Milt Jackson • Plenty, Plenty Soul

 

This release contains Milt Jackson's complete album Plenty, Plenty Soul (Atlantic SD8811), plus two of the three sessions from his LP Ballads & Blues, included here in their entirety.

“There should be some exceptional merit badge for this sort of thing - Five Stars Plus or Too Good to Rate.”

Ralph J. Gleason on Plenty, Plenty Soul, DOWN BEAT 1957

“Milt throughout is remarkable – even his rests pulsate.”

-  Nat Hentoff on Ballads & Blues, DOWN BEAT 1957 1/2

https://www.jazzmessengers.com/es/10799/milt-jackson/plenty-plenty-soul

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Este lanzamiento contiene el álbum completo de Milt Jackson, Plenty, Plenty Soul (Atlantic SD8811), además de dos de las tres sesiones de su LP Ballads & Blues, incluidas aquí en su totalidad.

"Debería haber alguna insignia de mérito excepcional para este tipo de cosas - Five Stars Plus o Too Good to Rate."

Ralph J. Gleason en Plenty, Plenty Soul, DOWN BEAT 1957

"Milt es notable en todas partes, incluso sus descansos palpitan."

- Nat Hentoff en Ballads & Blues, DOWN BEAT 1957 1/2

https://www.jazzmessengers.com/es/10799/milt-jackson/plenty-plenty-soul

Un extraordinario disco del vibrafonista, Milt Jackson fuera del ambito de su grupo, "The Modern Jazz Quartet". Liderando la sesión, Jackson se hace acompañar por extraordinarios instrumentistas, destacando la presencia del gran Cannoball Adderley al saxo alto, el extraordinario, Frank Foster al saxo tenor y el baterista, Art Blakey. Extraordinario.

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Modern Jazz Quartet • Fontessa

Review by Scott Yanow

This LP has a particularly strong all-around set by the Modern Jazz Quartet. While John Lewis' "Versailles" and an 11-minute "Fontessa" show the seriousness of the group (and the influence of Western classical music), other pieces (such as "Bluesology," "Woody 'N You" and a pair of ballads) look toward the group's roots in bop and permit the band to swing hard.

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Review by Scott Yanow

This LP has a strong all-around set by the Modern Jazz Quartet. While John Lewis '"Versailles" and an 11-minute "Fontessa" show the seriousness of the group (and the influence of Western classical music), other pieces (such as "Bluesology," "Woody' N You" and a pair of ballads) look towards the group's roots in bop and allow the band to swing hard.

Bob Dorough & Sam Most Quartet • Complete Recordings

 

The only vocalist to ever record with Miles Davis, Bob Dorough was also an exceptional pianist, composer, arranger and lyricist. This outstanding 69-minute release showcases the enigmatic musician's formidable piano skills along side flute and clarinet virtuoso Sam Most, bassist Bill Crow and drummer Joe Morello. Tasteful from start to finish, this sterling release is a must have for any jazz collector.

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El único vocalista que ha grabado con Miles Davis, Bob Dorough fue también un excepcional pianista, compositor, arreglista y letrista. Este excepcional lanzamiento de 69 minutos muestra las formidables habilidades de piano del enigmático músico junto con el virtuoso de la flauta y el clarinete Sam Most, el bajista Bill Crow y el batería Joe Morello. De buen gusto de principio a fin, este excelente lanzamiento es una necesidad para cualquier coleccionista de jazz.

Ornette Coleman • Tomorrow Is the Question!

 

 

www.ornettecoleman.com ...

The Modern Jazz Quartet • Third Stream Music

Miles Davis • Miles Davis & The Modern Jazz Giants

 

Review from All About Jazz (by Douglas Payne):
Hyperbole aside, this disc's title could hardly be more accurate. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. That doesn't even count the legendary rhythm sections (Percy Heath and Kenny Clarke in one, Red Garland, Paul Chambers and Philly Joe Jones in the other). Miles Davis And The Modern Jazz Giants is made up of two sessions, with four tracks from an all-star group with Jackson and Monk from 1954 (which also yielded the title track to Davis's Bags Groove) and one track from the first of the famous 1956 Davis quintet's marathon recordings that produced Workin', Steamin', Cookin' and Relaxin'. The music is unquestionably excellent, yielding sterling and signature input from each participant. The first of these two sessions is famous for being the one where the cranky trumpeter was miffed by the cantankerous Monk's playing behind his solos. "That's bullshit," according to label owner and session supervisor Bob Weinstock in the recently released The Prestige Records Story box set (and confirmed in this disc's liner notes by Ira Gitler). "Miles didn't want him to comp on one tune. There was no hostility, no fighting. I've heard that story many times but those guys had total respect for each other." Indeed, the musical evidence bears Weinstock out. The rapport among these leaders — however edgy it certainly must have been in the studio on that Christmas Eve day — works to the music's advantage. The quintet excels on Davis's "Swing Spring," Monk's "Bemsha Swing" and two very different takes of Gershwin's "The Man I Love." The lone 1956 track is Davis's breathtaking signature reverie on Monk's "'Round Midnight," with the trumpeter's familiar and definitive quintet. This collection essentially documents two important summit meetings from some of the greatest individuals jazz has ever known. Hyperbole aside, the results are significant and timeless.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

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Reseña de All About Jazz (por Douglas Payne):
La hipérbole aparte, el título de este disco difícilmente podría ser más preciso. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. Y eso sin contar las legendarias secciones rítmicas (Percy Heath y Kenny Clarke en una, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones en la otra). Miles Davis And The Modern Jazz Giants está compuesto por dos sesiones: cuatro temas de un grupo all-star con Jackson y Monk de 1954 (que también produjo el tema titular del Bags Groove de Davis) y un tema de la primera de las famosas sesiones maratón del quinteto de Davis de 1956, que produjeron Workin', Steamin', Cookin' y Relaxin'. La música es inequívocamente excelente, ofreciendo aportes brillantes y característicos de cada participante. La primera de estas dos sesiones es famosa por ser aquella en la que el malhumorado trompetista estaba molesto con el juego de acompañamiento del obstinado Monk detrás de sus solos. "Eso es una tontería", según el dueño del sello y supervisor de sesión Bob Weinstock en el recientemente publicado box set The Prestige Records Story (y confirmado en las notas del liner de este disco por Ira Gitler). "Miles no quería que él acompañara en un tema. No había hostilidad, ni peleas. He escuchado esa historia muchas veces pero esos tipos se tenían total respeto mutuo." De hecho, la evidencia musical le da la razón a Weinstock. La compenetración entre estos líderes — por tensa que ciertamente debió de haber sido en el estudio en aquel día de Nochebuena — trabaja a favor de la música. El quinteto brilla en "Swing Spring" de Davis, "Bemsha Swing" de Monk y dos takes muy diferentes de "The Man I Love" de Gershwin. El único tema de 1956 es la ensoñación emblemática y sobrecogedora de Davis sobre "'Round Midnight" de Monk, con el familiar y definitivo quinteto del trompetista. Esta colección documenta esencialmente dos importantes cumbres de algunos de los más grandes individuos que el jazz haya conocido. La hipérbole aparte, los resultados son significativos e imperecederos.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

Ben Webster &The Modern Jazz Quartet • 1953 An Exceptional Encounter

  

Review
by Ken Dryden
Recorded over two nights at an unnamed club, this rare meeting of Ben Webster and the Modern Jazz Quartet evidently originated from a radio aircheck. In spite of the fact that the audio balance is somewhat inconsistent, the playing by everyone is exemplary throughout both sessions. Webster, whose performances sometimes suffered from his bouts of heavy drinking, seems particularly stimulated by the driving piano of John Lewis and bluesy vibes of Milt Jackson. In addition to the swing standards for which the tenor saxophonist was well known, he tackles Charlie Parker's "Confirmation" and "Billie's Bounce" with equal enthusiasm. Other selections include ballad features such as "Danny Boy" and "The Nearness of You," the latter showcasing Webster's rich, big tone. Romps through "Oh Lady Be Good" and "Cotton Tail" (one of many recordings of this Duke Ellington masterpiece that is forever associated with Webster) are a delight. Unfortunately, the liner notes concentrate on a biography of Webster and provide no explanation as to how this encounter came about.
https://www.allmusic.com/album/1953-an-exceptional-encounter-mw0000000212

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Reseña
por Ken Dryden
Grabado durante dos noches en un club sin nombre, esta rara reunión de Ben Webster y el Modern Jazz Quartet se originó evidentemente a partir de una emisión de radio. A pesar de que el balance de audio es algo inconsistente, la interpretación de todos es ejemplar a lo largo de ambas sesiones. Webster, cuyas interpretaciones a veces se resentían de sus episodios de consumo excesivo de alcohol, parece especialmente estimulado por el piano de John Lewis y las vibraciones de Milt Jackson. Además de los estándares de swing por los que el saxofonista tenor era bien conocido, aborda "Confirmation" de Charlie Parker y "Billie's Bounce" con igual entusiasmo. Otras selecciones incluyen baladas como "Danny Boy" y "The Nearness of You", esta última mostrando el rico y gran tono de Webster. Los paseos por "Oh Lady Be Good" y "Cotton Tail" (una de las muchas grabaciones de esta obra maestra de Duke Ellington que se asocia para siempre con Webster) son una delicia. Lamentablemente, las notas del disco se centran en una biografía de Webster y no explican cómo se produjo este encuentro.
https://www.allmusic.com/album/1953-an-exceptional-encounter-mw0000000212

The Modern Jazz Quartet • Three Windows

 

Milt Jackson • Bags & Flutes

Biography by Scott Yanow
Before Milt Jackson, there were only two major vibraphonists: Lionel Hampton and Red Norvo. Jackson soon surpassed both of them in significance and, despite the rise of other players (including Bobby Hutcherson and Gary Burton), still won the popularity polls throughout the decades. Jackson (or "Bags" as he was long called) was at the top of his field for 50 years, playing bop, blues, and ballads with equal skill and sensitivity. In its essence, Jackson did for the vibes what Dizzy Gillespie did for the trumpet -- revolutionize its approach. He slowed the speed on the instrument's oscillator, changed its vibrato and perfected slow, cleverly paced blues solos. His floating solos with long, sustained notes and darting rhythms became a bop staple. A former singer, guitarist and pianist, Jackson was an extremely versatile player, cutting big-band dates, working with orchestras, and fighting to maintain a successful solo career yet retain his ties with the Modern Jazz Quartet, the group he co-founded with pianist John Lewis in 1952.

Milt Jackson started on guitar when he was seven, and piano at 11; a few years later, he switched to vibes. He actually made his professional debut singing in a touring gospel quartet. After Dizzy Gillespie discovered him playing in Detroit, he offered him a job with his sextet and (shortly after) his innovative big band (1946). Jackson recorded with Gillespie, and was soon in great demand. During 1948-1949, he worked with Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee, and the Woody Herman Orchestra. After playing with Gillespie's sextet (1950-1952), which at one point included John Coltrane, Jackson recorded with a quartet comprised of John Lewis, Percy Heath, and Kenny Clarke (1952), which soon became a regular group called the Modern Jazz Quartet. Although he recorded regularly as a leader (including dates in the 1950s with Miles Davis and/or Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane, and Ray Charles), Milt Jackson stayed with the MJQ through 1974, becoming an indispensable part of their sound. By the mid-'50s, Lewis became the musical director and some felt that Bags was restricted by the format, but it actually served him well, giving him some challenging settings. And he always had an opportunity to jam on some blues numbers, including his "Bags' Groove." However, in 1974, Jackson felt frustrated by the MJQ (particularly financially) and broke up the group. He recorded frequently for Pablo in many all-star settings in the 1970s, and after a seven-year vacation, the MJQ came back in 1981. In addition to the MJQ recordings, Milt Jackson cut records as a leader throughout his career for many labels including Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters, and Qwest. He died of liver cancer on October 9, 1999, at the age of 76.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

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Biografía de Scott Yanow
Antes de Milt Jackson, sólo había dos grandes vibrafonistas: Lionel Hampton y Red Norvo. Jackson pronto superó a ambos en importancia y, a pesar del auge de otros intérpretes (entre ellos Bobby Hutcherson y Gary Burton), siguió ganando las encuestas de popularidad a lo largo de las décadas. Jackson (o «Bags», como se le llamó durante mucho tiempo) estuvo en la cima de su campo durante 50 años, tocando bop, blues y baladas con igual habilidad y sensibilidad. En esencia, Jackson hizo por el vibráfono lo que Dizzy Gillespie hizo por la trompeta: revolucionar su enfoque. Redujo la velocidad del oscilador del instrumento, cambió su vibrato y perfeccionó los solos de blues lentos y de ritmo inteligente. Sus solos flotantes con notas largas y sostenidas y ritmos vertiginosos se convirtieron en un elemento básico del bop. Jackson, que había sido cantante, guitarrista y pianista, era un músico extremadamente versátil, que tocaba con big bands, trabajaba con orquestas y luchaba por mantener una exitosa carrera en solitario y, al mismo tiempo, conservar sus vínculos con el Modern Jazz Quartet, el grupo que cofundó con el pianista John Lewis en 1952.

Milt Jackson empezó a tocar la guitarra a los siete años y el piano a los once; unos años más tarde, se pasó al vibráfono. En realidad, debutó profesionalmente cantando en un cuarteto de gospel de gira. Cuando Dizzy Gillespie le descubrió tocando en Detroit, le ofreció trabajar con su sexteto y (poco después) con su innovadora big band (1946). Jackson grabó con Gillespie y pronto estuvo muy solicitado. Durante 1948-1949, trabajó con Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee y la Woody Herman Orchestra. Después de tocar con el sexteto de Gillespie (1950-1952), que en un momento dado incluyó a John Coltrane, Jackson grabó con un cuarteto formado por John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke (1952), que pronto se convirtió en un grupo fijo llamado Modern Jazz Quartet. Aunque grabó regularmente como líder (incluyendo fechas en los años 50 con Miles Davis y/o Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane y Ray Charles), Milt Jackson permaneció con el MJQ hasta 1974, convirtiéndose en una parte indispensable de su sonido. A mediados de los 50, Lewis se convirtió en el director musical y algunos pensaron que Bags se veía limitado por el formato, pero en realidad le servía bien, ya que le ofrecía algunos escenarios desafiantes. Y siempre tenía la oportunidad de improvisar en algunos números de blues, incluyendo su «Bags' Groove». Sin embargo, en 1974, Jackson se sintió frustrado por el MJQ (sobre todo económicamente) y disolvió el grupo. En la década de 1970 grabó con frecuencia para Pablo en muchos grupos de estrellas y, tras unas vacaciones de siete años, el MJQ regresó en 1981. Además de las grabaciones del MJQ, Milt Jackson grabó discos como líder a lo largo de su carrera para muchos sellos, como Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters y Qwest. Murió de cáncer de hígado el 9 de octubre de 1999, a la edad de 76 años.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

 

 

Milt Jackson • Milt Jackson Quartet

 

Review by Richard Mortifoglio

This 1955 date is an intriguing opportunity to hear Milt Jackson accompanied by the MJQ rhythm section, but with hard bopper Horace Silver substituting for John Lewis. Not only that, it's also a chance to hear a hitherto unknown, lushly romantic side of both Jackson and Silver, two blues-oriented players who rarely if ever recorded standards in this sort of style. With its excellent recording quality, it's a perfect album for intimate dinners and other late-night activities. Artie Shaw's exotic "Moonray" is rarely heard in any sort of context, while "My Funny Valentine" and "The Nearness of You" set the mood throughout.

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Reseña de Richard Mortifoglio

Esta fecha de 1955 es una interesante oportunidad para escuchar a Milt Jackson acompañado de la sección rítmica MJQ, pero con el hard bopper Horace Silver sustituyendo a John Lewis. No sólo eso, sino que también es una oportunidad para escuchar un lado hasta ahora desconocido y exuberantemente romántico tanto de Jackson como de Silver, dos jugadores orientados al blues que rara vez, si es que alguna vez han registrado estándares en este tipo de estilo. Con su excelente calidad de grabación, es un álbum perfecto para cenas íntimas y otras actividades nocturnas. El exótico "Moonray" de Artie Shaw rara vez se escucha en ningún tipo de contexto, mientras que "My Funny Valentine" y "The Nearness of You" marcan la pauta en todo momento.

Thelonious Monk & Sonny Rollins • Thelonious Monk & Sonny Rollins

 

 Since a 50th Anniversary edition of this recording was released only several years ago, it's possible that this recent RVG edition was seen by the parent company, Concord, as an opportunity to capitalize on the success—critical and popular—of the Monk/Coltrane Carnegie Hall concert (Blue Note, 2005). Regardless, this early meeting of masters, while yielding music of undeniable historical significance and timeless interest, is no match for the later one.

To begin with, the title is deceptive. Rollins and Monk play together on three of the five tracks on the album, which comprises three separate sessions recorded between November 1953 and September 1954. On the opening "Way You Look Tonight Monk's solo is a mere half chorus—played in a fairly conventional bebop style. This leaves but two tunes, "I Want to Be Happy and "Friday the 13th, on which the two strong musical personalities seek to negotiate a happy result.

The proceedings are enjoyable, frequently original and illuminating, but not as miraculous as some reviews of earlier editions have suggested. It's instructive to hear the "real" Monk emerge on "Happy," allowing the beat to establish itself before he plays off of and around it, making the piano another polyrhythmic, percussive voice—as opposed to a solo voice accompanied by rhythm section or simply another member of the accompanying team itself.

The individualist/pianist solos for three choruses, each discretely original in conception and execution. After a chorus of connected, seamless lines played in the middle register, he leaps to the upper register for the second chorus, jabbing dissonant chord clusters at irregular intervals in the unfilled space. The third chorus finds him relinquishing his left hand to its independent devices while maintaining an elliptical melody in the right. Always an authoritative solo voice, Rollins seems emboldened by Monk's example, playing with unmistakable conviction, especially compared to his work on an earlier session like Miles Davis' Diggin' (Prestige, 1951), where the tenorist clearly was aiming to make an impression.

Still, after hearing the Monk/Coltrane concert this encounter is inescapably anticlimactic. Rollins, whose playing anticipates some of the melodic/rhythmic characteristics of his successor Charlie Rouse, lacks the light articulations and responsive quickness of the less-renowned player. Compared to Rouse's sportive playfulness, the tenor colossus sounds somewhat heavy and ponderous in Monk country. On the other hand, Coltrane's intensity meshes with Monk's whimsy because the piano "grounds the rapturous, altissimo flights of the tenor saxophone, as though Monk's insistent harmonies and unyielding time are the falconer around which the falcon's gyres are free to expend themselves without spiraling out of control.

Julius Watkins adds his solo voice for Monk's extended and challenging (certainly for the listener) four-bar composition, "Friday the 13th, and the album is rounded out by the two trio numbers which, though they include Blakey, aren't the equal of the later dialog between the pianist and the percussionist on Art Blakey's Jazz Messengers with Thelonious Monk (Atlantic, 1957)—a fascinating and lively, yet ultimately one-sided conversation that might just as well have been titled "The Thelonious Monk Quintet."

https://www.allaboutjazz.com/thelonious-monk-sonny-rollins-thelonious-monk-prestige-records-review-by-samuel-chell.php

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 Dado que la edición del 50 aniversario de esta grabación fue lanzada hace sólo varios años, es posible que esta reciente edición de RVG fuera vista por la compañía matriz, Concord, como una oportunidad para capitalizar el éxito -crítico y popular- del concierto de Monk/Coltrane Carnegie Hall (Blue Note, 2005). A pesar de todo, este primer encuentro de maestros, si bien produce una música de innegable importancia histórica e interés intemporal, no es rival para el posterior.

Para empezar, el título es engañoso. Rollins y Monk tocan juntos en tres de los cinco temas del álbum, que comprende tres sesiones separadas grabadas entre noviembre de 1953 y septiembre de 1954. En la apertura "Way You Look Tonight Monk's solo es un mero medio coro, interpretado en un estilo de bebop bastante convencional. Esto deja sólo dos temas, "I Want to Be Happy" y "Friday the 13th", en los que las dos fuertes personalidades de la música buscan negociar un resultado feliz.

Las actas son amenas, a menudo originales e iluminadoras, pero no tan milagrosas como han sugerido algunas reseñas de ediciones anteriores. Es instructivo escuchar al Monje "real" emerger sobre "Happy", permitiendo que el ritmo se establezca antes de tocar y alrededor de él, convirtiendo al piano en otra voz polirrítmica y percusiva, a diferencia de una voz solista acompañada de una sección rítmica o simplemente de otro miembro del equipo de acompañamiento.

Los solos individualistas/pianistas de tres coros, cada uno discretamente original en su concepción y ejecución. Después de un coro de líneas conectadas y sin fisuras tocadas en el registro medio, salta al registro superior para el segundo coro, golpeando grupos de acordes disonantes a intervalos irregulares en el espacio sin llenar. El tercer estribillo lo encuentra cediendo su mano izquierda a sus dispositivos independientes mientras mantiene una melodía elíptica en la derecha. Siempre una voz solista autoritaria, Rollins parece envalentonado por el ejemplo de Monk, jugando con una convicción inconfundible, especialmente en comparación con su trabajo en una sesión anterior como la de Miles Davis' Diggin' (Prestige, 1951), en la que el tenorista claramente intentaba causar una impresión.

Sin embargo, después de escuchar el concierto de Monk/Coltrane, este encuentro es ineludiblemente anticlimático. Rollins, cuya interpretación anticipa algunas de las características melódicas y rítmicas de su sucesor Charlie Rouse, carece de las ligeras articulaciones y de la rapidez de respuesta del intérprete menos conocido. Comparado con la juguetonería deportiva de Rouse, el tenor coloso suena algo pesado y pesado en el país de los monjes. Por otro lado, la intensidad de Coltrane se entremezcla con el capricho de Monk porque el piano "fundamenta los alegres y altisimos vuelos del saxofón tenor, como si las insistentes armonías de Monk y el tiempo inflexible fueran el halconero alrededor del cual las gyres de los halcones son libres de gastar su tiempo sin perder el control".

Julius Watkins añade su voz solista para la extensa y desafiante composición de cuatro compases de Monk, "Viernes 13, y el álbum se completa con los dos números de trío que, aunque incluyen a Blakey, no son iguales al diálogo posterior entre el pianista y el percusionista de Art Blakey's Jazz Messengers con Thelonious Monk (Atlantic, 1957), una conversación fascinante y animada, aunque en última instancia, de un solo lado que podría haberse titulado "The The The Thelonious Monk Quintet".

https://www.allaboutjazz.com/thelonious-monk-sonny-rollins-thelonious-monk-prestige-records-review-by-samuel-chell.php

Nat Adderley • Work Song

 

 

“This album is as warm, fresh and sunny as a summer’s day in the back country. It’s earthy without being muddy, sophisticated but not phony. Recommended strongly” - (Don DeMicheal)
https://www.jazzmessengers.com/es/11609/nat-adderley/work-song

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"Este álbum es tan cálido, fresco y soleado como un día de verano en el campo. Es terrenal sin ser turbio, sofisticado pero no falso. Muy recomendable" - (Don DeMicheal)
https://www.jazzmessengers.com/es/11609/nat-adderley/work-song

Thelonious Monk • Thelonious Monk Trio

 

Review
by Ronnie D. Lankford, Jr.
Any Thelonious Monk album that kicks off with a seven-minute version of "Blue Monk" is worth listening to. Backed alternately by bassists Percy Heath and Gary Mapp and drummers Art Blakey and Max Roach, Monk unleashes his idiosyncratic piano lines against a spare backdrop. Beautifully rendered, the opening piece is a highlight of the album, oddly combining disharmonic riffs within a melodic and very memorable structure. It's followed, surprisingly, by a rather tepid version of "Just a Gigolo," more lounge than jazz in execution. The set picks up again, however, on "Bemsha Swing" and later with a noisy "Little Rootie Tootie," another fascinating study in dissonance with some great drum work by Blakey. Because the album was pieced together from three different sessions, it's often difficult to identify the supporting players on individual cuts. Nonetheless, the small settings used on all ten pieces feature intricate interplay between bass, drums, and piano. They allow the necessary space for Monk's explorations, which conjure up images of a mathematician working out geometric patterns on the keyboard. While mathematical music may sound a bit cold and soulless, pieces like "Monk's Dream" and "Trinkle, Tinkle" evoke a sublime beauty as they build order out of chaos. Intimate, intense, and inspired, Thelonious Monk Trio offers 35 minutes of professional musicians practicing their craft.
https://www.allmusic.com/album/thelonious-monk-trio-mw0000658116

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Revista
por Ronnie D. Lankford, Jr.
Merece la pena escuchar cualquier álbum de Thelonious Monk que comience con una versión de siete minutos de "Blue Monk". Respaldado alternativamente por los bajistas Percy Heath y Gary Mapp y los baterías Art Blakey y Max Roach, Monk da rienda suelta a sus idiosincrásicas líneas de piano sobre un fondo sobrio. Bellamente interpretada, la pieza inicial es uno de los puntos álgidos del álbum, combinando extrañamente riffs disarmónicos dentro de una estructura melódica y muy memorable. Le sigue, sorprendentemente, una versión más bien tibia de "Just a Gigolo", más lounge que jazz en su ejecución. Sin embargo, el conjunto se anima de nuevo con "Bemsha Swing" y más tarde con una ruidosa "Little Rootie Tootie", otro fascinante estudio de la disonancia con un gran trabajo de batería por parte de Blakey. Debido a que el álbum se recopiló a partir de tres sesiones diferentes, a menudo es difícil identificar a los músicos de apoyo en los distintos cortes. No obstante, las pequeñas configuraciones utilizadas en las diez piezas presentan una intrincada interacción entre el bajo, la batería y el piano. Permiten el espacio necesario para las exploraciones de Monk, que evocan imágenes de un matemático elaborando patrones geométricos en el teclado. Aunque la música matemática pueda sonar un poco fría y desalmada, piezas como "Monk's Dream" y "Trinkle, Tinkle" evocan una belleza sublime al construir el orden a partir del caos. Íntimo, intenso e inspirado, Thelonious Monk Trio ofrece 35 minutos de músicos profesionales practicando su oficio.
https://www.allmusic.com/album/thelonious-monk-trio-mw0000658116

Bob Brookmeyer & Bill Evans • The Ivory Hunters

Review by Michael G. Nastos

When Bill Evans agreed to do a two piano date with Bob Brookmeyer, eyebrows surely must have raised. Pairing a rising superstar of modern jazz with a gentleman known for playing valve trombone and arranging charts might have been deemed by some as a daunting task. Fortunately for the keyboardists, this was a good idea and a marvelous concept, where the two could use the concept of counterpoint and improvisation to an enjoyable means, much like a great chess match. For the listener, you are easily able to hear the difference between ostensible leader Evans in the right channel of the stereo separation, and the accompanist Brookmeyer in the left. The opener "Honeysuckle Rose" gives a basic idea of what to expect, as Evans leads out, Brookmeyer counters his moves, and they trade riffs in an inventive bridge. "The Way You Look Tonight" is similar as Brookmeyer is more playful in his chiming chords and second melody line. The energy level is very good here, as well as on the democratic, funky contemporary intro to the easy swing of "It Could Happen to You" and "I Got Rhythm," jam-packed with fun plus risk-taking. There's a different give and take during "The Man I Love," and they turn the lamp down low on a delicate version of "As Time Goes By" as the pianists trade leads, and bassist Percy Heath adopts a more pronounced role. It is Heath and drummer Connie Kay, on loan from the Modern Jazz Quartet, who precisely and firmly cement rhythmic elements, allowing the pianists to use space, harmony, wit and wisdom to full effect. Some have called this an effort based more on gimmick and showmanship, but if you agree to listen closely, the depth and substance of Evans and Brookmeyer reveals a lot of soul, invention, and musicians simply having a real good time. It would be nice to hear any alternate takes from this marvelous date.

https://www.allmusic.com/album/the-ivory-hunters-mw0000110601

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Reseña de Michael G. Nastos

Cuando Bill Evans aceptó tener una cita de piano con Bob Brookmeyer, seguramente se le subieron las cejas. Emparejar a una superestrella en ascenso del jazz moderno con un caballero conocido por tocar el trombón de válvula y arreglar cartas podría haber sido considerado por algunos como una tarea desalentadora. Afortunadamente para los teclistas, esta fue una buena idea y un concepto maravilloso, donde los dos pudieron usar el concepto de contrapunto e improvisación para un medio agradable, muy parecido a una gran partida de ajedrez. Para el oyente, usted puede fácilmente escuchar la diferencia entre el líder ostensible Evans en el canal derecho de la separación estéreo, y el acompañante Brookmeyer en el canal izquierdo. El abridor "Honeysuckle Rose" da una idea básica de lo que se puede esperar, mientras Evans sale, Brookmeyer contrarresta sus movimientos, y ellos intercambian riffs en un ingenioso puente. "The Way You Look Tonight" es similar ya que Brookmeyer es más juguetón en sus acordes y segunda línea melódica. El nivel de energía es muy bueno aquí, así como en la democrática y divertida introducción contemporánea al fácil swing de "It Could Happen to You" y "I Got Rhythm", repleto de diversión y riesgo. Hay un dar y recibir diferente durante "El hombre que amo", y apagan la lámpara en una delicada versión de "A medida que pasa el tiempo" mientras los pianistas lideran el negocio, y el bajista Percy Heath adopta un papel más pronunciado. Es Heath y la baterista Connie Kay, prestada por el Modern Jazz Quartet, quienes cementan de manera precisa y firme los elementos rítmicos, permitiendo a los pianistas utilizar el espacio, la armonía, el ingenio y la sabiduría para lograr el máximo efecto. Algunos han llamado a esto un esfuerzo basado más en el truco y el showmanship, pero si usted está de acuerdo en escuchar atentamente, la profundidad y la sustancia de Evans y Brookmeyer revela un montón de alma, invención, y los músicos simplemente pasar un buen rato real. Sería bueno escuchar cualquier toma alternativa de esta maravillosa fecha.

https://www.allmusic.com/album/the-ivory-hunters-mw0000110601

Sonny Rollins • With The Modern Jazz Quartet

 

Review by Lindsay Planer  
Included here are some of Sonny Rollins' earliest sessions as a bandleader. These are among the fresh and vibrant baker's dozen of selections on Sonny Rollins With the Modern Jazz Quartet (1953). The title is a bit misleading though, since the MJQ -- with John Lewis (piano), Milt Jackson (vibes), Percy Heath (bass), and Kenny Clarke (drums) -- is only accounted for during the first four sides. There is a playful and energetic tone that ricochets from Jackson's fluid vibes, landing firmly in Rollins' musical court. One prime example of this interaction is heard throughout the solos on the opening track, "Stopper." Similarly, "Almost Like Falling in Love" bops, weaves, and swings throughout, with some expressive contributions via Lewis, effectively linking Rollins' and Jackson's solos. "No Moe," which stands as one of the best originals on the disc, also bears their undeniable connection. Another not-to-be-missed reading is the sultry "In a Sentimental Mood." Here, Rollins spirals mature and ethereal lines against Jackson's resonant intonation and shimmer. If just for these tunes, Sonny Rollins With the Modern Jazz Quartet is a vital component in any jazz enthusiasts' collection. The rest of the disc is performed by Rollins and a quartet that also includes the talents of Kenny Drew (piano), the MJQ's Percy Heath (bass), and the main Jazz Messenger, Art Blakey (drums). On the original tune "Scoops," Blakey's hardball antics provide well-placed sonic interjections, punctuating Rollins' highly infectious melodic sense. While on the subject of catchy tunes, all ears should be directed to the biblically derived title "Shadrack," which had been a signature piece for Louis Armstrong. This early incarnation of the Sonny Rollins Quartet has rarely sounded as cohesive, as they collectively percolate with their definitive execution. Of particular note is the inclusion of Miles Davis' "I Know." This extension of Charlie Parker's "Confirmation" features Davis on piano accompanying Rollins with solid chord progressions, allowing the burgeoning player to lead his first-ever quartet with Heath and Roy Haynes (drums).
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-with-the-modern-jazz-quartet-mw0000195891

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Reseña de Lindsay Planer  
Aquí se incluyen algunas de las primeras sesiones de Sonny Rollins como líder de la banda. Estas están entre la fresca y vibrante docena de selecciones de Sonny Rollins con el Cuarteto de Jazz Moderno (1953). El título es un poco engañoso, ya que el MJQ - con John Lewis (piano), Milt Jackson (vibráfono), Percy Heath (bajo), y Kenny Clarke (batería) - sólo se tiene en cuenta durante los primeros cuatro lados. Hay un tono juguetón y energético que rebota de las fluidas vibras de Jackson, aterrizando firmemente en la corte musical de Rollins. Un ejemplo de esta interacción se escucha a lo largo de los solos de la pista de apertura, "Stopper". De manera similar, "Almost Like Falling in Love" hace bops, teje y se balancea a lo largo de todo, con algunas contribuciones expresivas a través de Lewis, vinculando eficazmente los solos de Rollins y Jackson. "No Moe", que se erige como uno de los mejores originales del disco, también tiene su innegable conexión. Otra lectura que no hay que perderse es la sensual "In a Sentimental Mood". Aquí, las espirales de Rollins maduran y las líneas etéreas contra la entonación resonante y el brillo de Jackson. Si sólo por estas melodías, Sonny Rollins con el Cuarteto de Jazz Moderno es un componente vital en cualquier colección de entusiastas del jazz. El resto del disco es interpretado por Rollins y un cuarteto que también incluye los talentos de Kenny Drew (piano), el Percy Heath de MJQ (bajo), y el principal mensajero del jazz, Art Blakey (batería). En la canción original "Scoops", las payasadas de Blakey proporcionan interjecciones sónicas bien situadas, puntuando el altamente infeccioso sentido melódico de Rollins. En cuanto a las melodías pegadizas, todos los oídos deben dirigirse al título bíblico "Shadrack", que ha sido una pieza emblemática de Louis Armstrong. Esta temprana encarnación del Cuarteto Sonny Rollins rara vez ha sonado tan cohesiva, ya que se filtran colectivamente con su ejecución definitiva. Cabe destacar la inclusión de "I Know" de Miles Davis. Esta extensión de "Confirmation" de Charlie Parker presenta a Davis en el piano acompañando a Rollins con progresiones de acordes sólidos, permitiendo al floreciente intérprete dirigir su primer cuarteto con Heath y Roy Haynes (batería).
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-with-the-modern-jazz-quartet-mw0000195891

sonnyrollins.com ...

 

Lou Donaldson - Clifford Brown • New Faces – New Sounds

 

New Faces New Sounds is a 1953 date featuring saxophonist Lou Donaldson and trumpeter Clifford Brown leading a quartet. The tracks were also issued on 1956's Memorial Album after Brown's death. Backing them here are pianist Elmo Hope, bassist Percy Heath, and drummer Philly Joe Jones. This is superb, highly influential hard bop jazz.

 by Matt Collar

https://www.allmusic.com/album/new-faces-new-sounds-mw0002695874

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New Faces New Sounds es una fecha de 1953 en la que el saxofonista Lou Donaldson y el trompetista Clifford Brown dirigen un cuarteto. Las canciones también fueron publicadas en el álbum conmemorativo de 1956 después de la muerte de Brown. Los respaldan el pianista Elmo Hope, el bajista Percy Heath y el baterista Philly Joe Jones. Este es un magnífico y muy influyente hard bop jazz.

 por Matt Collar

https://www.allmusic.com/album/new-faces-new-sounds-mw0002695874

The Modern Jazz Quartet & The Oscar Peterson Trio • At The Opera House

 

Clifford Brown • The Complete Blue Note and Pacific Jazz Recordings

Miles Davis • Walkin'

 

Review
by Lindsay Planer
The undeniable strength and conviction present in Miles Davis' performance on Walkin', underscores the urgency and passion with which he would rightfully reclaim his status as a primary architect of bop. Davis is supported by his all-stars, consisting of his primary rhythm unit: Horace Silver (piano), Percy Heath (bass), and Kenny Clarke (drums). The sextet featured on the title track, as well as "Blue 'n' Boogie," adds the talents of J.J. Johnson (trombone) and Lucky Thompson (tenor sax). Davis' quintet includes the primary trio and Dave Schildkraut (alto sax). Perhaps not an instantly recognizable name, Schildkraut nonetheless made some notable contributions to Stan Kenton's Kenton Showcase EPs, concurrent with his work with Miles. Walkin' commences with the extended title track, which follows a standard 12-bar blues theme. While the solos from Johnson and Thomson are unique, Miles retains a palpable sense of extrication from the music -- as if the song was an extension of his solo instead of the other way around. The lethargic rhythms reiterate the subtle adornments of the horn section to the basic trio. In direct contrast to "Walkin'" is a full-tilt jumper, "Blue 'n' Boogie." The improvisation yields some truly memorable solos and exchanges between Davis and Johnson -- who can be heard clearly quoting from Thelonious Monk's "Rhythm-A-Ning." "Solar" maintains a healthy tempo while drawing the listener in to the delicate interplay where the solos often dictate the melody. Horace Silver's piano solo is Ellington-esque in it's subdued elegance. The final track, "Love Me or Leave Me," gives the most solid indication of the direction Miles' impending breakthrough would take. So swift and certain is each note of his solo, it reflects the accuracy of someone thinking several notes ahead of what he is playing. Walking is a thoroughly solid effort.
https://www.allmusic.com/album/walkin-mw0000232471

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Reseña
por Lindsay Planer
La innegable fuerza y convicción presentes en la interpretación de Miles Davis en Walkin', subraya la urgencia y la pasión con la que reclamaría con razón su estatus de arquitecto principal del bop. Davis está apoyado por sus estrellas, que son su principal unidad rítmica: Horace Silver (piano), Percy Heath (bajo) y Kenny Clarke (batería). El sexteto que aparece en el tema principal, así como en "Blue 'n' Boogie", añade el talento de J.J. Johnson (trombón) y Lucky Thompson (saxo tenor). El quinteto de Davis incluye el trío principal y Dave Schildkraut (saxo alto). Tal vez no sea un nombre reconocible al instante, pero Schildkraut hizo algunas contribuciones notables a los EPs Kenton Showcase de Stan Kenton, al mismo tiempo que su trabajo con Miles. Walkin' comienza con el extenso tema del título, que sigue un tema estándar de blues de 12 compases. Mientras que los solos de Johnson y Thomson son únicos, Miles conserva una sensación palpable de extricción de la música, como si la canción fuera una extensión de su solo en lugar de lo contrario. Los ritmos aletargados reiteran los sutiles adornos de la sección de vientos al trío básico. En contraste directo con "Walkin'" hay un salto a toda máquina, "Blue 'n' Boogie". La improvisación produce algunos solos e intercambios verdaderamente memorables entre Davis y Johnson -- a quien se le puede oír citar claramente el "Rhythm-A-Ning" de Thelonious Monk. "Solar" mantiene un ritmo saludable mientras atrae al oyente a la delicada interacción en la que los solos a menudo dictan la melodía. El solo de piano de Horace Silver se asemeja a Ellington en su tenue elegancia. El tema final, "Love Me or Leave Me", es la indicación más sólida de la dirección que tomaría el inminente avance de Miles. Cada nota de su solo es tan rápida y segura que refleja la precisión de alguien que piensa varias notas antes de lo que está tocando. Walking es un esfuerzo completamente sólido.
https://www.allmusic.com/album/walkin-mw0000232471

Modern Jazz Quartet ft. Jimmy Giuffre • At Music Inn

 

Live performance recorded at The Music Inn, Lenox, Massachusetts, August 28, 1956. The Modern Jazz Quartet’s classic lineup is joined by clarinetist Jimmy Giuffre on a few tracks, blending cool jazz, hard bop, and chamber jazz styles. This edition reflects the 1956 live set often issued in modern reissues around 2022.