Machito & His Afro-Cuban Salseros • Mucho Macho

 

Review by Scott Yanow
The most famous (and common) Machito performances feature his infectious Cuban band welcoming guests from the bebop world. This CD is different, for it has 24 selections from the 1948-1949 period by Machito & His Afro-Cuban Salseros without the assistance of famous names. Utilizing three trumpets (including Mario Bauza), four saxophones, piano, bass, four percussionists, and the vocals of the leader and Gracilea, the high-powered and always danceable band is heard throughout the CD in prime form. Whether playing originals, updated folk songs, or jazz standards, Machito's mighty crew was the pacesetter in Latin jazz of the era. This important release gives listeners a strong example of how the Afro-Cuban jazz band probably sounded live in concert.
https://www.allmusic.com/album/mucho-macho-machito-his-afro-cuban-salseros-mw0000675551



Artist Biography by Richard S. Ginell
Machito played a huge role in the history of Latin jazz, for his bands of the 1940s were probably the first to achieve a fusion of powerful Afro-Cuban rhythms and jazz improvisation. At its roaring best, the band had a hard-charging sound, loaded with jostling, hyperactive bongos and congas and razor-edged riffing brass. Machito was the front man, singing, conducting, shaking maracas, while his brother-in-law Mario Bauza was the innovator behind the scenes, getting Machito to hire jazz-oriented arrangers. The son of a cigar manufacturer, Machito became a professional musician in Cuba in his teens before he emigrated to America in 1937 as a vocalist with La Estrella Habanera. He worked with several Latin artists and orchestras in the late '30s, recording with the then-dominant Latin bandleader Xavier Cugat. After an earlier aborted attempt to launch a band with Bauza, Machito founded the Afro-Cubans in 1940, taking on Bauza the following year as music director where he remained for 35 years. After making some early 78s for Decca, the Afro-Cubans really began to catch on after the end of World War II, appearing with -- and no doubt influencing -- Stan Kenton's orchestra (Machito played maracas on Kenton's recordings of "The Peanut Vendor" and "Cuban Carnival") and recording some exciting sides for Mercury and Clef. Upon Bauza's urging, Machito's band featured a galaxy of American jazz soloists on its recordings from 1948 to 1960, including Charlie Parker (heard memorably on "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller and Johnny Griffin. Playing regularly at New York's Palladium, Machito's band reached its peak of popularity during the mambo craze of the 1950s, survived the upheavals of the '60s and despite the loss of Bauza in 1976, continued to work frequently in the '60s, '70s, and early '80s when the term "salsa" came into use. The band recorded for Pablo (in tandem with Gillespie) and Timeless in its later years, and was playing Ronnie Scott's club in London in 1984 when Machito suffered a fatal stroke. A documentary film by Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, was released in 1987.

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Reseña de Scott Yanow
Las actuaciones más famosas (y comunes) de Machito presentan a su contagiosa banda cubana dando la bienvenida a los invitados del mundo del bebop. Este CD es diferente, ya que tiene 24 selecciones del período 1948-1949 de Machito & His Afro-Cuban Salseros sin la ayuda de nombres famosos. Utilizando tres trompetas (incluyendo a Mario Bauza), cuatro saxofones, piano, bajo, cuatro percusionistas, y las voces del líder y de Gracilea, la potente y siempre bailable banda se escucha a lo largo del CD en forma primitiva. Ya sea tocando originales, canciones folclóricas actualizadas o estándares de jazz, el poderoso grupo de Machito fue el líder del jazz latino de la época. Este importante lanzamiento da a los oyentes un fuerte ejemplo de cómo la banda de jazz afrocubana probablemente sonaba en vivo en concierto.
https://www.allmusic.com/album/mucho-macho-machito-his-afro-cuban-salseros-mw0000675551



Biografía del artista por Richard S. Ginell
Machito jugó un papel muy importante en la historia del jazz latino, ya que sus bandas de la década de 1940 fueron probablemente los primeros en lograr una fusión de poderosos ritmos afrocubanos e improvisación de jazz. En su mejor momento, la banda tenía un sonido de carga dura, cargado con bongos y congas hiperactivos y empujones y riffs de bronce. Machito era el líder, cantaba, dirigía y agitaba a las maracas, mientras que su cuñado, Mario Bauza, era el innovador detrás de escena, logrando que Machito contratara a arreglistas orientados al jazz. Hijo de un fabricante de cigarros, Machito se convirtió en un músico profesional en Cuba en su adolescencia antes de emigrar a Estados Unidos en 1937 como vocalista de La Estrella Habanera. Trabajó con varios artistas y orquestas latinas a finales de los años 30, grabando con el entonces líder de la banda latino Xavier Cugat. Luego de un intento abortado de lanzar una banda con Bauza, Machito fundó los afro-cubanos en 1940, y se convirtió en Bauza al año siguiente como director musical, donde permaneció durante 35 años. Después de llegar a los 78 años de edad para Decca, los afro-cubanos realmente comenzaron a mejorar después de la Segunda Guerra Mundial, apareciendo con, y sin duda influyendo, en la orquesta de Stan Kenton (Machito tocó maracas en las grabaciones de Kenton de "The Peanut Vendor" "y" Carnaval cubano ") y grabando algunos lados emocionantes para Mercury y Clef. A instancias de Bauza, la banda de Machito presentó una galaxia de solistas de jazz estadounidense en sus grabaciones de 1948 a 1960, incluyendo a Charlie Parker (escuchado memorablemente en "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller y Johnny Griffin. Tocando regularmente en el Palladium de Nueva York, la banda de Machito alcanzó su mayor popularidad durante la moda del mambo de la década de 1950, sobrevivió a los trastornos de los años 60 y, a pesar de la pérdida de Bauza en 1976, continuó trabajando con frecuencia en los años 60 y 70. y principios de los 80 cuando el término "salsa" entró en uso. La banda grabó para Pablo (junto con Gillespie) y Timeless en sus últimos años, y estaba tocando en el club de Ronnie Scott en Londres en 1984, cuando Machito sufrió un ataque al corazón fatal. Una película documental de Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, fue estrenada en 1987.

Mongo Santamaría • Afro-American Latin

 

Review by Richie Unterberger
Santamaria recorded an entire album in March 1969 that was inspired by the Afro-Cuban religion Santeria with encouragement from producer David Rubinson. It was done, however, in an era when Santamaria was being marketed by Columbia as a jazz-pop-soul crossover artist. The label rejected the album and it was shelved until 2000, when it finally appeared as a CD. While it's a solid record, and certainly closer to Santamaria's roots than much of his Columbia work was, one would be hard-pressed to say that its failure to appear when it was first made was a tragedy. Really, it's not too much different than the less soul-pop-oriented Latin jazz Santamaria has done throughout his career. Perhaps it's at times a little looser and bolder than Santamaria was wont to be, as with Sonny Fortune's squealing alto sax lines on "Mambo Leah" or the ten-minute "Obatala," a rave-up that moves from an opening conga/bata duet through several sections into a hyper-tempo charanga. But it's not all along these lines: "Sheila" is just a mellow jazz ballad (not that there's anything wrong with that) while "Me and You Baby" and "Boogaloo Wow" are more in line with the boogaloo that was raking in the sales for Mongo and Columbia. It's nice that Mongo fans have an opportunity to hear it after the passage of 30 years, but it's difficult to say that it would have made any difference to the trajectory of his career had it appeared as Santamaria and Rubinson intended, although the success of Santana right after its cancellation might have helped draw attention to it. One of the songs, the aforementioned "Me and You Baby," did appear on the 1970 album All Strung Out; otherwise, everything else was previously unreleased. In addition, there are five bonus live tracks recorded in 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

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Reseña de Richie Unterberger
Santamaría grabó un álbum completo en marzo de 1969 que se inspiró en la religión afrocubana Santería con el estímulo del productor David Rubinson. Se hizo, sin embargo, en una época en que Santamaría estaba siendo comercializado por Columbia como un artista crossover de jazz-pop-soul. El sello rechazó el álbum y fue archivado hasta el año 2000, cuando finalmente apareció como un CD. Si bien es un disco sólido, y ciertamente más cercano a las raíces de Santamaría que gran parte de su trabajo en Columbia, sería difícil decir que su fracaso en aparecer cuando se hizo por primera vez fue una tragedia. En realidad, no es muy diferente del jazz latino menos orientado al soul-pop que Santamaría ha hecho a lo largo de su carrera. Tal vez sea a veces un poco más suelto y audaz de lo que Santamaría solía ser, como con las chirriantes líneas de saxo alto de Sonny Fortune en "Mambo Leah" o el "Obatala" de diez minutos, un delirio que se mueve de un dúo de conga/bata de apertura a través de varias secciones en una charanga hipertemporal. Pero no todo es en esta línea: "Sheila" es solo una suave balada de jazz (no es que haya nada de malo en eso), mientras que "Me and You Baby" y "Boogaloo Wow" están más en línea con el boogaloo que estaba acumulando ventas para Mongo y Columbia. Es bueno que los fanáticos de Mongo tengan la oportunidad de escucharlo después del paso de 30 años, pero es difícil decir que hubiera hecho alguna diferencia en la trayectoria de su carrera si hubiera aparecido como Santamaría y Rubinson pretendían, aunque el éxito de Santana justo después de su cancelación podría haber ayudado a llamar la atención sobre él. Una de las canciones, la mencionada "Me and You Baby", apareció en el álbum de 1970 All Strung Out; de lo contrario, todo lo demás era inédito. Además, hay cinco pistas extra en vivo grabadas en 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

Noro Morales • His Piano and Rhythm

 

 

Noro Morales, Noro Osvaldo Morales Sanabria was a pianist, composer, and dance orchestra director, born in the town of Puerta de Tierra, in San Juan de Puerto Rico on January 4, 1911, and died in San Juan de Puerto Rico on January 15, 1964.

At an early age Noro Morales manifested his vocation for music, at the beginning he studied trombone and double bass; however, his ability on the piano stood out, together with his brothers, who also showed a precocious musical inclination.

His father, Luis Morales, was a violinist. As a thirteen year old teenager, and member of the group founded by his father, at the end of the 1920's, Venezuelan President Juan Vicente Gómez hired them to be the orchestra of the presidential entourage. In 1930 the Noro Morales family returned to Puerto Rico, although, years later, with his own orchestra, Noro Morales would return to Venezuela.

When it was founded again, the group settled in New York in 1935, performing at the "El Morocco" club, together with his brothers José, Humberto and Ismael. In 1938 he began to gain popularity and popularity, and years later, he was consecrated with the song "Serenata rítmica", and the following year Noro Morales played with Bobby Byrne's orchestra at the "Glen Island Casino".

From 1940 to 1950, his activity developed almost entirely in New York, on the stages of the clubs "La Conga", "Stork Club" and "China Doll", among others; at the same time he played with other orchestras, such as Tito Puente, Bobby Byrne, José Fajardo, and others.

Noro Morales gained fame in the colorful town of Harlem, where other popular music figures such as Count Basie, Duke Ellington, and others, like Noro Morales, performed in nightclubs in that town, such as the famous "Toreador", very frequented by Latin musicians. The vocalists were Frank "Machito" Grillo, Tito Rodríguez, Vicentico Valdés and others.
https://www.vintagemusic.fm/release/noro-morales/

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Noro Morales, Noro Osvaldo Morales Sanabria fue un pianista, compositor, y director de orquesta de bailes, nacido en la localidad de Puerta de Tierra, en San Juan de Puerto Rico el 04 de enero de 1911,y fallecido en San Juan de Puerto Rico el 15 de enero de 1964.

A temprana edad Noro Morales manifestó su vocación por la música, al comienzo estudió trombón y contrabajo; sin embargo resaltaba su habilidad en el piano, conjuntamente con sus hermanos, quiénes también mostraron una precoz inclinación musical.

Su padre, Luis Morales era violinista. Adolescente de trece años,e integrante del grupo fundado por su padre, al final de la década de los 20, el presidente venezolano Juan Vicente Gómez les contrató, para que la agrupación fuese la orquesta del entorno presidencial. En 1930 la familia Noro Morales regresó a Puerto Rico, aunque, años mas tarde, con su propia orquesta, NoroMorales volvería a Venezuela.

Cuando fue fundada nuevamente, la agrupación se estableció en Nueva York en 1935, presentándose en el club “El Morocco”; junto a sus hermanos José, Humberto e Ismael. Ya en 1938 comenzó a adquirir auge y popularidad, y, años después, se consagró con el tema “Serenata rítmica”.Al año siguiente Noro Morales alternaba con la orquesta de Bobby Byrne en el “Glen Island Casino”.

Desde 1940 a 1950, su actividad se desenvolvió casi totalmente en Nueva York, en los escenarios de los clubes “La Conga”, “Stork Club” y “China Doll”, entre otros; a tiempo que alternaba con otras orquestas, como Tito Puente, Bobby Byrne, José Fajardo, y otros.

Noro Morales ganó así fama en la colorida localidad de Harlem, donde surgieron otras figuras de la música popular com Count Basie, Duke Ellington, y otros, que, así como Noro Morales se desenvolvían en clubes nocturnos de esa localidad, tal como el famoso “Toreador”,muy frecuentado por músicos latinos. En la vocalización se escuchaban los cantantes Frank “Machito” Grillo,Tito Rodríguez, Vicentico Valdés y otros.
https://www.vintagemusic.fm/release/noro-morales/

VA • Nu Yorica! Culture Clash In New York City Experiments In Latin Music 1970-77

 

Review from The Guardian (CD of the Week):
An inspired selection. Soul Jazz deserve credit for delving further into the murky background of popular dance and jazz music. If ever a CD was worth buying, this is it.
https://www.theguardian.com

Review from Record Collector:
Some compilations are so influential and universally loved that they become classic albums in their own right. Just as Harry Smith cemented forever the underground sound of the US between the wars, so did the then young Soul Jazz imprint immortalise the Latin music emerging from 1970s New York with Nu Yorica! This anniversary reissue retains what was always a sensational collection of almighty Latin grooves. Make no mistake, this album is extraordinary. Infectious, revolutionary, inspirational and funkier than a mosquito's tweeter, Nu Yorica! fuses jazz, soul, funk and every kind of Latin music, all the while infusing it with the energy and freedom of the Big Apple.
https://recordcollectormag.com/reviews/album/nu-yorica-culture-clash-new-york-city-experiments-latin-music-1970-77

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Resena de The Guardian (CD de la Semana):
Una seleccion inspirada. Soul Jazz merece credito por profundizar en los oscuros antecedentes de la musica popular de baile y el jazz. Si algun dia vale la pena comprar un CD, este es el caso.
https://www.theguardian.com

Resena de Record Collector:
Algunas compilaciones son tan influyentes y universalmente amadas que se convierten en albumes clasicos por derecho propio. Asi como Harry Smith cimento para siempre el sonido underground de los EE.UU. entre guerras, el entonces joven sello Soul Jazz inmortalizo la musica latina emergente del Nueva York de los anos 70 con Nu Yorica! Esta reedicion aniversario conserva lo que siempre fue una coleccion sensacional de poderosos grooves latinos. Sin lugar a dudas, este album es extraordinario. Infeccioso, revolucionario, inspirador y mas funky que nada, Nu Yorica! fusiona jazz, soul, funk y todo tipo de musica latina, impregnandola con la energia y la libertad de la Gran Manzana.
https://recordcollectormag.com/reviews/album/nu-yorica-culture-clash-new-york-city-experiments-latin-music-1970-77

VA • Nu Yorica 2! Further Adventures In Latin Music-Chango In The New World 1976-1985

 

VA • Christmas Tropical

 

Tito Puente, Billy May, Xavier Cugat, Bud Shank, Clare Fischer, Noro Morales, Tamba Trio ...

Ray Barretto • On Fire Again

 

VA • Jazz Moods Cha Cha Party

 

Poncho Sanchez, Ray Barretto, Tito Puente, Mongo Santamaria, Cal Tjader ...

VA • Fania Records The Latin Sound of New York [1964-1978]

 

The Latin Sound of New York (1964–1978) es un extraordinario e inédito recopilatorio que conmemora el 60º aniversario de Fania a través de Craft / Concord.

El histórico legado de Fania es tan relevante para la música latina como Stax y Motown para el soul o Prestige y Blue Note para el jazz. Para reivindicarlo esta joya incluye dieciséis de los sencillos más importantes grabados por Willie Colón, Héctor Lavoe, Rubén Blades, Johnny Pacheco, Ray Barretto, Celia Cruz, Fania All Stars, Joe Bataan, Eddie Palmieri, Pete Rodríguez, Ismael Rivera, Cheo Feliciano, Richie Ray, Bobby Cruz y Joe Cuba para el sello neoyorquino y subsidiarias durante su época dorada que logró popularizar la salsa, el latin-soul o el boogaloo por todo el planeta.

Tito Puente and the Making of Latin Music

 

He was known as "El Rey"—the king—and he came to epitomize the Latin experience in music, not just to Latinos throughout the United States and Latin America but to a worldwide audience. 

Tito Puente and the Making of Latin Music is the first in-depth historical, musical, and cultural look at the career and the influence of a giant of Latin music. Steven Loza brings the man and his music vividly to life through exclusive interviews with Puente and a number of his close associates, including Hilton Ruiz, Ray Santos, Jerry González, Poncho Sanchez, and Joe Conzo, as well as music journalist Max Salazar and former DJ/producer Chico Sesma. 

Loza shows how Puente's music evolved in tandem with the crystallization of Latin music into its current compelling mix of Afro-Cuban music, salsa, and Latin jazz. Tracing Puente's innovations as a drummer and a bandleader, Loza defines his influence over the course of half a century on Latin music as well as on other musicians and musical genres. Loza also delineates the social and cultural history of Latin music, exploring questions of nationalism and ethnic expression, the play between musical creation and commercial competition, and the politics of so-called multiculturalism as they bear on Latin music and musicians. The book includes detailed musical analyses and a discography of more than a hundred recordings. 

Celebrating a dynamic performer and a genre that is deeply rooted in America's rich ethnic diversity, Tito Puente and the Making of Latin Music reveals all the vibrancy and color of a consummate artist's life, work, and world.

 

Steven Loza (Author) 

 

Salsiology: Afro-Cuban Music and the Evolution of Salsa in N.Y. City

 

Arturo O'Farrill & The Afro-Latin Jazz Orchestra • Song For ''Chico''

 

www.arturoofarrill.com ...

Cuban Fire: The Story of Salsa and Latin Jazz

 

 

This title tells the saga of popular music of Cuban origin, and its major artists from the 1920s to today. Afro-Cuban music derives its richness from the fusion of various cultures. On the island of tobacco, rum and coffee, the marriage of sacred and secular African musical genres with Spanish and French melodies has given rise to numerous genres which have gained international fame: son, rhumba, guaracha, conga, mambo, cha-cha-cha, pachanga, nueva timba. In the US, Cubans have settled alongside other Hispanic communities. In New York, the boogaloo, salsa and Latin jazz, created by musicians such as Machito, Dizzy Gillespie and Chano Pozo emerged from contact with Puerto Ricans and African-Americans, and the rhythms of Puerto Rico and Santo Domingo were integrated into salsa and Latin jazz.

 

Cubano Be Cubano Bop: One Hundred Years of Jazz in Cuba

 

Based on unprecedented research in Cuba, the direct testimony of scores of Cuban musicians, and the author's unique experience as a prominent jazz musician, Cubano Be, Cubano Bop is destined to take its place among the classics of jazz history. The work pays tribute not only to a distinguished lineage of Cuban jazz musicians and composers, but also to the rich musical exchanges between Cuban and American jazz throughout the twentieth century.

The work begins with the first encounters between Cuban music and jazz around the turn of the last century. Acosta writes about the presence of Cuban musicians in New Orleans and the “Spanish tinge” in early jazz from the city, the formation and spread of the first jazz ensembles in Cuba, the big bands of the thirties, and the inception of “Latin jazz.” He explores the evolution of Bebop, Feeling, and Mambo in the forties, leading to the explosion of Cubop or Afro-Cuban jazz and the innovations of the legendary musicians and composers Machito, Mario Bauzá, Dizzy Gillespie, and Chano Pozo. The work concludes with a new generation of Cuban jazz artists, including the Grammy award-winning musicians and composers Chucho Valdés and Paquito D’Rivera. 

 

 Leonardo Acosta (Author)

 

Ray Barretto • Latin Soul Man

Review by John Bush

Despite his Clark Kent looks, Ray Barretto's '60s recordings revealed a Superman of groove-based Latin salsa and soul. His early novelty hit "El Watusi" may have had the most success, but when Barretto began recording for Fania with the 1967 classic Acid, he unleashed some of the brassiest, grooviest, and most powerful tracks ever heard in Latin music. Latin Soul Man is a 17-track compilation of his early career, spanning the early '60s to 1972, and including material originally recorded for Tico, UA Latino, and Fania. After a brief time at Riverside in the early '60s for his debut as a leader, Barretto headed off to Tico and scored his biggest hit with 1963's "El Watusi," which showed off his excellent arranging chops and the power of his early flute-led charanga. Then there was another brief stay, at UA Latino, which is heard here with another novelty, "Señor 007," as well as one of the best boogaloos ever recorded, "Do You Dig It." After that came Acid and a parade of great material for Fania, which saw Barretto stretching out on free-form material while still pumping out plenty of tight cuts with brassy charts for the heavy dancers crowd in New York. Therein lies the lone concern with this collection. While it extends into the '70s with great tracks from his other Fania classics -- 1968's Hard Hands, 1970's Together, 1972's Barretto Power -- there's a heavy emphasis on Barretto's great popcorn and boogaloo material, while completely ignoring the longer, extended grooves like the title track to Acid (probably his career highlight) as well as "El Nuevo Barretto." Extending the running time another 20 minutes would have been easy, and that would have made Latin Soul Man a priceless pickup.

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Traducción automática:

Revisión por John Bush

A pesar de su apariencia de Clark Kent, las grabaciones de los años 60 de Ray Barretto revelaron un Superman de salsa y soul latino basado en el groove. Su primer éxito novedoso, "El Watusi", puede haber tenido el mayor éxito, pero cuando Barretto comenzó a grabar para Fania con el clásico de 1967 Acid, desató algunas de las canciones más poderosas, sorprendentes y poderosas que se hayan escuchado en la música latina. Latin Soul Man es una compilación de 17 temas de su carrera temprana, que abarca desde principios de los 60 hasta 1972, e incluye material grabado originalmente para Tico, UA Latino y Fania. Después de un breve tiempo en Riverside a principios de los años 60 para su debut como líder, Barretto se dirigió a Tico y obtuvo su mayor éxito con "El Watusi" en 1963, que mostró sus excelentes habilidades y el poder de su primera flauta. led charanga. Luego hubo otra breve estadía, en UA Latino, que se escucha aquí con otra novedad, "Señor 007", así como uno de los mejores boogaloos jamás registrados, "Do You Dig It". Después de eso vino Acid y un desfile de gran material para Fania, que vio a Barretto extendiéndose sobre el material de forma libre mientras seguía bombeando muchos cortes ajustados con listas de metales para la multitud de bailarines pesados ​​en Nueva York. Ahí radica la única preocupación con esta colección. Si bien se extiende hasta los años 70 con excelentes canciones de sus otros clásicos de Fania: Hard Hands de 1968, Together de 1970, Barretto Power de 1972, hay un gran énfasis en el material de boomaloo y palomitas de Barretto, mientras que se ignoran por completo los surcos más largos y extensos como la canción principal de Acid (probablemente su carrera más destacada), así como "El Nuevo Barretto". Extender el tiempo de ejecución otros 20 minutos hubiera sido fácil, y eso habría hecho de Latin Soul Man una recolección inestimable.

 

 

Machito • Machito Goes Memphis

Review by Tony Wilds

What? Machito playing SOUL? The bad news is that there is nothing much to it except the cover of "Green Onions." The good news is that this is a fantastic cover. Many have tried to do justice to the tune, but few if any have succeeded in matching the original. Machito's version does not bend to the visceral and funky style of the MG's but instead zaps it into high-1960s "mod" or "now sound" territory. It has snap, punch, power, and the period sound of such other "mod" monsters as "Soul Bossa Nova." DJs will love it, and the rest of the album will keep Machito fans scratching their heads in utter disbelief.

Artist Biography by Richard S. Ginell
Machito played a huge role in the history of Latin jazz, for his bands of the 1940s were probably the first to achieve a fusion of powerful Afro-Cuban rhythms and jazz improvisation. At its roaring best, the band had a hard-charging sound, loaded with jostling, hyperactive bongos and congas and razor-edged riffing brass. Machito was the front man, singing, conducting, shaking maracas, while his brother-in-law Mario Bauza was the innovator behind the scenes, getting Machito to hire jazz-oriented arrangers. The son of a cigar manufacturer, Machito became a professional musician in Cuba in his teens before he emigrated to America in 1937 as a vocalist with La Estrella Habanera. He worked with several Latin artists and orchestras in the late '30s, recording with the then-dominant Latin bandleader Xavier Cugat. After an earlier aborted attempt to launch a band with Bauza, Machito founded the Afro-Cubans in 1940, taking on Bauza the following year as music director where he remained for 35 years. After making some early 78s for Decca, the Afro-Cubans really began to catch on after the end of World War II, appearing with -- and no doubt influencing -- Stan Kenton's orchestra (Machito played maracas on Kenton's recordings of "The Peanut Vendor" and "Cuban Carnival") and recording some exciting sides for Mercury and Clef. Upon Bauza's urging, Machito's band featured a galaxy of American jazz soloists on its recordings from 1948 to 1960, including Charlie Parker (heard memorably on "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller and Johnny Griffin. Playing regularly at New York's Palladium, Machito's band reached its peak of popularity during the mambo craze of the 1950s, survived the upheavals of the '60s and despite the loss of Bauza in 1976, continued to work frequently in the '60s, '70s, and early '80s when the term "salsa" came into use. The band recorded for Pablo (in tandem with Gillespie) and Timeless in its later years, and was playing Ronnie Scott's club in London in 1984 when Machito suffered a fatal stroke. A documentary film by Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, was released in 1987.

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Revisión por Tony Wilds

¿Qué? ¿Machito tocando SOUL? La mala noticia es que no hay mucho más que la portada de "Green Onions". La buena noticia es que esta es una portada fantástica. Muchos han tratado de hacer justicia a la melodía, pero pocos han logrado igualar el original. La versión de Machito no se inclina por el estilo visceral y funky de los MG, sino que la convierte en un territorio de "mod" o "ahora suena" de los años sesenta. Tiene snap, punch, power y el sonido de la época de otros monstruos "mod" como "Soul Bossa Nova". A los DJs les encantará, y el resto del álbum mantendrá a los fanáticos de Machito rascándose la cabeza con absoluta incredulidad.

Biografía del artista por Richard S. Ginell
Machito jugó un papel muy importante en la historia del jazz latino, ya que sus bandas de la década de 1940 fueron probablemente los primeros en lograr una fusión de poderosos ritmos afrocubanos e improvisación de jazz. En su mejor momento, la banda tenía un sonido de carga dura, cargado con bongos y congas hiperactivos y empujones y riffs de bronce. Machito era el líder, cantaba, dirigía y agitaba a las maracas, mientras que su cuñado, Mario Bauza, era el innovador detrás de escena, logrando que Machito contratara a arreglistas orientados al jazz. Hijo de un fabricante de cigarros, Machito se convirtió en un músico profesional en Cuba en su adolescencia antes de emigrar a Estados Unidos en 1937 como vocalista de La Estrella Habanera. Trabajó con varios artistas y orquestas latinas a finales de los años 30, grabando con el entonces líder de la banda latino Xavier Cugat. Luego de un intento abortado de lanzar una banda con Bauza, Machito fundó los afro-cubanos en 1940, y se convirtió en Bauza al año siguiente como director musical, donde permaneció durante 35 años. Después de llegar a los 78 años de edad para Decca, los afro-cubanos realmente comenzaron a mejorar después de la Segunda Guerra Mundial, apareciendo con, y sin duda influyendo, en la orquesta de Stan Kenton (Machito tocó maracas en las grabaciones de Kenton de "The Peanut Vendor" "y" Carnaval cubano ") y grabando algunos lados emocionantes para Mercury y Clef. A instancias de Bauza, la banda de Machito presentó una galaxia de solistas de jazz estadounidense en sus grabaciones de 1948 a 1960, incluyendo a Charlie Parker (escuchado memorablemente en "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller y Johnny Griffin. Tocando regularmente en el Palladium de Nueva York, la banda de Machito alcanzó su mayor popularidad durante la moda del mambo de la década de 1950, sobrevivió a los trastornos de los años 60 y, a pesar de la pérdida de Bauza en 1976, continuó trabajando con frecuencia en los años 60 y 70. y principios de los 80 cuando el término "salsa" entró en uso. La banda grabó para Pablo (junto con Gillespie) y Timeless en sus últimos años, y estaba tocando en el club de Ronnie Scott en Londres en 1984, cuando Machito sufrió un golpe fatal. Una película documental de Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, fue estrenada en 1987.

Poncho Sanchez • Papa Gato

 

Review
by Scott Yanow
Percussionist Poncho Sanchez has long led one of the top Latin jazz groups, succeeding his former boss, the late Cal Tjader.
On this enjoyable release, Sanchez features plenty of solos from Justo Almario (on alto, tenor, and flute), trumpeter Sal Cracchiolo, and trombonist Art Velasco, and the three percussionists have many opportunities to romp. The jazz content is pretty high with such songs as "Jumpin' With Symphony Sid," "Senor Blues," and "Manteca" alternating with group originals.
A fine introduction to the accessible Latin jazz of Poncho Sanchez.
https://www.allmusic.com/album/papa-gato-mw0000196943

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Reseña
por Scott Yanow
El percusionista Poncho Sánchez ha liderado durante mucho tiempo uno de los mejores grupos de jazz latino, sucediendo a su antiguo jefe, el difunto Cal Tjader.
En este agradable disco, Sánchez cuenta con numerosos solos de Justo Almario (alto, tenor y flauta), el trompetista Sal Cracchiolo y el trombonista Art Velasco, y los tres percusionistas tienen muchas oportunidades de retozar. El contenido jazzístico es bastante alto, con temas como "Jumpin' With Symphony Sid", "Senor Blues" y "Manteca" alternados con originales del grupo.
Una buena introducción al accesible jazz latino de Poncho Sánchez.
https://www.allmusic.com/album/papa-gato-mw0000196943


www.ponchosanchez.com ...

Arturo O'Farrill & the Afro Latin Jazz Orchestra • The Offense of the Drum

 

Mongo Santamaría • Afro-Indio

 

 

Review
by Thom Jurek  
Originally released in 1975, this set by master Cuban percussionist Mongo Santamaria is an exercise in smooth jazz and jazz-funk. Besides its amazing cover by Ron Levine, this disc holds a special place in Santamaria's catalog. This was the first time he was able to reach his goal of making a large band -- in this case, 14 musicians -- sound like an intimate combo. "Creepin" kicks it off; it's an easy-groove number reminiscent of the Crusaders' slippery moves at the time -- think Scratch. "Funk Up," "Mambomongo," and "Funk Down" juxtapose Afro-beat, War-style R&B and funk, steamy salsa horns, and just a touch of Jimi Hendrix for a smokin' raw slice of heated riffing on a theme and two variations. Drummer Bernard Purdie kept the entire band anchored, while saxophonist Justo Almario cuts a mean swathe with his solo in the middle of the track, in the heart of a horn stomp that is unequaled on any of Santamaria's other records. There's even a version LaBelle's "Lady Marmalade" that has a vocal chorus to back up Almario's razored saxophone lines; with its Afro-funk backbeat and driving horn section, this one was made for the dancefloor. There is some schlock here, though, in the Joe Gallardo-arranged "Song for You" (not the Bernie Taupin/Elton John tune), a syrupy waste of time and energy with the wimpiest, most anemic flute solo ever recorded (this makes Hubert Laws' most sentimental moments seem like the theme from Rocky). At seven-and-a-half minutes, this would have been better served on the cutting-room floor. Despite a few dumpy cuts, this one is necessary for fans of classic '70s soul-jazz and jazz-funk; it's also of peculiar but pointed interest to those interested in the evolution of Afro-Cuban beat science.
https://www.allmusic.com/album/afro-indio-mw0000769635

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Reseña
por Thom Jurek  
Publicado originalmente en 1975, este disco del maestro de la percusión cubana Mongo Santamaria es un ejercicio de smooth jazz y jazz-funk. Además de su asombrosa portada realizada por Ron Levine, este disco ocupa un lugar especial en el catálogo de Santamaría. Fue la primera vez que pudo alcanzar su objetivo de hacer que una banda grande -en este caso, 14 músicos- sonara como un combo íntimo. "Creepin" da el pistoletazo de salida; es un número de ritmo fácil que recuerda a los resbaladizos movimientos de los Crusaders de la época: piensa en Scratch. "Funk Up", "Mambomongo" y "Funk Down" yuxtaponen afro-beat, R&B y funk de estilo bélico, vientos de salsa y un toque de Jimi Hendrix en una rebanada de riffs calientes sobre un tema y dos variaciones. El baterista Bernard Purdie mantuvo a toda la banda anclada, mientras que el saxofonista Justo Almario se lució con su solo en mitad del tema, en el corazón de un "stomp" de vientos que no tiene parangón en ninguno de los otros discos de Santamaría. Incluso hay una versión de "Lady Marmalade" de LaBelle con un estribillo vocal que respalda las afiladas líneas de saxofón de Almario; con su ritmo afro-funk y su sección de vientos, está hecha para la pista de baile. Sin embargo, hay algo de basura en el arreglo de Joe Gallardo "Song for You" (no la melodía de Bernie Taupin/Elton John), una almibarada pérdida de tiempo y energía con el solo de flauta más enclenque y anémico jamás grabado (hace que los momentos más sentimentales de Hubert Laws parezcan el tema de Rocky). Con sus siete minutos y medio de duración, habría sido mejor dejarlo en la sala de montaje. A pesar de algunos cortes de mala calidad, este disco es necesario para los fans del soul-jazz y el jazz-funk clásicos de los 70; también es de interés peculiar pero puntual para los interesados en la evolución de la ciencia beat afrocubana.
https://www.allmusic.com/album/afro-indio-mw0000769635

VA • Boogaloo Pow Wow; Dancefloor Rendez- Vous In Young Nuyorica

 

A scorching compilation which brings to the table the brilliant, hybrid, jostling array of styles which burnedup Latino dancefloors in Sixties New York. Sassy soundtrack from when salsa was cool and cutting-edge. There is no literal Spanish translation of "cool" but the sound of New York Latino dancefloor music from the 1960s is surely the original meaning of the word. Listen to hombres like Machito, Ray Barretto and Joe Loco and you can hear the Cuban vibe being reimagined and funked up for a new generation. Son, mambo, cha cha cha and jazz flirt with rhythm and blues and soul to get morphed into the explosive beat of boogaloo and shingaling. Spin this 17-track collection and you'll hear the wail of the big city and the hustle of Harlem's clubland in its heyday. Political protest was on fire, civil rights were on the agenda and cultural pots were melting and boiling over. This is the soundtrack of a moment when new energies burst forward and Latinos found their style.
https://www.amazon.com/Willie-Bobo/dp/B001PU8N62?

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Una abrasadora recopilación que pone sobre la mesa la brillante, híbrida y agitada variedad de estilos que hicieron arder las pistas de baile latinas en el Nueva York de los años sesenta. Una banda sonora descarada de cuando la salsa era cool y vanguardista. No existe una traducción literal al español de la palabra "cool", pero el sonido de la música latina de las pistas de baile neoyorquinas de los años sesenta es sin duda el significado original de la palabra. Escuche a hombres como Machito, Ray Barretto y Joe Loco y oirá cómo el ambiente cubano se reinventa y se transforma para una nueva generación. El son, el mambo, el cha cha cha y el jazz coquetean con el rhythm and blues y el soul para transformarse en el ritmo explosivo del boogaloo y el shingaling. Gire esta colección de 17 pistas y escuchará el ulular de la gran ciudad y el ajetreo de los clubes de Harlem en su apogeo. La protesta política ardía, los derechos civiles estaban a la orden del día y las ollas culturales se derretían y hervían. Esta es la banda sonora de un momento en el que irrumpieron nuevas energías y los latinos encontraron su estilo.
https://www.amazon.com/Willie-Bobo/dp/B001PU8N62?