Jack McDuff • The Pink Panther

 

Don Patterson & Sonny Stitt • Legends of Acid Jazz

 

Review
by Richie Unterberger
Two-fer CD reissue combines two 1968 sessions, both featuring Stitt and Patterson, that were recorded on consecutive days (September 23-24, 1968), although one was issued under Patterson's name and the other under Stitt's. The first six songs were issued as the Patterson LP Funk You!, on which Patterson leads a date that also has Sonny Stitt and Charles McPherson on saxes and Pat Martino on guitar. The other players get about as much space as Patterson, and as 1960s jazz with organ goes, this is pretty straight-ahead and boppish, rather than soul-jazz (as so much organ jazz from that decade was). For the bop factor, listen especially to the cover of Sonny Rollins' "Airegin," on which Martino in particular shines. Patterson does get in a more soulful mood on his composition "Little Angie," which has an elegiac mood somewhat similar to occasional slow instrumentals cut by Booker T. & the MG's during that period. The other eight songs were issued as the Stitt LP Soul Electricity!, an album that got its name because, for this session, Stitt plugged his alto and tenor saxophones into a Varitone attachment. What came out, though, was not fusion by any means, but a pretty straight-ahead session that found Stitt his usual competent self. The program is actually on the conservative side, leaning toward standards. Stitt's quartet is rounded out by Don Patterson on organ, Billy Butler on guitar, and Billy James on drums. This isn't the most logical package -- Stitt's half is more straight-ahead in flavor and, more importantly, neither album fits too well into the soul-jazz or acid jazz category -- but for fans of either artist, the material is worth hearing.

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Reseña
por Richie Unterberger
La reedición en CD de dos discos combina dos sesiones de 1968, ambas con Stitt y Patterson, que se grabaron en días consecutivos (23 y 24 de septiembre de 1968), aunque una se publicó con el nombre de Patterson y la otra con el de Stitt. Las primeras seis canciones se publicaron como el LP de Patterson Funk You!, en el que Patterson lidera una cita que también cuenta con Sonny Stitt y Charles McPherson en los saxos y Pat Martino en la guitarra. Los otros músicos tienen tanto espacio como Patterson, y en lo que respecta al jazz de los años 60 con órgano, esto es bastante directo y boppish, en lugar de soul-jazz (como lo fue tanto el jazz con órgano de esa década). Para el factor bop, escuchen especialmente la versión de "Airegin" de Sonny Rollins, en la que Martino brilla especialmente. Patterson se pone en un estado de ánimo más conmovedor en su composición "Little Angie", que tiene un estado de ánimo elegíaco algo similar a los instrumentales lentos ocasionales cortados por Booker T. & the MG's durante ese período. Las otras ocho canciones se publicaron en el LP de Stitt Soul Electricity!, un álbum que recibió su nombre porque, para esta sesión, Stitt conectó sus saxos alto y tenor a un accesorio Varitone. Lo que resultó, sin embargo, no fue fusión ni mucho menos, sino una sesión bastante directa en la que Stitt se mostró como siempre competente. El programa es realmente conservador y se inclina hacia los estándares. El cuarteto de Stitt se completa con Don Patterson al órgano, Billy Butler a la guitarra y Billy James a la batería. No es el paquete más lógico -la mitad de Stitt tiene un sabor más directo y, lo que es más importante, ninguno de los dos álbumes encaja demasiado bien en la categoría de soul-jazz o acid jazz-, pero para los fans de cualquiera de los dos artistas, el material merece ser escuchado.

Jack McDuff • Soul Circle

 Artist Biography by Ron Wynn

A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74.

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Biografía del artista por Ron Wynn

El "Hermano" Jack McDuff es un maravilloso líder de orquesta y organista, además de un hábil arreglista, y tiene uno de los estilos más divertidos y conmovedores de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como la roca y sus solos llenos de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas e interesantes progresiones y frases. McDuff comenzó como un bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió en privado en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo órgano y piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut en la grabación como líder de Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes sobresalientes: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda el próximo año, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas se dispararon cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los años 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general fueron buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego, en los 80, volvió al ritmo de la sesión de Muse Cap'n Jack. Si bien su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff lanzó varios discos en la etiqueta Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años.

Pat Martino With Gil Goldstein • We Are Together Again

 

www.patmartino.com ...

Willis Jackson • More Gravy

Review by Alex Henderson

When Willis "Gator" Jackson was recording for Prestige from 1959-1971, many jazz critics tended to dismiss his soul-jazz/hard bop as too simple and basic -- the same critics who felt that Ornette Coleman and John Coltrane were too radical and left of center faulted Jackson for not being left of center enough. The same critics who claimed that Jackson was unchallenging tore Archie Shepp apart because he dared to be challenging. So how did Jackson respond to jazz critics? He ignored them (presumably) and kept cranking out the sort of funky, groove-oriented soul-jazz/hard bop that his fans adored. Recorded in 1963, More Gravy may not have received an abundance of glowing reviews from jazz critics but is still a fine example of his Prestige output. This LP never goes out of its way to be difficult and abstract -- quite the opposite. Jackson wanted to be accessible, and he is exactly that on a program of funky jazz-blues ("Pool Shark," the title song) and heartfelt ballads ("Somewhere Along the Way"). The big-toned tenorman also provides a Latin-flavored number titled "Nuther'n Like Thuther'n," which successfully combines Brazilian and Afro-Cuban elements -- the tune has one foot in the bossa nova and the other in Latin jazz (which, in most cases, means Afro-Cuban jazz, although technically, you could argue that combining jazz with Colombian Cumbia or Dominican merengue is a form of Latin jazz). Thankfully, Jackson has rock-solid backing in trumpeter Frank Robinson, guitarist Pat Martino, organist Carl Wilson (an obvious Jimmy Smith admirer), bassist Sam Jones, and drummer Joe Hadrick. Martino was only 19 when this album was recorded, and he had already developed a fairly distinctive sound. Clearly, the Philadelphia guitarist had spent a lot of time in the shed. More Gravy is among the many Jackson albums that is well worth hearing.

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Reseña de Alex Henderson

Cuando Willis "Gator" Jackson grababa para Prestige entre 1959 y 1971, muchos críticos de jazz tendían a descartar su soul-jazz/hard bop como demasiado simple y básico - los mismos críticos que pensaban que Ornette Coleman y John Coltrane eran demasiado radicales y dejaban de lado el centro culpaban a Jackson por no ser lo suficientemente centrado. Los mismos críticos que afirmaban que Jackson era indiscutible, destrozaron a Archie Shepp porque se atrevió a desafiarlo. ¿Cómo respondió Jackson a la crítica de jazz? Los ignoró (presumiblemente) y siguió haciendo el tipo de soul-jazz/hard bop funky y orientado al groove que sus fans adoraban. Grabado en 1963, More Gravy puede no haber recibido abundantes críticas de la crítica de jazz, pero sigue siendo un buen ejemplo de su producción de Prestige. Este LP nunca se esfuerza por ser difícil y abstracto, sino todo lo contrario. Jackson quería ser accesible, y es exactamente eso en un programa de funky jazz-blues ("Pool Shark", la canción del título) y baladas sinceras ("Somewhere Along the Way"). El tenorista de gran tono también ofrece un número con sabor latino titulado "Nuther'n Like Thuther'n", que combina con éxito elementos brasileños y afrocubanos: la melodía tiene un pie en la bossa nova y el otro en el jazz latino (que, en la mayoría de los casos, significa jazz afrocubano, aunque técnicamente, se podría argumentar que combinar el jazz con la cumbia colombiana o el merengue dominicano es una forma de jazz latino). Afortunadamente, Jackson tiene un respaldo sólido como el del trompetista Frank Robinson, el guitarrista Pat Martino, el organista Carl Wilson (un obvio admirador de Jimmy Smith), el bajista Sam Jones y el baterista Joe Hadrick. Martino tenía sólo 19 años cuando se grabó este álbum, y ya había desarrollado un sonido bastante distintivo. Claramente, el guitarrista de Filadelfia había pasado mucho tiempo en el cobertizo. More Gravy es uno de los muchos discos de Jackson que vale la pena escuchar.

Brother Jack McDuff • Prelude

 

 Review by Richie Unterberger

Prelude was a successful match of McDuff's small-combo organ jazz with big band arrangements by Benny Golson. In part, that was because the blend was well-executed, never fighting with or drowning out McDuff's organ. But it was also because the mixture made it stand out amidst the scads of organ jazz records being churned out in the early '60s. While a very young George Benson was in the core quartet on guitar, a dozen others supplemented the players, including trumpets, trombones, French horns, and saxophones. McDuff wrote about half the material, and while Golson was responsible for just one number, it's the standout title track, "Prelude." That nine-minute piece moves from an opening of almost classical orchestrated grand solemnity to a slow-bopping section dwelling on McDuff's mourning organ. Nothing else on the album matches it, but the rest is pretty good, sometimes leading off with other Golson orchestrations; Benson gets a chance to steal the solo spotlight for a bit in "Dig Cousin Will."

 

Biography :
A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74. ~ Ron Wynn and Bob Porter.

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Traducción Automática:

Reseña por Richie UnterbergerPrelude fue un partido exitoso del jazz de órgano pequeño de McDuff con arreglos de big band de Benny Golson. En parte, eso fue porque la mezcla fue bien ejecutada, nunca peleando con o ahogándose el órgano de McDuff. Pero también fue porque la mezcla hizo que se destacara en medio de las grabaciones de los discos de jazz orgánico que se empezaron a producir a principios de los '60. Mientras que un jovencísimo George Benson estaba en el cuarteto central de la guitarra, una docena de otros complementaban a los actores, incluyendo trompetas, trombones, cuernos franceses y saxofones. McDuff escribió casi la mitad del material, y aunque Golson fue responsable de un solo número, es la canción principal titulada "Preludio". Esa pieza de nueve minutos se mueve de una apertura de gran solemnidad orquestada casi clásica a una sección lenta que habita en el órgano de duelo de McDuff. Nada más en el álbum lo combina, pero el resto es bastante bueno, a veces con otras orquestaciones de Golson; Benson tiene la oportunidad de robar el reflector en solitario por un momento en "Dig Cousin Will".

 

Biografía :

Un maravilloso director de banda y organista así como un arreglista capaz, "Brother" Jack McDuff tiene uno de los estilos más funky y más conmovedor de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como el rock y sus solos empapados de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas y progresiones y frases interesantes. McDuff comenzó como bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió de forma privada en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo a tocar el órgano y el piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut discográfico como líder para Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes excepcionales: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda al año siguiente, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas despegaron cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego en los 80 volvió a la onda con la sesión de Muse Cap'n Jack. Mientras que su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff publicó varios discos en el sello Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años. ~ Ron Wynn y Bob Porter

 

 

 

Pat Martino • Nexus

 

Biograph:

When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors and tried to piece together any memory of his life.

One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed... naked.”

In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.

Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang

. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”

He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.

Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.

Martino became actively involved with the early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.

Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz's first successful ventures into psychedelia.

In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.

Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”

https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino

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Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.

Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".

En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.

Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang

. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."

Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.

Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.

Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.

Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.

En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.

Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
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Willis Jackson - Nothing But...

 

 

Review:
Tenor saxophonist Willis Jackson got into a routine on his Muse albums, but never lost his enthusiasm and creativity within the genre. This album features Jackson on a current hit ("Just the Way You Are"), a couple of ballads, and three romps ("Nothing Butt," "Hittin' and Missin'," and "Move"). Guitarist Pat Martino is heard in excellent form just before a serious illness; organist Charles Earland is up to his usual groovin' form, and drummer Grady Tate and percussionist Buddy Caldwell keep the music moving. An excellent effort full of enjoyable and fairly accessible music. ~ by Scott Yanow, AMG.

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Revisión:
El saxofonista tenor Willis Jackson se metió en una rutina en sus álbumes de Muse, pero nunca perdió su entusiasmo y creatividad dentro del género. Este álbum presenta a Jackson en un éxito actual ("Just the Way You Are"), un par de baladas y tres retozos ("Nothing But", "Hitting' and Missin '" y "Move"). El guitarrista Pat Martino se escucha en excelente forma justo antes de una enfermedad grave; el organista Charles Earland está a la altura de su forma habitual de groovin, y el baterista Grady Tate y el percusionista Buddy Caldwell mantienen la música en movimiento. Un excelente esfuerzo lleno de música amena y bastante accesible. ~ por Scott Yanow, AMG.

Eric Alexander • The Real Thing

 

The saxophonist Eric Alexander has found an almost infallible formula that has led him to be one of the most outstanding saxophonists of his generation when it comes to the more classical jazz tradition. The recipe is summarized in the '4 Bs': blues, ballads, bosses and boppers.

With that alchemy well mixed in the choice of songs to play, Eric Alexander has achieved, once again, that his new album 'The real thing' has an attractive sound, where the best past of jazz is alive and present. And no, it doesn't sound old, quite the contrary; many of those jazzmen who call themselves modern would like it to sound like this musician and his band.

His band. One of the best things this saxophonist has achieved is to create a band, a stable formation that they have been playing together for many years. And that shows; the filling, the cleaning of the sound, the interpretative freedom, the swing that they distill. With him are his friend, teacher and mentor Harold Mabern, drummer Joe Farnsworth and double bassist John Webber, and on this album they have been joined by guitarist Pat Martino, another of the important names in Alexander's training and subsequent career.

The most bopper part of the album is in a formidable 'The Night Has A Thousand Eyes' and 'For George and Trane', where the saxophone gives free rein to its more coltrenian side; the look to the bossa is in the charming 'Little boat', a theme of Roberto Menescal; The blues is in the version of 'Summertime', with a great Pat Martino, and the ballads have their representation in 'Sleep Warm', and as Harold Marben was always a very muscular pianist for the end have left 'The Chief'.

Yes, if you like jazz well played, clean, nice, brilliant, then this is, by far, your record.
J.M.P.R.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/eric-alexander-the-real-thing

Translated with www.DeepL.com/Translator

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El saxofonista Eric Alexander ha encontrado una fórmula casi infalible que le ha llevado a ser uno de los más destacados saxofonistas de su generación en los que se refiere al jazz de tradición más clásica. La receta se resume en las ‘4 Bs’: blues, baladas, bossas y boppers.

Con esa alquímica bien mezclada en la elección de los temas a tocar, Eric Alexander ha logrado, una vez más, que su nuevo disco ‘The real thing’ tenga un sonido atrayente, donde el mejor pasado del jazz esté vivo y presente. Y no, no suena a viejo, sino todo lo contrario; ya le gustaría a muchos de esos jazzman que se las dan de modernos sonar como suena este músico y su banda.

Su banda. Una de las mejores cosas que ha logrado este saxofonista ha sido crear una banda, una formación estable que llevan tocando juntos muchos años. Y eso se nota; el empaste, la limpieza del sonido, la libertad interpretativa, el swing que destilan. Con él están su amigo, profesor y mentor Harold Mabern, el baterista Joe Farnsworth y el contrabajista John Webber. Y en este disco se les ha unido en tres temas el guitarrista Pat Martino, otro de los nombres importantes en la formación y posterior trayectoria profesional de Alexander.

La parte más bopper del disco está en un formidable del ‘The Night Has A Thousand Eyes’ y en ‘For George and Trane’, donde el saxo da rienda suelta a su lado más coltreniano; la mirada a la bossa está en el encantador ‘Little boat’, un tema de Roberto Menescal; el blues se encuentra en la versión del ‘Summertime’, con un estupendo Pat Martino, y las baladas tienen su representación en ‘Sleep Warm’; y como Harold Marben siempre fue un pianista muy musculado para el final han dejado ‘The Chief’.

Sí, si te gusta el jazz bien tocado, limpio, agradable, brillante, entonces este es, de lejos, tu disco.
J.M.P.R.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/eric-alexander-the-real-thing


www.ericalexanderjazz.com ...

VA • Chillout Jazz Organ

Baby Face Willette, Hammond, James Brown, Jimmy Smith, Joey Defrancesco, Kenny Burrell, Larry Young, Lou Donaldson, Pat Martino, Shirley Scott, Stanley Turrentine, Walter Wanderley, Wes Montgomery ...

VA • Jazz Groove

 

Dr. Lonnie Smith, Bobbi Humphrey, Donald Byrd, Jimmy McGriff, Grant Green, Brother Jack McDuff, Jimmy Smith, Return To Forever, Gary Bartz, Pat Martino, Kenny Burrell, Roy Ayers, Lou Donaldson, Don Byron …

 

Pat Martino • Strings!

 

http://www.patmartino.com/

 
Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Pat Martino • We'll Be Together Again

Review by Alex Henderson
When We'll Be Together Again was recorded in 1976, a 31-year-old Pat Martino was four years away from being operated on for the brain aneurysm that would wipe out his memory. The Philadelphia guitarist was also very much at the height of his creative powers -- a fact that's hard to miss on this excellent session, which 32 Jazz reissued on CD in 1998. Forming an intimate duo with electric pianist Gil Goldstein, Martino is at his most introspective on sparse interpretations of the standards "You Don't Know What Love Is" and "Willow Weep for Me" as well as Henry Mancini's "Dreamsville," J.J. Johnson's "Lament," and Stephen Sondheim's "Send in the Clowns." Martino's lyricism was never more personal than it is on this album, which was first released by Muse and was out of print for many years. Thankfully, We'll Be Together Again finally came out on CD when 32 Jazz reissued it in 1998.

 

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Reseña de Alex Henderson
Cuando se grabó We'll Be Together Again en 1976, a un Pat Martino de 31 años le faltaban cuatro años para ser operado del aneurisma cerebral que acabaría con su memoria. El guitarrista de Filadelfia también estaba en la cima de su capacidad creativa, un hecho que es difícil de pasar por alto en esta excelente sesión, que 32 Jazz reeditó en CD en 1998. Formando un dúo íntimo con el pianista eléctrico Gil Goldstein, Martino está en su momento más introspectivo en las escasas interpretaciones de los estándares "You Don't Know What Love Is" y "Willow Weep for Me", así como "Dreamsville" de Henry Mancini, "Lament" de J.J. Johnson y "Send in the Clowns" de Stephen Sondheim. El lirismo de Martino nunca fue tan personal como en este álbum, que fue publicado por primera vez por Muse y estuvo descatalogado durante muchos años. Afortunadamente, We'll Be Together Again salió finalmente en CD cuando 32 Jazz lo reeditó en 1998. 

Pat Martino • Fire Dance

After finishing All Sides Now for Blue Note in 1997, the concept album of pairings with musicians of various compatability, Pat Martino headed off to San Francisco to record this intriguing east-meeting-west project. In a sense, it has a collaborative spirit that extends the earlier project, but here, the musicians cross freely over cultural boundaries, mainly in the direction of Indian classical tradition. The session is led by flutist Peter Block and sitarist Habib Khan, who provide the compositions-improvisational vehicles more than anything-and are joined by violinist Ilya Rayzman and the ever-robust Zakir Hussain on tabla. But it is Martino who provides the greatest excitement here, partly because of the unorthodoxy of the electric guitar in this setting, and partly because he burns, pure and simple. He serves a clean-but-ferocious style that is inimitably his own, and yet which adapts itself to other modes of musical thinking.
http://jazztimes.com/articles/10331-firedance-pat-martino

 

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 Después de terminar All Sides Now for Blue Note en 1997, el álbum conceptual de emparejamientos con músicos de diversa compatibilidad, Pat Martino se dirigió a San Francisco para grabar este intrigante proyecto de encuentro este-oeste. En cierto sentido, tiene un espíritu de colaboración que amplía el proyecto anterior, pero aquí, los músicos cruzan libremente las fronteras culturales, principalmente en dirección a la tradición clásica india. La sesión está dirigida por el flautista Peter Block y el sitarista Habib Khan, que proporcionan las composiciones - vehículos de improvisación más que nada - y se les unen el violinista Ilya Rayzman y el siempre robusto Zakir Hussain en la tabla. Pero es Martino quien proporciona la mayor emoción aquí, en parte por lo poco ortodoxo de la guitarra eléctrica en este escenario, y en parte porque arde, pura y simplemente. Sirve un estilo limpio pero feroz que es inimitablemente suyo, y sin embargo se adapta a otros modos de pensamiento musical.
http://jazztimes.com/articles/10331-firedance-pat-martino

 

 

https://www.patmartino.com/ 

 

 

Royce Campbell • 6 x 6

 

Review by Michael P. Gladstone (All About Jazz):
These sessions appeared on Campbell's own Paddlewheel Records, which was a subsidiary of the Japanese King label. They were released in the United States on Evidence. At that time, Royce Campbell was approached regarding a new project that would team the guitarist with five leading jazz plectrists of his choice. The resulting album, 6 X 6, featuring Campbell in performance with John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli and Dave Stryker, was released in 1994 in Japan and later in Europe to critical praise. One decade later, the album is finally being made available in the US, retitled Six By Six. Each of the guest guitarists is given two tracks apiece with, essentially, their own bassist and drummer, and Royce Campbell is the second guitarist on each of the selections, providing rhythm and the opportunity to trade fours with the respective players.
https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone

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Reseña de Michael P. Gladstone (All About Jazz) - Traducción:
Estas sesiones aparecieron en el sello propio de Campbell, Paddlewheel Records, que era una subsidiaria del sello japonés King. Fueron lanzadas en los Estados Unidos por Evidence. En ese momento, Royce Campbell fue contactado con respecto a un nuevo proyecto que uniría al guitarrista con cinco destacados plectristas de jazz de su elección. El álbum resultante, 6 X 6, con Campbell en actuación con John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli y Dave Stryker, fue lanzado en 1994 en Japón y posteriormente en Europa con elogios de la crítica. Una década después, el álbum finalmente está siendo puesto a disposición en los EE. UU., retitulado Six By Six. A cada uno de los guitarristas invitados se le dan dos pistas cada uno con, esencialmente, su propio bajista y baterista, y Royce Campbell es el segundo guitarrista en cada una de las selecciones, proporcionando ritmo y la oportunidad de intercambiar cuartos con los respectivos músicos.
https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone

Jimmy Heath • The Time And The Place

 

Although this 1994 CD looks like a reissue, the music was actually released for the first time 20 years after it was recorded. Jimmy Heath, who is heard here on tenor, alto, soprano and flute, played at his prime throughout the 1970's although he tended to be somewhat overlooked in popularity polls. Heath was stretching himself during the era as can be heard on these obscure pieces; five of his originals plus Kenny Dorham's "No End." Although essentially bop-based, Heath was open to the influences of the avant-garde and fusion and, with a flexible group also including trombonist Curtis Fuller, guitarist Pat Martino, pianist Stanley Cowell, bassist Sam Jones, drummer Billy Higgins and percussionist Mtume, Jimmy Heath consistently takes adventurous yet logical solos. Worth checking out.

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Aunque este CD de 1994 parece una reedición, la música se publicó por primera vez veinte años después de su grabación. Jimmy Heath, al que se escucha aquí con el saxo tenor, alto, soprano y la flauta, tocó en su mejor momento a lo largo de la década de 1970, aunque tendía a pasar algo desapercibido en las encuestas de popularidad. Heath se estaba superando a sí mismo durante esa época, como se puede escuchar en estas piezas poco conocidas: cinco de sus composiciones originales más «No End» de Kenny Dorham. Aunque esencialmente basado en el bop, Heath estaba abierto a las influencias de la vanguardia y la fusión y, con un grupo flexible que también incluía al trombonista Curtis Fuller, al guitarrista Pat Martino, al pianista Stanley Cowell, al bajista Sam Jones, al baterista Billy Higgins y al percusionista Mtume, Jimmy Heath siempre interpreta solos atrevidos pero lógicos. Vale la pena echarle un vistazo.

Pat Martino • Starbright

 

Biograph:

When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors and tried to piece together any memory of his life.

One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed... naked.”

In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.

Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang

. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”

He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.

Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.

Martino became actively involved with the early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.

Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz's first successful ventures into psychedelia.

In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.

Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”

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Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100



Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.

Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".

En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.

Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang

. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."

Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.

Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.

Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.

Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.

En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.

Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
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Don Patterson • Funk You

 

 

Jermaine Landsberger • Gettin' Blazed

German-born Hammond B-3 organist Jermaine Landsberger has assembled a strong ensemble for this recording of covers and original material, including pieces borrowed from some of his heroes or all-star bandmates. Pat Martino appears on three tracks with the rising star guitarist Andreas Öberg on the rest, drummer Harvey Mason gets back to his jazz groove roots, while Gary Meek plays saxes and flutes. The surprise participant is acoustic or electric bassist James Genus, added to the group where normally an organist plays all of the bottom-end rhythmic tones with his feet. The result is a deeply grooving, soulful, diverse, and substantive music that goes beyond what one might expect from this type of group, and it all sounds marvelous. A composition written by pianist Phil Markowitz, a title track from one of his own CDs as well as covered by Bill Evans and Toots Thielemans on their album Affinity, "Sno' Peas" is a sweet waltz played with pure authenticity, featuring the still able Martino, and Meek on tenor sax. Marcos Silva's "Brazilian People" is more modern jazz than samba or bossa nova, perfectly exhibiting the deepened low-octave sound provided when Genus and Landsberger play basslines together or in counterpoint, with Martino's playful guitar and Meek's flute soaring on top. Playing Martino's bopper "Three Base Hit," the band with Öberg sans the composer is quite comfortable speeding along and paying no mind to stop signs or commercialized affectations. Adopting a rock beat merging to bop, Mason is particularly effective driving the group during Django Reinhardt's tribute to his son, "Babik," not at all a Gypsy swing, while Horace Silver's famous "Filthy McNasty" is the perfect soul-swing vehicle meant to evoke good feelings and the essential element of fun. Where Stevie Wonder's "Another Star" is adapted into a road song à la Wes Montgomery, Richard Galliano's "Romance" is conversely the slowest of slow ballads, true to its title and composer's initial intent, with Martino beautifully leading the way. There's a cohesion in this group speaking to its members' collective experience in the studio, which clearly urges and inspires Landsberger to play very well, and above all, concisely. He's not a pyrotechnical maniac nor a purist soul sender, but is quite able to express a unique point of view throughout. His composition "Valse Manouche," with lead lines by Öberg, stands out in a 6/8 framework, not so much because it is an original but that it is played by the organist expertly and with great passion. Meek is also impressive on all of his horns, and keeps developing as a deft and lithe player who never overstates the obvious. If you are a fan of the B-3, this delightful, easily recommended effort will please you and, because of its wide-ranging repertoire, will bear repeat listenings sure to reveal more with every spin. ~ Michael G. Nastos

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El organista Hammond B-3 de origen alemán Jermaine Landsberger ha reunido un sólido conjunto para esta grabación de versiones y material original, incluyendo piezas prestadas por algunos de sus héroes o compañeros de banda. Pat Martino aparece en tres temas con el guitarrista estrella Andreas Öberg en el resto, el baterista Harvey Mason vuelve a sus raíces de jazz groove, mientras que Gary Meek toca saxos y flautas. El participante sorpresa es el bajista acústico o eléctrico James Genus, añadido al grupo donde normalmente un organista toca todos los tonos rítmicos de fondo con sus pies. El resultado es una música profundamente groove, conmovedora, diversa y sustanciosa que va más allá de lo que uno podría esperar de este tipo de grupo, y todo suena maravillosamente. Una composición escrita por el pianista Phil Markowitz, un tema que da título a uno de sus propios CDs, así como una versión de Bill Evans y Toots Thielemans en su álbum Affinity, "Sno' Peas" es un dulce vals tocado con pura autenticidad, con la participación del todavía capaz Martino, y Meek en el saxo tenor. Brazilian People", de Marcos Silva, es más jazz moderno que samba o bossa nova, y exhibe a la perfección el sonido más profundo de las octavas bajas que se obtiene cuando Genus y Landsberger tocan las líneas de bajo juntos o en contrapunto, con la guitarra juguetona de Martino y la flauta de Meek elevándose por encima. Tocando el bopper de Martino "Three Base Hit", la banda con Öberg sin el compositor se siente muy cómoda acelerando y sin prestar atención a las señales de stop o a las afectaciones comercializadas. Adoptando un ritmo rockero que se funde con el bop, Mason es particularmente eficaz conduciendo el grupo durante el homenaje de Django Reinhardt a su hijo, "Babik", que no es en absoluto un swing gitano, mientras que el famoso "Filthy McNasty" de Horace Silver es el vehículo perfecto de soul-swing destinado a evocar buenos sentimientos y el elemento esencial de la diversión. Mientras que "Another Star" de Stevie Wonder se adapta a una canción de carretera a la manera de Wes Montgomery, "Romance" de Richard Galliano es, por el contrario, la más lenta de las baladas lentas, fiel a su título y a la intención inicial del compositor, con Martino dirigiendo maravillosamente el camino. Hay una cohesión en este grupo que habla de la experiencia colectiva de sus miembros en el estudio, que claramente impulsa e inspira a Landsberger a tocar muy bien y, sobre todo, de forma concisa. No es un maniático de la pirotecnia ni un purista del soul, pero es muy capaz de expresar un punto de vista único en todo momento. Destaca su composición "Valse Manouche", con líneas principales de Öberg, en un marco de 6/8, no tanto por ser original como por ser tocada por el organista de forma experta y con gran pasión. Meek también es impresionante en todas sus trompas, y sigue desarrollándose como un intérprete hábil y ágil que nunca exagera. Si eres un fan de la B-3, este delicioso y recomendable trabajo te gustará y, debido a su amplio repertorio, soportará repetidas escuchas que te revelarán más con cada vuelta. ~ Michael

 

 

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