Lee Morgan • Best of

  

Review by Richard S. Ginell
Curious listeners who encounter Lee Morgan for the first time through this single-disc anthology will come away mightily impressed, even inspired, but they will be hearing only the first part of the story. The album picks up on his teenage whiz kid days circa 1957, then jumps ahead to his renaissance in 1963-1965 as the high priest of hard bop boogaloo. Besides showcasing Morgan's brash, crackling, infinitely expressive trumpet playing, the album does a good job of emphasizing his abundant, still-underrated gifts as a composer -- with "The Sidewinder," of course, but also the strikingly lovely bossa nova "Ceora" and the near standard "Speedball." With its three bonus tracks, "I Remember Clifford," "Cornbread," and especially "Mr. Kenyatta," the CD version adds compelling corroborating evidence of Morgan's originality. The major hang-up, alas, is that the album cuts off the time line at 1965, thus leaving out Morgan's gradual move away from boilerplate hard bop toward modal, progressive explorations that reached an exciting peak on 1970's Live at the Lighthouse. The selections included here will no doubt satisfy those who would want to keep this tremendous talent locked into a single airtight box -- and frankly, it would be difficult to dispute any of the choices on their own terms. But the rest of Morgan's tragically aborted evolution deserves representation on a set like this.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

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Reseña de Richard S. Ginell
Los oyentes curiosos que se encuentren con Lee Morgan por primera vez a través de esta antología de un solo disco saldrán muy impresionados, incluso inspirados, pero sólo escucharán la primera parte de la historia. El álbum se remonta a sus días de adolescente alrededor de 1957, y luego salta a su renacimiento en 1963-1965 como sumo sacerdote del hard bop boogaloo. Además de mostrar el descarado, crepitante e infinitamente expresivo toque de trompeta de Morgan, el álbum hace un buen trabajo al enfatizar sus abundantes y aún subestimadas dotes como compositor - con "The Sidewinder", por supuesto, pero también la sorprendentemente encantadora bossa nova "Ceora" y el casi estándar "Speedball". Con sus tres temas extra, "I Remember Clifford", "Cornbread" y, sobre todo, "Mr. Kenyatta", la versión en CD añade pruebas convincentes que corroboran la originalidad de Morgan. El mayor problema, por desgracia, es que el álbum corta la línea de tiempo en 1965, dejando de lado el gradual alejamiento de Morgan del hard bop caldera hacia exploraciones modales y progresivas que alcanzaron un emocionante pico en el Live at the Lighthouse de 1970. Las selecciones incluidas aquí sin duda satisfarán a aquellos que quieran mantener este tremendo talento encerrado en una sola caja hermética - y francamente, sería difícil discutir cualquiera de las opciones en sus propios términos. Pero el resto de la evolución trágicamente abortada de Morgan merece ser representada en un conjunto como éste.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

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Donald Byrd • Byrd Blows On Beacon Hill

  

Review by Thom Jurek
This 1956 (released in 1957) session is Donald Byrd's quartet session. Utilizing a rhythm section of Beacon Hill's finest -- bassist Doug Watkins, pianist Ray Santisi, and drummer Jim Zitano -- Byrd establishes himself here as an individual voice on the trumpet and as a leader as well. The material is comprised of well-known standards and catalog jazz tunes such as "Stella by Starlight," "Polka Dots and Moonbeams," "People Will Say We're in Love," "If I Love Again," and "What's New"; it's hardly the high-flying hard bop material that became his signature during his early years at Blue Note. Mostly the pace is slow, easy, and swinging, with enough of the funky blues Byrd would blow later to make these nuggets sound interesting. Byrd's interpretation of older material like this was one of both observance and phrasing. He never overplays either on the vamping lyric or in his solos. Likewise, his rhythm section keeps things spare, if not necessarily simple. Nowhere is this more evident than in "Polka Dots and Moonbeams," where the melody is inverted after the first three choruses have been played, but it is never overstated or broken apart, just observed and actively pursued for its chromatic richness. Byrd's tone is not quite as biting as it would become in later years, though it is imbued with the same ghostly timbral grace that distinguished him as a soloist. While this date may not be of interest to Byrd's soul-jazz fans, it will no doubt enlighten those who are partial to Byrd's early Blue Note material.
https://www.allmusic.com/album/byrd-blows-on-beacon-hill-mw0000900883

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Reseña de Thom Jurek
Esta sesión de 1956 (publicada en 1957) es la sesión de cuarteto de Donald Byrd. Utilizando una sección rítmica de lo mejor de Beacon Hill -el bajista Doug Watkins, el pianista Ray Santisi y el baterista Jim Zitano- Byrd se establece aquí como una voz individual en la trompeta y también como líder. El material se compone de estándares conocidos y temas de jazz de catálogo como "Stella by Starlight", "Polka Dots and Moonbeams", "People Will Say We're in Love", "If I Love Again" y "What's New"; no es el material hard bop de alto vuelo que se convirtió en su firma durante sus primeros años en Blue Note. En su mayoría, el ritmo es lento, fácil y oscilante, con el suficiente funky blues que Byrd tocaría más tarde para hacer que estas piezas suenen interesantes. La interpretación de Byrd de material más antiguo como éste era tanto de observancia como de fraseo. Nunca exagera ni en la letra vampírica ni en sus solos. Del mismo modo, su sección rítmica mantiene las cosas en su sitio, aunque no necesariamente en su sencillez. En ninguna parte es esto más evidente que en "Polka Dots and Moonbeams", donde la melodía se invierte después de que se hayan tocado los tres primeros estribillos, pero nunca se exagera ni se rompe, sólo se observa y se persigue activamente por su riqueza cromática. El tono de Byrd no es tan mordaz como lo sería en años posteriores, aunque está impregnado de la misma gracia tímbrica fantasmal que le distinguía como solista. Si bien esta fecha puede no ser de interés para los fans del soul-jazz de Byrd, sin duda iluminará a aquellos que tienen debilidad por el primer material de Blue Note de Byrd.
https://www.allmusic.com/album/byrd-blows-on-beacon-hill-mw0000900883

 

Jackie McLean • Lights Out!

 

Review by Scott Yanow
Altoist Jackie McLean's second session as a leader is reissued on this CD. The music that he makes with trumpeter Donald Byrd, pianist Elmo Hope, bassist Doug Watkins and drummer Art Taylor is essentially hard bop with fairly simple (or in some cases nonexistent) melody statements preceding two romps through the "I Got Rhythm" chord changes, a pair of blues, a thinly disguised "Embraceable You" and a straightforward version of "A Foggy Day." Enjoyable if not really essential music from the up-and-coming artists.
https://www.allmusic.com/album/lights-out%21-mw0000203392

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Reseña de Scott Yanow
La segunda sesión de la altoista Jackie McLean como líder se reedita en este CD. La música que hace con el trompetista Donald Byrd, el pianista Elmo Hope, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Taylor es esencialmente hard bop con declaraciones melódicas bastante simples (o en algunos casos inexistentes) que preceden a dos retozos a través de los cambios de acordes de "I Got Rhythm", un par de blues, un "Embraceable You" apenas disfrazado y una versión sencilla de "A Foggy Day."Música agradable, si no realmente esencial, de los artistas emergentes.
https://www.allmusic.com/album/lights-out%21-mw0000203392

Horace Silver Quintet • Six Pieces of Silver

When Horace Silver once wrote out his rules for musical composition (in the liner notes to the 1968 record, Serenade to a Soul Sister), he expounded on the importance of “meaningful simplicity.” The pianist could have just as easily been describing his own life. For more than fifty years, Silver has simply written some of the most enduring tunes in jazz while performing them in a distinctively personal style. It's all been straight forward enough, while decades of incredible experiences have provided the meaning.

Silver was born in Norwalk, Connecticut on September 2, 1928. His father had immigrated to the United States from Cape Verde—-and that island nation's Portuguese influences would play a big part in Silver's own music later on. When Silver was a teenager, he began playing both piano and saxophone while he listened to everything from boogie-woogie and blues to such modern musicians as Bud Powell and Thelonious Monk. As Silver's piano trio was working in Hartford, Connecticut, the group received saxophonist Stan Getz's attention in 1950. The saxophonist brought the band on the road and recorded three of Silver's compositions.

In 1951, Silver moved to New York City where he accompanied saxophonists Coleman Hawkins, Lester Young and many other legends. In the following year, he met the executives at Blue Note while working as a sideman for saxophonist Lou Donaldson. This meeting led to Silver signing with the label where he would remain until 1980. He also collaborated with Art Blakey in forming the Jazz Messengers during the early 1950s (which Blakey would continue to lead after Silver formed his own quintet in 1956).

During these years, Silver helped create the rhythmically forceful branch of jazz known as “hard bop” (chronicled in David H. Rosenthal's 1992 book, Hard Bop: Jazz and Black Music, 1955-1965). He based much of his own writing on blues and gospel—-the latter is particularly prominent on one of his biggest tunes, “The Preacher.” While his compositions at this time featured surprising tempo shifts and a range of melodic ideas, they immediately caught the attention of a wide audience. Silver's own piano playing easily shifted from aggressively percussive to lushly romantic within just a few bars. At the same time, his sharp use of repetition was funky even before that word could be used in polite company. Along with Silver's own work, his bands often featured such rising jazz stars as saxophonists Junior Cook and Hank Mobley, trumpeter Blue Mitchell, and drummer Louis Hayes. Some of his key albums from this period included Horace Silver Trio (1953), Horace Silver and the Jazz Messengers (1955), Six Pieces of Silver (1956) and Blowin' The Blues Away (1959), which includes his famous, “Sister Sadie.” He also combined jazz with a sassy take on pop through the 1961 hit, “Filthy McNasty.”

But it was a few years later when Silver would record one of his most famous songs, the title track to his 1964 album, Song For My Father. That piece combined his dad's take on Cape Verdean folk music (with a hint of Brazilian Carnival rhythms) into an enduring F-minor jazz composition. Over the years, it has become an American popular music standard, covered not only by scores of instrumentalists, but also such singers as James Brown.

As social and cultural upheavals shook the nation during the late 1960s and early 1970s, Silver responded to these changes through music. He commented directly on the new scene through a trio of records called United States of Mind (1970-1972) that featured the spirited vocals of Andy Bey. The composer got deeper into cosmic philosophy as his group, Silver 'N Strings, recorded Silver 'N Strings Play The Music of the Spheres (1979).

After Silver's long tenure with Blue Note ended, he continued to create vital music. The 1985 album, Continuity of Spirit (Silveto), features his unique orchestral collaborations. In the 1990s, Silver directly answered the urban popular music that had been largely built from his influence on It's Got To Be Funky (Columbia, 1993). On Jazz Has A Sense of Humor (Verve, 1998), he shows his younger group of sidemen the true meaning of the music.

Now living surrounded by a devoted family in California, Silver has received much of the recognition due a venerable jazz icon. In 2005, the National Academy of Recording Arts and Sciences (NARAS) gave him its President's Merit Award. Silver is also anxious to tell the world his life story in his own words as he recently completed writing his autobiography, Let's Get To The Nitty Gritty.

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Cuando Horace Silver escribió una vez sus reglas para la composición musical (en las notas del disco de 1968, Serenata a una Hermana del Alma), expuso la importancia de la "simplicidad significativa". El pianista podría haber estado describiendo su propia vida con la misma facilidad. Durante más de cincuenta años, Silver simplemente ha escrito algunos de los temas más duraderos del jazz, interpretándolos con un estilo claramente personal. Todo ha sido bastante sencillo, mientras que décadas de experiencias increíbles han proporcionado el significado.

Silver nació en Norwalk, Connecticut, el 2 de septiembre de 1928. Su padre había emigrado a Estados Unidos desde Cabo Verde, y las influencias portuguesas de esa nación isleña jugarían un papel importante en la música de Silver más tarde. Cuando Silver era adolescente, empezó a tocar tanto el piano como el saxofón mientras escuchaba todo tipo de música, desde el boogie-woogie y el blues hasta músicos modernos como Bud Powell y Thelonious Monk. Mientras el trío de pianos de Silver trabajaba en Hartford, Connecticut, el grupo recibió la atención del saxofonista Stan Getz en 1950. El saxofonista llevó a la banda a la carretera y grabó tres de las composiciones de Silver.

En 1951, Silver se mudó a la ciudad de Nueva York donde acompañó a los saxofonistas Coleman Hawkins, Lester Young y muchas otras leyendas. Al año siguiente, conoció a los ejecutivos de Blue Note mientras trabajaba como sideman del saxofonista Lou Donaldson. Este encuentro llevó a Silver a firmar con el sello donde permanecería hasta 1980. También colaboró con Art Blakey en la formación de los Jazz Messengers a principios de los años 50 (que Blakey continuaría dirigiendo después de que Silver formara su propio quinteto en 1956).

Durante estos años, Silver ayudó a crear la rítmica y poderosa rama del jazz conocida como "hard bop" (crónica en el libro de David H. Rosenthal de 1992, Hard Bop: Jazz y Música Negra, 1955-1965). Basó gran parte de su propia escritura en el blues y el gospel--este último es particularmente prominente en uno de sus mayores temas, "The Preacher". Si bien sus composiciones en este momento presentaban sorprendentes cambios de tempo y una gama de ideas melódicas, inmediatamente llamaron la atención de un amplio público. La forma de tocar el piano del propio Silver pasó fácilmente de una percusión agresiva a una exuberante romanticidad en tan sólo unos pocos compases. Al mismo tiempo, su agudo uso de la repetición era funky incluso antes de que esa palabra pudiera ser utilizada en compañía cortés. Junto con el propio trabajo de Silver, sus bandas a menudo presentaban a estrellas de jazz en ascenso como los saxofonistas Junior Cook y Hank Mobley, el trompetista Blue Mitchell y el baterista Louis Hayes. Algunos de sus álbumes clave de este período incluyeron Horace Silver Trio (1953), Horace Silver and the Jazz Messengers (1955), Six Pieces of Silver (1956) y Blowin' The Blues Away (1959), que incluye su famosa "Sister Sadie". También combinó el jazz con una visión atrevida del pop a través del éxito de 1961, "Filthy McNasty".

Pero fue unos años más tarde cuando Silver grabó una de sus canciones más famosas, el tema que da título a su álbum de 1964, Song For My Father. Esa pieza combinaba la visión de su padre sobre la música folclórica de Cabo Verde (con un toque de los ritmos del carnaval brasileño) en una perdurable composición de jazz en menor escala. Con el paso de los años, se ha convertido en un estándar de la música popular estadounidense, cubierto no sólo por decenas de instrumentistas, sino también por cantantes como James Brown.

Cuando los trastornos sociales y culturales sacudieron a la nación a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, Silver respondió a estos cambios a través de la música. Comentó directamente sobre la nueva escena a través de un trío de discos llamado United States of Mind (1970-1972) que presentaba las briosas voces de Andy Bey. El compositor se adentró en la filosofía cósmica cuando su grupo, Silver 'N Strings, grabó Silver 'N Strings Play The Music of the Spheres (1979).

Después de que el largo periodo de Silver con Blue Note terminara, continuó creando música vital. El álbum de 1985, Continuity of Spirit (Silveto), presenta sus colaboraciones orquestales únicas. En los años 90, Silver respondió directamente a la música popular urbana que se había construido en gran medida a partir de su influencia en It's Got To Be Funky (Columbia, 1993). En Jazz Has A Sense of Humor (Verve, 1998), muestra a su grupo más joven de músicos secundarios el verdadero significado de la música.

Ahora que vive rodeado de una familia devota en California, Silver ha recibido gran parte del reconocimiento debido a un venerable icono del jazz. En 2005, la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (NARAS) le otorgó su Premio al Mérito del Presidente. Silver también está ansioso por contarle al mundo la historia de su vida con sus propias palabras, ya que recientemente terminó de escribir su autobiografía, Let's Get To The Nitty Gritty.

Wilbur Harden & John Coltrane • The Complete Savoy Sessions

 

Review by Ken Dryden
Wilbur Harden has been somewhat of a jazz mystery, appearing on a handful of dates and then suddenly disappearing for good after falling ill not long after the 1958 sessions featured on this reissue. After these recordings of Harden's works were issued in various forms on LP, including on some occasions with John Coltrane receiving top or sole billing, all of the music recorded by this overlooked trumpeter and flügelhornist with the legendary tenor saxophonist has finally become available in one complete two-CD set. The always dependable Tommy Flanagan is the pianist on two of the three sessions. Although Harden is a competent player, his compositions aren't particularly memorable, although they are enjoyable; the primary reason people have sought this music is to plug a gap in their John Coltrane collections. Highlights include the loping "Wells Fargo," the exotic "E.F.F.P.H.," and the strutting "Anedac," which substitutes Howard Williams for Flanagan and adds trombonist Curtis Fuller to the mix. The consistently strong playing of John Coltrane is what makes this set worth acquiring.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-savoy-sessions-mw0000247652#review

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Reseña de Ken Dryden
Wilbur Harden ha sido un misterio del jazz, apareciendo en un puñado de fechas y luego desapareciendo repentinamente para siempre después de enfermarse poco después de las sesiones de 1958 presentadas en esta reedición. Después de que estas grabaciones de las obras de Harden se publicaran en varias formas en LP, incluso en algunas ocasiones con John Coltrane recibiendo facturación superior o exclusiva, toda la música grabada por este trompetista y flügelhornista pasado por alto con el legendario saxofonista tenor finalmente está disponible en un conjunto completo de dos CD. El siempre confiable Tommy Flanagan es el pianista en dos de las tres sesiones. Aunque Harden es un intérprete competente, sus composiciones no son particularmente memorables, aunque son agradables; la razón principal por la que la gente ha buscado esta música es para llenar un vacío en sus colecciones de John Coltrane. Los aspectos más destacados incluyen el zumbido "Wells Fargo", el exótico "E. F. F. P. H." y el pavoneo "Anedac", que sustituye a Howard Williams por Flanagan y agrega al trombonista Curtis Fuller a la mezcla. El juego consistentemente fuerte de John Coltrane es lo que hace que valga la pena adquirir este conjunto.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-savoy-sessions-mw0000247652#review

Jackie McLean • Alto Madness

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
McLean became much more individual within a few years, while Jenkins would fade from the scene altogether. This likable jam session features plenty of tradeoffs by the two altoists.

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
McLean se volvió mucho más individual en unos pocos años, mientras que Jenkins desaparecería de la escena por completo. Esta agradable sesión de jam presenta muchos intercambios entre los dos saxofonistas alto.

Donald Byrd • Byrd In Paris

 

Sonny Rollins • Saxophone Colossus

Theodore Walter Rollins was born on September 7, 1930 in New York City. He grew up in Harlem not far from the Savoy Ballroom, the Apollo Theatre, and the doorstep of his idol, Coleman Hawkins. After early discovery of Fats Waller and Louis Armstrong, he started out on alto saxophone, inspired by Louis Jordan. At the age of sixteen, he switched to tenor, trying to emulate Hawkins. He also fell under the spell of the musical revolution that surrounded him, Bebop.

He began to follow Charlie Parker, and soon came under the wing of Thelonious Monk, who became his musical mentor and guru. Living in Sugar Hill, his neighborhood musical peers included Jackie McLean, Kenny Drew and Art Taylor, but it was young Sonny who was first out of the pack, working and recording with Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell and Miles Davis before he turned twenty.

“Of course, these people are there to be called on because I think I represent them in a way,” Rollins said recently of his peers and mentors. “They’re not here now so I feel like I’m sort of representing all of them, all of the guys. Remember, I’m one of the last guys left, as I’m constantly being told, so I feel a holy obligation sometimes to evoke these people.”

In the early fifties, he established a reputation first among musicians, then the public, as the most brash and creative young tenor on the scene, through his work with Miles, Monk, and the MJQ.

Miles Davis was an early Sonny Rollins fan and in his autobiography wrote that he “began to hang out with Sonny Rollins and his Sugar Hill Harlem crowd…anyway, Sonny had a big reputation among a lot of the younger musicians in Harlem. People loved Sonny Rollins up in Harlem and everywhere else. He was a legend, almost a god to a lot of the younger musicians. Some thought he was playing the saxophone on the level of Bird. I know one thing–he was close. He was an aggressive, innovative player who always had fresh musical ideas. I loved him back then as a player and he could also write his ass off…”

Sonny moved to Chicago for a few years to remove himself from the surrounding elements of negativity around the Jazz scene. He reemerged at the end of 1955 as a member of the Clifford Brown-Max Roach Quintet, with an even more authoritative presence. His trademarks became a caustic, often humorous style of melodic invention, a command of everything from the most arcane ballads to calypsos, and an overriding logic in his playing that found him hailed for models of thematic improvisation.

It was during this time that Sonny acquired a nickname,”Newk.” As Miles Davis explains in his autobiography: “Sonny had just got back from playing a gig out in Chicago. He knew Bird, and Bird really liked Sonny, or “Newk” as we called him, because he looked like the Brooklyn Dodgers’ pitcher Don Newcombe. One day, me and Sonny were in a cab…when the white cabdriver turned around and looked at Sonny and said, `Damn, you’re Don Newcombe!” Man, the guy was totally excited. I was amazed, because I hadn’t thought about it before. We just put that cabdriver on something terrible. Sonny started talking about what kind of pitches he was going to throw Stan Musial, the great hitter for the St. Louis Cardinals, that evening…”

In 1956, Sonny began recording the first of a series of landmark recordings issued under his own name: Valse Hot introduced the practice, now common, of playing bop in 3/4 meter; St. Thomasinitiated his explorations of calypso patterns; and Blue 7 was hailed by Gunther Schuller as demonstrating a new manner of “thematic improvisation,” in which the soloist develops motifs extracted from his theme. Way Out West (1957), Rollins’s first album using a trio of saxophone, double bass, and drums, offered a solution to his longstanding difficulties with incompatible pianists, and exemplified his witty ability to improvise on hackneyed material (Wagon Wheels, I’m an Old Cowhand). It Could Happen to You (also 1957) was the first in a long series of unaccompanied solo recordings, and The Freedom Suite (1958) foreshadowed the political stances taken in jazz in the 1960s. During the years 1956 to 1958 Rollins was widely regarded as the most talented and innovative tenor saxophonist in jazz.

Rollins’s first examples of the unaccompanied solo playing that would become a specialty also appeared in this period; yet the perpetually dissatisfied saxophonist questioned the acclaim his music was attracting, and between 1959 and late `61 withdrew from public performance.

Sonny remembers that he took his leave of absence from the scene because “I was getting very famous at the time and I felt I needed to brush up on various aspects of my craft. I felt I was getting too much, too soon, so I said, wait a minute, I’m going to do it my way. I wasn’t going to let people push me out there, so I could fall down. I wanted to get myself together, on my own. I used to practice on the Bridge, the Williamsburg Bridge because I was living on the Lower East Side at the time.”

sonnyonthebridgefixedWhen he returned to action in late `61, his first recording was appropriately titled The Bridge. By the mid 60’s, his live sets became grand, marathon stream-of-consciousness solos where he would call forth melodies from his encyclopedic knowledge of popular songs, including startling segues and sometimes barely visiting one theme before surging into dazzling variations upon the next. Rollins was brilliant, yet restless. The period between 1962 and `66 saw him returning to action and striking productive relationships with Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, and his idol Hawkins, yet he grew dissatisfied with the music business once again and started yet another sabbatical in `66. “I was getting into eastern religions,” he remembers. “I’ve always been my own man. I’ve always done, tried to do, what I wanted to do for myself. So these are things I wanted to do. I wanted to go on the Bridge. I wanted to get into religion. But also, the Jazz music business is always bad. It’s never good. So that led me to stop playing in public for a while, again. During the second sabbatical, I worked in Japan a little bit, and went to India after that and spent a lot of time in a monastery. I resurfaced in the early 70s, and made my first record in `72. I took some time off to get myself together and I think it’s a good thing for anybody to do.”

In 1972, with the encouragement and support of his wife Lucille, who had become his business manager, Rollins returned to performing and recording, signing with Milestone and releasing Next Album. (Working at first with Orrin Keepnews, Sonny was by the early ’80s producing his own Milestone sessions with Lucille.) His lengthy association with the Berkeley-based label produced two dozen albums in various settings – from his working groups to all-star ensembles (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); from a solo recital to tour recordings with the Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); in the studio and on the concert stage (Montreux, San Francisco, New York, Boston). Sonny was also the subject of a mid-’80s documentary by Robert Mugge entitled Saxophone Colossus; part of its soundtrack is available as G-Man.

He won his first performance Grammy for This Is What I Do (2000), and his second for 2004’s Without a Song (The 9/11 Concert), in the Best Jazz Instrumental Solo category (for “Why Was I Born”). In addition, Sonny received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Recording Arts and Sciences in 2004.

In June 2006 Rollins was inducted into the Academy of Achievement – and gave a solo performance – at the International Achievement Summit in Los Angeles. The event was hosted by George Lucas and Steven Spielberg and attended by world leaders as well as distinguished figures in the arts and sciences.

Rollins was awarded the Austrian Cross of Honor for Science and Art, First Class, in November 2009. The award is one of Austria’s highest honors, given to leading international figures for distinguished achievements. The only other American artists who have received this recognition are Frank Sinatra and Jessye Norman.

In 2010 on the eve of his 80th birthday, Sonny Rollins is one of 229 leaders in the sciences, social sciences, humanities, arts, business, and public affairs who have been elected members of the American Academy of Arts and Sciences. A center for independent policy research, the Academy is among the nation’s oldest and most prestigious honorary societies and celebrates the 230th anniversary of its founding this year.

In August 2010, Rollins was named the Edward MacDowell Medalist, the first jazz composer to be so honored. The Medal has been awarded annually since 1960 to an individual who has made an outstanding contribution to his or her field.

Yet another major award was bestowed on Rollins on March 2, 2011, when he received the Medal of Arts from President Barack Obama in a White House ceremony. Rollins accepted the award, the nation’s highest honor for artistic excellence, “on behalf of the gods of our music.”

Since 2006, Rollins has been releasing his music on his own label, Doxy Records. The first Doxy album was Sonny, Please, Rollins’s first studio recording since This Is What I Do. That was followed by the acclaimed Road Shows, vol. 1 (2008), the first in a planned series of recordings from Rollins’s audio archives.

Mr. Rollins released Road Shows, vol. 2 in the fall of 2011. In addition to material recorded in Sapporo and Tokyo, Japan during an October 2010 tour, the recording contains several tracks from Sonny’s September 2010 80th birthday concert in New York—including the historic and electrifying encounter with Ornette Coleman.

On December 3, 2011 Sonny Rollins was one of five 2011 Kennedy Center honorees, alongside actress Meryl Streep, singer Barbara Cook, singer/songwriter Neil Diamond and cellist Yo-Yo Ma.   Rollins said of the honor, “I am deeply appreciative of this great honor. In honoring me, the Kennedy Center honors jazz, America’s classical music. For that, I am very grateful.”

The saxophonist’s most recent CD is Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  He has just completed editing Road Shows, vol. 4, for Spring 2016 release.

https://sonnyrollins.com/biography/

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Theodore Walter Rollins nació el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York. Creció en Harlem no lejos del Savoy Ballroom, el Teatro Apolo y la puerta de su ídolo, Coleman Hawkins. Tras el descubrimiento temprano de Fats Waller y Louis Armstrong, empezó con el saxo alto, inspirado por Louis Jordan. A la edad de 16 años, cambió a tenor, tratando de emular a Hawkins. También cayó bajo el hechizo de la revolución musical que lo rodeaba, el Bebop.

Empezó a seguir a Charlie Parker, y pronto se puso bajo el ala de Thelonious Monk, que se convirtió en su mentor musical y gurú. Viviendo en Sugar Hill, entre sus compañeros musicales de barrio se encontraban Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor, pero fue el joven Sonny el primero en salir de la manada, trabajando y grabando con Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell y Miles Davis antes de cumplir los veinte años.

"Por supuesto, estas personas están ahí para ser llamadas porque creo que los represento de alguna manera", dijo Rollins recientemente sobre sus compañeros y mentores. "No están aquí ahora, así que siento que los represento a todos ellos, a todos los chicos. Recuerden que soy uno de los últimos que quedan, como me dicen constantemente, así que siento una obligación sagrada a veces de evocar a estas personas".

A principios de los 50, estableció una reputación, primero entre los músicos y luego entre el público, como el joven tenor más descarado y creativo de la escena, a través de su trabajo con Miles, Monk y el MJQ.

Miles Davis fue uno de los primeros fans de Sonny Rollins y en su autobiografía escribió que "empezó a salir con Sonny Rollins y su gente de Sugar Hill Harlem... de todas formas, Sonny tenía una gran reputación entre muchos de los músicos más jóvenes de Harlem". La gente amaba a Sonny Rollins en Harlem y en todas partes. Era una leyenda, casi un dios para muchos de los músicos jóvenes. Algunos pensaban que tocaba el saxofón al nivel de Bird. Sé una cosa, estaba cerca. Era un músico agresivo e innovador que siempre tenía ideas musicales frescas. Lo amaba en ese entonces como músico y también podía escribir su trasero..."

Sonny se mudó a Chicago por unos años para alejarse de los elementos negativos que rodean la escena del Jazz. Reapareció a finales de 1955 como miembro del Quinteto Clifford Brown-Max Roach, con una presencia aún más autoritaria. Su marca registrada se convirtió en un estilo cáustico, a menudo humorístico, de invención melódica, un dominio de todo, desde las baladas más arcanas hasta los calipsos, y una lógica primordial en su forma de tocar que lo encontró aclamado por los modelos de improvisación temática.

Fue durante este tiempo que Sonny adquirió un apodo, "Newk". Como explica Miles Davis en su autobiografía: "Sonny acababa de regresar de un concierto en Chicago. Conocía a Bird, y a Bird le gustaba mucho Sonny, o "Newk" como lo llamábamos, porque se parecía al lanzador de los Dodgers de Brooklyn, Don Newcombe. Un día, Sonny y yo estábamos en un taxi... cuando el taxista blanco se dio la vuelta y miró a Sonny y le dijo: "¡Maldita sea, eres Don Newcombe!" Tío, el tipo estaba totalmente excitado. Estaba sorprendido, porque no había pensado en ello antes. Acabamos de poner a ese taxista en algo terrible. Sonny empezó a hablar de qué tipo de lanzamientos iba a hacer Stan Musial, el gran bateador de los Cardenales de San Luis, esa noche..."

En 1956, Sonny comenzó a grabar la primera de una serie de grabaciones históricas publicadas con su propio nombre: Valse Hot introdujo la práctica, ahora común, de tocar bop en 3/4 de metro; St. Thomas inició sus exploraciones de los patrones del calipso; y Blue 7 fue aclamado por Gunther Schuller como una nueva forma de "improvisación temática", en la que el solista desarrolla motivos extraídos de su tema. Way Out West (1957), el primer álbum de Rollins con un trío de saxofón, contrabajo y batería, ofreció una solución a sus antiguas dificultades con pianistas incompatibles, y ejemplificó su ingeniosa habilidad para improvisar sobre material trillado (Wagon Wheels, I'm an Old Cowhand). It Could Happen to You (también 1957) fue la primera de una larga serie de grabaciones en solitario sin acompañamiento, y The Freedom Suite (1958) prefiguró las posturas políticas adoptadas en el jazz en el decenio de 1960. Durante los años 1956 a 1958 Rollins fue considerado como el saxofonista tenor más talentoso e innovador del jazz.

Los primeros ejemplos de Rollins de la interpretación en solitario sin acompañamiento que se convertiría en una especialidad también aparecieron en este período; sin embargo, el saxofonista, perpetuamente insatisfecho, cuestionó la aclamación que su música estaba atrayendo, y entre 1959 y finales de 1961 se retiró de la actuación pública.

Sonny recuerda que se despidió de la escena porque "me estaba volviendo muy famoso en ese momento y sentí que necesitaba repasar varios aspectos de mi oficio. Sentí que estaba recibiendo demasiado, demasiado pronto, así que dije, espera un minuto, voy a hacerlo a mi manera. No iba a dejar que la gente me empujara ahí fuera, para que me cayera. Quería recomponerme, por mi cuenta. Solía practicar en el puente, el puente de Williamsburg, porque en ese momento vivía en el Lower East Side".

Cuando volvió a la acción a finales del 61, su primera grabación se tituló apropiadamente El Puente. A mediados de los 60, sus directos se convirtieron en grandes y maratónicos solos de consciencia donde sacaba melodías de su conocimiento enciclopédico de las canciones populares, incluyendo sorprendentes segundas partes y a veces apenas visitando un tema antes de pasar a deslumbrantes variaciones sobre el siguiente. Rollins era brillante, pero inquieto. El período entre 1962 y 1966 le vio volver a la acción y establecer relaciones productivas con Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, y su ídolo Hawkins, pero se descontento con el negocio de la música una vez más y comenzó otro año sabático en 1966. "Me estaba metiendo en las religiones orientales", recuerda. "Siempre he sido mi propio hombre. Siempre he hecho, tratado de hacer, lo que he querido hacer por mí mismo. Así que estas son las cosas que quería hacer. Quería ir al puente. Quería entrar en la religión. Pero también, el negocio de la música de Jazz siempre es malo. Nunca es bueno. Así que eso me llevó a dejar de tocar en público por un tiempo, de nuevo. Durante el segundo año sabático, trabajé un poco en Japón, y después me fui a la India y pasé mucho tiempo en un monasterio. Resurgí a principios de los 70, e hice mi primer disco en el 72. Me tomé un tiempo libre para recomponerme y creo que es algo bueno para cualquiera".

En 1972, con el estímulo y el apoyo de su esposa Lucille, que se había convertido en su gerente comercial, Rollins volvió a actuar y a grabar, firmando con Milestone y lanzando Next Album. (Trabajando al principio con Orrin Keepnews, Sonny estaba a principios de los 80 produciendo sus propias sesiones de Milestone con Lucille). Su larga asociación con el sello discográfico de Berkeley produjo dos docenas de álbumes en varios escenarios - desde sus grupos de trabajo hasta conjuntos de estrellas (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); desde un recital en solitario hasta grabaciones de gira con los Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); en el estudio y en el escenario de conciertos (Montreux, San Francisco, Nueva York, Boston). Sonny también fue objeto de un documental de mediados de los años ochenta de Robert Mugge titulado Saxophone Colossus; parte de su banda sonora está disponible como G-Man.

Ganó su primer Grammy por This Is What I Do (2000), y su segundo por Without a Song (The 9/11 Concert) de 2004, en la categoría de Mejor Solo Instrumental de Jazz (por "Why Was I Born"). Además, Sonny recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación en 2004.

En junio de 2006 Rollins fue admitido en la Academia de Logros, y realizó una actuación en solitario, en la Cumbre Internacional de Logros de Los Ángeles. El evento fue presentado por George Lucas y Steven Spielberg y asistieron líderes mundiales así como distinguidas figuras de las artes y las ciencias.

Rollins fue galardonado con la Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y el Arte, de primera clase, en noviembre de 2009. El premio es uno de los más altos honores de Austria, otorgado a las principales figuras internacionales por sus distinguidos logros. Los únicos otros artistas americanos que han recibido este reconocimiento son Frank Sinatra y Jessye Norman.

En 2010, en la víspera de su 80 cumpleaños, Sonny Rollins es uno de los 229 líderes en ciencias, ciencias sociales, humanidades, artes, negocios y asuntos públicos que han sido elegidos miembros de la Academia Americana de Artes y Ciencias. La Academia, un centro de investigación política independiente, es una de las sociedades honorarias más antiguas y prestigiosas del país y celebra este año el 230 aniversario de su fundación.

En agosto de 2010, Rollins fue nombrado medallista Edward MacDowell, el primer compositor de jazz en recibir este honor. La Medalla se ha concedido anualmente desde 1960 a un individuo que ha hecho una contribución sobresaliente en su campo.

Otro premio importante fue otorgado a Rollins el 2 de marzo de 2011, cuando recibió la Medalla de las Artes del Presidente Barack Obama en una ceremonia en la Casa Blanca. Rollins aceptó el premio, el más alto honor de la nación por excelencia artística, "en nombre de los dioses de nuestra música".

Desde 2006, Rollins ha estado publicando su música en su propio sello, Doxy Records. El primer álbum de Doxy fue Sonny, Please, la primera grabación de estudio de Rollins desde This Is What I Do. A esto le siguió el aclamado Road Shows, vol. 1 (2008), el primero de una serie de grabaciones previstas de los archivos de audio de Rollins.

El Sr. Rollins publicó Road Shows, vol. 2 en el otoño de 2011. Además del material grabado en Sapporo y Tokio, Japón, durante una gira en octubre de 2010, la grabación contiene varios temas del concierto del 80º cumpleaños de Sonny en Nueva York en septiembre de 2010, incluyendo el histórico y electrizante encuentro con Ornette Coleman.

El 3 de diciembre de 2011 Sonny Rollins fue uno de los cinco homenajeados del Kennedy Center en 2011, junto con la actriz Meryl Streep, la cantante Barbara Cook, el cantante y compositor Neil Diamond y el violonchelista Yo-Yo Ma.   Rollins dijo del honor: "Estoy profundamente agradecido por este gran honor. Al honrarme, el Kennedy Center honra el jazz, la música clásica de Estados Unidos. Por eso, estoy muy agradecido".

El CD más reciente del saxofonista es Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  Acaba de terminar la edición de Road Shows, vol. 4, para su lanzamiento en la primavera de 2016.

https://sonnyrollins.com/biography/

sonnyrollins.com ...

Lee Morgan • Candy

 

Review from AllMusic (by Stacia Proefrock) - 4 Stars:
His prodigal technical virtuosity had already been proven at this time in the Dizzy Gilliespie band, but Morgan's first solo ventures had been remarkable only because of his young age. Here, the influence of some of Morgan's mentors can be seen, but instead of just emulating the style of older trumpeters like Clifford Brown, he has begun absorbing bits and pieces of the phrasing and style of a wide range of musicians, from Gillespie to Miles Davis, then using them to forge his own sound. Morgan places himself front and center here -- there are no other horns to carry the melodic lines, leaving him quite exposed, but he manages to perform beautifully. Not merely a technical marvel, his tone on this album was sweet and his playing fluid, infused with joy and crisply articulated emotion. Morgan would later turn out to be an expert songwriter, but here songs like Buddy Johnson's "Since I Fell for You," and Jimmy Heath's "C.T.A." gave him ample space to show off his talents.
https://www.allmusic.com/album/candy-mw0000649662

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Reseña de AllMusic (por Stacia Proefrock) - 4 Estrellas:
Su virtuosismo técnico prodigioso ya había sido probado en este momento en la banda de Dizzy Gilliespie, pero las primeras aventuras en solitario de Morgan habían sido notables solo por su corta edad. Aquí, se puede ver la influencia de algunos de los mentores de Morgan, pero en lugar de solo emular el estilo de trompetistas mayores como Clifford Brown, ha comenzado a absorber fragmentos del fraseo y el estilo de una amplia gama de músicos, desde Gillespie hasta Miles Davis, y luego los usa para forjar su propio sonido. Morgan se coloca al frente y al centro aquí -- no hay otros metales para llevar las líneas melódicas, dejándolo bastante expuesto, pero se las arregla para actuar hermosamente. No solo una maravilla técnica, su tono en este álbum era dulce y su interpretación fluida, infundida con alegría y emoción articulada nítidamente. Morgan más tarde resultaría ser un compositor experto, pero aquí canciones como "Since I Fell for You" de Buddy Johnson y "C.T.A." de Jimmy Heath le dieron amplio espacio para mostrar sus talentos.
https://www.allmusic.com/album/candy-mw0000649662

Lee Morgan • Complete Introduction Sessions

 

Being shot dead by a jealous lover at Slug's nightclub in 1972, meant that the hard-bop and soul-jazz trumpeter Lee Morgan ran into a catastrophe tailor-made for ascent to jazz-legend status, and his skills were such that speculation about what he might have achieved still goes on today. Morgan's hard, attacking sound and boldness of conception matched a thoughtful lyricism and warmth of tone when the right slow-burner came along, and with commercial funk hits like 1963's dancefloor anthem The Sidewinder (a big acid-jazz success with DJs 25 years later) he also proved he had a Herbie Hancock-like intuition for a groove.
Sounding superficially like a rough-hewn affair, this early Morgan set is perhaps for harder-core jazzers - although everything about it is urgently melodic, and the trumpeter's enthusiasm for pushing the regular bop envelope is infectious.
Taking place over a decade later than the famous Charlie Parker/Dizzy Gillespie bop-breakthrough recordings, the set nonetheless exudes a similar sensation, of music that can't wait to be made. A superb hard-bop lineup including Hank Jones on piano and Hank Mobley on tenor sax rattles through a selection of mostly home-grown pieces (though interestingly, none of them are Morgan's), and the rounded tone and poised phrasing of the hugely underrated Mobley is an ideal foil for Morgan's scything runs, explosive crescendos and engaging bebop bluster. Perhaps it's for the enthusiasts, but it's one of those rare studio discs that's almost like having the band in your room.

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El asesinato a tiros por parte de un amante celoso en el club nocturno Slug's en 1972 significó que el trompetista de hard bop y soul jazz Lee Morgan se topó con una catástrofe hecha a medida para ascender al estatus de leyenda del jazz, y sus habilidades eran tales que aún hoy se especula sobre lo que podría haber logrado. El sonido duro y agresivo de Morgan y la audacia de su concepción se combinaban con un lirismo reflexivo y la calidez del tono cuando llegaba el momento adecuado, y con éxitos comerciales de funk como el himno de las pistas de baile de 1963 The Sidewinder (un gran éxito de acid jazz entre los DJ 25 años después), también demostró que tenía una intuición para el groove similar a la de Herbie Hancock.
Aunque a primera vista pueda parecer un trabajo tosco, este primer álbum de Morgan es quizás para los jazzistas más incondicionales, aunque todo en él es urgentemente melódico y el entusiasmo del trompetista por traspasar los límites del bop habitual es contagioso.
Aunque se grabó más de una década después de las famosas grabaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie que marcaron un hito en el bop, este álbum transmite una sensación similar, la de una música que no puede esperar a ser creada. Una magnífica formación de hard bop, con Hank Jones al piano y Hank Mobley al saxo tenor, interpreta una selección de temas en su mayoría de composición propia (aunque, curiosamente, ninguno de ellos es de Morgan), y el tono redondo y el fraseo sereno del enormemente infravalorado Mobley son el complemento ideal para las vertiginosas escalas, los crescendos explosivos y la atractiva bravura bebop de Morgan. Quizás sea para los entusiastas, pero es uno de esos raros discos de estudio que es casi como tener a la banda en tu habitación.

Jackie McLean • Jackie McLean & Co

 

Donald Byrd • Fuego

 

Review
by Michael G. Nastos
Fuego -- a title that might be somewhat misleading -- is the final Blue Note recording exclusively pairing Donald Byrd with Jackie McLean, a fruitful partnership that set the yin of the (in this case) restrained trumpeter, against the yang of the tart and extroverted alto saxophonist. While not quite a unified whole, the two were involved in turf battles that were based on mutual respect, here exuding a quieter fire that toned down McLean and muted Byrd to attain an intriguing harmonic balance. Duke Pearson's clever piano in the middle, with Doug Watkins playing bass and favored drummer Lex Humphries, made for one of the more diverse sounds in modern jazz circa 1959-1960. Of course hard bop is at the core of this band, but Byrd is moving further into post-bop, as served up heartily by the two horns during the modal, rambling, and staggered theme of the title selection. It's more a cool flame than burning inferno, as the drum inserts of Humphries fill the cracks of the horns' bluesy ideas. "Bup-A-Loup" is a harder bop theme, with distinct staccato accents identifying the melody priming McLean's quintessential solo. "Low Life" also takes into account the burgeoning original soul-jazz aesthetic in a jaunty mood that parallels the Bobby Timmons evergreens "Dis Here" and "Dat Dere." As Byrd's father was a preacher, "Amen" pays tribute to the spirit-soul in a gospel shuffle straight from the pulpit with some static drum accents. "Lament" is not the J.J. Johnson standard, but a light, soul-jazz original with ultimate feeling, depth, and sophistication -- a real beauty. The title "Funky Mama" fools you a bit into thinking it is a typical soul-jazz number, while it is, in fact, a long, striding, loping, cushy, and dusky blues, very patient and elegant, embellished by McLean's singing alto. This is where Pearson in particular shines, wringing out all of the combined pain and joy so prevalent in the styles of previous masters like Teddy Wilson, Duke Ellington, Erroll Garner, and Tommy Flanagan. On the front cover, a contemplative Donald Byrd is depicted, perhaps pondering his next move and his band five years after successfully joining the New York City jazz scene from his native Detroit. It also represents his thoughtful role in Fuego, as he takes a break from forceful interaction to play a more democratic role on this refined and mature album that is less brash, a prelude for his more powerful statements yet to come.
https://www.allmusic.com/album/fuego-mw0000649435

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Reseña
por Michael G. Nastos
Fuego -un título que puede ser algo engañoso- es la última grabación de Blue Note que empareja exclusivamente a Donald Byrd con Jackie McLean, una fructífera asociación que contrapone el yin del (en este caso) sobrio trompetista, con el yang del agrio y extrovertido saxofonista alto. Aunque no formaban un todo unificado, los dos estaban implicados en batallas territoriales basadas en el respeto mutuo, y aquí exudaban un fuego más tranquilo que atenuaba a McLean y silenciaba a Byrd para lograr un intrigante equilibrio armónico. El ingenioso piano de Duke Pearson en el centro, con Doug Watkins tocando el bajo y el favorecido baterista Lex Humphries, dieron lugar a uno de los sonidos más diversos del jazz moderno en torno a 1959-1960. Por supuesto, el hard bop es el núcleo de esta banda, pero Byrd se adentra más en el post-bop, tal y como lo sirven con ganas las dos trompas durante el tema modal, ramplón y escalonado de la selección del título. Es más una llama fría que un infierno ardiente, ya que las inserciones de la batería de Humphries llenan las grietas de las ideas blueseras de las trompas. "Bup-A-Loup" es un tema de bop más duro, con claros acentos de staccato que identifican la melodía que prepara el solo por excelencia de McLean. "Low Life" también tiene en cuenta la floreciente estética original del soul-jazz en un humor alegre que es paralelo a los imperecederos de Bobby Timmons "Dis Here" y "Dat Dere". Como el padre de Byrd era predicador, "Amen" rinde tributo al espíritu-alma en un shuffle gospel directamente desde el púlpito con algunos acentos de batería estáticos. "Lament" no es el estándar de J.J. Johnson, sino un original ligero de soul-jazz con el máximo sentimiento, profundidad y sofisticación - una verdadera belleza. El título "Funky Mama" engaña un poco al pensar que es un número típico de soul-jazz, mientras que es, de hecho, un blues largo, con zancadas, con un ritmo suave y oscuro, muy paciente y elegante, embellecido por el canto del contralto de McLean. Aquí es donde Pearson brilla en particular, exprimiendo todo el dolor y la alegría combinados tan frecuentes en los estilos de maestros anteriores como Teddy Wilson, Duke Ellington, Erroll Garner y Tommy Flanagan. En la portada aparece un Donald Byrd contemplativo, quizá reflexionando sobre su próximo movimiento y su banda cinco años después de incorporarse con éxito a la escena del jazz de Nueva York desde su Detroit natal. También representa su papel reflexivo en Fuego, ya que se toma un descanso de la interacción contundente para desempeñar un papel más democrático en este álbum refinado y maduro que es menos descarado, un preludio de sus declaraciones más poderosas aún por venir.
https://www.allmusic.com/album/fuego-mw0000649435

Doug Watkins • Soulnik

Review by Scott Yanow

Bassist Doug Watkins only led two recording sessions before his death in 1962, and this set (which was cut for New Jazz and reissued on CD in the OJC series) has sometimes appeared under Yusef Lateef's name. Watkins doubles on cello (an instrument he had reportedly only begun playing three days earlier) during the set with Lateef (who triples on tenor, flute, and oboe), pianist Hugh Lawson, bassist Herman Wright, and drummer Lex Humphries. The quintet performs three standards, Watkins' "Andre's Bag," and a couple of Lateef tunes. The use of oboe and cello on some numbers makes the date stand out a bit from the usual hard bop sessions of the period and straight-ahead jazz fans will want to get this CD.

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Traducción Automática:
Revisión por Scott Yanow

El bajista Doug Watkins solo dirigió dos sesiones de grabación antes de su muerte en 1962, y este conjunto (que fue cortado para New Jazz y reeditado en CD en la serie OJC) a veces ha aparecido bajo el nombre de Yusef Lateef. Watkins se dobla en violonchelo (un instrumento que supuestamente había comenzado a tocar tres días antes) durante el concierto con Lateef (que se triplica en tenor, flauta y oboe), el pianista Hugh Lawson, el bajista Herman Wright y el baterista Lex Humphries. El quinteto cumple tres estándares, el "bolso de Andre" de Watkins y un par de melodías de Lateef. El uso de oboe y violonchelo en algunos números hace que la fecha se destaque un poco de las sesiones habituales de hard bop de la época y los fanáticos del jazz que quieran seguir adelante querrán obtener este CD.

 

 

Donald Byrd • Fuego

 

Kenny Burrell • K.B. Blues

 

Kenny Burrell & Donald Byrd • All Day Long

 

Having recorded All Night Long (OJC-427) a week earlier. Kenny Burrell went into the studio on January 4. 1957 for a sequel álbum to be called, probably inevitably. All Day Long Both have become classic examples of the blowing session. a jazz recording phenomenon that flowered with the advent of the long-playing record The formula, whlch produced glories when ¡t worked and boredom when it didn’t, was simple: A handíul of musicians plus a handful of tunes, which were usually wntten shortly before the session or invented on the spot out of familiar harmonio material like the blues and "I Got Rhythm.” This Burrell blowing session is a prime example of his ability to mold a pickup band of all-stars into a cohesive unit and produce a memorable recording.

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Habiendo grabado "Toda la noche" (OJC-427) una semana antes. Kenny Burrell entró en el estudio el 4 de enero. 1957 para que se llamara un álbum de secuelas, probablemente inevitablemente. All Day Long Ambos se han convertido en ejemplos clásicos de la sesión de soplado. un fenómeno de grabación de jazz que floreció con la llegada del disco de larga duración La fórmula, que producía glorias cuando funcionaba y aburrimiento cuando no, era simple: Un puñado de músicos y un puñado de temas, que se solían tocar poco antes de la sesión o se inventaban en el acto a partir de material de armonio conocido como el blues y "I Got Rhythm". Esta sesión de soplado de Burrell es un buen ejemplo de su habilidad para moldear una banda de música de estrellas en una unidad cohesiva y producir una grabación memorable.

 

Gene Ammons • Angel Eyes

Thad Jones-Frank Wess-Teddy Charles-Mal Waldron-Doug Watkins-Elvin Jones • Olio

 

Classic Prestige jam session from the late 50's, with Thad Jones on trumpet, Frank Wess on tenor and flute, Teddy Charles on vibes, Mal Waldron on piano, Doug Watkins on bass, and Elvin Jones on drums. Charles is amazing, as he is on all of his Prestige recordings, and he plays with a dark edge that you seldom hear from other vibists at the time. Waldron's the great unsung hero of these sessions, as his playing and compositions are consistently remarkable, and which provide great accompaniment for the horn players.
Tracks include the fantastic "Dakar", plus "Touche", "Blues Without Woe", and "Potpourri".
1965 repackaging of the Olio album from the 50s  with a different title and cover.
https://www.dustygroove.com/item/467870/Frank-Wess-with-Thad-Jones:Touche-aka-Olio

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Clásica jam session de prestigio de finales de los 50, con Thad Jones a la trompeta, Frank Wess al tenor y flauta, Teddy Charles a las vibraciones, Mal Waldron al piano, Doug Watkins al bajo y Elvin Jones a la batería. Charles es increíble, como lo es en todas sus grabaciones de Prestigio, y toca con un toque oscuro que rara vez escuchas de otros vibistas en ese momento. Waldron es el gran héroe anónimo de estas sesiones, ya que su forma de tocar y sus composiciones son consistentemente notables y brindan un gran acompañamiento a los trompistas.

Las pistas incluyen el fantástico "Dakar", más "Touche", "Blues Without Woe "y"Popurrí".
1965 fue reempaquetado del álbum Olio de los años 50 con un título y portada diferentes.
https://www.dustygroove.com/item/467870/Frank-Wess-with-Thad-Jones:Touche-aka-Olio

Art Blakey & The Jazz Messengers • At The Cafe Bohemia

 

 

artblakey.com ...

Hank Mobley • Hank Mobley and His All Stars

 

Review
by Scott Yanow
This CD is a straight reissue of a Hank Mobley LP that features the "Who's Who" of late-'50s hard bop: the tenor-leader, vibraphonist Milt Jackson, pianist Horace Silver, bassist Doug Watkins and drummer Art Blakey. The quintet performs five Mobley compositions (best is the lyrical "Mobley's Musings"), songs that are generally more interesting for their chord changes than for their melodies, which is probably why none of them became standards. One's attention is constantly drawn to the inventive solos and Art Blakey's roaring "accompaniment." An above-average effort from some of the best.
https://www.allmusic.com/album/hank-mobley-his-all-stars-mw0000183567

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Reseña
por Scott Yanow
Este CD es una reedición directa de un LP de Hank Mobley que cuenta con el "Quién es quién" del hard bop de finales de los 50: el tenor-líder, el vibrafonista Milt Jackson, el pianista Horace Silver, el bajista Doug Watkins y el batería Art Blakey. El quinteto interpreta cinco composiciones de Mobley (la mejor es la lírica "Mobley's Musings"), canciones que en general son más interesantes por sus cambios de acordes que por sus melodías, razón por la que probablemente ninguna de ellas se convirtió en estándar. La atención de uno se ve constantemente atraída por los inventivos solos y el rugiente "acompañamiento" de Art Blakey. Un esfuerzo por encima de la media de algunos de los mejores.
https://www.allmusic.com/album/hank-mobley-his-all-stars-mw0000183567