Lee Morgan • Best of

  

Review by Richard S. Ginell
Curious listeners who encounter Lee Morgan for the first time through this single-disc anthology will come away mightily impressed, even inspired, but they will be hearing only the first part of the story. The album picks up on his teenage whiz kid days circa 1957, then jumps ahead to his renaissance in 1963-1965 as the high priest of hard bop boogaloo. Besides showcasing Morgan's brash, crackling, infinitely expressive trumpet playing, the album does a good job of emphasizing his abundant, still-underrated gifts as a composer -- with "The Sidewinder," of course, but also the strikingly lovely bossa nova "Ceora" and the near standard "Speedball." With its three bonus tracks, "I Remember Clifford," "Cornbread," and especially "Mr. Kenyatta," the CD version adds compelling corroborating evidence of Morgan's originality. The major hang-up, alas, is that the album cuts off the time line at 1965, thus leaving out Morgan's gradual move away from boilerplate hard bop toward modal, progressive explorations that reached an exciting peak on 1970's Live at the Lighthouse. The selections included here will no doubt satisfy those who would want to keep this tremendous talent locked into a single airtight box -- and frankly, it would be difficult to dispute any of the choices on their own terms. But the rest of Morgan's tragically aborted evolution deserves representation on a set like this.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

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Reseña de Richard S. Ginell
Los oyentes curiosos que se encuentren con Lee Morgan por primera vez a través de esta antología de un solo disco saldrán muy impresionados, incluso inspirados, pero sólo escucharán la primera parte de la historia. El álbum se remonta a sus días de adolescente alrededor de 1957, y luego salta a su renacimiento en 1963-1965 como sumo sacerdote del hard bop boogaloo. Además de mostrar el descarado, crepitante e infinitamente expresivo toque de trompeta de Morgan, el álbum hace un buen trabajo al enfatizar sus abundantes y aún subestimadas dotes como compositor - con "The Sidewinder", por supuesto, pero también la sorprendentemente encantadora bossa nova "Ceora" y el casi estándar "Speedball". Con sus tres temas extra, "I Remember Clifford", "Cornbread" y, sobre todo, "Mr. Kenyatta", la versión en CD añade pruebas convincentes que corroboran la originalidad de Morgan. El mayor problema, por desgracia, es que el álbum corta la línea de tiempo en 1965, dejando de lado el gradual alejamiento de Morgan del hard bop caldera hacia exploraciones modales y progresivas que alcanzaron un emocionante pico en el Live at the Lighthouse de 1970. Las selecciones incluidas aquí sin duda satisfarán a aquellos que quieran mantener este tremendo talento encerrado en una sola caja hermética - y francamente, sería difícil discutir cualquiera de las opciones en sus propios términos. Pero el resto de la evolución trágicamente abortada de Morgan merece ser representada en un conjunto como éste.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

www.bluenote.com/lee-morgan ...

Wayne Shorter • The Classic Blue Note Recordings

 

Review from AllMusic:
While this isn't the only Wayne Shorter Blue Note collection, it is the best. The Best of Wayne Shorter, which was released in 1998 within a series of other Blue Note best-ofs that were coming out at the time, is adequate, but with only one disc it's hard to cover any ground with a guy who's recorded around a dozen top-notch records as a leader for Blue Note, and then appeared on scores of others — and that's where this collection wins. The second disc consists of appearances he made alongside such greats as Art Blakey, Lee Morgan, and Freddie Hubbard. Perhaps a Blue Note Wayne Shorter box set is in order? At any rate, "Speak No Evil," "Footprints," "Witch Hunt," and "Nefertiti" prove to highlight Wayne Shorter's astounding career and in turn show off jazz composition in general — as Shorter stands as one of the genre's best songwriters. Recommended as a springboard into the full-length discs these tracks are culled from, The Classic Blue Note Recordings of Wayne Shorter hits the mark.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

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Reseña de AllMusic:
Si bien esta no es la única compilación de Blue Note de Wayne Shorter, sí es la mejor. The Best of Wayne Shorter, publicada en 1998 dentro de una serie de recopilaciones de Blue Note que salían por entonces, es adecuada, pero con un solo disco es difícil cubrir el terreno de un artista que grabó alrededor de una docena de discos de primera categoría como líder para Blue Note, y apareció en decenas más — y ahí es donde esta colección gana. El segundo disco consiste en sus apariciones junto a grandes como Art Blakey, Lee Morgan y Freddie Hubbard. ¿Quizás un box set de Wayne Shorter para Blue Note sea lo que se necesita? En cualquier caso, "Speak No Evil", "Footprints", "Witch Hunt" y "Nefertiti" destacan la asombrosa carrera de Wayne Shorter y a su vez exhiben la composición en el jazz en general — ya que Shorter es uno de los mejores compositores del género. Recomendada como trampolín hacia los discos completos de los que se toman estos temas, The Classic Blue Note Recordings da en el blanco.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

wayneshorter.com ...

Lee Morgan • Leeway

 

Kenny Burrell • Blue Lights [Volumes 1 & 2]

 

Nat Adderley • Work Song

 

 

“This album is as warm, fresh and sunny as a summer’s day in the back country. It’s earthy without being muddy, sophisticated but not phony. Recommended strongly” - (Don DeMicheal)
https://www.jazzmessengers.com/es/11609/nat-adderley/work-song

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"Este álbum es tan cálido, fresco y soleado como un día de verano en el campo. Es terrenal sin ser turbio, sofisticado pero no falso. Muy recomendable" - (Don DeMicheal)
https://www.jazzmessengers.com/es/11609/nat-adderley/work-song

Arnett Cobb • More Party Time

 

Review
by Scott Yanow
During 1959-1960, the tough-toned but sentimental tenor saxophonist Arnett Cobb recorded six albums for Prestige; his next recording as a leader would not be until 1971. On this particular CD reissue, Cobb performs quintet selections with pianist Tommy Flanagan, bassist Sam Jones, drummer Art Taylor, and Danny Barrajanos on conga; on "Down by the Riverside" (from February 17) pianist Bobby Timmons and Buck Clarke on congas join Jones, Taylor, and Cobb. The saxman's treatments of "Blue Me" and five veteran songs ("Lover Come Back to Me," "Blue Lou," "Swanee River," "Down by the Riverside," and "Sometimes I'm Happy") are melodic, soulful, and swinging. An excellent if brief (at 36 minutes) effort.

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Reseña
por Scott Yanow
Durante 1959-1960, el duro pero sentimental saxofonista tenor Arnett Cobb grabó seis álbumes para Prestige; su siguiente grabación como líder no sería hasta 1971. En esta reedición en CD, Cobb interpreta selecciones de quinteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Sam Jones, el batería Art Taylor y Danny Barrajanos a la conga; en "Down by the Riverside" (del 17 de febrero), el pianista Bobby Timmons y Buck Clarke a las congas se unen a Jones, Taylor y Cobb. Los tratamientos del saxofonista de "Blue Me" y cinco canciones veteranas ("Lover Come Back to Me", "Blue Lou", "Swanee River", "Down by the Riverside" y "Sometimes I'm Happy") son melódicos, conmovedores y con swing. Un trabajo excelente aunque breve (36 minutos).

Kenny Burrell • The Artist Selects

Biography:

After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.

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Biografía:

Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además, es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".

Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.

Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo, apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una gran música".

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la encuesta de Jazz Times International Readers Poll.

Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la Detroit Free Press.

Art Blakey And The Jazz Messengers • The Witch Doctor

  

Review
by Michael G. Nastos  
Into the third year of utilizing late-'20s superstars trumpeter Lee Morgan and tenor saxophonist Wayne Shorter on the front line, Art Blakey's Jazz Messengers were showing a progressive compositional stance, mostly due to the emerging creativity of Shorter's sharply off-minor ideas. Pianist Bobby Timmons, a peer of the front liners, is swimming somewhere in the middle of this stylistic lake, exhibiting soulful backstrokes, straight-ahead sprinting, and the angular chordal complexities or sudden changes any potpourri of modernities might offer. Faithful bassist Jymie Merritt, no young pup at the time (seven years Blakey's junior) is solid, unspectacular, and right where this band of stars needed him to be. Writing chores continue to be split evenly between the horn players, but Shorter's pieces are distinct with a difference. "Those Who Sit and Wait" is a classic hard bop line with opposing non-sequitur melody/harmony cross sections, while "Joelle" sports two piano chords from Timmons leading to unusual phrasings, but still in a hard bop stance. Morgan contributes the title track and an alternate take with its typical and reliable hard bop shuffle buoying quirky horn and piano exchanges, and the spectacular "Afrique" with a 6/8 modal, choppy clave Latin beat merging to easy swing from the heavy tenor of Shorter -- the best of three worlds. Timmons contributes "A Little Busy" which is not far removed from the soul-jazz he is known for, a fun and funky groove biscuit where the pianist is truly in his element. "Lost & Found," penned by Clifford Jordan, showcases the straight-ahead signature sound the Jazz Messengers mined for decades -- upbeat, happy and tight. Whether this was or was not the pinnacle for this great band is still up for debate, but it assuredly ranks with Blakey's personal best aside from the popular album Moanin' of the same time frame.
https://www.allmusic.com/album/the-witch-doctor-mw0000671831

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Reseña
por Michael G. Nastos  
En el tercer año de utilización de las superestrellas de finales de los años 20, el trompetista Lee Morgan y el saxofonista tenor Wayne Shorter en la primera línea, los Jazz Messengers de Art Blakey mostraban una postura compositiva progresiva, sobre todo debido a la creatividad emergente de las agudas ideas de Shorter. El pianista Bobby Timmons, coetáneo de los front liners, nada en algún punto intermedio de este lago estilístico, exhibiendo conmovedores golpes traseros, sprint rectilíneo y las angulosas complejidades acordales o cambios repentinos que cualquier popurrí de modernidades podría ofrecer. El fiel bajista Jymie Merritt, que no era un cachorro en aquel momento (siete años menor que Blakey), es sólido, nada espectacular, y justo donde esta banda de estrellas necesitaba que estuviera. Las tareas de composición siguen repartiéndose a partes iguales entre los trompetistas, pero las piezas de Shorter son distintas. "Those Who Sit and Wait" es una línea clásica de hard bop con secciones cruzadas de melodía/armonía opuestas no secuenciadas, mientras que "Joelle" presenta dos acordes de piano de Timmons que conducen a frases inusuales, pero todavía en una postura de hard bop. Morgan contribuye con el tema que da título al disco y con una toma alternativa con su típico y fiable shuffle hard bop que anima extravagantes intercambios de trompa y piano, y la espectacular "Afrique" con un ritmo 6/8 modal, de clave latina entrecortada que se funde con el swing fácil del pesado tenor de Shorter: lo mejor de tres mundos. Timmons contribuye con "A Little Busy", que no se aleja mucho del soul-jazz por el que es conocido, un divertido y funky groove biscuit donde el pianista está realmente en su elemento. "Lost & Found", escrita por Clifford Jordan, muestra el sonido directo y característico que los Jazz Messengers explotaron durante décadas: optimista, alegre y ajustado. Todavía se discute si éste fue o no el punto álgido de esta gran banda, pero sin duda es uno de los mejores álbumes personales de Blakey, aparte del popular Moanin' de la misma época.
https://www.allmusic.com/album/the-witch-doctor-mw0000671831

artblakey.com ...

Lee Morgan • The Cooker

 

Although Lee Morgan had already made a handful of albums at the age of 19, The Cooker (1957) represents his throwing down the gauntlet as successor to Clifford Brown's vacated throne. It's close to being a pure bebop session, suggestive of a date like For Musicians Only (Verve, 1956), on which Gillespie, Stitt and Getz set some sort of record for NPS (notes per second). At the same time, the precocious trumpeter, already brimming with confidence, is not about to get reckless: he pulls a punch or two, most notably on the opening "Night in Tunisia."

Bebop was a musical language about comparisons, and Morgan was keenly aware of his predecessors. Charlie Parker's incredible four-bar break at the end of the sixteen-bar tag of Gillespie's signature piece on the 1947 Carnegie Hall concert (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) had come to represent the gold standard of jazz improvisation, which Morgan had only begun to approach on his solo performances of the tune with the Gillespie big band (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). And though Clifford Brown's version is equal parts inspired invention and stunning virtuosity (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), the naked four-bar break is given to Lou Donaldson's alto saxophone, with arguably embarrassing results.

Morgan slyly eludes trouble yet takes the listener by surprise when he omits all but the tag's challenging four bars, which he then "wastes" by simply having bass and drums mark time. The listener's letdown is quickly offset, however, by a blistering trumpet solo starting on the first beat of the main chorus, demonstrating why the rising star chose such a deliberative tempo: almost the entirety of his two-chorus solo is played in double time. As dazzling as his execution is, Morgan has one more deception up his sleeve. On both the earlier Gillespie recording and a later Art Blakey date (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), the trumpeter makes sure he gets his piece said on the A7 altered chord of the tune's cadenza: on this occasion, he takes a complete pass!

The characteristically showy side of Morgan is in evidence on his "Heavy Dipper," an infectious, medium-tempo swinger. Anticipating trademark mannerisms—clipped notes, upward slurs, half-valving, triple-tonguing—his solo is still as flowing as it is playful.

The tempo of "Just One of Those Things" breaks the sound barrier while exposing one of the still-maturing musician's weaknesses: if a turn of phrase sounds good once, certainly playing it a few more times can't be a bad idea. Unfortunately, the effect of these ramped-up, "treadmill" moments can get uncomfortably close to "Carnival of Venice" showpiece territory. The alternate take of the tune proves more musically substantive, though the ballad number—the bebopper's requisite "Lover Man"—does little to advance the newcomer's cause.

Pepper Adams is an unrelenting juggernaut on the date, pushing the leader to rise to each challenge. Bobby Timmons, Paul Chambers and Philly Joe Jones supply all of the heat required for this cooking session, otherwise judiciously staying clear of the head chef, who serves up cuisine likely to impress even the fastidious gourmet.
BY SAMUEL CHELL
January 29, 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

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Aunque Lee Morgan ya había hecho un puñado de álbumes a la edad de 19 años, The Cooker (1957) representa su lanzamiento del guante como sucesor del trono vacante de Clifford Brown. Está cerca de ser una sesión de bebop puro, que sugiere una fecha como For Musicians Only (Verve, 1956), en la que Gillespie, Stitt y Getz establecieron una especie de récord de NPS (notas por segundo). Al mismo tiempo, el precoz trompetista, ya rebosante de confianza, no está a punto de volverse imprudente: da algún que otro golpe, sobre todo en la inicial "Night in Tunisia".

El Bebop era un lenguaje musical de comparaciones, y Morgan era muy consciente de sus predecesores. La increíble pausa de cuatro compases de Charlie Parker al final de los dieciséis compases de la pieza emblemática de Gillespie en el concierto del Carnegie Hall de 1947 (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) había llegado a representar el estándar de oro de la improvisación jazzística, al que Morgan sólo había empezado a acercarse en sus interpretaciones en solitario de la melodía con la big band de Gillespie (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). Y aunque la versión de Clifford Brown es a partes iguales una invención inspirada y un virtuosismo asombroso (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), la ruptura desnuda de cuatro compases se da al saxo alto de Lou Donaldson, con resultados posiblemente vergonzosos.

Morgan elude astutamente los problemas, pero toma al oyente por sorpresa cuando omite todos los compases excepto los cuatro desafiantes de la etiqueta, que luego "desperdicia" haciendo que el bajo y la batería marquen el tiempo. Sin embargo, la decepción del oyente se ve rápidamente compensada por un contundente solo de trompeta que comienza en el primer tiempo del estribillo principal, lo que demuestra por qué la estrella emergente eligió un tempo tan deliberativo: casi la totalidad de su solo de dos estribillos se toca en doble tiempo. Por muy deslumbrante que sea su ejecución, Morgan se guarda un engaño más en la manga. Tanto en la anterior grabación de Gillespie como en una fecha posterior de Art Blakey (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), el trompetista se asegura de que se diga su pieza en el acorde alterado A7 de la cadencia de la melodía: en esta ocasión, ¡se pasa por completo!

El lado característico de Morgan es evidente en su "Heavy Dipper", un contagioso swinger de medio tiempo. Anticipándose a los manierismos de su marca -notas cortadas, ligados ascendentes, medio valvulismo, triple lengua- su solo sigue siendo tan fluido como juguetón.

El tempo de "Just One of Those Things" rompe la barrera del sonido al mismo tiempo que expone una de las debilidades del músico que aún está madurando: si un giro de frase suena bien una vez, ciertamente tocarlo unas cuantas veces más no puede ser una mala idea. Desgraciadamente, el efecto de estos momentos de aceleración, de "cinta de correr", puede acercarse incómodamente al territorio del espectáculo del "Carnaval de Venecia". La toma alternativa de la melodía resulta más sustanciosa desde el punto de vista musical, aunque el número de la balada -el requisito del bebopper "Lover Man"- hace poco por la causa del recién llegado.

Pepper Adams es una fuerza implacable en la cita, empujando al líder a estar a la altura de cada desafío. Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones aportan todo el calor necesario para esta sesión de cocina, y por lo demás se mantienen juiciosamente alejados del jefe de cocina, que sirve una cocina capaz de impresionar incluso al gourmet más exigente.
POR SAMUEL CHELL
29 de enero de 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

Art Blakey & The Jazz Messengers • Live In Zurich

 

Biography by Chris Kelsey
In the '60s, when John Coltrane and Ornette Coleman were defining the concept of a jazz avant-garde, few knowledgeable observers would have guessed that in another 30 years the music's mainstream would virtually bypass their innovations, in favor of the hard bop style that free jazz had apparently supplanted. As it turned out, many listeners who had come to love jazz as a sophisticated manifestation of popular music were unable to accept the extreme esotericism of the avant-garde; their tastes were rooted in the core elements of "swing" and "blues," characteristics found in abundance in the music of the Jazz Messengers, the quintessential hard bop ensemble led by drummer Art Blakey. In the '60s, '70s, and '80s, when artists on the cutting edge were attempting to transform the music, Blakey continued to play in more or less the same bag he had since the '40s, when his cohorts included the likes of Charlie Parker, Miles Davis, and Fats Navarro. By the '80s, the evolving mainstream consensus had reached a point of overwhelming approval in regard to hard bop: this is what jazz is, and Art Blakey -- as its longest-lived and most eloquent exponent -- was its master.

The Jazz Messengers had always been an incubator for young talent. A list of the band's alumni is a who's who of straight-ahead jazz from the '50s on -- Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford Marsalis, James Williams, Keith Jarrett, and Chuck Mangione, to name several of the most well-known. In the '80s, precocious graduates of Blakey's School for Swing would continue to number among jazz's movers and shakers, foremost among them being trumpeter Wynton Marsalis. Marsalis became the most visible symbol of the '80s jazz mainstream; through him, Blakey's conservative ideals came to dominate the public's perception of the music. At the time of his death in 1990, the Messenger aesthetic dominated jazz, and Blakey himself had arguably become the most influential jazz musician of the past 20 years.

Blakey's first musical education came in the form of piano lessons; he was playing professionally as a seventh grader, leading his own commercial band. He switched to drums shortly thereafter, learning to play in the hard-swinging style of Chick Webb and Sid Catlett. In 1942, he played with pianist Mary Lou Williams in New York. He toured the South with Fletcher Henderson's band in 1943-1944. From there, he briefly led a Boston-based big band before joining Billy Eckstine's new group, with which he would remain from 1944-1947. Eckstine's big band was the famous "cradle of modern jazz," and included (at different times) such major figures of the forthcoming bebop revolution as Dizzy Gillespie, Miles Davis, and Charlie Parker. When Eckstine's group disbanded, Blakey started a rehearsal ensemble called the Seventeen Messengers. He also recorded with an octet, the first of his bands to be called the Jazz Messengers. In the early '50s, Blakey began an association with Horace Silver, a particularly likeminded pianist with whom he recorded several times. In 1955, they formed a group with Hank Mobley and Kenny Dorham, calling themselves "Horace Silver and the Jazz Messengers." The Messengers typified the growing hard bop movement -- hard, funky, and bluesy, the band emphasized the music's primal rhythmic and harmonic essence. A year later, Silver left the band, and Blakey became its leader. From that point, the Messengers were Blakey's primary vehicle, though he would continue to freelance in various contexts. Notable was A Jazz Message, a 1963 Impulse record date with McCoy Tyner, Sonny Stitt, and Art Davis; a 1971-1972 world tour with "the Giants of Jazz," an all-star venture with Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, and Al McKibbon; and an epochal drum battle with Max Roach, Elvin Jones, and Buddy Rich at the 1964 Newport Jazz Festival. Blakey also frequently recorded as a sideman under the leadership of ex-Messengers.

Blakey's influence as a bandleader could not have been nearly so great had he not been such a skilled instrumentalist. No drummer ever drove a band harder; none could generate more sheer momentum in the course of a tune; and probably no drummer had a lower boiling point -- Blakey started every performance full-bore and went from there. His accompaniment style was relentless, and woe to the young saxophonist who couldn't keep up, for Blakey would run him over like a fullback. Blakey differed from other bop drummers in that his style was almost wholly about the music's physical attributes. Where his contemporary Max Roach dealt extensively with the drummer's relationship to melody and timbre, for example, Blakey showed little interest in such matters. To him, jazz percussion wasn't about tone color; it was about rhythm -- first, last, and in between. Blakey's drum set was the engine that propelled the music. To the extent that he exhibited little conceptual development over the course of his long career, either as a player or as a bandleader, Blakey was limited. He was no visionary by any means. But Blakey did one thing exceedingly well, and he did it with genius, spirit, and generosity until the very end of his life.
https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography

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Biografía de Chris Kelsey
En los años 60, cuando John Coltrane y Ornette Coleman estaban definiendo el concepto de vanguardia del jazz, pocos observadores conocedores habrían adivinado que en otros 30 años la corriente principal de la música pasaría virtualmente por alto sus innovaciones, a favor del estilo hard bop que el free jazz aparentemente había suplantado. Al final resultó que, muchos oyentes que habían llegado a amar el jazz como una manifestación sofisticada de la música popular no pudieron aceptar el esoterismo extremo de la vanguardia; sus gustos estaban arraigados en los elementos centrales del "swing" y el "blues", características que se encuentran en abundancia en la música de Jazz Messengers, el conjunto hard bop por excelencia dirigido por el baterista Art Blakey. En los años 60, 70 y 80, cuando artistas de vanguardia intentaban transformar la música, Blakey continuó tocando más o menos en la misma bolsa que tenía desde los años 40, cuando sus cohortes incluían a Charlie Parker, Miles Davis y Fats Navarro. Para los años 80, el consenso general en evolución había alcanzado un punto de aprobación abrumadora con respecto al hard bop: esto es lo que es el jazz, y Art Blakey, como su exponente más longevo y elocuente, era su maestro.

Los Jazz Messengers siempre habían sido una incubadora de jóvenes talentos. Una lista de los alumnos de la banda es quién es quién del jazz directo de los años 50 en adelante: Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford Marsalis, James Williams, Keith Jarrett y Chuck Mangione, por nombrar a varios de los más conocidos. En los años 80, los graduados precoces de la Escuela de Swing de Blakey continuarían siendo uno de los impulsores y agitadores del jazz, siendo el más destacado el trompetista Wynton Marsalis. Marsalis se convirtió en el símbolo más visible de la corriente principal del jazz de los 80; a través de él, los ideales conservadores de Blakey llegaron a dominar la percepción pública de la música. En el momento de su muerte en 1990, la estética Messenger dominaba el jazz, y podría decirse que el propio Blakey se había convertido en el músico de jazz más influyente de los últimos 20 años.

La primera educación musical de Blakey llegó en forma de lecciones de piano; tocaba profesionalmente en séptimo grado, liderando su propia banda comercial. Cambió a la batería poco después, aprendiendo a tocar con el estilo duro de Chick Webb y Sid Catlett. En 1942, tocó con la pianista Mary Lou Williams en Nueva York. Realizó una gira por el Sur con la banda de Fletcher Henderson en 1943-1944. A partir de ahí, dirigió brevemente una big band con sede en Boston antes de unirse al nuevo grupo de Billy Eckstine, con el que permanecería de 1944 a 1947. La big band de Eckstine fue la famosa "cuna del jazz moderno" e incluyó (en diferentes momentos) a figuras tan importantes de la próxima revolución del bebop como Dizzy Gillespie, Miles Davis y Charlie Parker. Cuando el grupo de Eckstine se disolvió, Blakey inició un conjunto de ensayo llamado Seventeen Messengers. También grabó con un octeto, la primera de sus bandas en llamarse Jazz Messengers. A principios de los 50, Blakey inició una asociación con Horace Silver, un pianista particularmente afín con quien grabó varias veces. En 1955, formaron un grupo con Hank Mobley y Kenny Dorham, llamándose a sí mismos "Horace Silver and the Jazz Messengers"."The Messengers tipificaron el creciente movimiento hard bop hard duro, funky y blues, la banda enfatizó la esencia rítmica y armónica primordial de la música. Un año después, Silver dejó la banda y Blakey se convirtió en su líder. A partir de ese momento, los Mensajeros fueron el vehículo principal de Blakey, aunque continuaría trabajando como autónomo en varios contextos. Notable fue A Jazz Message, una cita discográfica Impulse de 1963 con McCoy Tyner, Sonny Stitt y Art Davis; una gira mundial de 1971-1972 con "the Giants of Jazz", una aventura estelar con Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt y Al McKibbon; y una batalla de tambores de época con Max Roach, Elvin Jones y Buddy Rich en el Festival de Jazz de Newport de 1964. Blakey también grabó con frecuencia como acompañante bajo el liderazgo de ex Mensajeros.

La influencia de Blakey como líder de banda no podría haber sido tan grande si no hubiera sido un instrumentista tan hábil. Ningún baterista jamás impulsó a una banda más fuerte; ninguno pudo generar un impulso más absoluto en el transcurso de una melodía; y probablemente ningún baterista tuvo un punto de ebullición más bajo Bl Blakey comenzó cada actuación a fondo y partió de allí. Su estilo de acompañamiento era implacable, y ay del joven saxofonista que no podía seguir el ritmo, porque Blakey lo atropellaría como un fullback. Blakey se diferenciaba de otros bateristas de bop en que su estilo trataba casi por completo de los atributos físicos de la música. Mientras que su contemporáneo Max Roach trató extensamente la relación del baterista con la melodía y el timbre, por ejemplo, Blakey mostró poco interés en tales asuntos. Para él, la percusión de jazz no se trataba del color del tono; se trataba del ritmo, primero, último y intermedio. La batería de Blakey fue el motor que impulsó la música. En la medida en que exhibió poco desarrollo conceptual a lo largo de su larga carrera, ya sea como músico o como líder de banda, Blakey fue limitado. Él no era un visionario de ninguna manera. Pero Blakey hizo una cosa extremadamente bien, y lo hizo con genio, espíritu y generosidad hasta el final de su vida.
https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography

Bobby Timmons • Holiday Soul

Biography

Bobby Timmons came out of Philadelphia at age 19, with a funky gospel tinged piano style, flavored with blues and hard bop. He would, in a recording career that would only span a short time frame, contribute to some of the best recordings on the legendary Blue Note sessions of the ’50’s , and be a member of two of the premier bands of that time, Art Blakey and the Jazz Messengers, and the Cannonball Adderley Quintet.

Robert Henry Timmons was born in Philadelphia in 1935, raised by his grandfather who was a minister in a church. The young Timmons began formal piano lessons at age six, and was the organist at his grandfathers’ church. This early formative period would certainly be a factor in his piano approach. He was be able to innovate and improvise on his gospel foundations and brought them into jazz. He had the lyricism of a Bud Powell in his solos, (who didn’t in the 50’s) combined with a very dominant left hand which was reminiscent of the stride and boogie players, but it was his sense of that down home chording and timing that really identified him.

His musical resume for the period between 1956 and 1969 is very impressive. He was with Kenny Dorham and the Jazz Prophets in 1956, which also included Kenny Burrell on guitar. In the years ’56 through ’57 he was with Chet Baker. The year 1957 would be a very productive and busy one as he worked and recorded with Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan, and Curtis Fuller. In the same year and into ’58 was in Maynard Fergusons’ band, and also did session dates with Art Pepper and Kenny Burrell. He took over the piano chair in Art Blakey and the Jazz Messengers in 1958 at the age of 23. It was in period, that he wrote the classic “Moanin”, that would be a defining tune for that band, and one of his signature tunes throughout his career. He jumped over to the Cannonball Adderley Quintet in ’59 where he then wrote two big hits for them in “Dis Here” and “Dat Dere”. He stayed with Addelry into ’60 then rejoined the Messengers.

He stayed with the Messengers into ’61 then he began a solo career and worked with a trio format for a lot of his own recordings which continued up to 1969. Also in ’60 he did a lot of work with Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan, and Johnny Griffin. His output was amazing for the time, as it seems in looking at the chronological order of dates, he must have been constantly in the studio, this not counting the live dates on the road. His work is available on the Blue Note, Prestige, and Riverside labels, and many others as reissues and compilations. Quite an achievement by any standard! During the mid 60’s he would continue as leader of his own band and recording trios, and produced an extensive body of work in that period alone. He was able to find work in the smaller venues and clubs into the early ‘70’s where he was still in demand. His piano style would go on to influence Les McCann and Ramsey Lewis, and certainly a lot of the players in the ‘70’s with what would later be called funky or soul fused variations.

Bobby Timmons died of liver ailments in New York in 1974, at the age of 38.

Though many would be led to believe that he was just another tragic figure in the annals of jazz, I don’t adhere to that line of thought, and measure and admire the man for his sheer volume of work, his participation and contribution with two of the best ensembles, and his influence, to whatever degree in jazz piano.
Source: James Nadal

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Biografía
Bobby Timmons salió de Filadelfia a la edad de 19 años, con un estilo de piano teñido de gospel funky, con sabor a blues y hard bop. En una carrera discográfica que duraría poco tiempo, contribuiría a algunas de las mejores grabaciones de las legendarias sesiones de Blue Note de los años 50 y sería miembro de dos de las principales bandas de la época, Art Blakey y los Jazz Messengers, y el Cannonball Adderley Quintet.

Robert Henry Timmons nació en Filadelfia en 1935, criado por su abuelo, que era ministro en una iglesia. El joven Timmons comenzó a recibir clases formales de piano a la edad de seis años, y fue organista en la iglesia de sus abuelos. Este período formativo temprano sería sin duda un factor en su enfoque pianístico. Fue capaz de innovar e improvisar sobre sus fundamentos evangélicos y los introdujo en el jazz. Tenía el lirismo de un Bud Powell en sus solos, (que no lo hizo en los años 50) combinado con una mano izquierda muy dominante que le recordaba a los jugadores de zancadas y boogies, pero fue su sentido de los acordes y el tiempo en casa lo que realmente lo identificó.

Su currículum musical para el período comprendido entre 1956 y 1969 es muy impresionante. Estuvo con Kenny Dorham y los Jazz Prophets en 1956, que también incluyó a Kenny Burrell en la guitarra. En los años'56 a'57 estuvo con Chet Baker. El año 1957 sería un año muy productivo y ocupado ya que trabajó y grabó con Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan y Curtis Fuller. En el mismo año y dentro del'58 estuvo en la banda de Maynard Fergusons, y también hizo citas de sesión con Art Pepper y Kenny Burrell. Se hizo cargo de la silla de piano de Art Blakey y los Jazz Messengers en 1958 a la edad de 23. Fue en esa época cuando escribió el clásico "Moanin", que sería una melodía definitoria para esa banda, y una de sus melodías favoritas a lo largo de su carrera. Saltó al Quinteto Cannonball Adderley en '59 donde escribió dos grandes éxitos para ellos en "Dis Here" y "Dat Dere". Se quedó con Addelry en '60 y luego se reunió con los Mensajeros.

Permaneció con los Mensajeros en el'61, luego comenzó una carrera en solitario y trabajó con un formato de trío para muchas de sus propias grabaciones, que continuaron hasta 1969. También en '60 trabajó mucho con Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan y Johnny Griffin. Su producción fue asombrosa para la época, ya que parece que mirando el orden cronológico de las fechas, debe haber estado constantemente en el estudio, esto sin contar las fechas en vivo en la carretera. Su trabajo está disponible en los sellos Blue Note, Prestige y Riverside, y muchos otros como reediciones y compilaciones. Todo un logro para cualquier estándar! A mediados de los 60's continuaría como líder de su propia banda y tríos de grabación, y produjo un extenso cuerpo de trabajo sólo en ese período. Pudo encontrar trabajo en los locales y clubes más pequeños a principios de los años 70, donde todavía tenía mucha demanda. Su estilo de piano seguiría influenciando a Les McCann y Ramsey Lewis, y ciertamente a muchos de los músicos de los años 70 con lo que más tarde se llamaría variaciones funky o soul fused.

Bobby Timmons murió de dolencias hepáticas en Nueva York en 1974, a la edad de 38 años.

Aunque muchos podrían creer que es una figura trágica más en los anales del jazz, no me adhiero a esa línea de pensamiento, y mido y admiro al hombre por su gran volumen de trabajo, su participación y contribución con dos de los mejores conjuntos, y su influencia, sea cual sea su grado en el piano de jazz.
James Nadal

VA • Blue Note 101 Jazz Icons

 

Review by Gregory Heaney
Blue Note Records has been home to some of the greatest names in jazz, and with its Blue Note 101 series, the storied label has been looking to introduce a whole new crop of listeners to some of the legendary artists on its roster with a series of introductory compilations. On Blue Note 101: Jazz Icons, the series gets to the real meat of the jazz world with a collection featuring some of the most influential names in the genre. Featuring tracks like Thelonious Monk's manic "Four in One" and John Coltrane's smoothly propulsive "Moment's Notice," the compilation will set new listeners down the path of enlightenment toward a cooler tomorrow. 
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

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Reseña de Gregory Heaney
Blue Note Records ha sido el hogar de algunos de los grandes nombres del jazz, y con su serie Blue Note 101, el histórico sello busca presentar a una nueva generación de oyentes algunos de los artistas legendarios de su catálogo con una serie de recopilatorios introductorios. En Blue Note 101: Jazz Icons, la serie llega a la esencia del mundo del jazz con una colección que incluye a algunos de los nombres más influyentes del género. Con temas como el frenético "Four in One" de Thelonious Monk y el ágil "Moment's Notice" de John Coltrane, el recopilatorio guiará a los nuevos oyentes hacia un futuro más prometedor.
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

Bobby Timmons • The Best Of Bobby Timmons

 

Bobby Timmons • The Prestige Trio Sessions

 

Review
by Ken Dryden
This CD reissue combines two long-available Prestige LPs by Bobby Timmons, Little Barefoot Soul and Chun-King. The first date was actually the pianist's debut for the label, and it nearly didn't take place at all. A quintet session suddenly turned into a trio with bassist Sam Jones and Ray Lucas, the latter a last minute substitution on drums. Although Timmons' jazz immortality was assured with his earlier hit "Moanin'," most of the originals sound as if they were written shortly beforehand and were still evolving. The standout among them is easily

"A Little Barefoot Soul," a piece which gets underway without the leader at all. But its catchy gospel flavor eventually gives way to a driving, bluesy hard bop setting. Timmons' solo interpretation of the spiritual "Nobody Knows the Trouble I've Seen" is another gem. The later 1964 session matches Timmons with bassist Keter Betts and drummer Tootie Heath and draws from a much wider range of material. The opener, "Chun-King," was co-written by Betts with Charlie Byrd and features an extensive bass solo. Timmons contributed two compositions, the gospel-inflected "Getting' It Togetha'" (with the call and response played by the pianist alone) and the happy, strutting, and very oddly titled blues "Walking Death." Rounding out the date are some very familiar works, including the bossa nova " "O Grande Amour" and the standards "I Could Have Danced All Night" and "Someone to Watch Over Me." Timmons' fans will rejoice with the return of this long out of print music.
https://www.allmusic.com/album/the-prestige-trio-sessions-mw0000022769

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Reseña
por Ken Dryden
Esta reedición en CD combina dos LPs de Prestige de Bobby Timmons, Little Barefoot Soul y Chun-King, disponibles desde hace tiempo. La primera cita fue en realidad el debut del pianista para el sello, y estuvo a punto de no producirse. Una sesión de quinteto se convirtió de repente en un trío con el bajista Sam Jones y Ray Lucas, este último una sustitución de última hora en la batería. Aunque la inmortalidad jazzística de Timmons estaba asegurada con su anterior éxito "Moanin'", la mayoría de los originales suenan como si hubieran sido escritos poco antes y estuvieran aún evolucionando. La más destacada es sin duda

"A Little Barefoot Soul", una pieza que arranca sin el líder. Pero su pegadizo sabor gospel acaba dando paso a un entorno de hard bop bluesero. La interpretación en solitario de Timmons del espiritual "Nobody Knows the Trouble I've Seen" es otra joya. La última sesión de 1964 combina a Timmons con el bajista Keter Betts y el batería Tootie Heath y extrae una gama mucho más amplia de material. El primer tema, "Chun-King", fue co-escrito por Betts con Charlie Byrd y cuenta con un extenso solo de bajo. Timmons contribuyó con dos composiciones, la de influencias gospel "Getting' It Togetha'" (con la llamada y respuesta interpretada por el pianista en solitario) y el alegre, pavoneante y muy extrañamente titulado blues "Walking Death". Completan la cita algunas obras muy familiares, como la bossa nova " "O Grande Amour" y los estándares "I Could Have Danced All Night" y "Someone to Watch Over Me". Los fans de Timmons se alegrarán con el regreso de esta música descatalogada desde hace tiempo.
https://www.allmusic.com/album/the-prestige-trio-sessions-mw0000022769

Bobby Timmons Trio • Born To Be Blue!

Throughout his career, Bobby Timmons was typecast as a soulful and blues-oriented pianist due to his hits ("Moanin '," "This Here" and "Dis Dat"). But as he shows on this 1963 trio date (with either Sam Jones or Ron Carter on bass and drummer Connie Kay), Timmons was actually a well-rounded player when inspired. The repertoire on his CD ranges from bop to spirituals, from three diverse originals to "Born to Be Blue." This is excellent music but unfortunately Timmons would not grow much musically after this period. His CD is worth picking up. ~ Scott Yanow, AMG

Bobby Timmons seems to be one of those jazz pianists that people seem to miss checking out. I have heard listened to him for years, but have only recently bought any of his recordings as a leader. "Born To Be Blue" is yet another release that has flown under the radar, but not checked out by jazz fans for whatever reason. Timmons is joined either by Ron Carter or Sam Jones on bass and Connie Kay on drums. This is cookin' little album worth owning. I think this album cover is one of the coolest I've ever seen too! How could you not love Bobby Timmons? Great jazz piano trio. Highly recommended. ~ J. Rich

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Throughout his career, Bobby Timmons was typecast as a soulful and blues-oriented pianist due to his hits ("Moanin '," "This Here" and "Dis Dat"). But as he shows on this 1963 trio date (with either Sam Jones or Ron Carter on bass and drummer Connie Kay), Timmons was actually a well-rounded player when inspired. The repertoire on his CD ranges from bop to spirituals, from three diverse originals to "Born to Be Blue." This is excellent music but unfortunately Timmons would not grow much musically after this period. His CD is worth picking up. ~ Scott Yanow, AMG

Bobby Timmons seem be one of those jazz pianists that people seem to miss checking out. I have heard listened to him for years, but have only recently bought any of his recordings as a leader. "Born To Be Blue" is yet another release that has flown under the radar, but not checked out by jazz fans for whatever reason. Timmons is joined either by Ron Carter or Sam Jones on bass and Connie Kay on drums. This is cookin' little album worth owning. I think this album cover is one of the coolest I've ever seen too! How could you not love Bobby Timmons? Great jazz piano trio. Highly recommended. ~ J. Rich

Bobby Timmons • This Here Is Bobby Timmons + Soul Time

Biography by Scott Yanow
Bobby Timmons became so famous for the gospel and funky blues clichés in his solos and compositions that his skills as a Bud Powell-inspired bebop player have been long forgotten. After emerging from the Philadelphia jazz scene, Timmons worked with Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt, and the Maynard Ferguson Big Band. He was partly responsible for the commercial success of both Art Blakey's Jazz Messengers and Cannonball Adderley's Quintet. For Blakey (who he was with during 1958-1959), Timmons wrote the classic "Moanin'" and, after joining Adderley in 1959, his song "This Here" (followed later by "Dat Dere") became a big hit; it is little wonder that Adderley was distressed when, in 1960, Timmons decided to return to the Jazz Messengers. "Dat Dere" particularly caught on when Oscar Brown, Jr. wrote and recorded lyrics that colorfully depicted his curious son. Timmons, who was already recording as a leader for Riverside, soon formed his own trio but was never able to gain the commercial success that his former bosses enjoyed. Stereotyped as a funky pianist (although an influence on many players including Les McCann, Ramsey Lewis, and much later on Benny Green), Timmons' career gradually declined. He continued working until his death at age 38 from cirrhosis of the liver.
https://www.allmusic.com/artist/bobby-timmons-mn0000765435/biography

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Biografía de Scott Yanow
Bobby Timmons se hizo tan famoso por el gospel y los clichés del blues funky en sus solos y composiciones que sus habilidades como bebopista inspirado en Bud Powell han sido olvidadas hace tiempo. Después de salir de la escena del jazz de Filadelfia, Timmons trabajó con Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt y la Maynard Ferguson Big Band. Fue en parte responsable del éxito comercial de Art Blakey's Jazz Messengers y Cannonball Adderley's Quintet. Para Blakey (con quien estuvo durante 1958-1959), Timmons escribió el clásico "Moanin'" y, después de unirse a Adderley en 1959, su canción "This Here" (seguida más tarde por "Dat Dere") se convirtió en un gran éxito; no es de extrañar que Adderley se angustiara cuando, en 1960, Timmons decidió volver a los Jazz Messengers. "Dat Dere" fue particularmente popular cuando Oscar Brown, Jr. escribió y grabó letras que representaban coloridamente a su curioso hijo. Timmons, que ya estaba grabando como líder de Riverside, pronto formó su propio trío, pero nunca fue capaz de obtener el éxito comercial que sus antiguos jefes disfrutaban. Estereotipado como un pianista funky (aunque influye en muchos músicos como Les McCann, Ramsey Lewis, y mucho más tarde Benny Green), la carrera de Timmons fue decayendo gradualmente. Continuó trabajando hasta su muerte a los 38 años por cirrosis hepática.
https://www.allmusic.com/artist/bobby-timmons-mn0000765435/biography

Johnny Lytle • Nice And Easy The Souldful Vibes Of Johnny Lytle

 

 

Bobby Timmons Trio ‎• Easy Does It

Review by Scott Yanow

Pianist Bobby Timmons, who became famous for his funky originals and soulful playing, mostly sticks to more bop-oriented jazz on this trio set with bassist Sam Jones and drummer Jimmy Cobb. He provides three originals (none of which really caught on) and is in excellent form on five standards, with highlights including "Old Devil Moon," "I Thought About You," and "Groovin' High." The Riverside CD reissue shows that Timmons was a bit more versatile than his stereotype; in any case, the music is excellent.

Biography by Scott Yanow

Bobby Timmons became so famous for the gospel and funky blues clichés in his solos and compositions that his skills as a Bud Powell-inspired bebop player have been long forgotten. After emerging from the Philadelphia jazz scene, Timmons worked with Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt, and the Maynard Ferguson Big Band. He was partly responsible for the commercial success of both Art Blakey's Jazz Messengers and Cannonball Adderley's Quintet. For Blakey (who he was with during 1958-1959), Timmons wrote the classic "Moanin'" and, after joining Adderley in 1959, his song "This Here" (followed later by "Dat Dere") became a big hit; it is little wonder that Adderley was distressed when, in 1960, Timmons decided to return to the Jazz Messengers. "Dat Dere" particularly caught on when Oscar Brown, Jr. wrote and recorded lyrics that colorfully depicted his curious son. Timmons, who was already recording as a leader for Riverside, soon formed his own trio but was never able to gain the commercial success that his former bosses enjoyed. Stereotyped as a funky pianist (although an influence on many players including Les McCann, Ramsey Lewis, and much later on Benny Green), Timmons' career gradually declined. He continued working until his death at age 38 from cirrhosis of the liver.

https://www.allmusic.com/artist/bobby-timmons-mn0000765435/biography

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Reseña de Scott Yanow

El pianista Bobby Timmons, que se hizo famoso por sus originales funky y su toque conmovedor, en su mayoría se apega al jazz más orientado al bop en este trío con el bajista Sam Jones y el baterista Jimmy Cobb. Ofrece tres originales (ninguno de los cuales ha sido realmente popular) y está en excelente forma en cinco estándares, con destaques como "Old Devil Moon", "I Thought About You" y "Groovin' High". La reedición del CD de Riverside muestra que Timmons era un poco más versátil que su estereotipo; en cualquier caso, la música es excelente.

Biografía de Scott Yanow

Bobby Timmons se hizo tan famoso por el gospel y los clichés del blues funky en sus solos y composiciones que sus habilidades como bebopista inspirado en Bud Powell han sido olvidadas hace tiempo. Después de salir de la escena del jazz de Filadelfia, Timmons trabajó con Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt y la Maynard Ferguson Big Band. Fue en parte responsable del éxito comercial de Art Blakey's Jazz Messengers y Cannonball Adderley's Quintet. Para Blakey (con quien estuvo durante 1958-1959), Timmons escribió el clásico "Moanin'" y, después de unirse a Adderley en 1959, su canción "This Here" (seguida más tarde por "Dat Dere") se convirtió en un gran éxito; no es de extrañar que Adderley se angustiara cuando, en 1960, Timmons decidió volver a los Jazz Messengers. "Dat Dere" fue particularmente popular cuando Oscar Brown, Jr. escribió y grabó letras que representaban coloridamente a su curioso hijo. Timmons, que ya estaba grabando como líder de Riverside, pronto formó su propio trío, pero nunca fue capaz de obtener el éxito comercial que sus antiguos jefes disfrutaban. Estereotipado como un pianista funky (aunque influye en muchos músicos como Les McCann, Ramsey Lewis, y mucho más tarde Benny Green), la carrera de Timmons fue decayendo gradualmente. Continuó trabajando hasta su muerte a los 38 años por cirrosis hepática.

https://www.allmusic.com/artist/bobby-timmons-mn0000765435/biography

Bobby Timmons • Little Barefoot Soul

Bobby Timmons came out of Philadelphia at age 19, with a funky gospel tinged piano style, flavored with blues and hard bop. He would, in a recording career that would only span a short time frame, contribute to some of the best recordings on the legendary Blue Note sessions of the ’50s, and be a member of two of the premier bands of that time, Art Blakey and the Jazz Messengers, and the Cannonball Adderley Quintet.

Robert Henry Timmons was born in Philadelphia in 1935, raised by his grandfather who was a minister in a church. The young Timmons began formal piano lessons at age six, and was the organist at his grandfathers’ church. This early formative period would certainly be a factor in his piano approach. He was be able to innovate and improvise on his gospel foundations and brought them into jazz.

He had the lyricism of a Bud Powell in his solos, (who didn’t in the '50’s) combined with a very dominant left hand which was reminiscent of the stride and boogie players, but it was his sense of that down home chording and timing that really identified him. His musical resume for the period between 1956 and 1969 is very impressive. He was with Kenny Dorham and the Jazz Prophets in 1956, which also included Kenny Burrell on guitar. In the years ’56 through ’57 he was with Chet Baker.

The year 1957 would be a very productive and busy one as he worked and recorded with Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan, and Curtis Fuller. In the same year and into ’58 was in Maynard Fergusons’ band, and also did session dates with Art Pepper and Kenny Burrell. He took over the piano chair in Art Blakey and the Jazz Messengers in 1958 at the age of 23.

It was in period, that he wrote the classic “Moanin”, that would be a defining tune for that band, and one of his signature tunes throughout his career. He jumped over to the Cannonball Adderley Quintet in ’59 where he then wrote two big hits for them in “Dis Here” and “Dat Dere”. He stayed with Addelry into ’60 then rejoined the Messengers. He stayed with the Messengers into ’61 then he began a solo career and worked with a trio format for a lot of his own recordings which continued up to 1969.

Also in ’60 he did a lot of work with Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan, and Johnny Griffin. His output was amazing for the time, as it seems in looking at the chronological order of dates, he must have been constantly in the studio, this not counting the live dates on the road. His work is available on the Blue Note, Prestige, and Riverside labels, and many others as reissues and compilations. Quite an achievement by any standard!

During the mid 60’s he would continue as leader of his own band and recording trios, and produced an extensive body of work in that period alone. He was able to find work in the smaller venues and clubs into the early ‘70’s where he was still in demand. His piano style would go on to influence Les McCann and Ramsey Lewis, and certainly a lot of the players in the ‘70’s with what would later be called funky or soul fused variations.

Bobby Timmons died of liver ailments in New York in 1974, at the age of 38. Though many would be led to believe that he was just another tragic figure in the annals of jazz, I don’t adhere to that line of thought, and measure and admire the man for his sheer volume of work, his participation and contribution with two of the best ensembles, and his influence, to whatever degree in jazz piano.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/bobby-timmons/

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Bobby Timmons salió de Filadelfia a los 19 años, con un estilo de piano teñido de gospel funky, aromatizado con blues y hard bop. Él, en una carrera discográfica que solo abarcaría un corto período de tiempo, contribuiría a algunas de las mejores grabaciones en las legendarias sesiones de Blue Note de los años 50, y sería miembro de dos de las principales bandas de esa época, Art Blakey y Jazz Messengers, y el Quinteto Cannonball Adderley.

Robert Henry Timmons nació en Filadelfia en 1935, criado por su abuelo que era ministro en una iglesia. El joven Timmons comenzó a recibir lecciones formales de piano a los seis años y era organista en la iglesia de sus abuelos. Este período formativo temprano ciertamente sería un factor en su enfoque pianístico. Fue capaz de innovar e improvisar sobre sus cimientos góspel y los llevó al jazz.

Tenía el lirismo de un Bud Powell en sus solos, (que no lo hizo en los años 50) combinado con una mano izquierda muy dominante que recordaba a los músicos de stride y boogie, pero fue su sentido de los acordes y el ritmo de down home lo que realmente lo identificó.él. Su currículum musical para el período comprendido entre 1956 y 1969 es muy impresionante. Estuvo con Kenny Dorham and the Jazz Prophets en 1956, que también incluía a Kenny Burrell a la guitarra. Entre los años 56 y 57 estuvo con Chet Baker.

El año 1957 sería muy productivo y ocupado, ya que trabajó y grabó con Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan y Curtis Fuller. En el mismo año y hasta el 58 estuvo en la banda de Maynard Fergusons, y también hizo sesiones con Art Pepper y Kenny Burrell. Asumió la cátedra de piano en Art Blakey and the Jazz Messengers en 1958 a la edad de 23 años.

Fue en ese momento cuando escribió el clásico "Moanin", que sería una melodía definitoria para esa banda, y una de sus melodías distintivas a lo largo de su carrera. Saltó al quinteto Cannonball Adderley en el 59, donde luego escribió dos grandes éxitos para ellos en "Dis Here" y "Dat Dere". Se quedó con Addelry hasta el 60 y luego se reincorporó a los Mensajeros. Se quedó con The Messengers hasta el 61, luego comenzó una carrera en solitario y trabajó con un formato de trío para muchas de sus propias grabaciones que continuaron hasta 1969.

También en el 60 trabajó mucho con Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan y Johnny Griffin. Su producción fue asombrosa para la época, ya que parece que al mirar el orden cronológico de las fechas, debe haber estado constantemente en el estudio, sin contar las fechas en vivo en la carretera. Su trabajo está disponible en los sellos Blue Note, Prestige y Riverside, y muchos otros como reediciones y compilaciones. ¡Todo un logro desde cualquier punto de vista!

A mediados de los 60 continuaría como líder de su propia banda y grabando tríos, y produjo un extenso trabajo solo en ese período. Pudo encontrar trabajo en locales y clubes más pequeños a principios de los 70, donde todavía tenía demanda. Su estilo de piano influiría en Les McCann y Ramsey Lewis, y ciertamente en muchos de los músicos de los 70 con lo que más tarde se llamaría variaciones fusionadas funky o soul.

Bobby Timmons murió de dolencias hepáticas en Nueva York en 1974, a la edad de 38 años. Aunque a muchos se les haría creer que era solo otra figura trágica en los anales del jazz, no me adhiero a esa línea de pensamiento, y mido y admiro al hombre por su gran volumen de trabajo, su participación y contribución con dos de los mejores conjuntos, y su influencia, en cualquier grado en piano de jazz.
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VA • Autour De Minuit - Piano Bar

 

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