Clifford Brown • The Complete Blue Note and Pacific Jazz Recordings

Chet Baker • The Chet Baker Quartet Recordings

 

Chet Baker Quartet • Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (Expanded Edition)

 

Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (1998) is a perfect studio companion to the Mosaic Records set Complete Pacific Jazz Live Recordings of Chet Baker With Russ Freeman (1988). As was the custom for jazz platters of the time, both Baker and Freeman are joined by a different combo on each date. The luminaries include Bobby Whitlock (bass), Joe Mondragon (bass), Bobby White (bass), Larry Bunker (drums) and Shelly Manne (drums) from sessions held circa July and October of 1953. The 25 selections here provide copious evidence of Baker's uncanny artistry as he develops a dark, yet lyrical, interpretive approach. Immediately evident is the thoughtful synergy between Baker and the comparatively understated Freeman, whose comps help link the respective solos. In several notable instances, such as the nonchalant "Isn't It Romantic" or the limber syncopation of "Maid in Mexico," Freeman establishes the melody, rather than simply being relegated to the rhythm section. Additional diverse examples can be heard ranging from a sublime reading of "Imagination" to the upbeat and agile "All the Things You Are" -- which commences in progress. These tunes would seed Baker's back catalog of material, becoming staples during his 30-plus-year repertoire. One facet to Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman that will be of considerable interest to collectors and hardcore enthusiasts are both the 10" EP and the 12" LP takes of "Long Ago and Far Away," "No Ties," "The Thrill Is Gone," "Moon Love" and the 78 rpm and long-player version(s) of "Winter Wonderland."While these renderings have been previously issued, this CD marks the first time that they are presented on a single volume. Among other stellar (if not definitive) inclusions are Freeman's "Russ Job," "Bea's Flat" and the sole Baker vocal on "I Fall in Love Too Easily."
https://www.qobuz.com/nz-en/album/chet-baker-quartet-featuring-russ-freeman-chet-baker-quartet-russ-freeman/ndv9p7j3bwhyb#description

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Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (1998) es el complemento perfecto en estudio al álbum de Mosaic Records Complete Pacific Jazz Live Recordings of Chet Baker With Russ Freeman (1988). Como era habitual en los discos de jazz de la época, tanto Baker como Freeman cuentan con la colaboración de un combo diferente en cada fecha. Entre las luminarias se encuentran Bobby Whitlock (bajo), Joe Mondragon (bajo), Bobby White (bajo), Larry Bunker (batería) y Shelly Manne (batería) en sesiones celebradas entre julio y octubre de 1953. Las 25 selecciones aquí incluidas proporcionan abundantes pruebas del extraordinario talento artístico de Baker, que desarrolla un enfoque interpretativo oscuro, pero lírico. Inmediatamente se hace evidente la sinergia reflexiva entre Baker y el relativamente discreto Freeman, cuyos acompañamientos ayudan a enlazar los respectivos solos. En varios casos notables, como el despreocupado «Isn't It Romantic» o la ágil síncopa de «Maid in Mexico», Freeman establece la melodía, en lugar de limitarse a la sección rítmica. Se pueden escuchar otros ejemplos diversos, que van desde una sublime interpretación de «Imagination» hasta la alegre y ágil «All the Things You Are», que comienza en progreso. Estas melodías sembrarían el catálogo anterior de material de Baker, convirtiéndose en elementos básicos durante sus más de 30 años de repertorio. Un aspecto de Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman que resultará de gran interés para los coleccionistas y los entusiastas incondicionales son las versiones en EP de 10« y LP de 12» de «Long Ago and Far Away», «No Ties», «The Thrill Is Gone» y «Moon Love», así como las versiones en 78 rpm y LP de «Winter Wonderland». Aunque estas interpretaciones ya se han publicado anteriormente, este CD es el primero en reunirlas en un solo volumen. Entre otras inclusiones estelares (si no definitivas) se encuentran «Russ Job» de Freeman, «Bea's Flat» y la única voz de Baker en «I Fall in Love Too Easily».
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Benny Goodman • Happy Session

 

bennygoodman.com ...

 

The Shelly Manne Quintet And Big Band • Manne-That's Gershwin!

 

Art Pepper • Modern Art

 

Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
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Maynard Ferguson His Orchestra and Octet • Band Ain't Draggin'

 

Walter "Maynard" Ferguson was a Canadian-born jazz trumpet player and bandleader. He came to prominence playing in Stan Kenton's orchestra, before forming his own band in 1957. He was noted for being able to play accurately in a remarkably high register, and for his bands, which served as stepping stones for up-and-coming talent.

Early life and education
Ferguson was born in Verdun, Quebec (now part of Montreal). Encouraged by his mother and father (both musicians), Maynard was playing piano and violin by the age of four. At nine years old, he heard a cornet for the first time in his local church and asked his parents to purchase him one. At age 13, Ferguson first soloed as a child prodigy with the Canadian Broadcasting Corporation Orchestra and was heard frequently on the CBC, notably featured on a Serenade for Trumpet in Jazz written for him by Morris Davis. Ferguson won a scholarship to the French Conservatory of Music where he studied from 1943 through 1948 with Bernard Baker.

Ferguson dropped out of Montreal High School at age 15 to more actively pursue a music career, performing in dance bands led by Stan Wood, Roland David, and Johnny Holmes. While trumpet was his primary instrument, Ferguson also performed on other brass and reed instruments. Ferguson later took over the dance band formed by his brother Percy, playing dates in the Montreal area and serving as an opening act for touring bands from the United States. During this period, Ferguson came to the attention of numerous American band leaders and began receiving offers to come to the United States.

Ferguson moved to the United States in 1949 and initially played with the bands of Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey, and Charlie Barnet. The Barnet band was notable for a trumpet section that also included Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell, and Rolf Erickson. Ferguson was featured on a notoriously flamboyant Barnet recording of Jerome Kern's All The Things You Are that enraged Kern's widow and was subsequently withdrawn from sale. When Barnet temporarily retired in 1949 and disbanded his orchestra, Ferguson was free to accept an offer to join Stan Kenton's newly formed Innovations Orchestra.

Kenton and Hollywood
Stan Kenton had a longstanding offer to Ferguson but had temporarily disbanded when Ferguson moved to the United States. Kenton's bands were notable for their bombastic brass sections and Ferguson was a natural fit. In 1950, Kenton formed the Innovations Orchestra, a 40-piece jazz concert orchestra with strings, and with the folding of the Barnet band, Ferguson was available for the first rehearsal on January 1, 1950. While the Innovations Orchestra was not commercially successful, it made a number of remarkable recordings, including Maynard Ferguson, one of a series of pieces named after featured soloists.

When Kenton returned to a more practical 19-piece jazz band, Ferguson continued with him. Contrary to the natural assumption, Ferguson was not Kenton's lead trumpet player, but played the fifth chair with numerous solo features. Notable recordings from this period that feature Ferguson include Invention for Guitar and Trumpet, What's New and The Hot Canary.

In 1953, Ferguson left Kenton to become a first-call session player for Paramount Pictures. Ferguson appeared on 46 soundtracks including The Ten Commandments. Ferguson still recorded jazz during this period, but his Paramount contract prevented him from playing jazz clubs. While he enjoyed the regular paycheck, Ferguson was very unhappy with the lack of live performance opportunities and left Paramount in 1956.

The Birdland Dream Band
In 1956, Ferguson was tapped to lead the Birdland Dream Band, a 14-piece big band formed by Morris Levy as an "All-star" lineup to play at Levy's Birdland jazz club in New York City. While the name "Birdland Dream Band" was short-lived and is represented by only two albums, this band became the core of Ferguson's performing band for the next nine years. The band included, at various times, such players as Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry, and Don Menza. Arrangers included Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman, and Marty Paich.

As big bands declined in popularity and economic viability in the 1960s, Ferguson's band performed more infrequently. Ferguson began to feel musically stifled and sensed a resistance to change among American jazz audiences. According to a Down Beat interview, he was quoted as saying that if the band did not play Maria or Ole, the fans went home disappointed. Ferguson began performing with a sextet before finally officially disbanding his big band in 1967.

India and England
Following the path taken by many important jazz artists in the 1960s, Ferguson left the United States in 1968. Needing a period of spiritual exploration, Ferguson initially moved with his family to India and taught at the Krishnamurtl-based Rhishi Valley School near Madras. In 1969, he relocated to Manchester, England, manufacturing personally designed trumpets and mouthpieces and performing with a variety of ensembles in Europe.

In 1969 Ferguson signed with CBS Records in England and formed a big band with British musicians that performed in the newly popular jazz/rock fusion style. The band's repertoire included original compositions as well a pop and rock songs rearranged into a big band format with electronic amplification. This British band's output is represented by the four MF Horn albums that included very popular arrangements of the pop songs MacArthur Park and Hey Jude.

Return to the U.S.
Ferguson's new band made its North American debut in 1971. With a revived career, Ferguson relocated to New York in 1973 and gradually replaced his sidemen with American performers while reducing the band size to 12 (four trumpets, two trombones, three saxophones and three rhythm plus Maynard). The quintessential recording of this period is the album Live at Jimmys, recorded in 1973 in New York. Ferguson latched on to the burgeoning jazz education movement by recruiting talented musicians from colleges with jazz programs (notably Berklee College of Music, North Texas State University and the University of Miami) and targeting young audiences with performances and master classes in high schools. This practical and strategic move helped him develop a strong following that would sustain him for the remainder of his career.

In 1976, Ferguson began working with producer Bob James on a series of commercially successful albums that were complex studio productions featuring large groups of session musicians, including strings, vocalists and star guest soloists. The first of these albums was Primal Scream, featuring Chick Corea, Mark Colby, and Steve Gadd. The second, Conquistidor in 1977, resulted in a top-10 pop single, Gonna Fly Now (from the movie Rocky), a rare accomplishment for a jazz musician in the 1970s. Aside from an exciting Jay Chattaway arrangement and dense Bob James production, the single was also helped by the fact that it was released prior to the official soundtrack album of the hit movie. Ferguson maintained a hectic touring schedule during this period, with well-attended concerts that featured concert lighting and heavy amplification.

Ferguson continued with this musical model for the remainder of the 1970s, receiving considerable acclaim from audiences but often tepid response from jazz purists who decried his commercialism and questioned his taste. Ferguson reportedly also began to experience great frustration with Columbia over being unable to use his working band on recording projects and having difficulty including even a single jazz number on some albums. Ferguson's contract with Columbia Records expired after the 1982 release of the Hollywood album, produced by Stanley Clarke.

Ferguson recorded three big band albums with smaller labels in the mid '80s before forming a more economical fusion septet, High Voltage, in 1986. This ensemble, which featured multi-reed player Dennis DiBlasio as the only other horn player, recorded two albums and received mixed reviews. The format was ultimately unsatisfying to Ferguson, who had grown up in big bands and developed a performing style most appropriate to that structure.

Big Bop Nouveau
In 1988, Ferguson returned both to a large band format and to mainstream jazz with the formation of Big Bop Nouveau, a nine-piece band featuring three trumpets, one trombone, two reeds and a three-piece rhythm section. The band's repertoire included original jazz compositions and modern arrangements of jazz standards, with occasional pieces from his 70s book and the Birdland Dream Band. This format proved to be successful with audiences and critics and Ferguson toured nine months a year with Big Bop Nouveau for the remainder of his life. This band recorded extensively, including albums backing vocalists Dianne Shurr and Michael Feinstein.

Although in later years Ferguson did lose some of the range and phenominal accuracy of his youth, he remained an exciting performer into his late 70s. Just days after completing a weeklong run at New York's Blue Note and recording a studio album in New Jersey, Ferguson developed an abdominal infection that resulted in kidney and liver failure. Ferguson died on the evening of August 23, 2006 at the Community Memorial Hospital in Ventura, California.

Influence
Maynard Ferguson was one of a handful of virtuoso musician/bandleaders to survive the end of the big band era and the rise of rock and roll. He demonstrated a remarkable ability to adapt to the musical trends that evolved from the 1940's through the 2000's. Ferguson's albums show an evolution from big band swing, bebop, cool jazz, Latin, jazz/rock, fusion with classical and operatic influences.

While not the first trumpeter to play in the extreme upper register, Ferguson had a unique ability to play high notes with full, rich tone, power, and musicality. While regarded by some as showboating, Ferguson's phrasing and vibrato have been extremely influential on generations of trumpet players. With interviewers Ferguson shared that he was able to command the upper registers of the trumpet not so much with his 'lip', but more with the breath control he had discovered as a youngster playing the instrument while growing up in Montreal. Ferguson attributed the longevity of his demanding bravura trumpet technique through his later years to the spiritual and yoga studies he pursued while in India.

While Ferguson's range was his most obvious attribute, his personal charisma was also a significant factor in his success. Through his devotion to music education in America, Ferguson was able to impart the spirit of his jazz playing and technique to scores of amateur and professional trumpeters during the many Master Classes held throughout his long career.

Ferguson popularized and enhanced two unique instruments - a trumpet with both traditional valves (played with the left hand rather than the right) and a trombone-style slide called the 'Firebird' as well as a trombone with both a slide and valves called 'Superbone.' Ferguson regularly incorporated Indian instruments and influences in albums and concerts.

Personal Life
While Ferguson's life had its ups and downs, Ferguson was fortunate to have evaded the destructive behaviors that bedeviled so many other artists of his generation. In the mid 1970s, Ferguson resettled to Ojai, California, where he lived to the end of his life. Ferguson's first marriage was to singer / actress Kay Brown in 1951. Maynard second marriage to Flo Ferguson lasted until her death on February 27, 2005. Ferguson had four daughters: Kim, Lisa, Corby, and Wilder. Kim Ferguson is married to Maynard's former road manager, Jim Exon. Wilder Ferguson is married to pianist (and former Big Bop Nouveau member) Christian Jacob. At the time of his death, Ferguson had a granddaugher, Erica.

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Walter "Maynard" Ferguson fue un trompetista de jazz y director de orquesta nacido en Canadá. Saltó a la fama tocando en la orquesta de Stan Kenton, antes de formar su propia banda en 1957. Se destacó por ser capaz de tocar con precisión en un registro notablemente alto y por sus bandas, que sirvieron como trampolines para el talento emergente.

Vida temprana y educación
Ferguson nació en Verdún, Quebec(ahora parte de Montreal). Animado por su madre y su padre (ambos músicos), Maynard tocaba el piano y el violín a los cuatro años. A los nueve años, escuchó una corneta por primera vez en su iglesia local y les pidió a sus padres que le compraran una. A los 13 años, Ferguson tocó por primera vez en solitario como un niño prodigio con la orquesta de la Canadian Broadcasting Corporation y se le escuchó con frecuencia en la CBC, destacando en una Serenata para Trompeta en Jazz escrita para él por Morris Davis. Ferguson ganó una beca para el Conservatorio Francés de Música, donde estudió de 1943 a 1948 con Bernard Baker.

Ferguson abandonó la Escuela secundaria de Montreal a los 15 años para seguir más activamente una carrera musical, actuando en bandas de baile dirigidas por Stan Wood, Roland David y Johnny Holmes. Si bien la trompeta era su instrumento principal, Ferguson también tocaba otros instrumentos de metal y lengüeta. Ferguson luego se hizo cargo de la banda de baile formada por su hermano Percy, tocando en el área de Montreal y sirviendo como telonero de bandas de gira de los Estados Unidos. Durante este período, Ferguson llamó la atención de numerosos líderes de bandas estadounidenses y comenzó a recibir ofertas para venir a los Estados Unidos.

Ferguson se mudó a los Estados Unidos en 1949 e inicialmente tocó con las bandas de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey y Charlie Barnet. La Barnet Band se destacó por una sección de trompeta que también incluía a Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell y Rolf Erickson. Ferguson apareció en una grabación notoriamente extravagante de Barnet de All The Things You Are de Jerome Kern que enfureció a la viuda de Kern y posteriormente fue retirada de la venta. Cuando Barnet se retiró temporalmente en 1949 y disolvió su orquesta, Ferguson fue libre de aceptar una oferta para unirse a la recién formada Orquesta Innovations de Stan Kenton.

Kenton y Hollywood
Stan Kenton tenía una oferta de larga data a Ferguson, pero se había disuelto temporalmente cuando Ferguson se mudó a los Estados Unidos. Las bandas de Kenton se destacaban por sus secciones de metales grandilocuentes y Ferguson encajaba perfectamente. En 1950, Kenton formó la Innovations Orchestra, una orquesta de conciertos de jazz de 40 músicos con cuerdas, y con la disolución de Barnet band, Ferguson estuvo disponible para el primer ensayo el 1 de enero de 1950. Si bien la Innovations Orchestra no tuvo éxito comercial, realizó una serie de grabaciones notables, incluida Maynard Ferguson, una de una serie de piezas que llevan el nombre de solistas destacados.

Cuando Kenton regresó a una banda de jazz de 19 integrantes más práctica, Ferguson continuó con él. Contrariamente a la suposición natural, Ferguson no era el trompetista principal de Kenton, sino que tocaba la quinta silla con numerosas funciones solistas. Grabaciones notables de este período que presentan a Ferguson incluyen Invention for Guitar and Trumpet, What's New y The Hot Canary.

En 1953, Ferguson dejó Kenton para convertirse en un jugador de sesión de primera llamada para Paramount Pictures. Ferguson apareció en 46 bandas sonoras, incluidos Los Diez Mandamientos. Ferguson siguió grabando jazz durante este período, pero su contrato con Paramount le impidió tocar en clubes de jazz. Si bien disfrutaba del sueldo regular, Ferguson estaba muy descontento con la falta de oportunidades de presentaciones en vivo y dejó Paramount en 1956.

La Banda de los Sueños de Birdland
En 1956, Ferguson fue elegido para dirigir Birdland Dream Band, una big band de 14 integrantes formada por Morris Levy como formación "All-star" para tocar en el club de jazz Birdland de Levy en la ciudad de Nueva York. Si bien el nombre "Birdland Dream Band" duró poco y está representado por solo dos álbumes, esta banda se convirtió en el núcleo de la banda de Ferguson durante los siguientes nueve años. La banda incluyó, en varias ocasiones, a músicos como Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry y Don Menza. Los arreglistas incluyeron a Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman y Marty Paich.

A medida que las grandes bandas disminuyeron en popularidad y viabilidad económica en la década de 1960, la banda de Ferguson actuó con menos frecuencia. Ferguson comenzó a sentirse sofocado musicalmente y sintió una resistencia al cambio entre el público estadounidense de jazz. Según una entrevista de Down Beat, fue citado diciendo que si la banda no tocaba con Maria u Ole, los fanáticos se iban a casa decepcionados. Ferguson comenzó a actuar con un sexteto antes de finalmente disolver oficialmente su big band en 1967.

India e Inglaterra
Siguiendo el camino tomado por muchos artistas de jazz importantes en la década de 1960, Ferguson abandonó los Estados Unidos en 1968. Necesitando un período de exploración espiritual, Ferguson inicialmente se mudó con su familia a la India y enseñó en la Escuela Rhishi Valley School, con sede en Krishnamurtl, cerca de Madrás. En 1969, se mudó a Manchester, Inglaterra, fabricando trompetas y boquillas diseñadas personalmente y actuando con una variedad de conjuntos en Europa.

En 1969 Ferguson firmó con CBS Records en Inglaterra y formó una big band con músicos británicos que actuaron en el nuevo estilo popular de fusión de jazz / rock. El repertorio de la banda incluía composiciones originales, así como canciones de pop y rock reorganizadas en un formato de big band con amplificación electrónica. La producción de esta banda británica está representada por los cuatro álbumes de MF Horn que incluyeron arreglos muy populares de las canciones pop MacArthur Park y Hey Jude.

Regreso a los EE. UU.
La nueva banda de Ferguson hizo su debut en Norteamérica en 1971. Con una carrera revivida, Ferguson se mudó a Nueva York en 1973 y gradualmente reemplazó a sus acompañantes con artistas estadounidenses mientras reducía el tamaño de la banda a 12 (cuatro trompetas, dos trombones,tres saxofones y tres ritmos más Maynard). La grabación por excelencia de este período es el álbum Live at Jimmys, grabado en 1973 en Nueva York. Ferguson se aferró al floreciente movimiento educativo del jazz reclutando músicos talentosos de universidades con programas de jazz (en particular, Berklee College of Music, North Texas State University y University of Miami) y dirigiéndose al público joven con actuaciones y clases magistrales en escuelas secundarias. Este movimiento práctico y estratégico lo ayudó a desarrollar un gran número de seguidores que lo mantendrían durante el resto de su carrera.

En 1976, Ferguson comenzó a trabajar con el productor Bob James en una serie de álbumes de éxito comercial que fueron producciones de estudio complejas con grandes grupos de músicos de sesión, incluidos cuerdas, vocalistas y solistas invitados estrella. El primero de estos álbumes fue Primal Scream, con Chick Corea, Mark Colby y Steve Gadd. El segundo, Conquistador en 1977, resultó en un sencillo pop entre los 10 primeros, Gonna Fly Now (de la película Rocky), un logro poco común para un músico de jazz en la década de 1970. Aparte de un emocionante arreglo de Jay Chattaway y una densa producción de Bob James, el sencillo también fue ayudado por el hecho de que fue lanzado antes del álbum oficial de la banda sonora de la exitosa película. Ferguson mantuvo un agitado calendario de giras durante este período, con conciertos muy concurridos que presentaban iluminación de conciertos y una gran amplificación.

Ferguson continuó con este modelo musical durante el resto de la década de 1970, recibiendo elogios considerables del público, pero a menudo una tibia respuesta de los puristas del jazz que criticaron su comercialismo y cuestionaron su gusto. Según los informes, Ferguson también comenzó a experimentar una gran frustración con Columbia por no poder usar su banda de trabajo en proyectos de grabación y tener dificultades para incluir incluso un solo número de jazz en algunos álbumes. El contrato de Ferguson con Columbia Records expiró después del lanzamiento en 1982 del álbum Hollywood, producido por Stanley Clarke.

Ferguson grabó tres álbumes de big band con sellos más pequeños a mediados de los 80 antes de formar un septeto de fusión más económico, High Voltage, en 1986. Este conjunto, que presentaba al músico de lengüetas múltiples Dennis DiBlasio como el único otro trompetista, grabó dos álbumes y recibió críticas mixtas. El formato finalmente fue insatisfactorio para Ferguson, quien había crecido en grandes bandas y había desarrollado un estilo de interpretación más apropiado para esa estructura.

Big Bop Nuevo
En 1988, Ferguson regresó tanto a un formato de banda grande como al jazz convencional con la formación de Big Bop Nouveau, una banda de nueve integrantes con tres trompetas, un trombón, dos lengüetas y una sección rítmica de tres piezas. El repertorio de la banda incluía composiciones originales de jazz y arreglos modernos de estándares de jazz, con piezas ocasionales de su libro de los 70 y Birdland Dream Band. Este formato resultó ser un éxito entre el público y la crítica y Ferguson realizó una gira nueve meses al año con Big Bop Nouveau durante el resto de su vida. Esta banda grabó extensamente, incluidos álbumes con los coristas Dianne Shurr y Michael Feinstein.

Aunque en años posteriores Ferguson perdió parte del alcance y la precisión fenomenal de su juventud, siguió siendo un intérprete emocionante hasta finales de los 70. Pocos días después de completar una carrera de una semana en Blue Note de Nueva York y grabar un álbum de estudio en Nueva Jersey, Ferguson desarrolló una infección abdominal que resultó en insuficiencia renal y hepática. Ferguson murió la noche del 23 de agosto de 2006 en el Community Memorial Hospital de Ventura, California.

Influencia
Maynard Ferguson fue uno de los pocos músicos/directores de orquesta virtuosos que sobrevivieron al final de la era de las big band y al auge del rock and roll. Demostró una notable habilidad para adaptarse a las tendencias musicales que evolucionaron desde la década de 1940 hasta la década de 2000. Los álbumes de Ferguson muestran una evolución del swing de big band, bebop, cool jazz, latín, jazz/rock, fusión con influencias clásicas y operísticas.

Aunque no fue el primer trompetista en tocar en el registro superior extremo, Ferguson tenía una habilidad única para tocar notas altas con un tono completo y rico, potencia y musicalidad. Aunque algunos lo consideran un espectáculo, el fraseo y el vibrato de Ferguson han sido extremadamente influyentes en generaciones de trompetistas. Con los entrevistadores, Ferguson compartió que podía dominar los registros superiores de la trompeta no tanto con su 'labio', sino más con el control de la respiración que había descubierto cuando era joven tocando el instrumento mientras crecía en Montreal. Ferguson atribuyó la longevidad de su exigente técnica de trompeta bravura durante sus últimos años a los estudios espirituales y de yoga que realizó mientras estaba en la India. Si bien el rango de Ferguson era su atributo más obvio, su carisma personal también fue un factor significativo en su éxito. A través de su devoción por la educación musical en Estados Unidos, Ferguson pudo impartir el espíritu de su interpretación y técnica de jazz a decenas de trompetistas aficionados y profesionales durante las numerosas Clases Magistrales impartidas a lo largo de su larga carrera. Ferguson popularizó y mejoró dos instrumentos únicos: una trompeta con válvulas tradicionales (tocadas con la mano izquierda en lugar de la derecha) y un tobogán estilo trombón llamado 'Firebird', así como un trombón con tobogán y válvulas llamado 'Superbone. Ferguson incorporó regularmente instrumentos e influencias indias en álbumes y conciertos . Vida Personal Si bien la vida de Ferguson tuvo sus altibajos, Ferguson tuvo la suerte de haber evadido los comportamientos destructivos que atormentaban a tantos otros artistas de su generación. A mediados de la década de 1970, Ferguson se reasentó en Ojai, California, donde vivió hasta el final de su vida. El primer matrimonio de Ferguson fue con la cantante y actriz Kay Brown en 1951. El segundo matrimonio de Maynard con Flo Ferguson duró hasta su muerte el 27 de febrero de 2005. Ferguson tuvo cuatro hijas: Kim, Lisa, Corby y Wilder. Kim Ferguson está casada con el ex road manager de Maynard, Jim Exon. Wilder Ferguson está casado con el pianista (y exmiembro de Big Bop Nouveau) Christian Jacob. En el momento de su muerte, Ferguson tenía una nieta, Erica.

maynardferguson.com ...

Cy Touff • His Octet & Quintet

 

 

Especializado en un raro instrumento escasamente usado en jazz como es la trompeta baja -con valvulas parecidas al trombon- Cy Touff graba este disco en directo desde el Forum Teatro de Los Ángeles en diferentes formulas musicales como son los Octetos y quintetos. El nivel de los musicos es extraordinario y le dan a la sesion de grabacion un enorme valor añadido. Destaca el gran momento de forma del saxo tenor, Richie Kamuca.
https://apoloybaco.com/jazz/cy-touff-his-octet-a-quintet/

Cy Touff, (4 de marzo de 1927, Chicago, Illinois – 24 de enero de 2003, Evanston, Illinois), empezó a estudiar música de niño, tocando primero el piano y después la trompeta. Tras el paréntesis obligado del servicio militar, durante el cual tocó el trombón en el Ejercito, reanudo sus estudios musicales con Lennie Tristano. Inició su carrera profesional tocando la trompeta con Jimmy Dale, Charlie Ventura y Buyd Raeburn.
Adoptó la trompeta bajo, un instrumento muy poco utilizado en el jazz, después de escuchársela tocar a Johnny Mandel, y fue con ése instrumento, con el que consiguió entrar a formar parte de la orquesta de Woody Herman, en la que permaneció hasta 1956 y con la que realizó varias giras por Europa y los Estados Unidos.  Músico de estilo brillante, Cy Touff es uno de esos jazzman que pasa desapercibido para la mayoría de los aficionados pero que su calidad era notoria.
https://apoloybaco.com/jazz/cy-touff/

Russ Freeman & Richard Twardzik • Trio

Pianist Richard Twardzik remains one of the most tragic cautionary tales in the annals of jazz — a gifted and original bop pianist on the precipice of international renown, he died of a heroin overdose at the age of just 24. Born April 30, 1931, in Danvers, MA, Twardzik was a classically trained child prodigy who studied under Madame Chaloff, the mother of the famed baritone saxophonist Serge Chaloff ; he began his professional career at 14 playing the Boston nightclub circuit, and later attended the New England Conservatory. While still in his teens, he also acquired the heroin addiction that would ultimately end his life.
Twardzik made his recorded debut on the December 1951 sessions that yielded alto saxophonist Charlie Mariano’s Boston All Stars ; the following spring, he appeared on an unreleased Serge Chaloff date, and in late 1952 backed saxophone giant Charlie Parker during an extended tour of the eastern Massachusetts region, performances later documented on such releases as The Happy Bird and Boston 1952.
Twardzik’s understanding of classical harmony and orchestral sensibilities infused his playing with an uncommon complexity and imagination, and as his reputation as a performer and composer grew — buoyed in large part by a tour in support of vibist Lionel Hampton as well as his work on Chaloff’s 1954 date The Fable of Mabel, highlighted by its Twardzik-composed title cut — he signed to the Pacific Jazz label to record his own session as a headliner. Produced by Chet Baker Quartet pianist Russ Freeman and featuring bassist Carson Smith and drummer Peter Littman, the remarkable Trio was recorded at Rudy Van Gelder’s Hackensack, New Jersey, studio on October 27, 1954, remaining unissued for over a year.
When Baker proposed an extended European tour to commence in the summer of 1955, his sidemen balked — one by one they quit, but on his way out Freeman recommended Twardzik as his replacement. Baker agreed, adding him to a revamped lineup that also included drummer Littman and bassist Jimmy Bond. The drummer also suffered from heroin addiction, however, and Twardzik’s habit only intensified as a result. He overdosed regularly, at least once on-stage, but nevertheless pulled himself together for an exemplary October 11 date at Paris’ Studio Pathé-Magellan, later released by Barclay Records as Chet in Paris. Three days later, the quartet returned to cut the World Pacific release Chet Baker in Europe, which proved Twardzik’s final studio session. A Stuttgart appearance alongside Swedish baritone saxophonist Lars Gullin followed, and on October 20 Twardzik made his final live appearance at Paris’ Club Tabu.
When the pianist failed to show up for rehearsal the next day, Baker sent Littman to check their hotel — the drummer found Twardzik dead in his room, the needle still in his arm. Although Baker was not yet a full-blown junkie at the time of Twardzik’s death, there is much speculation that he was with the pianist at the time of his overdose and fled the hotel room in fear — given the mysteries still swirling about Baker’s own death in 1988, it’s unlikely the official chronology of Twardzik’s final hours will ever be known. Pacific Jazz finally released Trio as half of a joint release with Freeman in late 1955 ; a handful of additional recordings have trickled into the market in the decades since.
Jason Ankeny
https://www.bluenote.com/artist/richard-twardzik/

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El pianista Richard Twardzik sigue siendo una de las historias más trágicas de los anales del jazz: un talentoso y original pianista de bop a punto de alcanzar la fama internacional, murió de una sobredosis de heroína con sólo 24 años. Nacido el 30 de abril de 1931 en Danvers (Massachusetts), Twardzik fue un niño prodigio de formación clásica que estudió con Madame Chaloff, la madre del famoso saxofonista barítono Serge Chaloff; comenzó su carrera profesional a los 14 años tocando en el circuito de clubes nocturnos de Boston, y posteriormente asistió al Conservatorio de Nueva Inglaterra. Durante su adolescencia, también adquirió la adicción a la heroína que acabaría con su vida.
Twardzik debutó en las sesiones de diciembre de 1951 que dieron lugar a los Boston All Stars del saxofonista alto Charlie Mariano; la primavera siguiente, apareció en una fecha inédita de Serge Chaloff, y a finales de 1952 respaldó al gigante del saxofón Charlie Parker durante una extensa gira por la región del este de Massachusetts, actuaciones documentadas posteriormente en publicaciones como The Happy Bird y Boston 1952.
La comprensión de Twardzik de la armonía clásica y las sensibilidades orquestales infundió a su forma de tocar una complejidad e imaginación poco comunes, y a medida que su reputación como intérprete y compositor crecía - impulsada en gran parte por una gira en apoyo del vibrante Lionel Hampton, así como su trabajo en la fecha de Chaloff de 1954, The Fable of Mabel, destacada por su corte de título compuesto por Twardzik - firmó con el sello Pacific Jazz para grabar su propia sesión como cabeza de cartel. Producido por el pianista del Chet Baker Quartet, Russ Freeman, y con el bajista Carson Smith y el baterista Peter Littman, el notable Trío fue grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en Hackensack, Nueva Jersey, el 27 de octubre de 1954, permaneciendo sin publicar durante más de un año.
Cuando Baker propuso una extensa gira europea que comenzaría en el verano de 1955, sus compañeros se opusieron, y uno a uno renunciaron, pero al salir Freeman recomendó a Twardzik como su sustituto. Baker aceptó y lo incorporó a una renovada formación que también incluía al batería Littman y al bajista Jimmy Bond. Sin embargo, el baterista también sufría de adicción a la heroína, y el hábito de Twardzik sólo se intensificó como resultado. Su sobredosis era habitual, al menos una vez en el escenario, pero se recompuso para una fecha ejemplar el 11 de octubre en el Studio Pathé-Magellan de París, que más tarde fue publicada por Barclay Records como Chet in Paris. Tres días más tarde, el cuarteto regresó para grabar el lanzamiento de World Pacific Chet Baker in Europe, que fue la última sesión de estudio de Twardzik. A ésta le siguió una aparición en Stuttgart junto al saxofonista barítono sueco Lars Gullin, y el 20 de octubre Twardzik hizo su última aparición en vivo en el Club Tabu de París.
Cuando el pianista no se presentó al día siguiente para ensayar, Baker envió a Littman a comprobar su hotel: el batería encontró a Twardzik muerto en su habitación, con la aguja todavía en el brazo. Aunque Baker aún no era un drogadicto en toda regla en el momento de la muerte de Twardzik, se especula con que estaba con el pianista en el momento de la sobredosis y que huyó de la habitación del hotel asustado; dados los misterios que aún se ciernen sobre la propia muerte de Baker en 1988, es poco probable que se conozca la cronología oficial de las últimas horas de Twardzik. Pacific Jazz publicó finalmente el Trio como parte de una edición conjunta con Freeman a finales de 1955; un puñado de grabaciones adicionales han llegado al mercado en las décadas posteriores.
Jason Ankeny
https://www.bluenote.com/artist/richard-twardzik/

Chet Baker • Grey December

 

Biography by Matt Collar
An icon of West Coast cool jazz, Chet Baker rose to fame in '50s with his lyrical trumpet lines and spare, romantic singing. After being handpicked for a West Coast tour with Charlie Parker, he burst onto the scene as a member of Gerry Mulligan's pianoless quartet, whose recording of "My Funny Valentine" made him a star even beyond his cult jazz audience. Signed to Pacific Jazz, he released a series of popular albums beginning with 1954's Chet Baker Sings, which featured his definitive vocal take of "My Funny Valentine;" from then on his signature song. By the end of the decade, he had topped both the Downbeat and Metronome Magazine reader's polls, famously beating out two of the era's most renowned trumpeters Miles Davis and Clifford Brown. He was also named DownBeat top jazz vocalist in 1954. At the height of his success, drug addiction and numerous incarcerations dimmed his spotlight and found him living and working a peripatetic lifestyle in Europe for much of the '60s and '70s. He also suffered the loss of his teeth, which hampered his playing until he worked his way back to health and launched a comeback with 1974's She Was Too Good To Me. He was also the subject of fashion photographer and filmmaker Bruce Weber's Oscar-nominated 1988 documentary Let's Get Lost, which helped renew interest in his work. Tragically, he died that same year after falling out of a second story window of his Amsterdam hotel. Baker recorded prolifically during the last few decades of his life, leading to a wave of posthumously released albums, including My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert, which captured one of his final concerts in Germany with the NDR Big Band and Radio Orchestra Hannover. In 2001, in recognition of the album's lasting influence, Chet Baker Sings was inducted into the Grammy Hall of Fame. Ethan Hawke portrayed Baker in the 2015 film Born to Be Blue, and yet more archival recordings surfaced with 2023's Blue Room: The 1979 Vara Studio Sessions in Holland.

Born in 1929 in Yale, Oklahoma, Baker's early years were marked by a rural, dustbowl upbringing. His father, Chesney Henry Baker,Sr., was a guitarist who was forced to turn to other work during the Depression; his mother, Vera (Moser) Baker, worked in a perfumery. The family moved from Oklahoma to Glendale, CA, in 1940. As a child, Baker sang at amateur competitions and in a church choir. Before his adolescence, his father brought home a trombone for him, then replaced it with a trumpet when the larger instrument proved too much for him. He had his first formal training in music in junior high and later at Glendale High School, but would play largely by ear for the rest of his life. In 1946, when he was only 16 years old, he dropped out of high school and his parents signed papers allowing him to enlist in the army; he was sent to Berlin, Germany, where he played in the 298th Army Band. After his discharge in 1948, he enrolled at El Camino College in Los Angeles, where he studied theory and harmony while playing in jazz clubs, but he quit college in the middle of his second year. He re-enlisted in the army in 1950 and became a member of the Sixth Army Band at the Presidio in San Francisco. But he also began sitting in at clubs in the city and he finally obtained a second discharge to become a professional jazz musician.

Baker initially played in Vido Musso's band, then with Stan Getz. (The first recording featuring Baker is a performance of "Out of Nowhere" that comes from a tape of a jam session made on March 24, 1952, and was released on the Fresh Sound Records LP Live at the Trade Winds.) His break came quickly, when, in the spring of 1952, he was chosen at an audition to play a series of West Coast dates with Charlie Parker, making his debut with the famed saxophonist at the Tiffany Club in Los Angeles on May 29, 1952. That summer, he began playing in the Gerry Mulligan Quartet, a group featuring only baritone sax, trumpet, bass, and drums -- no piano -- that attracted attention during an engagement at the Haig nightclub and through recordings on the newly formed Pacific Jazz Records (later known as World Pacific Records), beginning with the 10" LP Gerry Mulligan Quartet, which featured Baker's famous rendition of "My Funny Valentine."

The Gerry Mulligan Quartet lasted for less than a year, folding when its leader went to jail on a drug charge in June 1953. Baker went solo, forming his own quartet, which initially featured Russ Freeman on piano, Red Mitchell on bass, and Bobby White on drums, and making his first recording as leader for Pacific Jazz on July 24, 1953. Baker was hailed by fans and critics and he won a number of polls in the next few years. In 1954, Pacific Jazz released Chet Baker Sings, an album that increased his popularity beyond his core jazz audience; he would continue to sing for the rest of his career. Acknowledging his chiseled good looks, nearby Hollywood came calling and he made his acting debut in the film Hell's Horizon, released in the fall of 1955. But he declined an offer of a studio contract and toured Europe from September 1955 to April 1956. When he returned to the U.S., he formed a quintet that featured saxophonist Phil Urso and pianist Bobby Timmons. Contrary to his reputation for relaxed, laid-back playing, Baker turned to more of a bop style with this group, which recorded the album Chet Baker & Crew for Pacific Jazz in July 1956.

Baker toured the U.S. in February 1957 with the Birdland All-Stars and took a group to Europe later that year. He returned to Europe to stay in 1959, settling in Italy, where he acted in the film Urlatori Alla Sbarra. Hollywood, meanwhile, had not entirely given up on him, at least as a source of inspiration, and in 1960, a fictionalized film biography of his life, All the Fine Young Cannibals, appeared with Robert Wagner in the starring role of Chad Bixby.

Baker had become addicted to heroin in the 1950s and had been incarcerated briefly on several occasions, but his drug habit only began to interfere with his career significantly in the 1960s. He was arrested in Italy in the summer of 1960 and spent almost a year and a half in jail. He celebrated his release by recording Chet Is Back! for RCA in February 1962. (It has since been reissued as The Italian Sessions and as Somewhere Over the Rainbow.) Later in the year, he was arrested in West Germany and expelled to Switzerland, then France, later moving to England in August 1962 to appear as himself in the film The Stolen Hours, which was released in 1963. He was deported from England to France because of a drug offense in March 1963. He lived in Paris and performed there and in Spain over the next year, but after being arrested again in West Germany, he was deported back to the U.S. He returned to America after five years in Europe on March 3, 1964, and played primarily in New York and Los Angeles during the mid-'60s, having switched temporarily from trumpet to flügelhorn. In the summer of 1966, he suffered a severe beating in San Francisco that was related to his drug addiction. The incident is usually misdated and frequently exaggerated in accounts of his life, often due to his own unreliable testimony. It is said, for example, that all his teeth were knocked out, which is not the case, though one tooth was broken and the general deterioration of his teeth led to his being fitted with dentures in the late '60s, forcing him to retrain his embouchure. The beating was not the cause of the decline in his career during this period, but it is emblematic of that decline. By the end of the '60s, he was recording and performing only infrequently and he stopped playing completely in the early '70s.

Regaining some control over his life by taking methadone to control his heroin addiction (though he remained an addict), Baker eventually mounted a comeback that culminated in a prominent New York club engagement in November 1973 and a reunion concert with Gerry Mulligan at Carnegie Hall in November 1974 that was recorded and released by Epic Records. Also that year, he again marked his comeback with the excellent studio album She Was Too Good To Me, which featured altoist Paul Desmond. By the mid-'70s, Baker was able to return to Europe and he spent the rest of his life performing there primarily, with occasional trips to Japan and periods back in the U.S., though he had no permanent residence. Other notable albums released during this period are 1977's Once Upon a Summertime, 1977's Don Sebesky-produced You Can't Go Home Again (which found him surrounded by luminaries, including Desmond, Michael Brecker, Ron Carter, and Tony Williams, among others), and 1980's Chet Baker/Wolfgang Lackerschmid (a gorgeously atmospheric collaboration with the German vibraphonist).

By the '80s, he started to attract the attention of rock musicians, with whom he occasionally performed, for example adding trumpet to Elvis Costello's recording of his anti-Falklands War song "Shipbuilding" in 1983. In 1987, photographer and filmmaker Bruce Weber undertook a documentary film about Baker. The following year, Baker died in a fall from a hotel window in Amsterdam. Weber's film, Let's Get Lost, premiered in September 1988 to critical acclaim and earned an Academy Award nomination.

Baker recorded often throughout the latter-half of his life and consequently there has been a steady stream of posthumously released albums. My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert arrived soon after his passing and captured one of his final concerts in Germany with the NDR Big Band and Radio Orchestra Hannover. His work has also been collected in several superb boxsets, including Mosaic's The Complete Pacific Jazz Studio Recordings Of The Chet Baker Quartet Wi… and Chet Baker: the Pacific Jazz Years, as well as The Complete Pacific Jazz Recordings Of The Gerry Mulligan Quartet With …. In 1997, Baker's unfinished autobiography was published under the title As Though I Had Wings: The Lost Memoir and the book was optioned by Miramax for a film adaptation, though never produced. A semi-fictional biopic starring Ethan Hawke as Baker, Born To Be Blue, arrived in 2015, though none of the trumpeter's actual recordings were featured in the film. In 2023, a long out-of-print collection of archival recordings, Blue Room: The 1979 Vara Studio Sessions in Holland, appeared featuring Baker with both pianist Frans Elsen's trio, as well as his own touring ensemble, including pianist Phil Markowitz, bassist Jean-Louis Rassinfosse, and drummer Charles Rice.
https://www.allmusic.com/artist/chet-baker-mn0000094210#biography

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Biografía de Matt Collar
Un ícono del cool jazz de la Costa Oeste, Chet Baker saltó a la fama en los años 50 con sus líricas líneas de trompeta y su canto romántico y sobrio. Después de ser elegido cuidadosamente para una gira por la Costa Oeste con Charlie Parker, irrumpió en escena como miembro del cuarteto sin piano de Gerry Mulligan, cuya grabación de "My Funny Valentine" lo convirtió en una estrella incluso más allá de su audiencia de jazz de culto. Firmado con Pacific Jazz, lanzó una serie de álbumes populares que comenzaron con Chet Baker Sings de 1954, que incluía su versión vocal definitiva de "My Funny Valentine"; a partir de entonces, su canción insignia. A finales de la década, había encabezado las encuestas de lectores de Downbeat y Metronome Magazine, superando a dos de los trompetistas más reconocidos de la época, Miles Davis y Clifford Brown. También fue nombrado vocalista de jazz DownBeat top en 1954. En el apogeo de su éxito, la adicción a las drogas y numerosos encarcelamientos atenuaron su atención y lo encontraron viviendo y trabajando en un estilo de vida itinerante en Europa durante gran parte de los años 60 y 70. También sufrió la pérdida de sus dientes, lo que obstaculizó su forma de tocar hasta que recuperó la salud y lanzó su regreso con She Was Too Good To Me de 1974. También fue objeto del documental Let's Get Lost, nominado al Oscar en 1988 por el fotógrafo de moda y cineasta Bruce Weber, que ayudó a renovar el interés en su trabajo. Trágicamente, murió ese mismo año después de caerse por la ventana del segundo piso de su hotel en Ámsterdam. Baker grabó prolíficamente durante las últimas décadas de su vida, lo que llevó a una ola de álbumes lanzados póstumamente, incluidos My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert, que capturó uno de sus últimos conciertos en Alemania con la NDR Big Band y la Radio Orchestra Hannover. En 2001, en reconocimiento a la influencia duradera del álbum, Chet Baker Sings fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy. Ethan Hawke interpretó a Baker en la película Born to Be Blue de 2015, y aún surgieron más grabaciones de archivo con Blue Room: The Vara Studio Sessions de 2023 en Holanda.

Nacido en 1929 en Yale, Oklahoma, los primeros años de Baker estuvieron marcados por una educación rural y en un dustbowl. Su padre, Chesney Henry Baker, Sr., era un guitarrista que se vio obligado a dedicarse a otros trabajos durante la Depresión; su madre, Vera (Moser) Baker, trabajaba en una perfumería. La familia se mudó de Oklahoma a Glendale, California, en 1940. De niña, Baker cantaba en concursos de aficionados y en el coro de una iglesia. Antes de su adolescencia, su padre le trajo a casa un trombón y luego lo reemplazó con una trompeta cuando el instrumento más grande resultó demasiado para él. Tuvo su primera formación formal en música en la escuela secundaria y más tarde en la Escuela Secundaria Glendale, pero tocaría principalmente de oído por el resto de su vida. En 1946, cuando tenía solo 16 años, abandonó la escuela secundaria y sus padres firmaron documentos que le permitían alistarse en el ejército; fue enviado a Berlín, Alemania, donde tocó en la 298ª Banda del Ejército. Después de su baja en 1948, se matriculó en El Camino College de Los Ángeles, donde estudió teoría y armonía mientras tocaba en clubes de jazz, pero abandonó la universidad a mediados de su segundo año. Se volvió a alistar en el ejército en 1950 y se convirtió en miembro de la Sexta Banda del Ejército en el Presidio de San Francisco. Pero también comenzó a frecuentar clubes de la ciudad y finalmente obtuvo una segunda licencia para convertirse en músico profesional de jazz.

Baker tocó inicialmente en la banda de Vido Musso, luego con Stan Getz. (La primera grabación con Baker es una interpretación de "Out of Nowhere" que proviene de una cinta de una sesión improvisada realizada el 24 de marzo de 1952 y fue lanzada en el LP de Fresh Sound Records Live at the Trade Winds.) Su oportunidad llegó rápidamente, cuando, en la primavera de 1952, fue elegido en una audición para tocar en una serie de fechas en la Costa Oeste con Charlie Parker, debutando con el famoso saxofonista en el Tiffany Club de Los Ángeles el 29 de mayo de 1952. Ese verano, comenzó a tocar en el Cuarteto Gerry Mulligan, un grupo que presentaba solo saxo barítono, trompeta, bajo y batería, sin piano, que llamó la atención durante un compromiso en el club nocturno Haig y a través de grabaciones en el recién formado Pacific Jazz Records (más tarde conocido como World Pacific Records), comenzando con el LP de 10" Gerry Mulligan Quartet, que incluía la famosa interpretación de Baker de "My Funny Valentine."

El Cuarteto Gerry Mulligan duró menos de un año, retirándose cuando su líder fue a la cárcel acusado de drogas en junio de 1953. Baker se fue en solitario, formando su propio cuarteto, que inicialmente contó con Russ Freeman al piano, Red Mitchell al bajo y Bobby White a la batería, y realizó su primera grabación como líder de Pacific Jazz el 24 de julio de 1953. Baker fue aclamado por fanáticos y críticos y ganó varias encuestas en los años siguientes. En 1954, Pacific Jazz lanzó Chet Baker Sings, un álbum que aumentó su popularidad más allá de su audiencia principal de jazz; continuaría cantando por el resto de su carrera. Reconociendo su buena apariencia cincelada, el cercano Hollywood llamó e hizo su debut como actor en la película Hell's Horizon, estrenada en el otoño de 1955. Pero rechazó una oferta de contrato de estudio y realizó una gira por Europa desde septiembre de 1955 hasta abril de 1956. Cuando regresó a los Estados Unidos, formó un quinteto que incluía al saxofonista Phil Urso y al pianista Bobby Timmons. Contrariamente a su reputación de tocar relajado y relajado, Baker recurrió a un estilo más bop con este grupo, que grabó el álbum Chet Baker & Crew para Pacific Jazz en julio de 1956.

Baker realizó una gira por los Estados Unidos en febrero de 1957 con Birdland All-Stars y llevó a un grupo a Europa ese mismo año. Regresó a Europa para quedarse en 1959, estableciéndose en Italia, donde actuó en la película Urlatori Alla Sbarra. Hollywood, mientras tanto, no había renunciado por completo a él, al menos como fuente de inspiración, y en 1960, apareció una biografía cinematográfica ficticia de su vida, All the Fine Young Cannibals, con Robert Wagner en el papel protagónico de Chad Bixby.

Baker se había vuelto adicto a la heroína en la década de 1950 y había estado encarcelado brevemente en varias ocasiones, pero su adicción a las drogas solo comenzó a interferir significativamente en su carrera en la década de 1960. Fue arrestado en Italia en el verano de 1960 y pasó casi un año y medio en la cárcel. ¡Celebró su liberación grabando Chet Is Back! para RCA en febrero de 1962. (Desde entonces se ha reeditado como The Italian Sessions y Somewhere Over the Rainbow.) Más tarde ese año, fue arrestado en Alemania Occidental y expulsado a Suiza, luego a Francia, y luego se mudó a Inglaterra en agosto de 1962 para aparecer como él mismo en la película The Stolen Hours, que se estrenó en 1963. Fue deportado de Inglaterra a Francia por un delito de drogas en marzo de 1963. Vivió en París y actuó allí y en España durante el año siguiente, pero después de ser arrestado nuevamente en Alemania Occidental, fue deportado de regreso a los EE. UU. Regresó a Estados Unidos después de cinco años en Europa el 3 de marzo de 1964, y tocó principalmente en Nueva York y Los Ángeles a mediados de los 60, habiendo cambiado temporalmente de trompeta a flügelhorn. En el verano de 1966, sufrió una severa golpiza en San Francisco relacionada con su adicción a las drogas. El incidente suele estar mal fechado y con frecuencia exagerado en los relatos de su vida, a menudo debido a su propio testimonio poco confiable. Se dice, por ejemplo, que todos sus dientes fueron arrancados, lo cual no es el caso, aunque un diente se rompió y el deterioro general de sus dientes llevó a que se le colocaran dentaduras postizas a fines de los 60, lo que lo obligó a volver a entrenar su embocadura. La paliza no fue la causa del declive de su carrera durante este período, pero es emblemática de ese declive. A finales de los 60, estaba grabando y actuando con poca frecuencia y dejó de tocar por completo a principios de los 70.

Recuperando cierto control sobre su vida tomando metadona para controlar su adicción a la heroína (aunque seguía siendo un adicto), Baker finalmente montó un regreso que culminó con un destacado compromiso en un club de Nueva York en noviembre de 1973 y un concierto de reunión con Gerry Mulligan en el Carnegie Hall en noviembre de 1974 que fue grabado y lanzado por Epic Records. También ese año, volvió a marcar su regreso con el excelente álbum de estudio She Was Too Good To Me, que contó con el altoista Paul Desmond. A mediados de los 70, Baker pudo regresar a Europa y pasó el resto de su vida actuando allí principalmente, con viajes ocasionales a Japón y períodos de regreso en los EE.UU., aunque no tenía residencia permanente. Otros álbumes notables lanzados durante este período son Once Upon a Summertime de 1977, You Can't Go Home Again, producido por Don Sebesky en 1977 (que lo encontró rodeado de luminarias, incluidos Desmond, Michael Brecker, Ron Carter y Tony Williams, entre otros) y Chet Baker/Wolfgang Lackerschmid de 1980 (una colaboración maravillosamente atmosférica con el vibrafonista alemán).

Para los años 80, comenzó a atraer la atención de los músicos de rock, con quienes tocaba ocasionalmente, por ejemplo, agregando trompeta a la grabación de Elvis Costello de su canción contra la Guerra de las Malvinas "Shipbuilding" en 1983. En 1987, el fotógrafo y cineasta Bruce Weber realizó un documental sobre Baker. Al año siguiente, Baker murió al caerse de la ventana de un hotel en Ámsterdam. La película de Weber, Let's Get Lost, se estrenó en septiembre de 1988 con gran éxito de crítica y obtuvo una nominación al Premio de la Academia.