardy calls this disc "one of the most thoroughly ingratiating big-band jazz recordings in years," and the test of time proves Hardy correct. The 17-piece orchestra performs like a trio or quartet, each musician knowing where to be and when to execute, so the tension shifts and the moods change as subtle instrumentation slides in track by instrumental track. Shifting from quiet to quickly dramatic, the ideas keep flowing from Wilson's creative fount and titles like "Straight Up & Down" continue the mission inside the under four minutes. It sure feels as if Blood, Sweat & Tears and Chicago were inspired by these sounds from 1961, and most certainly the Henry Mancini composed original soundtrack to The Pink Panther, recorded in 1963 and released in 1964, owes some debt to You Better Believe It. That this music is so film-ready should come as no surprise as Wilson was involved in the soundtrack to the motion picture Where the Boys Are in the '60s and other TV and movie work. "Gerald Wilson's groove can only be told if you have the strength to pull the corner of your lips out of your ears, because he produces a heavy smile" Bobby Hebb says of one of his favorite artists specifically for this review, and it's difficult to disagree. You Better Believe It somehow got lost in the shuffle in the 46 years between when it was released and when this review was written. It's a textbook for future generations, a dynamic and powerful combination of sounds waiting to inspire the world again.
https://www.allmusic.com/album/you-better-believe-it-mw0000871569

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Reseña
por Joe Viglione
Descatalogada desde hace tiempo, la sofisticada e intemporal obra instrumental titulada You Better Believe It del subestimado director/arreglista Gerald Wilson es una obra maestra de primera categoría editada por el sello Pacific Jazz en 1961. Las siete interpretaciones están disponibles en CD en su orden original en el recopilatorio de 84 pistas y cinco discos The Complete Pacific Jazz Recordings of Gerald Wilson & His Orchestra, editado por el sello Mosaic, pero las 77 pistas adicionales de la caja podrían distraer la atención de este impresionante LP, que constituye una importante obra de arte por sí solo. Comenzando con "Blues for Yna Yna", el álbum arranca como una intrigante película de espías, con una discreta tensión dramática. Escrita para el gato mascota de Wilson, según John William Hardy, autor de la nota de presentación, esta excursión de casi siete minutos cuenta con las cañas de Harold Land. Las explosivas trompas chirrían sobre los solos de órgano jazz de Richard "Groove" Holmes, pero la orquesta de 17 músicos nunca estorba, sino todo lo contrario, ya que Wilson añade esto o aquello de forma inteligente para que las piezas se mantengan frescas en interminables giros. "Jeri", el segundo título y escrita para la hija de Wilson, tiene casi la mitad de duración que el tema de apertura, pero descorre el telón y explota con el fluir de las trompas y el reflujo del teclado de Holmes, la sección rítmica del batería Mel Lewis y el bajista Jimmy Bond dirigiendo la corriente para que todo lo demás caiga en su sitio. "Moody Blue", con su pensativo y majestuoso merodeo rezumante, fue una gran inspiración para el autor de "Sunny" y aficionado a Wilson Bobby Hebb, que se sumergió en este álbum a principios de los 60 y señaló: "El gran Gerald Wilson creía en el talento de Richard Holmes". Efectivamente, Wilson dio a Holmes una plataforma tremenda para infundir sus ideas con las de los otros dotados músicos, Joe Maini en el alto, Walter Benton en el tenor y el lengüetero Teddy Edwards, que ayuda a abrir la cara dos con su participación en "The Wailer". "The Wailer" es casi como una "Segunda Parte" del tema que abre la cara uno, "Blues for Yna Yna", de vuelta al estilo de las películas de espías -- y el ensayo de Hardy señala que fue escrita para una obra de televisión. Un sitio web afirma que Wilson apareció como trompetista en un drama de la CBS-TV de 1959, Lineup, en un episodio titulado The Wailer. En el tema que lleva el mismo nombre que el episodio de televisión, la música se cuela y evoluciona hacia remolinos de metales, teclados y tambores. El órgano de Richard "Groove" Holmes se hincha a los seis minutos de la expedición de siete minutos y medio, una interpretación maravillosa que trasciende el jazz y roza el pop moderno, una base que se convirtió en mainstream una década después de su publicación.

En la contraportada del sello original, Hardy califica este disco como "una de las grabaciones de big-band jazz más profundamente congraciadoras de los últimos años", y la prueba del tiempo da la razón a Hardy. La orquesta de 17 músicos actúa como un trío o un cuarteto, cada músico sabe dónde estar y cuándo actuar, de modo que la tensión cambia y los estados de ánimo cambian a medida que la sutil instrumentación se desliza pista a pista. Pasando de lo tranquilo a lo rápidamente dramático, las ideas siguen fluyendo de la fuente creativa de Wilson y títulos como "Straight Up & Down" continúan la misión dentro de los menos de cuatro minutos. Da la sensación de que Blood, Sweat & Tears y Chicago se inspiraron en estos sonidos de 1961, y sin duda la banda sonora original de La Pantera Rosa compuesta por Henry Mancini, grabada en 1963 y publicada en 1964, tiene cierta deuda con You Better Believe It. Que esta música esté tan preparada para el cine no debería sorprendernos, ya que Wilson participó en la banda sonora de la película Where the Boys Are en los años 60 y en otros trabajos para televisión y cine. "El groove de Gerald Wilson sólo se puede contar si se tiene la fuerza de sacar la comisura de los labios de las orejas, porque produce una sonrisa pesada" dice Bobby Hebb de uno de sus artistas favoritos específicamente para esta crítica, y es difícil no estar de acuerdo. You Better Believe It se perdió en el olvido en los 46 años transcurridos entre su publicación y la redacción de esta reseña. Es un libro de texto para las generaciones futuras, una dinámica y poderosa combinación de sonidos que espera inspirar al mundo de nuevo.
https://www.allmusic.com/album/you-better-believe-it-mw0000871569

Jack Wilson • The Two Sides Of Jack Wilson

 

Review by Jim Todd  
It isn't fair to limit Jack Wilson to two sides. The range of players with whom the pianist has performed: from Sammy Davis and Eartha Kitt to Jackie McLean and Roland Kirk, makes clear he is multi-dimensional. All that range is not demonstrated on this set, but -- despite its title -- this is not simply a program of uptempo tracks followed by an equal number of ballads.

This 1964 recording steers a boppish mainstream course through a variety of moods and tempi, covering pieces by Tadd Dameron, Bud Powell, pop standards and two good Wilson originals. Los-Angeles-based, Wilson is not readily identifiable as "West Coast." If anything, he suggests Red Garland (with a slightly more technically demonstrative approach) or the satisfying accessibility of Billy Taylor.

Twenty-eight at the time of this set, Wilson has a good piano trio date here in the classic style: focus on the piano, with stellar support from an immensely capable rhythm team. In this case it's bassist Leroy Vinnegar and drummer Philly Joe Jones -- both usefully forward and detailed in the mix. Vinnegar stays with a relentless walk on the up pieces and a steady throb on the ballads. Jones characteristically ranges from impressively delicate brushwork to boisterous over the top displays that might have shaken a lesser pianist.

Rewarding in is own right, there is also enough here to prompt interest in other sides of Wilson, such as his work in quartet settings with vibraphonist Roy Ayers, and with the horns of Jackie McLean, Lee Morgan and Garnett Brown.
https://www.allmusic.com/album/the-two-sides-of-jack-wilson-mw0000590448

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Reseña de Jim Todd  
No es justo limitar a Jack Wilson a dos lados. La gama de intérpretes con los que el pianista ha actuado: desde Sammy Davis y Eartha Kitt hasta Jackie McLean y Roland Kirk, deja en claro que es multidimensional. Todo ese rango no se demuestra en este set, pero, a pesar de su título, este no es simplemente un programa de pistas uptempo seguidas de un número igual de baladas.

Esta grabación de 1964 dirige un curso convencional boppish a través de una variedad de estados de ánimo y tempos, cubriendo piezas de Tadd Dameron, Bud Powell, estándares pop y dos buenos originales de Wilson. Wilson, con sede en Los Ángeles, no es fácilmente identificable como " Costa Oeste."En todo caso, sugiere Red Garland (con un enfoque un poco más demostrativo técnicamente) o la accesibilidad satisfactoria de Billy Taylor.

Veintiocho en el momento de este set, Wilson tiene una buena cita con el trío de piano aquí en el estilo clásico: concéntrese en el piano, con el apoyo estelar de un equipo de ritmo inmensamente capaz. En este caso es el bajista Leroy Vinnegar y el baterista Philly Joe Jones both ambos útilmente avanzados y detallados en la mezcla. Vinnegar se queda con un caminar implacable en las piezas ascendentes y un latido constante en las baladas. Jones se caracteriza por una pincelada impresionantemente delicada y exhibiciones ruidosas que podrían haber sacudido a un pianista menor.

Gratificante por derecho propio, también hay suficiente aquí para despertar el interés en otros aspectos de Wilson, como su trabajo en escenarios de cuarteto con el vibrafonista Roy Ayers y con los cuernos de Jackie McLean, Lee Morgan y Garnett Brown.
https://www.allmusic.com/album/the-two-sides-of-jack-wilson-mw0000590448