Curtis Fuller & Hampton Hawes • With French Horns

Curtis Fuller un referente del trombón, en un contínuo diálogo entre el corno francés y el saxofón, con un resultado maravilloso.

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Curtis Fuller a reference trombone, in a continuous dialogue between the French horn and saxophone, with a wonderful result.

Hampton Hawes Quartet • All Night Session [3 Vol]

 

vol 1: On the night of November 12 and into the morning of November 13, 1956, a quartet led by pianist Hampton Hawes recorded enough material to fill three long-playing phonograph record albums. This studio session contained many elements associated with a live gig: the work took place during regular nightclub performing hours, the improvisations were mostly extended, and there were no alternate takes. A remarkable freshness and spontaneity prevailed throughout the session. Although controversy continues regarding the original sequence of titles, Duke Jordan's "Jordu" and Dizzy Gillespie's "Groovin' High" are superb openers for this first of three volumes. In addition to an invigorating run down "Broadway," Hawes improvised two original themes: "Takin' Care" and a bluesy walk entitled "Hampton's Pulpit" that stretched out for more than 11 minutes, making it the longest track of the entire all-night session. Collaborating with the pianist on this historic date were guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman. The interplay between these four men is marvelous, particularly when heard with headphones or through a sound system allowing for a full appreciation of the stereophonic balance achieved by the recording engineers.
vol 2: This is the second of three albums that came about as the result of an all-night recording session that took place in Los Angeles on November 12 and 13, 1956. Although Hampton Hawes spontaneously created five original tunes at this extraordinarily inspired date, everything on Vol. 2 comes directly out of the standard bop musician's working repertoire. The quartet, with bassist Red Mitchell, guitarist Jim Hall, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, collectively improvise their way through four attractive standards ("I Should Care" turned out to be the only slow ballad of the entire session) and three of Dizzy Gillespie's most refreshing creations. In 1958 Hawes was quoted as saying "It's hard to put into words how good it feels to play jazz when it's really swinging...I've reached a point where the music fills you up so much emotionally that you feel like shouting hallelujah -- like people do in church when they're converted to God. That's the way I was feeling the night we recorded All Night Session!"
vol 3 of the Hampton Hawes Quartet's All Night Session contains three spontaneously improvised variations on the blues, one very cool extended rendition of Duke Ellington's "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" and a strikingly handsome treatment of Harold Arlen's "Between the Devil and the Deep Blue Sea." The briskly paced "Blues #4" is especially progressive and exciting. Apparently "Blues of a Sort" was a warm-up performance, as voices are audible (discussing a football game!) in the background during the bass solo. For this one-take marathon late-night session of November 12 and 13, 1956, Hawes chose to share the studio with guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, who had replaced Chuck Thompson following that musician's sudden inability to continue touring with the group earlier that year. "We gave Chuck what money we could and left him sitting on a hospital cot in a white bathrobe." This grim image, like much of Hawes' autobiography Raise Up Off Me, paints a stark picture of the narcotics epidemic among jazz musicians during the '50s. Although this was the first peak of his career, Hawes later admitted that "during the fall of 1956 I was messing up consistently -- showing late on gigs or missing them altogether." He had lots of offers for work, including the possibility of providing music for a film soundtrack: "Wanted to do it, would have paid good, but at the time I didn't even have the bread to get high enough to get to the studio to see what they had in mind." One of the great incongruities of bop is the fact that Charlie Parker and the musicians who were most directly influenced by him were able to be so creative and prolific while grappling with addictions that confounded, immobilized, and eventually slew them. All of these insights quietly swarm beneath the surface of what added up to more than two hours of exceptionally fine quartet jazz.

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vol. 1: En la noche del 12 de noviembre y hasta la mañana del 13 de noviembre de 1956, un cuarteto dirigido por el pianista Hampton Hawes grabó suficiente material para llenar tres discos de larga duración. Esta sesión de estudio contenía muchos elementos asociados a un concierto en directo: el trabajo tuvo lugar durante el horario habitual de actuación en un club nocturno, las improvisaciones fueron en su mayoría prolongadas y no hubo tomas alternativas. Una notable frescura y espontaneidad prevalecieron durante toda la sesión. Aunque continúa la controversia sobre la secuencia original de los títulos, "Jordu" de Duke Jordan y "Groovin' High" de Dizzy Gillespie son magníficos abridores de este primero de los tres volúmenes. Además de un vigoroso recorrido por "Broadway", Hawes improvisó dos temas originales: "Takin' Care" y un paseo bluesero titulado "Hampton's Pulpit" que se alargó durante más de 11 minutos, convirtiéndose en el tema más largo de toda la sesión nocturna. Colaboraron con el pianista en esta fecha histórica el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman. La interacción entre estos cuatro hombres es maravillosa, especialmente cuando se escucha con auriculares o a través de un sistema de sonido que permita apreciar plenamente el equilibrio estereofónico logrado por los ingenieros de grabación.
vol 2: Este es el segundo de los tres álbumes que surgieron como resultado de una sesión de grabación que duró toda la noche y que tuvo lugar en Los Ángeles los días 12 y 13 de noviembre de 1956. Aunque Hampton Hawes creó espontáneamente cinco temas originales en esta fecha extraordinariamente inspirada, todo lo que aparece en el Vol. 2 procede directamente del repertorio de trabajo del músico de bop estándar. El cuarteto, con el bajista Red Mitchell, el guitarrista Jim Hall y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman, improvisan colectivamente su camino a través de cuatro atractivos estándares ("I Should Care" resultó ser la única balada lenta de toda la sesión) y tres de las creaciones más refrescantes de Dizzy Gillespie. En 1958 se citó a Hawes diciendo: "Es difícil expresar con palabras lo bien que se siente tocando jazz cuando hay mucho swing... He llegado a un punto en el que la música te llena tanto emocionalmente que tienes ganas de gritar aleluya, como hace la gente en la iglesia cuando se convierte a Dios. Así es como me sentía la noche que grabamos All Night Session".
El volumen 3 de All Night Session del cuarteto de Hampton Hawes contiene tres variaciones improvisadas de forma espontánea sobre el blues, una interpretación extendida muy genial de "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" de Duke Ellington y un tratamiento sorprendentemente atractivo de "Between the Devil and the Deep Blue Sea" de Harold Arlen. El "Blues #4", de ritmo rápido, es especialmente progresivo y emocionante. Al parecer, "Blues of a Sort" fue una actuación de calentamiento, ya que se oyen voces (¡discutiendo un partido de fútbol!) de fondo durante el solo de bajo. Para esta sesión nocturna maratoniana de una sola toma del 12 y 13 de noviembre de 1956, Hawes eligió compartir el estudio con el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el batería Eldridge "Bruz" Freeman, que había sustituido a Chuck Thompson tras la repentina incapacidad de este músico para seguir de gira con el grupo a principios de ese año. "Le dimos a Chuck el dinero que pudimos y le dejamos sentado en un catre de hospital con una bata blanca". Esta sombría imagen, al igual que gran parte de la autobiografía de Hawes, pinta un crudo panorama de la epidemia de narcóticos entre los músicos de jazz durante los años 50. Aunque este fue el primer pico de su carrera, Hawes admitió más tarde que "durante el otoño de 1956 estaba metiendo la pata constantemente: llegando tarde a los conciertos o perdiéndolos por completo". Tenía muchas ofertas de trabajo, incluida la posibilidad de poner música a la banda sonora de una película: "Quería hacerlo, me habrían pagado bien, pero en ese momento no tenía ni el pan para llegar al estudio y ver lo que tenían pensado". Una de las grandes incongruencias del bop es el hecho de que Charlie Parker y los músicos más directamente influenciados por él fueran capaces de ser tan creativos y prolíficos mientras lidiaban con adicciones que los confundían, inmovilizaban y finalmente los mataban. Todas estas reflexiones pululan silenciosamente bajo la superficie de lo que supuso más de dos horas de jazz de cuarteto excepcionalmente bueno.

Wardell Gray • Central Avenue

  

Biography by Scott Yanow
Wardell Gray was one of the top tenors to emerge during the bop era (along with Dexter Gordon and Teddy Edwards). His Lester Young-influenced tone made his playing attractive to swing musicians as well as younger modernists. He grew up in Detroit, playing in local bands as a teenager. Gray was with Earl Hines during 1943-1945, recording with him (1945). That same year, he moved to Los Angeles and he became a major part of the Central Avenue scene, having nightly tenor battles with Dexter Gordon; their recording of "The Chase" was popular. Gray recorded with Charlie Parker in 1947 and yet his style appealed to Benny Goodman, with whom he played the following year. Among his own sessions, his solos on "Twisted" (1949) and "Farmer's Market" (1952) were turned into memorable vocalese by Annie Ross a few years later. Back in New York, Gray played and recorded with Tadd Dameron and the Count Basie septet and big band (1950-1951); "Little Pony," his showcase with the Basie orchestra, is a classic. Gray was featured on some Norman Granz jam sessions ("Apple Jam" has a particularly heated solo) and recorded with Louie Bellson (1952-1953). Ironically, Wardell Gray, who in the late '40s was an inspiration to some younger musicians due to his opposition to drug use, himself became involved in drugs and died mysteriously in Las Vegas on May 25, 1955, when he was just 34.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography

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Biografía de Scott Yanow
Wardell Gray fue uno de los mejores tenores que surgieron durante la era del bop (junto con Dexter Gordon y Teddy Edwards). Su tono, influenciado por Lester Young, hizo que su forma de tocar resultara atractiva tanto para los músicos de swing como para los jóvenes modernistas. Creció en Detroit y tocó en bandas locales durante su adolescencia. Gray estuvo con Earl Hines durante 1943-1945, grabando con él (1945). Ese mismo año se trasladó a Los Ángeles y se convirtió en una parte importante de la escena de Central Avenue, manteniendo batallas nocturnas de tenor con Dexter Gordon; su grabación de "The Chase" fue muy popular. Gray grabó con Charlie Parker en 1947 y, sin embargo, su estilo atrajo a Benny Goodman, con quien tocó al año siguiente. Entre sus propias sesiones, sus solos en "Twisted" (1949) y "Farmer's Market" (1952) fueron convertidos en vocales memorables por Annie Ross unos años más tarde. De vuelta a Nueva York, Gray tocó y grabó con Tadd Dameron y el septeto y la big band de Count Basie (1950-1951); "Little Pony", su presentación con la orquesta de Basie, es un clásico. Gray participó en algunas jam sessions de Norman Granz ("Apple Jam" tiene un solo especialmente acalorado) y grabó con Louie Bellson (1952-1953). Irónicamente, Wardell Gray, que a finales de los años 40 sirvió de inspiración a algunos músicos más jóvenes por su oposición al consumo de drogas, se metió él mismo en las drogas y murió misteriosamente en Las Vegas el 25 de mayo de 1955, cuando sólo tenía 34 años.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography

Hampton Hawes • Here and Now

 

Artist Biography by Scott Yanow

Hampton Hawes was one of the finest jazz pianists of the 1950s, a fixture on the Los Angeles scene who brought his own interpretations to the dominant Bud Powell style. In the mid- to late '40s, he played with Sonny Criss, Dexter Gordon, and Wardell Gray, among others on Central Avenue. He was with Howard McGhee's band (1950-1951), played with Shorty Rogers and the Lighthouse All-Stars, served in the Army (1952-1954), and then led trios in the L.A. area, recording many albums for Contemporary. Arrested for heroin possession in 1958, Hawes spent five years in prison until he was pardoned by President Kennedy. He led trios for the remainder of his life, using electric piano (which disturbed his longtime fans) for a period in the early to mid-'70s, but returned to acoustic piano before dying from a stroke in 1977. Hampton Hawes' memoirs, Raise Up Off Me (1974), are both frank and memorable, and most of his records (for Xanadu, Prestige, Savoy, Contemporary, Black Lion, and Freedom) are currently available.

https://www.allmusic.com/artist/hampton-hawes-mn0000558596/biography

 

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Biografía del artista por Scott Yanow

Hampton Hawes fue uno de los mejores pianistas de jazz de la década de 1950, un fijo en la escena de Los Ángeles que trajo sus propias interpretaciones al estilo dominante de Bud Powell. A mediados y finales de los años 40, tocó con Sonny Criss, Dexter Gordon y Wardell Gray, entre otros en Central Avenue. Estuvo con la banda de Howard McGhee (1950-1951), tocó con Shorty Rogers y Lighthouse All-Stars, sirvió en el Ejército (1952-1954), y luego dirigió tríos en el área de Los Ángeles, grabando muchos discos para Contemporary. Arrestado por posesión de heroína en 1958, Hawes pasó cinco años en prisión hasta que fue indultado por el presidente Kennedy. Dirigió tríos durante el resto de su vida, usando piano eléctrico (que perturbó a sus fans de toda la vida) durante un período de principios a mediados de los 70, pero regresó al piano acústico antes de morir de un derrame cerebral en 1977. Las memorias de Hampton Hawes, Raise Up Off Me (1974), son francas y memorables, y la mayoría de sus discos (para Xanadu, Prestige, Savoy, Contemporary, Black Lion y Freedom) están disponibles actualmente.

https://www.allmusic.com/artist/hampton-hawes-mn0000558596/biography

Charles Mingus With Hampton Hawes & Danny Richmond ‎• Mingus Three

LP Review:

Charles Mingus is the volcanic, inflammably honest bass virtuoso, composer and Jazz Workshop leader whose strength of musical personality has made his playing and writing instantly identifiable, however intermittently controversial. Hampton Hawes, Los Angeles-born and almost thirty, has been welcomed by several critics and a number of musicians as an unusually earthy and deeply swinging representative of mainstream modernism that flows directly from Charlie Parker whom Hawes acknowledges as his primary influence. The drummer is Danny Richmond, a regular member of Mingus’ Jazz Workshop unit.

Yesterday's is a head arrangement in which the memories are collected at a brisker tempo than is usual in approaching the standard. Back Home Blues is Mingus’, and it was his evident goal to create a down home feeling and particularly, as he explains it, “to make Hamp play even more basic blues than he has been accustomed to.”

Can’t Get Started, a song that Mingus has been attracted to for some time is played within the framework of Mingus’ alteration of the changes. Hamp’s New Blues, described by Mingus as “bebop blues” illustrates a comment by English critic, Alun Morgan, about Hawes and the blues to the effect that “Hawes continues to extract freshness and beauty from this timeless material.”

Mingus’ intense plunge into Summertime is based, he acknowledges, “on a pedal point suggested by Lee Kraft, who was supervisor of the date. Dizzy Moods came into existence because Mingus admired Dizzy Gillespie’s Woodyn’ You. He altered the original chord pattern, wrote an original melody on that altered sequence, called Dizzy on the phone, played him the song, and obtained Dizzy’s benediction. Laura exemplifies that no matter how often a listener may have heard a song (and Laura has been one of the most ubiquitous wraiths in music in many years) jazzmen of intractable individuality like Mingus can transmute the most familiar music into quite an unexpected, self-startling experience.

This trio session is considerably different from most trio dates. Two strong personalities arc present in Mingus and Hawes, and although there is an overall feeling of fusion, of tempered rapport, this as much as dialogue between Mingus and Hawes with punctuation from Richmond as it is a group expression.

Mingus and Hawes are contrasting spirits, musically and off the stand. Hawes is rather diffident and disinclined to verbalize about music. When three Down Beat critics once reviewed his trio and invited him to answer their reviews, one of which was fiercely negative, he never replied to any of the several requests for a statement made to him. Mingus, on the other hand, is a celebrated writer of open letters to the music magazines, and is the Tom Paine of modern jazz in his polemical zeal to make his positions clear. Had the same three critics reviewed Mingus, it might have taken most of an issue to print his answers.

In music, Hawes, as indicated previously, is in the direct Parker line with a partial indebtedness to Bud Powell, among others. His source of most impressive strength is his beat and his propelling assurance in the blues. Whether he will ever develop a commandingly individual voice that will in turn influence others irremediably is difficult to predict as of this writing, because there are personal as well as musical factors involved in the working out of Hawes’ future. He. is, in any case, already an accepted professional by other jazzmen, and is an emotionally stimulating, fiercely candid player who is easily assimilable and who intends to keep the basic jazz language and direction, as he conceives them, alive and meaningful.

Mingus’ self-expressive needs are more impatient of convention than Hawes’ and yet even more plungingly appreciative of tradition. Mingus’ roots go far back into blues and old church music (as do Hawes whose father was a preacher and whose earliest musical memories are spirituals) but also into the cries and musical earth of other cultures as well. As a composer, he is a blazing believer in form following function, and he never composes except from an urgent desire to communicate a feeling, a lifeview, an anger or a joy. As articulate as Mingus is verbally, he feels—and rightly-—that his most viable and self-revealing form of communication is through music. There are his intimately explosive bass solos in which the instrument becomes so annealed to him that, to paraphrase Yeats, a mesmerized listener may not know instantly where the bass begins and Mingus ends; and there is composed music, much of it transmitted orally and aurally to his sidemen, a body of music that is as searingly personal and yet universally aware of and defiant of mortality as any body of composed work in written jazz.

The meeting of the two in this album is provocative, all the more so because both—health and wars willing—have the major section of their futures ahead of them. Hawes continues to move in the main road; Mingus, having absorbed the map, backwards and to the present, of the main route, is striking out on his own path. In ten years, they might well meet: or the main road may have been widened, in part by Mingus’ impact, so that he has become conventional; or he may have, as I believe, been found to have been in the mainstream all along— except that he was swimming deeper than most.

—Nat Hentoff, co-editor, Hear Me Talkin’ to Ya and Jazz Makers (Rinehart)

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Reseña del LP:

Charles Mingus es un virtuoso del bajo, inflamablemente honesto, compositor y líder de talleres de jazz cuya fuerza de personalidad musical ha hecho que su forma de tocar y escribir sea identificable al instante, aunque sea intermitentemente controvertida. Hampton Hawes, nacido en Los Ángeles y con casi treinta años de edad, ha sido acogido por varios críticos y un número de músicos como un representante inusualmente terrenal y profundamente pendenciero de la corriente principal del modernismo que fluye directamente de Charlie Parker, a quien Hawes reconoce como su principal influencia. El baterista es Danny Richmond, miembro habitual de la unidad de talleres de jazz de Mingus.

El de ayer es un arreglo de cabeza en el que los recuerdos se recogen a un tempo más rápido de lo habitual al acercarse al estándar. Back Home Blues es de Mingus, y su objetivo evidente era crear un sentimiento de "down home" y, en particular, como él mismo lo explica, "hacer que Hamp toque un blues aún más básico de lo que está acostumbrado".

Can't Get Started, una canción por la que Mingus se siente atraído desde hace tiempo, se toca en el marco de la alteración de los cambios de Mingus. Hamp's New Blues, descrito por Mingus como "bebop blues" ilustra un comentario del crítico inglés Alun Morgan sobre Hawes y el blues en el sentido de que "Hawes sigue extrayendo frescura y belleza de este material intemporal".

La intensa zambullida de Mingus en el Summertime se basa, reconoce, "en un punto de pedaleo sugerido por Lee Kraft, quien fue supervisor de la fecha. Dizzy Moods surgió porque Mingus admiraba Woodyn' You de Dizzy Gillespie. Alteró el patrón de acordes original, escribió una melodía original en esa secuencia alterada, llamó a Dizzy por teléfono, le tocó la canción y obtuvo la bendición de Dizzy. Laura ejemplifica que no importa cuán a menudo un oyente pueda haber escuchado una canción (y Laura ha sido uno de los espectros más omnipresentes en la música en muchos años) los jazzistas de individualidad intratable como Mingus pueden transmutar la música más familiar en una experiencia bastante inesperada y auto-asombrosa.

Esta sesión de trío es considerablemente diferente a la mayoría de las fechas de trío. Dos fuertes personalidades están presentes en Mingus y Hawes, y aunque hay un sentimiento general de fusión, de compenetración templada, esto tanto como el diálogo entre Mingus y Hawes con la puntuación de Richmond como es una expresión de grupo.

Mingus y Hawes son espíritus contrastantes, tanto musicalmente como fuera del stand. Hawes es bastante tímido y no se inclina a verbalizar sobre la música. Cuando tres críticos de Down Beat revisaron una vez a su trío y lo invitaron a responder a sus críticas, una de las cuales fue ferozmente negativa, nunca respondió a ninguna de las varias solicitudes de declaración que le hicieron. Mingus, por otro lado, es un célebre escritor de cartas abiertas a las revistas musicales, y es el Tom Paine del jazz moderno en su polémico afán por dejar claras sus posiciones. Si los mismos tres críticos hubieran criticado a Mingus, habría sido necesario publicar la mayor parte de un número para publicar sus respuestas.

En música, Hawes, como se ha indicado anteriormente, está en la línea directa de Parker con una deuda parcial con Bud Powell, entre otros. Su fuente de fuerza más impresionante es su ritmo y su seguridad de propulsión en el blues. Es difícil predecir si alguna vez desarrollará una voz individual dominante que a su vez influirá en otros irremediablemente a partir de este escrito, ya que hay factores tanto personales como musicales que intervienen en el desarrollo del futuro de Hawes. En cualquier caso, él ya es un profesional aceptado por otros jazzistas, y es un músico emocionalmente estimulante, ferozmente cándido, que es fácilmente asimilable y que pretende mantener vivo y significativo el lenguaje y la dirección básica del jazz, tal y como él lo concibe.

Las necesidades autoexpresivas de Mingus son más impacientes con las convenciones que con las de Hawes y aún más aprecio por la tradición. Las raíces de Mingus se remontan al blues y a la antigua música de la iglesia (al igual que Hawes, cuyo padre era predicador y cuyos primeros recuerdos musicales son espirituales), pero también a los gritos y la tierra musical de otras culturas. Como compositor, es un creyente ardiente en la función de seguimiento de la forma, y nunca compone excepto por un deseo urgente de comunicar un sentimiento, una visión de la vida, un enojo o una alegría. Tan articulado como Mingus es verbalmente, siente -y con razón- que su forma de comunicación más viable y auto-reveladora es a través de la música. Hay sus íntimamente explosivos solos de bajo en los que el instrumento se vuelve tan recocido para él que, parafraseando a Yeats, un oyente hipnotizado puede no saber instantáneamente dónde empieza el bajo y dónde termina Mingus; y hay música compuesta, mucha de ella transmitida oralmente y auditivamente a sus sidemen, un cuerpo de música que es tan ardientemente personal y sin embargo universalmente consciente y desafiante de la mortalidad como cualquier cuerpo de trabajo compuesto en el jazz escrito.

El encuentro de los dos en este disco es provocativo, sobre todo porque ambos -salud y guerras- tienen por delante la mayor parte de su futuro. Hawes sigue avanzando en la ruta principal; Mingus, habiendo absorbido el mapa, al revés y al presente, de la ruta principal, está emprendiendo su propio camino. En diez años, podrían encontrarse: o la carretera principal puede haberse ensanchado, en parte por el impacto de Mingus, de modo que se ha convertido en convencional; o puede que, como creo, se haya encontrado que estaba en la corriente principal todo el tiempo, excepto que estaba nadando más profundo que la mayoría.
-Nat Hentoff, co-editor, Hear Me Talkin' to Ya y Jazz Makers (Rinehart)

Hampton Hawes • I'm All Smiles

 

 

Review by Ron Wynn
Pianist Hampton Hawes led a trio during the 1960s and '70s that remained popular without compromising its sound or musical integrity. His phrasing and voicings could entice or amaze, and he displays great range, rhythmic vitality, and harmonic excellence during the five selections featured on this 1966 live date now reissued on CD. Hawes moves from the Afro-Latin feel of "Manha de Carnaval" to the brilliant chordal exposition on "Spring Is Here" and "The Shadow of Your Smile," before concluding with a flourish on "Searchin." Hawes is backed by wonderful bassist Red Mitchell and steady drummer Donald Bailey, who had both been with him for over a decade. They are not just a cohesive unit, but an intuitive team, maintaining a communication with him that is amazing even within a genre that demands it.
https://www.allmusic.com/album/im-all-smiles-mw0000623559

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Reseña de Ron Wynn
El pianista Hampton Hawes dirigió un trío durante los años 60 y 70 que se mantuvo popular sin comprometer su sonido o integridad musical. Su fraseo y sus voces podían atraer o asombrar, y muestra una gran gama, vitalidad rítmica y excelencia armónica durante las cinco selecciones que aparecen en esta fecha de 1966 en vivo, ahora reeditada en CD. Hawes pasa del sentimiento afrolatino de "Manha de Carnaval" a la brillante exposición de acordes en "Spring Is Here" y "The Shadow of Your Smile", antes de concluir con un florecimiento en "Searchin". Hawes está respaldado por el maravilloso bajista Red Mitchell y el baterista Donald Bailey, quienes han estado con él por más de una década. No son sólo una unidad cohesiva, sino un equipo intuitivo, manteniendo una comunicación con él que es asombrosa incluso dentro de un género que lo exige.
https://www.allmusic.com/album/im-all-smiles-mw0000623559

Gerry Mulligan • The Shadow Of Your Smile

 

VA • Jazz Classics

 

Mal Waldron, Jimmy Heath, Charlie Parker, Lee Konitz, Jimmy Raney, Kenny Drew, Bobby Jaspar, Gerry Mulligan, Clark Terry, Oliver Nelson, Chet Baker, Dizzy Gillespie, Don Byas, Hampton Hawes …

Bill Perkins-Richie Kamuca-Art Pepper • Just Friends

 

A mixture of sessions with Art on selected tracks, though in 1956 one was lucky to find him playing between incarcerations, and fellow West Coast tenor Richie Kamuca on others. Kamuca died young of cancer, and the rather shy Bill Perkins is better known for his appearances in the Lighthouse All Stars, of Hermosa Beach Lighthouse cafe fame. During the 1960s Perkins had a dual career as a studio musician and a recording engineer, which may explain the audio quality.
https://londonjazzcollector.wordpress.com/2012/01/07/bill-perkins-art-pepper-just-friends-1957/

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Una mezcla de sesiones con Art en algunas pistas seleccionadas, aunque en 1956 se tuvo la suerte de encontrarlo tocando entre encarcelamientos, y con su compañero tenor de la costa oeste Richie Kamuca en otras. Kamuca murió joven de cáncer, y el bastante tímido Bill Perkins es más conocido por sus apariciones en los Lighthouse All Stars, famosos por el café Hermosa Beach Lighthouse. Durante la década de 1960, Perkins tuvo una doble carrera como músico de estudio e ingeniero de grabación, lo que puede explicar la calidad del audio.
https://londonjazzcollector.wordpress.com/2012/01/07/bill-perkins-art-pepper-just-friends-1957/

Gene Ammons • Gene Ammons and Friends at Montreux

 

VA • Jazz Classics

 

Hampton Hawes • For Real! [The Complete Session]

This release presents Hampton Hawes’ complete original quartet album For Real (Contemporary S7589), featuring his first collaborations ever with saxophonist Harold Land (they would only record together again in the mid-1970s). The album also marks Hawes’ only existing recordings with Scott LaFaro. Three trio performances recorded during that date but not included on the original LP have also been added. No previous CD edition of For Real contained these tracks, which complete the session. Also this release is rounded out with two rare live trio recordings by the pianist, taped in Rome in the company of Jimmy Woode and Kenny Clarke.

 

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Esta edición presenta el álbum completo del cuarteto original de Hampton Hawes, For Real (Contemporary S7589), que incluye sus primeras colaboraciones con el saxofonista Harold Land (sólo volverían a grabar juntos a mediados de los años 70). El álbum también marca las únicas grabaciones existentes de Hawes con Scott LaFaro. También se han añadido tres actuaciones en trío grabadas en esa fecha pero no incluidas en el LP original. Ninguna edición anterior en CD de For Real contenía estos temas, que completan la sesión. Además, este lanzamiento se completa con dos raras grabaciones en directo del pianista, grabadas en Roma en compañía de Jimmy Woode y Kenny Clarke.

Hampton Hawes • Four !

 

Review by Scott Yanow

Pianist Hampton Hawes' 1950s recordings for the Contemporary label are at such a high level that they could all be given five stars. This outing with bassist Red Mitchell, drummer Shelly Manne, and guitarist Barney Kessel (who is a slight wild card) is also quite successful. Two previously unreleased numbers ("Thou Swell" and "The Awful Truth") have been added to the CD reissue. Highlights of the exciting bop date include "Yardbird Suite," "There Will Never Be Another You," and "Love Is Just Around the Corner."

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Reseña de Scott Yanow

Las grabaciones del pianista Hampton Hawes de los años 50 para el sello Contemporary están a un nivel tan alto que a todas ellas se les podría dar cinco estrellas. Esta salida con el bajista Red Mitchell, el baterista Shelly Manne y el guitarrista Barney Kessel (que es un ligero comodín) también es bastante exitosa. Dos números inéditos ("Thou Swell" y "The Awful Truth") se han añadido a la reedición del CD. Lo más destacado de la emocionante cita bop incluye "Suite Yardbird", "There Will Never Be Another You" y "Love Is Just Around the Corner".

Nathan Davis • Rules Of Freedom

 

Bill Perkins • Just Friends

 

 Bill Perkins was one of the quiet lions of West Coast jazz, soft-spoken, humble and gentle in conversation, but capable of raising the roof onstage. On tenor sax, like many of his contemporaries, he channeled the spirit of Lester Young. On soprano sax his tone was more angular, hard-bitten, leaning almost towards the avant-garde. He was an electrical whiz who held patents on two synthesized wind instruments, and a kindly mentor who wouldn’t hesitate to take time after a gig to talk shop with younger players. “Perk” was one of the most unique and beloved icons of West Coast jazz, yet one who always wore the “icon” label with unease. William Reese Perkins was born in San Francisco on July 22, 1924. His first instrument was the clarinet, which he abandoned at fifteen in favor of the tenor sax. His father, a mining engineer, died while Bill was still in his teens. His mother continued to raise him in Santa Barbara, where Perkins’ interests were torn between engineering and music. He split the difference, studying electrical engineering at Cal Tech and music at Westlake College and U.C. Santa Barbara, all thanks to the G.I. Bill.

Perkins’ first regular professional gig was with Jerry Wald’s band in Los Angeles. In May 1951 he joined the Woody Herman band, which gave him his first major exposure. In fact, his initiation into the Herman Herd was like being thrown into the fire: Herman’s manager called in the middle of a performance at the Palladium and practically begged Perkins to come down and replace a tenorman who had just been fired. His interest in the “Prez tone” helped him fit in with Herman’s other Lester Young acolytes, and he made several impressive records with the Third Herd including “Ill Wind”.

In 1953 Perkins and his fellow tenorman Richie Kamuca moved from Herman’s band to the Stan Kenton aggregation. Both men made the adjustment from upbeat bop to Kenton’s more cerebral sounds with ease. “Yesterdays” became Perkins’ signature tune with the band, demanded perhaps more than any other piece in the catalog. He also began doing sideline gigs with fellow Kentonians, including Shorty Rogers’ popular Giants. Perkins also worked with pianist John Lewis, altoman Art Pepper, vibraphonist Terry Gibbs’ Dream Band, and other projects. His first sessions as a leader came in 1956 (“The Bill Perkins Octet on Stage”, on Pacific Jazz).

The 1960s saw two radical changes in Perkins’ career. First, he began working regularly as a recording engineer when jazz gigs began to get more scarce. More significant in his playing career was his embracing of the new sounds being explored by Sonny Rollins and John Coltrane. Few of Perkins’ associates on the West Coast shared his enthusiasm, but he began assimilating new elements into his own style, particularly on soprano sax. He landed occasional film work, including a job with Duke Ellington’s band on the soundtrack of Frank Sinatra’s now-overlooked “Assault on a Queen”.

In 1969 Perkins gave up the road in favor of full-time studio work, joining Doc Severinsen’s Tonight Show Band where he remained for almost a quarter-century. For most of the 1970s he worked with the Toshiko Akiyoshi-Lew Tabackin Big Band and Bill Holman’s group, and occasionally returned to Woody Herman’s side for special projects. Shorty Rogers remained a close cohort until the trumpeter’s death; the two friends continued to work together in the Lighthouse All-Stars in the 1980s and 90s. Perkins moved from the baritone sax chair to cover the All-Stars tenor parts following Bob Cooper’s sudden death in 1993.

Always content to operate under the direction of others, Perkins did not record that frequently as a leader. The 1966 date “Quietly There”, with Victor Feldman on piano, organ and vibes, retains much of its charm in hindsight. His patented sax-synthesizer can be heard on 1984’s “Journey to the East”. In 1990 he recorded “I Wished on the Moon” with the Dutch Metropole Orchestra, a disc which was soundly applauded by his ardent fans, and followed up with his own band on “Our Man Woody” the following year. The forward-looking “Frame of Mind” (1993, Interplay) was one of the finest recordings of his career, and in ’95 he paid homage to a lifelong influence on “Perk Plays Prez” (Fresh Sound).

In the early 90s Perkins began his first battle with cancer, a disease which would plague him for the rest of his life. He fought lung, hip and throat ailments for over a decade, enduring nine operations on his throat alone. All the while he continued to perform as often as possible, doing workshops and club gigs around the world. He kept up his regular appearances at Kenton and Rogers tributes until he was simply too ill to continue.

Bill Perkins finally succumbed to the effects of cancer on August 9, 2003 at his home in Sherman Oaks, California. He is survived by his second wife, one son and one daughter.
https://jazzbarisax.com/baritone-saxophonists/bop-style/bill-perkins/

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Bill Perkins fue uno de los leones tranquilos del jazz de la costa oeste, de voz suave, humilde y gentil en la conversación, pero capaz de levantar el techo en el escenario. En el saxo tenor, como muchos de sus contemporáneos, canalizó el espíritu de Lester Young. En el saxo soprano su tono era más anguloso, duro, inclinado casi hacia la vanguardia. Era un genio de la electricidad que tenía patentes de dos instrumentos de viento sintetizados, y un amable mentor que no dudaría en tomarse un tiempo después de un concierto para hablar de trabajo con jugadores más jóvenes. "Perk" fue uno de los iconos más únicos y queridos del jazz de la Costa Oeste, sin embargo, uno que siempre usó la etiqueta de "icono" con malestar. William Reese Perkins nació en San Francisco el 22 de julio de 1924. Su primer instrumento fue el clarinete, que abandonó a los quince años en favor del saxo tenor. Su padre, un ingeniero de minas, murió cuando Bill aún era adolescente. Su madre continuó criándolo en Santa Bárbara, donde los intereses de Perkins estaban divididos entre la ingeniería y la música. Dividió la diferencia, estudiando ingeniería eléctrica en Cal Tech y música en Westlake College y en la Universidad de California en Santa Bárbara, todo gracias a la Ley G.I. Bill.

El primer concierto profesional regular de Perkins fue con la banda de Jerry Wald en Los Ángeles. En mayo de 1951 se unió a la banda Woody Herman, lo que le dio su primera gran exposición. De hecho, su iniciación en el Herman Herd fue como ser arrojado al fuego: El manager de Herman llamó en medio de una actuación en el Palladium y prácticamente le rogó a Perkins que bajara y reemplazara a un tenista que acababa de ser despedido. Su interés por el "Prez tone" le ayudó a encajar con los otros acólitos de Lester Young de Herman, y grabó varios discos impresionantes con el Third Herd, entre ellos "Ill Wind".

En 1953 Perkins y su compañero de tenis Richie Kamuca pasaron de la banda de Herman a la de Stan Kenton. Ambos hombres hicieron el ajuste del bop optimista a los sonidos más cerebrales de Kenton con facilidad. "Yesterdays" se convirtió en la sintonía de Perkins con la banda, exigiendo quizás más que cualquier otra pieza del catálogo. También comenzó a hacer conciertos secundarios con sus compatriotas de Kenton, incluyendo a los populares Giants de Shorty Rogers. Perkins también trabajó con el pianista John Lewis, Altoman Art Pepper, el vibrafonista Terry Gibbs' Dream Band y otros proyectos. Sus primeras sesiones como líder llegaron en 1956 ("The Bill Perkins Octet on Stage", en Pacific Jazz).

En la década de 1960 se produjeron dos cambios radicales en la carrera de Perkins. Primero, comenzó a trabajar regularmente como ingeniero de grabación cuando las actuaciones de jazz comenzaron a escasear. Más significativo en su carrera como músico fue su aceptación de los nuevos sonidos que están siendo explorados por Sonny Rollins y John Coltrane. Pocos de los asociados de Perkins en la Costa Oeste compartían su entusiasmo, pero él comenzó a asimilar nuevos elementos en su propio estilo, particularmente en el saxo soprano. Trabajó ocasionalmente en el cine, incluyendo un trabajo con la banda de Duke Ellington en la banda sonora de "Assault on a Queen" de Frank Sinatra, que ahora se pasa por alto.

En 1969 Perkins abandonó la carretera en favor de un trabajo de estudio a tiempo completo, uniéndose a la Tonight Show Band de Doc Severinsen, donde permaneció durante casi un cuarto de siglo. Durante la mayor parte de la década de 1970 trabajó con la Toshiko Akiyoshi-Lew Tabackin Big Band y el grupo de Bill Holman, y ocasionalmente regresó al lado de Woody Herman para proyectos especiales. Shorty Rogers se mantuvo como una cohorte cercana hasta la muerte del trompetista; los dos amigos continuaron trabajando juntos en el Lighthouse All-Stars en los años 80 y 90. Perkins se movió de la silla de saxo barítono para cubrir las partes de tenor de las All-Stars después de la muerte repentina de Bob Cooper en 1993.

Siempre contento de operar bajo la dirección de otros, Perkins no registraba tan frecuentemente como líder. La fecha de 1966 "Quietly There", con Victor Feldman al piano, el órgano y las vibraciones, conserva mucho de su encanto en retrospectiva. Su sintetizador de saxo patentado se puede escuchar en "Viaje al Este" de 1984. En 1990 grabó "I Wish on the Moon" con la orquesta holandesa Metropole Orchestra, un disco que fue aplaudido por sus ardientes fans, y al año siguiente siguió con su propia banda en "Our Man Woody". El "Frame of Mind" (1993, Interplay) fue una de las mejores grabaciones de su carrera, y en `95 rindió homenaje a una influencia de toda una vida en "Perk Plays Prez" (Fresh Sound).

A principios de los años 90, Perkins comenzó su primera batalla contra el cáncer, una enfermedad que lo afectaría por el resto de su vida. Luchó contra dolencias pulmonares, de cadera y de garganta durante más de una década, sufriendo nueve operaciones sólo en su garganta. Todo el tiempo continuó actuando tan a menudo como le fue posible, haciendo talleres y conciertos en clubes de todo el mundo. Mantuvo sus apariciones regulares en los homenajes a Kenton y Rogers hasta que simplemente se enfermó demasiado para continuar.

Bill Perkins finalmente sucumbió a los efectos del cáncer el 9 de agosto de 2003 en su casa en Sherman Oaks, California. Le sobreviven su segunda esposa, un hijo y una hija.
https://jazzbarisax.com/baritone-saxophonists/bop-style/bill-perkins/

VA • Verve Jazz Club Collectionː Swinging Jazz Piano

 

Charles Mingus • Mingus Three

 

Charles Mingus’ complete original trio album Mingus Three (Jubilee JLP1054) Featuring the outstanding pianist Hampton Hawes and veteran Mingus drummer Dannie Richmond. An ultra-rare trio session by the John Mehegan Trio featuring Mingus and Kenny Clarke, as well as a Teddy Charles Quartet session (featuring no horns and leaving plenty of solo space to Mingus) have been added as a bonus.
https://www.jazzmessengers.com/es/8228/charles-mingus/mingus-three

Note: This is a different version than the one offered in the post:
https://egrojworld.blogspot.com/2023/05/charles-mingus-with-hampton-hawes-danny_01410309988.html

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Álbum completo del trío original de Charles Mingus Mingus Three (Jubilee JLP1054) Con el destacado pianista Hampton Hawes y el veterano batería de Mingus Dannie Richmond. Se ha añadido como bonus una sesión de trío ultra-rara del John Mehegan Trio con Mingus y Kenny Clarke, así como una sesión del Teddy Charles Quartet (sin vientos y dejando mucho espacio para los solos de Mingus).
https://www.jazzmessengers.com/es/8228/charles-mingus/mingus-three

Nota: Esta es una versión distinta a la ofrecida en el post:
https://egrojworld.blogspot.com/2023/05/charles-mingus-with-hampton-hawes-danny_01410309988.html

Wardell Gray & Hampton Hawes • Live at the Haig 1952

 

"This decently recorded live session features tenor saxophonist Wardell Gray, trumpeter Art Farmer, pianist Hampton Hawes, bassist Joe Mondragon and drummer Shelly Manne stretching out on eight numbers (most of which clock in at 7-10 minutes). The CD reissue adds "Lady Bird" to the original set, which is highlighted by "The Squirrel," "Jackie," "Donna Lee" and "Get Happy." Because of his consistency and truncated life, every Wardell Gray recording is well worth picking up."
Scott Yanow -All Music Guide


"The contributions of Wardell Gray are often overlooked due to his premature death from a drug overdose in 1955, but this promising tenor saxophonist caught the ears of fellow West Coast musicians. This bop-oriented date was recorded in 1952 during a live engagement at the Haig (the famous tiny club where the Gerry Mulligan-Chet Baker Quartet became famous). Gray is joined by trumpeter Art Farmer, pianist Hampton Hawes, bassist Joe Mondragon, and drummer Shelly Manne, making up a powerful quintet. Although the horn soloists aren't always heard as well as the rhythm section, they are clearly inspiring one another. Highlights include a spirited take of "Bernie's Tune," a romp through Charlie Parker's "Donna Lee," and "Jackie," a smoky, brisk blues riff by Hampton Hawes in which Gray sounds a bit like Dexter Gordon, his old bandstand sparring partner. Wardell Gray takes top solo honors, but not by much. The source material, which is quite good for the era, is evidently from a radio broadcast."
Ken Dryden -All Music Guide

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"Esta sesión en vivo decentemente grabada presenta al saxofonista tenor Wardell Gray, al trompetista Art Farmer, al pianista Hampton Hawes, al bajista Joe Mondragón y a la baterista Shelly Manne tocando ocho números (la mayoría de los cuales duran entre 7 y 10 minutos). La reedición en CD agrega "Lady Bird" al set original, que se destaca con "The Squirrel", "Jackie", "Donna Lee" y " Get Happy."Debido a su consistencia y vida truncada, vale la pena recoger todas las grabaciones de Wardell Gray."
Scott Yanow-Guía de toda la Música


"Las contribuciones de Wardell Gray a menudo se pasan por alto debido a su muerte prematura por sobredosis de drogas en 1955, pero este prometedor saxofonista tenor llamó la atención de otros músicos de la Costa Oeste. Esta fecha orientada al bop fue grabada en 1952 durante un compromiso en vivo en el Haig (el famoso club diminuto donde se hizo famoso el Cuarteto Gerry Mulligan-Chet Baker). A Gray se le unen el trompetista Art Farmer, el pianista Hampton Hawes, el bajista Joe Mondragón y la baterista Shelly Manne, formando un poderoso quinteto. Aunque los solistas de trompa no siempre se escuchan tan bien como la sección rítmica, claramente se inspiran mutuamente. Los aspectos más destacados incluyen una versión animada de" Bernie's Tune", un jugueteo con" Donna Lee "de Charlie Parker y" Jackie", un riff de blues ahumado y enérgico de Hampton Hawes en el que Gray suena un poco como Dexter Gordon, su antiguo compañero de entrenamiento del quiosco de música.. Wardell Gray se lleva los máximos honores en solitario, pero no por mucho. El material fuente, que es bastante bueno para la época, es evidentemente de una transmisión de radio."
Ken Dryden-Guía de toda la Música

VA • Exotic Jazz

 

Hampton Hawes • Hampton Hawes Plays Movie Musicals

 

Artist Biography by Scott Yanow

Hampton Hawes was one of the finest jazz pianists of the 1950s, a fixture on the Los Angeles scene who brought his own interpretations to the dominant Bud Powell style. In the mid- to late '40s, he played with Sonny Criss, Dexter Gordon, and Wardell Gray, among others on Central Avenue. He was with Howard McGhee's band (1950-1951), played with Shorty Rogers and the Lighthouse All-Stars, served in the Army (1952-1954), and then led trios in the L.A. area, recording many albums for Contemporary. Arrested for heroin possession in 1958, Hawes spent five years in prison until he was pardoned by President Kennedy. He led trios for the remainder of his life, using electric piano (which disturbed his longtime fans) for a period in the early to mid-'70s, but returned to acoustic piano before dying from a stroke in 1977. Hampton Hawes' memoirs, Raise Up Off Me (1974), are both frank and memorable, and most of his records (for Xanadu, Prestige, Savoy, Contemporary, Black Lion, and Freedom) are currently available.

https://www.allmusic.com/artist/hampton-hawes-mn0000558596/biography

 

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Biografía del artista por Scott Yanow

Hampton Hawes fue uno de los mejores pianistas de jazz de la década de 1950, un fijo en la escena de Los Ángeles que trajo sus propias interpretaciones al estilo dominante de Bud Powell. A mediados y finales de los años 40, tocó con Sonny Criss, Dexter Gordon y Wardell Gray, entre otros en Central Avenue. Estuvo con la banda de Howard McGhee (1950-1951), tocó con Shorty Rogers y Lighthouse All-Stars, sirvió en el Ejército (1952-1954), y luego dirigió tríos en el área de Los Ángeles, grabando muchos discos para Contemporary. Arrestado por posesión de heroína en 1958, Hawes pasó cinco años en prisión hasta que fue indultado por el presidente Kennedy. Dirigió tríos durante el resto de su vida, usando piano eléctrico (que perturbó a sus fans de toda la vida) durante un período de principios a mediados de los 70, pero regresó al piano acústico antes de morir de un derrame cerebral en 1977. Las memorias de Hampton Hawes, Raise Up Off Me (1974), son francas y memorables, y la mayoría de sus discos (para Xanadu, Prestige, Savoy, Contemporary, Black Lion y Freedom) están disponibles actualmente.

https://www.allmusic.com/artist/hampton-hawes-mn0000558596/biography