Stéphane Grappelli • The Masters Sessions

 

Stephane Grappelli • Fine And Dandy

 

VA • Blue Boogie: Boogie Woogie, Stride And The Piano Blues

 

Earl Hines • Masters Of Jazz, Vol. 12

 

Earl Hines was one of the greatest keyboard innovators in jazz. This compilation includes three sessions from the Hangover Club in San Francisco (1954), featuring Hines playing his famous Boogie Woogie On St Louis Blues, Piano Man, Rosetta and You’re The Cream In My Coffee, a session from Aalborg in Denmark (1965), featuring a medley of some of his own compositions, and a studio recording from New York (1974) featuring Harold Arlen standards including Over The Rainbow and Come Rain Or Come Shine. *” The enclosed programme not only does an excellent job of representing the music of Earl Hines it also shows him at a number of different stages in his career” - *from the new liner notes by Brian Priestley.

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Earl Hines fue uno de los mayores innovadores del teclado en el jazz. Esta recopilación incluye tres sesiones del Hangover Club de San Francisco (1954), en las que Hines interpreta su famoso Boogie Woogie On St Louis Blues, Piano Man, Rosetta y You're The Cream In My Coffee, una sesión de Aalborg, en Dinamarca (1965), con un popurrí de algunas de sus propias composiciones, y una grabación de estudio de Nueva York (1974) con estándares de Harold Arlen, como Over The Rainbow y Come Rain Or Come Shine. *" El programa adjunto no sólo hace un excelente trabajo de representación de la música de Earl Hines, sino que también le muestra en diferentes etapas de su carrera" - *de las nuevas notas de presentación de Brian Priestley.

Earl Hines & Muggsy Spanier All Stars • The Chicago Dates

 

After his swing combo (heard on the Storyville CD, Esquire All Stars) broke up, pianist Earl Hines teamed up with cornetist Muggsy Spanier and put together a dixieland band that lasted for three years. The broadcasts that comprise this CD (two of the selections were previously unissued) are among the first made by this particular group, which consists of Hines, Spanier, trombonist Jimmy Archey, clarinetist Darnell Howard, bassist Pops Foster and drummer Earl Watkins. The repertoire is not particularly challenging for Hines, but he fares well on tune such as "Wang Wang Blues," "Mahogany Hall Stomp," "I Found a New Baby" and even "The Saints." Spanier is predictable but enthusiastic, Archey and Howard have their exciting moments and Foster is showcased thumping away on "Pops Blues." Recommended to dixieland fans. ~ Scott Yanow, All Music Guide
https://www.allmusic.com/album/chicago-dates-mw0000665845

This CD consists of a live performance in a Chicago nightclub in 1954, captured on tape. The personnel, mentioned above, was breathtaking and of great historical importance. Howard and Archey had played in King Oliver's band in the twenties, and Foster, one of the hottest bass players in jazz history, with Luis Russell and others. Watkins was a New Orleans drummer of great skill, while Earl Hines was one of the great innovative pianists of the twenties who contributed enormously to the music throughout his life. The recording balance on the original tapes used here was quite good and the sound quality has nevertheless been improved considerably by Dave Bennett!
http://www.storyvillerecords.com/products/the-chicago-dates-stcd6037

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Tras la disolución de su combo de swing (escuchado en el CD de Storyville, Esquire All Stars), el pianista Earl Hines se asoció con el cornetista Muggsy Spanier y formaron una banda de dixieland que duró tres años. Las emisiones que componen este CD (dos de las selecciones eran inéditas) se encuentran entre las primeras realizadas por este grupo en particular, formado por Hines, Spanier, el trombonista Jimmy Archey, el clarinetista Darnell Howard, el bajista Pops Foster y el batería Earl Watkins. El repertorio no es especialmente desafiante para Hines, pero se defiende bien en temas como "Wang Wang Blues", "Mahogany Hall Stomp", "I Found a New Baby" e incluso "The Saints". Spanier es predecible pero entusiasta, Archey y Howard tienen sus momentos emocionantes y Foster se luce aporreando en "Pops Blues". Recomendado a los fans del dixieland. ~ Scott Yanow, All Music Guide
https://www.allmusic.com/album/chicago-dates-mw0000665845

Este CD consiste en una actuación en directo en un club nocturno de Chicago en 1954, grabada en cinta. El personal, mencionado anteriormente, era impresionante y de gran importancia histórica. Howard y Archey habían tocado en la banda de King Oliver en los años veinte, y Foster, uno de los mejores bajistas de la historia del jazz, con Luis Russell y otros. Watkins era un batería de Nueva Orleans de gran habilidad, mientras que Earl Hines fue uno de los grandes pianistas innovadores de los años veinte que contribuyó enormemente a la música a lo largo de su vida. El balance de grabación en las cintas originales utilizadas aquí era bastante bueno y, sin embargo, la calidad del sonido ha sido mejorada considerablemente por Dave Bennett.
http://www.storyvillerecords.com/products/the-chicago-dates-stcd6037

Joe Venuti & Earl Hines • Hot Sonatas

Earl Hines-Jonah Jones-Buddy Tate-Cozy Cole • Back On The Street

 

Review
by Scott Yanow
By the time trumpeter Jonah Jones teamed up with pianist Earl Hines and tenor-saxophonist Buddy Tate for this straightforward sextet date, Jones had been a star with his quartet for 15 years. On what would be one of Jones's last recording sessions from his prime, this Chiaroscuro reissue CD has a bit of slickness associated with the trumpeter's more commercial dates but also some very good jazz playing. Three previously unrelesed numbers have been added to the original seven-song program and the music falls between Dixieland and swing with an emphasis on familiar standards. A fine effort.
https://www.allmusic.com/album/back-on-the-street-mw0000074124

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Reseña
por Scott Yanow
Cuando el trompetista Jonah Jones se juntó con el pianista Earl Hines y el tenor-saxofonista Buddy Tate para esta sencilla cita de sexteto, Jones llevaba 15 años siendo una estrella con su cuarteto. En lo que sería una de las últimas sesiones de grabación de Jones en su mejor momento, esta reedición en CD de Chiaroscuro tiene un poco de brillo asociado con las fechas más comerciales del trompetista, pero también algunas muy buenas interpretaciones de jazz. Se han añadido tres temas inéditos al programa original de siete canciones y la música se sitúa entre el Dixieland y el swing, con un énfasis en los estándares conocidos. Un buen trabajo.
https://www.allmusic.com/album/back-on-the-street-mw0000074124

Earl Hines • Once Upon A Time

 

 

Earl Hines • '65 Piano Solo

 

Review
by Ken Dryden  
Earl Hines was in the midst of a major comeback at the time of this studio session, recorded in London in 1965. After years on the sidelines, primarily playing Dixieland, he firmly established himself as an in-demand solo pianist.
The opening track, "Hines '65," is an elaborate, inventive blues that showcases his formidable technique. The pianist's version of "I Know That You Know" may not reach the heights of Art Tatum's dazzling recordings, but his chops are never in doubt throughout this romping arrangement. Most of the rest of the session is devoted to low-key ballads. His stride roots come out in a playful rendition of James P. Johnson's "If I Could Be With You (One Hour Tonight)," while "My Blue Heaven" is every bit as lyrical. "I Know a Little Bit About a Lot of Things" is a somewhat obscure tune written by Peggy Lee and her then-husband, Dave Barbour; Hines adds his friendly vocals to his fairly straightforward interpretation.
This is easily one of Earl Hines' best solo albums, finally reissued on CD in 2002.
https://www.allmusic.com/album/65-piano-solo-mw0000614741

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Reseña
por Ken Dryden  
Earl Hines estaba en medio de un gran regreso en el momento de esta sesión de estudio, grabada en Londres en 1965. Después de años al margen, principalmente tocando Dixieland, se estableció firmemente como pianista solista muy solicitado.
El tema de apertura, "Hines '65", es un blues elaborado e inventivo que muestra su formidable técnica. Puede que la versión del pianista de "I Know That You Know" no alcance las cotas de las deslumbrantes grabaciones de Art Tatum, pero sus habilidades nunca se ponen en duda a lo largo de este retozante arreglo. La mayor parte del resto de la sesión está dedicada a baladas discretas. Sus raíces salen a relucir en una interpretación juguetona de "If I Could Be With You (One Hour Tonight)" de James P. Johnson, mientras que "My Blue Heaven" es igual de lírica. "I Know a Little Bit About a Lot of Things" es un tema algo oscuro escrito por Peggy Lee y su entonces marido, Dave Barbour; Hines añade su simpática voz a una interpretación bastante sencilla.
Se trata sin duda de uno de los mejores álbumes en solitario de Earl Hines, reeditado finalmente en CD en 2002.
https://www.allmusic.com/album/65-piano-solo-mw0000614741

VA • Verve Jazz Club Collectionː Swinging Jazz Piano

 

Earl Hines • Here Comes Earl 'Fatha' Hines

 

VA • Verve Jazz Club Collection The Swinging Big Bands

 

 

Earl Hines • The Mighty Fatha

 

Earl Hines • Basin Street Blues

 

A brilliant keyboard virtuoso, Earl “Fatha” Hines was one of the first great piano soloists in jazz, and one of the very few musicians who could hold his own with Louis Armstrong. His so-called 'trumpet' style used doubled octaves in the right hand to produce a clear melodic line that stood out over the sound of a whole band, but he also had a magnificent technical command of the entire range of the keyboard.

Earl Kenneth Hines was born into a musical family in Duquesne, Pennsylvania, on December 28, 1905. His father worked as a foreman at the local coal docks and played cornet with the Eureka Brass Band, a group that performed at picnics and dances. His mother, played organ and gave him his first piano lessons. Hines's sister, Nancy, also played organ, and his brother, Boots, played piano; his aunt sang light opera and his uncle played a variety of brass instruments. At age nine Hines started taking piano lessons, but he soon outgrew his teacher. He then studied classical technique under Von Holz, a teacher who introduced him to exercise books, and began to dream of becoming a concert pianist.

In his teens Hines moved to Pittsburgh, where he attended Schenley High School and continued to study music. His musical direction changed abruptly when family members took Hines to the Liederhouse, a club featuring jazz, and he fell in love with the rhythm-filled music. After discovering the burgeoning jazz scene, he abandoned his plans to play classical music and immersed himself in jazz. At age 15 he formed a group with a violinist and drummer, and soon the trio was performing at high school functions, nightclubs, and church socials. Because Hines worked many late-night engagements, he decided to leave school when he was 16.

In 1922 Hines went to work with singer/band leader Lois B. Deppe at the Liederhouse, where he earned $15 a week. The band made forays into West Virginia, Ohio, and New York City, and in 1923 the young pianist traveled to Richmond, Indiana, where he attended his first recording session. In 1924 Hines led his own band for a short time and then, following the advice of pianist Eubie Blake, he moved to Chicago. In Chicago he met a cadre of first-class musicians, including Louis Armstrong, Jelly Roll Morton, and Benny Goodman, who were beginning to re-write the rules of jazz. In 1927 he joined with Armstrong and Zutty Singleton, and the trio performed a regular gig at the Café Sunset, an establishment that catered to gangsters and other high-dollar rollers. When the club temporarily closed in 1927, the band broke up and Hines joined clarinetist Jimmy Noone's band at the Apex Club. Armstrong, however, would soon call again, and together the old friends would make jazz history.

In 1928 Hines rejoined Louis Armstrong on the Hot Five and Hot Seven recording sessions, playing on the classic “West End Blues”, “Fireworks”, “Basin Street Blues” and composing “ A Monday Date”, the young pianist was transformed from a local talent with potential into a jazz innovator to be emulated. Hines played with drummer Singleton, banjoist Mancy Cara, trombonist Fred Robinson, and clarinetist Jimmy Strong, and the group broke new ground, opening up a range of new musical possibilities for jazz players. Hines, was Armstrong's match, and the two traded solos and ideas, taking one another to new heights. No one had ever played the piano like that. He fashioned complex, irregular single- note patterns in the right hand, octave chords with brief tremolos that suggested a vibrato, stark single notes, and big flatted chords. The same year, Hines recorded as a soloist. He went into the studio in and recorded his first ten piano solos including versions of “A Monday Date,” “Blues in Third”, and “57 Varieties”.

On December 28, 1928, Hines's birthday, he began leading his own big band at the Grand Terrace Ballroom, a luxurious Chicago nightspot partly owned by Al Capone. “The Grand Terrace was the Cotton Club of Chicago,” Hines said, “and we were a show band as much as a dance band and a jazz band.” Hines and his orchestra worked seven days a week, performing three shows a night on weekdays and four shows on Saturdays. A national broadcast popularized the band outside Chicago, and the group spent two to three months of each year touring. The band also became one of the first African-American groups to travel widely in the South during the 1930s.

Hines earned his nickname during this period. After he had given a radio announcer a “fatherly” lecture about his immoderate drinking, the announcer began introducing the pianist as “Father” Hines. The Grand Terrace band recorded frequently, and throughout the 1930s scored a number of hits, including “G.T. Stomp,” “Harlem Laments,” and “You Can Depend on Me.” Hines remained at the Grand Terrace for 11 years and then, believing he was underpaid, left with his band in 1940.

Hines held his band together for the next eight years, and they continued to perform such popular hits as “Jelly Jelly,” “Boogie-Woogie on the St. Louis Blues,” and “Stormy Monday Blues.”. Billy Eckstine became the band's popular singer and in 1943 both Dizzy Gillespie and Charlie Parker were added. In 1946 Hines suffered an injury in an automobile accident that caused him to curtail his touring; by 1948, due to a decline in the popularity of big bands, he broke up the 24-member group. Later in 1948 Hines reverted to sideman status and rejoined his old friend Armstrong. Louis Armstrong's All Stars toured Europe in 1948-49, and attended the 1948 jazz festival at Nice, France. In 1951 Hines left Armstrong to work in a number of smaller settings.

In September of 1955, Hines settled into a regular job at the Hangover Club in San Francisco, one of the last bastions for more traditional forms of jazz. Although he toured annually, traveling to Canada, England, and the European continent, the Hangover Club was his mainstay during the late 1950s and early 1960s. In 1963 Hines opened his own club in Oakland, but the venture was short-lived. In 1964 he abandoned his low profile by playing a successful series of dates at the Little Theatre in New York, and the pianist was once more in great demand. In 1966 Hines joined the State Department's jazz combo and traveled to Russia as a goodwill ambassador. During the 1970s he continued to tour the United States and the world with his quartet, and recorded prolifically during this period, turning out classics like “Tour De Force” and “Quintessential Continued” with natural ease.

Although Hines disliked his nickname, critics have pointed out that it is an appropriate one: he is indeed the father of modern jazz piano. Before him, most jazz pianists were either blues performers, or stride pianists, Hines filled the space between these approaches with an almost hornlike style. Today jazz aficionados accept the piano as a mainstay of jazz, thanks to Hines's seminal work with Armstrong and his work as a soloist in 1928. Unlike some early jazz performers, he continued to embrace new music over his 50-year career, and his personal style continued to grow in complexity. Even at the late stage of his career, Hines constantly took chances and came up with surprising and consistently fresh ideas. Despite heart problems and arthritis, Hines performed until a week before his death in Oakland, California, on April 22, 1983

Aptly referred to as “the first modern jazz pianist,” Earl Hines differed from the stride pianists of the 1920s by breaking up the stride rhythms with unusual accents from his left hand. While his right hand often played octaves so as to ring clearly over ensembles, Hines had the trickiest left hand in the business, often suspending time recklessly but without ever losing the beat.

Earl “Fatha” Hines left a discography of well over one hundred albums alone, not counting the early sides, and hundreds of sessions as accompanist and sideman.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/earlhines

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Un brillante virtuoso del teclado, Earl "Fatha" Hines fue uno de los primeros grandes solistas de piano en el jazz, y uno de los pocos músicos que pudo sostenerse con Louis Armstrong. Su llamado estilo'trompeta' utilizaba octavas dobladas en la mano derecha para producir una línea melódica clara que destacaba sobre el sonido de toda una banda, pero también tenía un magnífico dominio técnico de toda la gama de teclados.

Earl Kenneth Hines nació en una familia de músicos en Duquesne, Pennsylvania, el 28 de diciembre de 1905. Su padre trabajaba como capataz en los muelles de carbón locales y tocaba la corneta con la Eureka Brass Band, un grupo que actuaba en picnics y bailes. Su madre, tocaba el órgano y le dio sus primeras clases de piano. La hermana de Hines, Nancy, también tocaba el órgano, y su hermano, Boots, tocaba el piano; su tía cantaba ópera ligera y su tío tocaba una variedad de instrumentos de viento. A la edad de nueve años, Hines comenzó a tomar clases de piano, pero pronto superó a su maestro. Luego estudió técnica clásica con Von Holz, un profesor que le introdujo a los libros de ejercicios, y comenzó a soñar con convertirse en concertista de piano.

En su adolescencia, Hines se mudó a Pittsburgh, donde asistió a la Escuela Secundaria Schenley y continuó estudiando música. Su dirección musical cambió abruptamente cuando los miembros de su familia llevaron a Hines al Liederhouse, un club de jazz, y se enamoró de la música llena de ritmo. Después de descubrir la floreciente escena del jazz, abandonó sus planes de tocar música clásica y se sumergió en el jazz. A los 15 años formó un grupo con un violinista y un baterista, y pronto el trío se presentó en funciones de la escuela secundaria, clubes nocturnos y reuniones sociales de la iglesia. Debido a que Hines trabajó en muchos compromisos nocturnos, decidió dejar la escuela cuando tenía 16 años.

En 1922 Hines fue a trabajar con la cantante y líder de la banda Lois B. Deppe en el Liederhouse, donde ganaba $15 a la semana. La banda hizo incursiones en West Virginia, Ohio y Nueva York, y en 1923 el joven pianista viajó a Richmond, Indiana, donde asistió a su primera sesión de grabación. En 1924 Hines dirigió su propia banda durante un corto período de tiempo y luego, siguiendo los consejos del pianista Eubie Blake, se trasladó a Chicago. En Chicago conoció a un grupo de músicos de primera clase, entre ellos Louis Armstrong, Jelly Roll Morton y Benny Goodman, que estaban empezando a reescribir las reglas del jazz. En 1927 se unió a Armstrong y Zutty Singleton, y el trío ofreció un concierto regular en el Café Sunset, un establecimiento que atendía a gángsters y otros apostadores de alto nivel. Cuando el club cerró temporalmente en 1927, la banda se disolvió y Hines se unió a la banda del clarinetista Jimmy Noone en el Apex Club. Armstrong, sin embargo, pronto llamaría de nuevo, y juntos los viejos amigos harían historia del jazz.

En 1928 Hines se reunió con Louis Armstrong en las sesiones de grabación de Hot Five y Hot Seven, tocando en los clásicos "West End Blues", "Fireworks", "Basin Street Blues" y componiendo "A Monday Date", el joven pianista se transformó de un talento local con potencial en un innovador del jazz para ser emulado. Hines tocó con el baterista Singleton, la banjista Mancy Cara, el trombonista Fred Robinson y el clarinetista Jimmy Strong, y el grupo abrió nuevos caminos, abriendo una gama de nuevas posibilidades musicales para los músicos de jazz. Hines, fue el partido de Armstrong, y los dos intercambiaron solos e ideas, llevándose uno al otro a nuevas alturas. Nadie había tocado el piano de esa manera. Creó patrones complejos e irregulares de una sola nota en la mano derecha, acordes de octava con trémolos breves que sugerían un vibrato, notas simples y acordes planos grandes. Ese mismo año, Hines grabó como solista. Entró en el estudio y grabó sus primeros diez solos de piano, incluyendo versiones de "A Monday Date", "Blues in Third" y "57 Varieties".

El 28 de diciembre de 1928, el cumpleaños de Hines, comenzó a dirigir su propia big band en el Grand Terrace Ballroom, un lujoso local nocturno de Chicago en parte propiedad de Al Capone. "The Grand Terrace era el Cotton Club de Chicago", dijo Hines, "y nosotros éramos una banda de espectáculos tanto como una banda de baile y una de jazz". Hines y su orquesta trabajaron siete días a la semana, realizando tres espectáculos por noche los días laborables y cuatro los sábados. Una transmisión nacional popularizó a la banda en las afueras de Chicago, y el grupo pasó dos o tres meses de cada año de gira. La banda también se convirtió en uno de los primeros grupos afroamericanos en viajar por todo el sur durante la década de 1930.

Hines se ganó su apodo durante este período. Después de haber dado a un locutor de radio una conferencia "paternal" sobre su consumo excesivo de alcohol, el locutor comenzó a presentar al pianista como "Padre" Hines. La banda de Grand Terrace grabó con frecuencia, y a lo largo de la década de 1930 obtuvo varios éxitos, incluyendo "G.T. Stomp", "Harlem Laments" y "You Can Depend on Me". Hines permaneció en la Grand Terrace durante 11 años y luego, creyendo que le pagaban mal, se fue con su banda en 1940.

Hines mantuvo su banda unida durante los siguientes ocho años, y continuaron tocando éxitos tan populares como "Jelly Jelly", "Boogie-Woogie on the St. Louis Blues" y "Stormy Monday Blues". Billy Eckstine se convirtió en el cantante popular de la banda y en 1943 se añadieron Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En 1946, Hines sufrió una lesión en un accidente automovilístico que le obligó a interrumpir sus giras; en 1948, debido a la disminución de la popularidad de las grandes bandas, rompió el grupo de 24 miembros. Más tarde, en 1948, Hines volvió a ser sideman y se unió a su viejo amigo Armstrong. All Stars, de Louis Armstrong, realizó una gira por Europa en 1948-49 y asistió al festival de jazz de 1948 en Niza, Francia. En 1951 Hines dejó Armstrong para trabajar en varios entornos más pequeños.

En septiembre de 1955, Hines se instaló en un trabajo regular en el Hangover Club de San Francisco, uno de los últimos bastiones para las formas más tradicionales de jazz. Aunque viajaba anualmente, viajando a Canadá, Inglaterra y el continente europeo, el Hangover Club fue su principal apoyo a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960. En 1963 Hines abrió su propio club en Oakland, pero la empresa duró poco. En 1964 abandonó su perfil bajo tocando una exitosa serie de dátiles en el Little Theatre de Nueva York, y el pianista tuvo una vez más una gran demanda. En 1966, Hines se unió al grupo de jazz del Departamento de Estado y viajó a Rusia como embajador de buena voluntad. Durante la década de los setenta continuó girando por Estados Unidos y el mundo con su cuarteto, y grabó prolíficamente durante este período, produciendo clásicos como "Tour De Force" y "Quintessential Continued" con natural facilidad.

Aunque a Hines no le gustaba su apodo, los críticos han señalado que es un apodo apropiado: es el padre del piano de jazz moderno. Antes de él, la mayoría de los pianistas de jazz eran intérpretes de blues o pianistas de zancadas, Hines llenaba el espacio entre estos enfoques con un estilo casi de trompa. Hoy en día, los aficionados al jazz aceptan el piano como uno de los pilares del jazz, gracias al trabajo fundamental de Hines con Armstrong y a su trabajo como solista en 1928. A diferencia de algunos de los primeros intérpretes de jazz, siguió adoptando la nueva música a lo largo de sus 50 años de carrera, y su estilo personal siguió creciendo en complejidad. Incluso en la última etapa de su carrera, Hines constantemente aprovechó las oportunidades y aportó ideas sorprendentes y consistentemente frescas. A pesar de los problemas cardíacos y la artritis, Hines actuó hasta una semana antes de su muerte en Oakland, California, el 22 de abril de 1983.

Conocido como "el primer pianista de jazz moderno", Earl Hines se diferenció de los pianistas de la década de 1920 al romper los ritmos de zancadas con acentos inusuales de su mano izquierda. Mientras que su mano derecha tocaba a menudo octavas para que sonaran claramente sobre los conjuntos, Hines tenía la mano izquierda más complicada en el negocio, a menudo suspendiendo el tiempo imprudentemente pero sin perder el ritmo.

Earl "Fatha" Hines dejó una discografía de más de cien álbumes solo, sin contar los primeros lados, y cientos de sesiones como acompañante y sideman.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/earlhines

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

VA • Stompin at the Savoy - Swinging Jazz

 

Earl Hines & His Quartet • ''Fatha'' Blows Best

 

Biography by Scott Yanow
Once called "the first modern jazz pianist," Earl Hines differed from the stride pianists of the 1920s by breaking up the stride rhythms with unusual accents from his left hand. While his right hand often played octaves so as to ring clearly over ensembles, Hines had the trickiest left hand in the business, often suspending time recklessly but without ever losing the beat. One of the all-time great pianists, Hines was a major influence on Teddy Wilson, Jess Stacy, Joe Sullivan, Nat King Cole, and even to an extent on Art Tatum. He was also an underrated composer responsible for "Rosetta," "My Monday Date," and "You Can Depend on Me," among others.

Earl Hines played trumpet briefly as a youth before switching to piano. His first major job was accompanying vocalist Lois Deppe, and he made his first recordings with Deppe and his orchestra in 1922. The following year, Hines moved to Chicago where he worked with Sammy Stewart and Erskine Tate's Vendome Theatre Orchestra. He started teaming up with Louis Armstrong in 1926, and the two masterful musicians consistently inspired each other. Hines worked briefly in Armstrong's big band (formerly headed by Carroll Dickerson), and they unsuccessfully tried to manage their own club. 1928 was one of Hines' most significant years. He recorded his first ten piano solos, including versions of "A Monday Date," "Blues in Thirds," and "57 Varieties." Hines worked much of the year with Jimmy Noone's Apex Club Orchestra, and their recordings are also considered classic. Hines cut brilliant (and futuristic) sides with Louis Armstrong's Hot Five, resulting in such timeless gems as "West End Blues," "Fireworks," "Basin Street Blues," and their remarkable trumpet-piano duet "Weather Bird." And on his birthday on December 28, Hines debuted with his big band at Chicago's Grand Terrace.

A brilliant ensemble player as well as soloist, Earl Hines would lead big bands for the next 20 years. Among the key players in his band throughout the 1930s were trumpeter/vocalist Walter Fuller, Ray Nance on trumpet and violin (prior to joining Duke Ellington), trombonist Trummy Young, tenor saxophonist Budd Johnson, Omer Simeon and Darnell Howard on reeds, and arranger Jimmy Mundy. In 1940, Billy Eckstine became the band's popular singer, and in 1943 (unfortunately during the musicians' recording strike), Hines welcomed such modernists as Charlie Parker (on tenor), trumpeter Dizzy Gillespie, and singer Sarah Vaughan in what was the first bebop orchestra. By the time the strike ended, Eckstine, Parker, Gillespie, and Vaughan were gone, but tenor Wardell Gray was still around to star with the group during 1945 and 1946.

In 1948, the economic situation forced Hines to break up his orchestra. He joined the Louis Armstrong All-Stars, but three years of playing second fiddle to his old friend were difficult to take. After leaving Armstrong in 1951, Hines moved to Los Angeles and later San Francisco, heading a Dixieland band. Although his style was much more modern, Hines kept the group working throughout the 1950s, at times featuring Muggsy Spanier, Jimmy Archey, and Darnell Howard. Hines did record on a few occasions, but was largely forgotten in the jazz world by the early '60s. Then, in 1964, jazz writer Stanley Dance arranged for him to play three concerts at New York's Little Theater, both solo and in a quartet with Budd Johnson. The New York critics were amazed by Hines' continuing creativity and vitality, and he had a major comeback that lasted through the rest of his career. Hines traveled the world with his quartet, recorded dozens of albums, and remained famous and renowned up until his death at the age of 79.
https://www.allmusic.com/artist/earl-hines-mn0000455522#biography

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Biografía de Scott Yanow
Llamado en su día "el primer pianista de jazz moderno", Earl Hines se diferenciaba de los pianistas de stride de los años 20 por romper los ritmos de stride con acentos inusuales de su mano izquierda. Mientras que su mano derecha solía tocar octavas para sonar con claridad en los conjuntos, Hines tenía la mano izquierda más complicada del negocio, a menudo suspendiendo el tiempo de forma temeraria pero sin perder nunca el compás. Hines, uno de los mejores pianistas de todos los tiempos, ejerció una gran influencia sobre Teddy Wilson, Jess Stacy, Joe Sullivan, Nat King Cole e incluso, en cierta medida, sobre Art Tatum. También fue un compositor infravalorado, responsable de "Rosetta", "My Monday Date" y "You Can Depend on Me", entre otras.

Earl Hines tocó brevemente la trompeta en su juventud antes de pasarse al piano. Su primer trabajo importante fue acompañar a la vocalista Lois Deppe, e hizo sus primeras grabaciones con Deppe y su orquesta en 1922. Al año siguiente, Hines se trasladó a Chicago, donde trabajó con Sammy Stewart y la Vendome Theatre Orchestra de Erskine Tate. Empezó a formar equipo con Louis Armstrong en 1926, y los dos magistrales músicos no dejaron de inspirarse mutuamente. Hines trabajó brevemente en la big band de Armstrong (anteriormente dirigida por Carroll Dickerson), e intentaron sin éxito gestionar su propio club. 1928 fue uno de los años más significativos para Hines. Grabó sus primeros diez solos de piano, incluyendo versiones de "A Monday Date", "Blues in Thirds" y "57 Varieties". Hines trabajó gran parte del año con la Apex Club Orchestra de Jimmy Noone, y sus grabaciones también se consideran clásicas. Hines grabó brillantes (y futuristas) temas con los Hot Five de Louis Armstrong, que dieron como resultado joyas intemporales como "West End Blues", "Fireworks", "Basin Street Blues" y su extraordinario dúo de trompeta y piano "Weather Bird". Y el día de su cumpleaños, el 28 de diciembre, Hines debutó con su big band en la Grand Terrace de Chicago.

Earl Hines, brillante intérprete de conjuntos y solista, dirigiría big bands durante los 20 años siguientes. Entre los músicos clave de su banda a lo largo de la década de 1930 se encontraban el trompetista/vocalista Walter Fuller, Ray Nance a la trompeta y al violín (antes de unirse a Duke Ellington), el trombonista Trummy Young, el saxofonista tenor Budd Johnson, Omer Simeon y Darnell Howard a las cañas, y el arreglista Jimmy Mundy. En 1940, Billy Eckstine se convirtió en el cantante popular de la banda, y en 1943 (desgraciadamente durante la huelga de grabación de los músicos), Hines dio la bienvenida a modernistas como Charlie Parker (al tenor), el trompetista Dizzy Gillespie y la cantante Sarah Vaughan en lo que fue la primera orquesta bebop. Cuando terminó la huelga, Eckstine, Parker, Gillespie y Vaughan ya no estaban, pero el tenor Wardell Gray seguía con el grupo durante 1945 y 1946.

En 1948, la situación económica obligó a Hines a disolver su orquesta. Se unió a los Louis Armstrong All-Stars, pero tres años de ser el segundo plato de su viejo amigo fueron difíciles de soportar. Tras dejar a Armstrong en 1951, Hines se trasladó a Los Ángeles y más tarde a San Francisco, al frente de una banda de Dixieland. Aunque su estilo era mucho más moderno, Hines mantuvo el grupo en activo durante toda la década de 1950, en ocasiones con Muggsy Spanier, Jimmy Archey y Darnell Howard. Hines grabó en algunas ocasiones, pero a principios de los 60 había caído en el olvido en el mundo del jazz. En 1964, el escritor de jazz Stanley Dance le organizó tres conciertos en el Little Theater de Nueva York, tanto en solitario como en cuarteto con Budd Johnson. Los críticos neoyorquinos quedaron asombrados por la continua creatividad y vitalidad de Hines, que tuvo un gran regreso que duró el resto de su carrera. Hines viajó por todo el mundo con su cuarteto, grabó docenas de álbumes y siguió siendo famoso y reconocido hasta su muerte, a los 79 años.
https://www.allmusic.com/artist/earl-hines-mn0000455522#biography

VA • Born to Swing • Vol. 1

 

Earl Hines • The Blues

There is no more challenging role in music than that of the solo performer. To succeed in this field of creative endeavour requires a high level of confidence, prodigious technical expertise and, where jazz is concerned, a rare continuity of inspiratio

Earl Hines had all of these qualities, and more. As in the case of the other jazz masters, when you listen to the extemporisations of “Fatha” Hines, you are not simply hearing music of a most elevated order – you are listening to a virtuoso who shaped the course of jazz history, a man who single-handedly (a highly inappropri- ate metaphor in one sense) changed the role of the piano in jazz and brought his unique influence to bear on a multitude of musicians.

When Stanley Dance produced these sides in New York, Hines was in his 69th year and had more than half a century of music—making behind him. He was in ebullient form, attacking the music with all the weapons in his pianistic armoury. As the basis for his free-ranging, sometimes quixotic, improvisations, he chose six songs whose music was composed by Harold Arlen, a most gifted writer who was responsible for some of the more sophisticated popular songs of the thirties and forties.But, in truth, the real composer here is Hines himself. Where Teddy Wilson or a Tommy Flanagan would play songs like this and tailor their improvisations accord- ing to the cloth of the original composition, Hines takes up the Arlen jacket, turns it inside out, and gives it a brilliantly patterned lining, brass buttons, a velvet collar, gold braid and a florid buttonhole.

https://www.nativedsd.com/catalogue/albums/2xhdst1094-the-blues/

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No hay un papel más desafiante en la música que el del solista. Para tener éxito en este campo del esfuerzo creativo se requiere un alto nivel de confianza, una prodigiosa experiencia técnica y, en lo que se refiere al jazz, una rara continuidad de la inspiración.

Earl Hines tenía todas estas cualidades, y más. Como en el caso de los demás maestros del jazz, cuando se escuchan las extemporáneas de "Fatha" Hines, no se está simplemente escuchando música de un orden más elevado, sino que se está escuchando a un virtuoso que marcó el curso de la historia del jazz, un hombre que por sí solo (una metáfora muy inapropiada en cierto sentido) cambió el papel del piano en el jazz y aportó su influencia única a una multitud de músicos.

Cuando Stanley Dance produjo estos lados en Nueva York, Hines tenía 69 años y más de medio siglo de música a sus espaldas. Estaba en forma exuberante, atacando la música con todas las armas de su arsenal pianístico. Como base para sus improvisaciones libres, a veces quijotescas, eligió seis canciones cuya música fue compuesta por Harold Arlen, un escritor de gran talento que fue responsable de algunas de las canciones populares más sofisticadas de los años 30 y 40. Pero, en realidad, el verdadero compositor aquí es el propio Hines. Donde Teddy Wilson o Tommy Flanagan tocaban canciones como esta y adaptaban sus improvisaciones según la tela de la composición original, Hines coge la chaqueta de Arlen, le da la vuelta y le da un forro con un patrón brillante, botones de latón, un cuello de terciopelo, una trenza dorada y un ojal florido.

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Earl Hines • Live Broadcasts From The Hangover Club

 

Live broadcasts from The Hangover Club in San Francisco. Recorded September 17 and 24, 1955. The band with Earl Hines here is of the kind he often put together which makes splendid mockery of the critical pedantry that devides musicians into "schools". Marty Marsala an under-recorded from the Condon entourage is teamed with clarinettist Darnell Howard, a veteran who first recorded with W.C. Handy in 1917, and trombonist Jimmy Archy who worked for many years with the Luis Russell Orchestra. With Ed Garland (bass) and Joe Watkins (drums) the ensemble knits together in rousing fashion. But really the record is Hines': spurring on the ensemble with vocal and musical encouragement, scattering filigree runs and chunky chord clusters like jewels, and proving on "Honeysuckle Rose" that never ever has there been anyone like Earl Hines.
https://www.storyvillerecords.com/products/live-broadcasts-from-the-hango-stcd6036

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Emisiones en directo desde el Hangover Club de San Francisco. Grabado el 17 y el 24 de septiembre de 1955. La banda con Earl Hines aquí es del tipo que suele reunir y que se burla espléndidamente de la pedantería crítica que divide a los músicos en "escuelas". Marty Marsala, un músico poco conocido del entorno de Condon, forma equipo con el clarinetista Darnell Howard, un veterano que grabó por primera vez con W.C. Handy en 1917, y el trombonista Jimmy Archy, que trabajó durante muchos años con la Orquesta de Luis Russell. Con Ed Garland (bajo) y Joe Watkins (batería), el conjunto se une de una manera entusiasta. Pero en realidad el disco es de Hines: estimulando al conjunto con su voz y su música, esparciendo como joyas las carreras de filigrana y los grupos de acordes gruesos, y demostrando en "Honeysuckle Rose" que nunca ha habido nadie como Earl Hines.
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Earl Hines • Live Aalborg, Denmark 1965

Editorial Review

There has been no doubt about Earl Hines place in jazz history. No musician has exerted more influence over the course of jazz piano jazz history than has Earl Hines. With Hines, the last ties to ragtime fell away and a whole new concept of keyboard improvisation took shape. Earl’s first European tour as a soloist began in 1965. This CD consists of previously unissued titles from that tour, taped at Aalborg’s East Park Jazz Club.

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Reseña editorial

No ha habido ninguna duda sobre el lugar de Earl Hines en la historia del jazz. Ningún músico ha ejercido más influencia en el curso de la historia del jazz piano que Earl Hines. Con Hines, los últimos lazos con el ragtime desaparecieron y un nuevo concepto de improvisación de teclado tomó forma. La primera gira europea de Earl como solista comenzó en 1965. Este CD contiene títulos inéditos de esa gira, grabados en el East Park Jazz Club de Aalborg.

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