Lee Morgan • The Cooker

 

Although Lee Morgan had already made a handful of albums at the age of 19, The Cooker (1957) represents his throwing down the gauntlet as successor to Clifford Brown's vacated throne. It's close to being a pure bebop session, suggestive of a date like For Musicians Only (Verve, 1956), on which Gillespie, Stitt and Getz set some sort of record for NPS (notes per second). At the same time, the precocious trumpeter, already brimming with confidence, is not about to get reckless: he pulls a punch or two, most notably on the opening "Night in Tunisia."

Bebop was a musical language about comparisons, and Morgan was keenly aware of his predecessors. Charlie Parker's incredible four-bar break at the end of the sixteen-bar tag of Gillespie's signature piece on the 1947 Carnegie Hall concert (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) had come to represent the gold standard of jazz improvisation, which Morgan had only begun to approach on his solo performances of the tune with the Gillespie big band (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). And though Clifford Brown's version is equal parts inspired invention and stunning virtuosity (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), the naked four-bar break is given to Lou Donaldson's alto saxophone, with arguably embarrassing results.

Morgan slyly eludes trouble yet takes the listener by surprise when he omits all but the tag's challenging four bars, which he then "wastes" by simply having bass and drums mark time. The listener's letdown is quickly offset, however, by a blistering trumpet solo starting on the first beat of the main chorus, demonstrating why the rising star chose such a deliberative tempo: almost the entirety of his two-chorus solo is played in double time. As dazzling as his execution is, Morgan has one more deception up his sleeve. On both the earlier Gillespie recording and a later Art Blakey date (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), the trumpeter makes sure he gets his piece said on the A7 altered chord of the tune's cadenza: on this occasion, he takes a complete pass!

The characteristically showy side of Morgan is in evidence on his "Heavy Dipper," an infectious, medium-tempo swinger. Anticipating trademark mannerisms—clipped notes, upward slurs, half-valving, triple-tonguing—his solo is still as flowing as it is playful.

The tempo of "Just One of Those Things" breaks the sound barrier while exposing one of the still-maturing musician's weaknesses: if a turn of phrase sounds good once, certainly playing it a few more times can't be a bad idea. Unfortunately, the effect of these ramped-up, "treadmill" moments can get uncomfortably close to "Carnival of Venice" showpiece territory. The alternate take of the tune proves more musically substantive, though the ballad number—the bebopper's requisite "Lover Man"—does little to advance the newcomer's cause.

Pepper Adams is an unrelenting juggernaut on the date, pushing the leader to rise to each challenge. Bobby Timmons, Paul Chambers and Philly Joe Jones supply all of the heat required for this cooking session, otherwise judiciously staying clear of the head chef, who serves up cuisine likely to impress even the fastidious gourmet.
BY SAMUEL CHELL
January 29, 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

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Aunque Lee Morgan ya había hecho un puñado de álbumes a la edad de 19 años, The Cooker (1957) representa su lanzamiento del guante como sucesor del trono vacante de Clifford Brown. Está cerca de ser una sesión de bebop puro, que sugiere una fecha como For Musicians Only (Verve, 1956), en la que Gillespie, Stitt y Getz establecieron una especie de récord de NPS (notas por segundo). Al mismo tiempo, el precoz trompetista, ya rebosante de confianza, no está a punto de volverse imprudente: da algún que otro golpe, sobre todo en la inicial "Night in Tunisia".

El Bebop era un lenguaje musical de comparaciones, y Morgan era muy consciente de sus predecesores. La increíble pausa de cuatro compases de Charlie Parker al final de los dieciséis compases de la pieza emblemática de Gillespie en el concierto del Carnegie Hall de 1947 (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) había llegado a representar el estándar de oro de la improvisación jazzística, al que Morgan sólo había empezado a acercarse en sus interpretaciones en solitario de la melodía con la big band de Gillespie (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). Y aunque la versión de Clifford Brown es a partes iguales una invención inspirada y un virtuosismo asombroso (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), la ruptura desnuda de cuatro compases se da al saxo alto de Lou Donaldson, con resultados posiblemente vergonzosos.

Morgan elude astutamente los problemas, pero toma al oyente por sorpresa cuando omite todos los compases excepto los cuatro desafiantes de la etiqueta, que luego "desperdicia" haciendo que el bajo y la batería marquen el tiempo. Sin embargo, la decepción del oyente se ve rápidamente compensada por un contundente solo de trompeta que comienza en el primer tiempo del estribillo principal, lo que demuestra por qué la estrella emergente eligió un tempo tan deliberativo: casi la totalidad de su solo de dos estribillos se toca en doble tiempo. Por muy deslumbrante que sea su ejecución, Morgan se guarda un engaño más en la manga. Tanto en la anterior grabación de Gillespie como en una fecha posterior de Art Blakey (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), el trompetista se asegura de que se diga su pieza en el acorde alterado A7 de la cadencia de la melodía: en esta ocasión, ¡se pasa por completo!

El lado característico de Morgan es evidente en su "Heavy Dipper", un contagioso swinger de medio tiempo. Anticipándose a los manierismos de su marca -notas cortadas, ligados ascendentes, medio valvulismo, triple lengua- su solo sigue siendo tan fluido como juguetón.

El tempo de "Just One of Those Things" rompe la barrera del sonido al mismo tiempo que expone una de las debilidades del músico que aún está madurando: si un giro de frase suena bien una vez, ciertamente tocarlo unas cuantas veces más no puede ser una mala idea. Desgraciadamente, el efecto de estos momentos de aceleración, de "cinta de correr", puede acercarse incómodamente al territorio del espectáculo del "Carnaval de Venecia". La toma alternativa de la melodía resulta más sustanciosa desde el punto de vista musical, aunque el número de la balada -el requisito del bebopper "Lover Man"- hace poco por la causa del recién llegado.

Pepper Adams es una fuerza implacable en la cita, empujando al líder a estar a la altura de cada desafío. Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones aportan todo el calor necesario para esta sesión de cocina, y por lo demás se mantienen juiciosamente alejados del jefe de cocina, que sirve una cocina capaz de impresionar incluso al gourmet más exigente.
POR SAMUEL CHELL
29 de enero de 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

Art Blakey & The Jazz Messengers • Live In Zurich

 

Biography by Chris Kelsey
In the '60s, when John Coltrane and Ornette Coleman were defining the concept of a jazz avant-garde, few knowledgeable observers would have guessed that in another 30 years the music's mainstream would virtually bypass their innovations, in favor of the hard bop style that free jazz had apparently supplanted. As it turned out, many listeners who had come to love jazz as a sophisticated manifestation of popular music were unable to accept the extreme esotericism of the avant-garde; their tastes were rooted in the core elements of "swing" and "blues," characteristics found in abundance in the music of the Jazz Messengers, the quintessential hard bop ensemble led by drummer Art Blakey. In the '60s, '70s, and '80s, when artists on the cutting edge were attempting to transform the music, Blakey continued to play in more or less the same bag he had since the '40s, when his cohorts included the likes of Charlie Parker, Miles Davis, and Fats Navarro. By the '80s, the evolving mainstream consensus had reached a point of overwhelming approval in regard to hard bop: this is what jazz is, and Art Blakey -- as its longest-lived and most eloquent exponent -- was its master.

The Jazz Messengers had always been an incubator for young talent. A list of the band's alumni is a who's who of straight-ahead jazz from the '50s on -- Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford Marsalis, James Williams, Keith Jarrett, and Chuck Mangione, to name several of the most well-known. In the '80s, precocious graduates of Blakey's School for Swing would continue to number among jazz's movers and shakers, foremost among them being trumpeter Wynton Marsalis. Marsalis became the most visible symbol of the '80s jazz mainstream; through him, Blakey's conservative ideals came to dominate the public's perception of the music. At the time of his death in 1990, the Messenger aesthetic dominated jazz, and Blakey himself had arguably become the most influential jazz musician of the past 20 years.

Blakey's first musical education came in the form of piano lessons; he was playing professionally as a seventh grader, leading his own commercial band. He switched to drums shortly thereafter, learning to play in the hard-swinging style of Chick Webb and Sid Catlett. In 1942, he played with pianist Mary Lou Williams in New York. He toured the South with Fletcher Henderson's band in 1943-1944. From there, he briefly led a Boston-based big band before joining Billy Eckstine's new group, with which he would remain from 1944-1947. Eckstine's big band was the famous "cradle of modern jazz," and included (at different times) such major figures of the forthcoming bebop revolution as Dizzy Gillespie, Miles Davis, and Charlie Parker. When Eckstine's group disbanded, Blakey started a rehearsal ensemble called the Seventeen Messengers. He also recorded with an octet, the first of his bands to be called the Jazz Messengers. In the early '50s, Blakey began an association with Horace Silver, a particularly likeminded pianist with whom he recorded several times. In 1955, they formed a group with Hank Mobley and Kenny Dorham, calling themselves "Horace Silver and the Jazz Messengers." The Messengers typified the growing hard bop movement -- hard, funky, and bluesy, the band emphasized the music's primal rhythmic and harmonic essence. A year later, Silver left the band, and Blakey became its leader. From that point, the Messengers were Blakey's primary vehicle, though he would continue to freelance in various contexts. Notable was A Jazz Message, a 1963 Impulse record date with McCoy Tyner, Sonny Stitt, and Art Davis; a 1971-1972 world tour with "the Giants of Jazz," an all-star venture with Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, and Al McKibbon; and an epochal drum battle with Max Roach, Elvin Jones, and Buddy Rich at the 1964 Newport Jazz Festival. Blakey also frequently recorded as a sideman under the leadership of ex-Messengers.

Blakey's influence as a bandleader could not have been nearly so great had he not been such a skilled instrumentalist. No drummer ever drove a band harder; none could generate more sheer momentum in the course of a tune; and probably no drummer had a lower boiling point -- Blakey started every performance full-bore and went from there. His accompaniment style was relentless, and woe to the young saxophonist who couldn't keep up, for Blakey would run him over like a fullback. Blakey differed from other bop drummers in that his style was almost wholly about the music's physical attributes. Where his contemporary Max Roach dealt extensively with the drummer's relationship to melody and timbre, for example, Blakey showed little interest in such matters. To him, jazz percussion wasn't about tone color; it was about rhythm -- first, last, and in between. Blakey's drum set was the engine that propelled the music. To the extent that he exhibited little conceptual development over the course of his long career, either as a player or as a bandleader, Blakey was limited. He was no visionary by any means. But Blakey did one thing exceedingly well, and he did it with genius, spirit, and generosity until the very end of his life.
https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography

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Biografía de Chris Kelsey
En los años 60, cuando John Coltrane y Ornette Coleman estaban definiendo el concepto de vanguardia del jazz, pocos observadores conocedores habrían adivinado que en otros 30 años la corriente principal de la música pasaría virtualmente por alto sus innovaciones, a favor del estilo hard bop que el free jazz aparentemente había suplantado. Al final resultó que, muchos oyentes que habían llegado a amar el jazz como una manifestación sofisticada de la música popular no pudieron aceptar el esoterismo extremo de la vanguardia; sus gustos estaban arraigados en los elementos centrales del "swing" y el "blues", características que se encuentran en abundancia en la música de Jazz Messengers, el conjunto hard bop por excelencia dirigido por el baterista Art Blakey. En los años 60, 70 y 80, cuando artistas de vanguardia intentaban transformar la música, Blakey continuó tocando más o menos en la misma bolsa que tenía desde los años 40, cuando sus cohortes incluían a Charlie Parker, Miles Davis y Fats Navarro. Para los años 80, el consenso general en evolución había alcanzado un punto de aprobación abrumadora con respecto al hard bop: esto es lo que es el jazz, y Art Blakey, como su exponente más longevo y elocuente, era su maestro.

Los Jazz Messengers siempre habían sido una incubadora de jóvenes talentos. Una lista de los alumnos de la banda es quién es quién del jazz directo de los años 50 en adelante: Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford Marsalis, James Williams, Keith Jarrett y Chuck Mangione, por nombrar a varios de los más conocidos. En los años 80, los graduados precoces de la Escuela de Swing de Blakey continuarían siendo uno de los impulsores y agitadores del jazz, siendo el más destacado el trompetista Wynton Marsalis. Marsalis se convirtió en el símbolo más visible de la corriente principal del jazz de los 80; a través de él, los ideales conservadores de Blakey llegaron a dominar la percepción pública de la música. En el momento de su muerte en 1990, la estética Messenger dominaba el jazz, y podría decirse que el propio Blakey se había convertido en el músico de jazz más influyente de los últimos 20 años.

La primera educación musical de Blakey llegó en forma de lecciones de piano; tocaba profesionalmente en séptimo grado, liderando su propia banda comercial. Cambió a la batería poco después, aprendiendo a tocar con el estilo duro de Chick Webb y Sid Catlett. En 1942, tocó con la pianista Mary Lou Williams en Nueva York. Realizó una gira por el Sur con la banda de Fletcher Henderson en 1943-1944. A partir de ahí, dirigió brevemente una big band con sede en Boston antes de unirse al nuevo grupo de Billy Eckstine, con el que permanecería de 1944 a 1947. La big band de Eckstine fue la famosa "cuna del jazz moderno" e incluyó (en diferentes momentos) a figuras tan importantes de la próxima revolución del bebop como Dizzy Gillespie, Miles Davis y Charlie Parker. Cuando el grupo de Eckstine se disolvió, Blakey inició un conjunto de ensayo llamado Seventeen Messengers. También grabó con un octeto, la primera de sus bandas en llamarse Jazz Messengers. A principios de los 50, Blakey inició una asociación con Horace Silver, un pianista particularmente afín con quien grabó varias veces. En 1955, formaron un grupo con Hank Mobley y Kenny Dorham, llamándose a sí mismos "Horace Silver and the Jazz Messengers"."The Messengers tipificaron el creciente movimiento hard bop hard duro, funky y blues, la banda enfatizó la esencia rítmica y armónica primordial de la música. Un año después, Silver dejó la banda y Blakey se convirtió en su líder. A partir de ese momento, los Mensajeros fueron el vehículo principal de Blakey, aunque continuaría trabajando como autónomo en varios contextos. Notable fue A Jazz Message, una cita discográfica Impulse de 1963 con McCoy Tyner, Sonny Stitt y Art Davis; una gira mundial de 1971-1972 con "the Giants of Jazz", una aventura estelar con Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt y Al McKibbon; y una batalla de tambores de época con Max Roach, Elvin Jones y Buddy Rich en el Festival de Jazz de Newport de 1964. Blakey también grabó con frecuencia como acompañante bajo el liderazgo de ex Mensajeros.

La influencia de Blakey como líder de banda no podría haber sido tan grande si no hubiera sido un instrumentista tan hábil. Ningún baterista jamás impulsó a una banda más fuerte; ninguno pudo generar un impulso más absoluto en el transcurso de una melodía; y probablemente ningún baterista tuvo un punto de ebullición más bajo Bl Blakey comenzó cada actuación a fondo y partió de allí. Su estilo de acompañamiento era implacable, y ay del joven saxofonista que no podía seguir el ritmo, porque Blakey lo atropellaría como un fullback. Blakey se diferenciaba de otros bateristas de bop en que su estilo trataba casi por completo de los atributos físicos de la música. Mientras que su contemporáneo Max Roach trató extensamente la relación del baterista con la melodía y el timbre, por ejemplo, Blakey mostró poco interés en tales asuntos. Para él, la percusión de jazz no se trataba del color del tono; se trataba del ritmo, primero, último y intermedio. La batería de Blakey fue el motor que impulsó la música. En la medida en que exhibió poco desarrollo conceptual a lo largo de su larga carrera, ya sea como músico o como líder de banda, Blakey fue limitado. Él no era un visionario de ninguna manera. Pero Blakey hizo una cosa extremadamente bien, y lo hizo con genio, espíritu y generosidad hasta el final de su vida.
https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography

Bobby Timmons • Holiday Soul

Biography

Bobby Timmons came out of Philadelphia at age 19, with a funky gospel tinged piano style, flavored with blues and hard bop. He would, in a recording career that would only span a short time frame, contribute to some of the best recordings on the legendary Blue Note sessions of the ’50’s , and be a member of two of the premier bands of that time, Art Blakey and the Jazz Messengers, and the Cannonball Adderley Quintet.

Robert Henry Timmons was born in Philadelphia in 1935, raised by his grandfather who was a minister in a church. The young Timmons began formal piano lessons at age six, and was the organist at his grandfathers’ church. This early formative period would certainly be a factor in his piano approach. He was be able to innovate and improvise on his gospel foundations and brought them into jazz. He had the lyricism of a Bud Powell in his solos, (who didn’t in the 50’s) combined with a very dominant left hand which was reminiscent of the stride and boogie players, but it was his sense of that down home chording and timing that really identified him.

His musical resume for the period between 1956 and 1969 is very impressive. He was with Kenny Dorham and the Jazz Prophets in 1956, which also included Kenny Burrell on guitar. In the years ’56 through ’57 he was with Chet Baker. The year 1957 would be a very productive and busy one as he worked and recorded with Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan, and Curtis Fuller. In the same year and into ’58 was in Maynard Fergusons’ band, and also did session dates with Art Pepper and Kenny Burrell. He took over the piano chair in Art Blakey and the Jazz Messengers in 1958 at the age of 23. It was in period, that he wrote the classic “Moanin”, that would be a defining tune for that band, and one of his signature tunes throughout his career. He jumped over to the Cannonball Adderley Quintet in ’59 where he then wrote two big hits for them in “Dis Here” and “Dat Dere”. He stayed with Addelry into ’60 then rejoined the Messengers.

He stayed with the Messengers into ’61 then he began a solo career and worked with a trio format for a lot of his own recordings which continued up to 1969. Also in ’60 he did a lot of work with Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan, and Johnny Griffin. His output was amazing for the time, as it seems in looking at the chronological order of dates, he must have been constantly in the studio, this not counting the live dates on the road. His work is available on the Blue Note, Prestige, and Riverside labels, and many others as reissues and compilations. Quite an achievement by any standard! During the mid 60’s he would continue as leader of his own band and recording trios, and produced an extensive body of work in that period alone. He was able to find work in the smaller venues and clubs into the early ‘70’s where he was still in demand. His piano style would go on to influence Les McCann and Ramsey Lewis, and certainly a lot of the players in the ‘70’s with what would later be called funky or soul fused variations.

Bobby Timmons died of liver ailments in New York in 1974, at the age of 38.

Though many would be led to believe that he was just another tragic figure in the annals of jazz, I don’t adhere to that line of thought, and measure and admire the man for his sheer volume of work, his participation and contribution with two of the best ensembles, and his influence, to whatever degree in jazz piano.
Source: James Nadal

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Biografía
Bobby Timmons salió de Filadelfia a la edad de 19 años, con un estilo de piano teñido de gospel funky, con sabor a blues y hard bop. En una carrera discográfica que duraría poco tiempo, contribuiría a algunas de las mejores grabaciones de las legendarias sesiones de Blue Note de los años 50 y sería miembro de dos de las principales bandas de la época, Art Blakey y los Jazz Messengers, y el Cannonball Adderley Quintet.

Robert Henry Timmons nació en Filadelfia en 1935, criado por su abuelo, que era ministro en una iglesia. El joven Timmons comenzó a recibir clases formales de piano a la edad de seis años, y fue organista en la iglesia de sus abuelos. Este período formativo temprano sería sin duda un factor en su enfoque pianístico. Fue capaz de innovar e improvisar sobre sus fundamentos evangélicos y los introdujo en el jazz. Tenía el lirismo de un Bud Powell en sus solos, (que no lo hizo en los años 50) combinado con una mano izquierda muy dominante que le recordaba a los jugadores de zancadas y boogies, pero fue su sentido de los acordes y el tiempo en casa lo que realmente lo identificó.

Su currículum musical para el período comprendido entre 1956 y 1969 es muy impresionante. Estuvo con Kenny Dorham y los Jazz Prophets en 1956, que también incluyó a Kenny Burrell en la guitarra. En los años'56 a'57 estuvo con Chet Baker. El año 1957 sería un año muy productivo y ocupado ya que trabajó y grabó con Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan y Curtis Fuller. En el mismo año y dentro del'58 estuvo en la banda de Maynard Fergusons, y también hizo citas de sesión con Art Pepper y Kenny Burrell. Se hizo cargo de la silla de piano de Art Blakey y los Jazz Messengers en 1958 a la edad de 23. Fue en esa época cuando escribió el clásico "Moanin", que sería una melodía definitoria para esa banda, y una de sus melodías favoritas a lo largo de su carrera. Saltó al Quinteto Cannonball Adderley en '59 donde escribió dos grandes éxitos para ellos en "Dis Here" y "Dat Dere". Se quedó con Addelry en '60 y luego se reunió con los Mensajeros.

Permaneció con los Mensajeros en el'61, luego comenzó una carrera en solitario y trabajó con un formato de trío para muchas de sus propias grabaciones, que continuaron hasta 1969. También en '60 trabajó mucho con Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan y Johnny Griffin. Su producción fue asombrosa para la época, ya que parece que mirando el orden cronológico de las fechas, debe haber estado constantemente en el estudio, esto sin contar las fechas en vivo en la carretera. Su trabajo está disponible en los sellos Blue Note, Prestige y Riverside, y muchos otros como reediciones y compilaciones. Todo un logro para cualquier estándar! A mediados de los 60's continuaría como líder de su propia banda y tríos de grabación, y produjo un extenso cuerpo de trabajo sólo en ese período. Pudo encontrar trabajo en los locales y clubes más pequeños a principios de los años 70, donde todavía tenía mucha demanda. Su estilo de piano seguiría influenciando a Les McCann y Ramsey Lewis, y ciertamente a muchos de los músicos de los años 70 con lo que más tarde se llamaría variaciones funky o soul fused.

Bobby Timmons murió de dolencias hepáticas en Nueva York en 1974, a la edad de 38 años.

Aunque muchos podrían creer que es una figura trágica más en los anales del jazz, no me adhiero a esa línea de pensamiento, y mido y admiro al hombre por su gran volumen de trabajo, su participación y contribución con dos de los mejores conjuntos, y su influencia, sea cual sea su grado en el piano de jazz.
James Nadal

VA • Blue Note 101 Jazz Icons

 

Review by Gregory Heaney
Blue Note Records has been home to some of the greatest names in jazz, and with its Blue Note 101 series, the storied label has been looking to introduce a whole new crop of listeners to some of the legendary artists on its roster with a series of introductory compilations. On Blue Note 101: Jazz Icons, the series gets to the real meat of the jazz world with a collection featuring some of the most influential names in the genre. Featuring tracks like Thelonious Monk's manic "Four in One" and John Coltrane's smoothly propulsive "Moment's Notice," the compilation will set new listeners down the path of enlightenment toward a cooler tomorrow. 
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

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Reseña de Gregory Heaney
Blue Note Records ha sido el hogar de algunos de los grandes nombres del jazz, y con su serie Blue Note 101, el histórico sello busca presentar a una nueva generación de oyentes algunos de los artistas legendarios de su catálogo con una serie de recopilatorios introductorios. En Blue Note 101: Jazz Icons, la serie llega a la esencia del mundo del jazz con una colección que incluye a algunos de los nombres más influyentes del género. Con temas como el frenético "Four in One" de Thelonious Monk y el ágil "Moment's Notice" de John Coltrane, el recopilatorio guiará a los nuevos oyentes hacia un futuro más prometedor.
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

Bobby Timmons • The Best Of Bobby Timmons

 

Bobby Timmons • The Prestige Trio Sessions

 

Review
by Ken Dryden
This CD reissue combines two long-available Prestige LPs by Bobby Timmons, Little Barefoot Soul and Chun-King. The first date was actually the pianist's debut for the label, and it nearly didn't take place at all. A quintet session suddenly turned into a trio with bassist Sam Jones and Ray Lucas, the latter a last minute substitution on drums. Although Timmons' jazz immortality was assured with his earlier hit "Moanin'," most of the originals sound as if they were written shortly beforehand and were still evolving. The standout among them is easily

"A Little Barefoot Soul," a piece which gets underway without the leader at all. But its catchy gospel flavor eventually gives way to a driving, bluesy hard bop setting. Timmons' solo interpretation of the spiritual "Nobody Knows the Trouble I've Seen" is another gem. The later 1964 session matches Timmons with bassist Keter Betts and drummer Tootie Heath and draws from a much wider range of material. The opener, "Chun-King," was co-written by Betts with Charlie Byrd and features an extensive bass solo. Timmons contributed two compositions, the gospel-inflected "Getting' It Togetha'" (with the call and response played by the pianist alone) and the happy, strutting, and very oddly titled blues "Walking Death." Rounding out the date are some very familiar works, including the bossa nova " "O Grande Amour" and the standards "I Could Have Danced All Night" and "Someone to Watch Over Me." Timmons' fans will rejoice with the return of this long out of print music.
https://www.allmusic.com/album/the-prestige-trio-sessions-mw0000022769

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Reseña
por Ken Dryden
Esta reedición en CD combina dos LPs de Prestige de Bobby Timmons, Little Barefoot Soul y Chun-King, disponibles desde hace tiempo. La primera cita fue en realidad el debut del pianista para el sello, y estuvo a punto de no producirse. Una sesión de quinteto se convirtió de repente en un trío con el bajista Sam Jones y Ray Lucas, este último una sustitución de última hora en la batería. Aunque la inmortalidad jazzística de Timmons estaba asegurada con su anterior éxito "Moanin'", la mayoría de los originales suenan como si hubieran sido escritos poco antes y estuvieran aún evolucionando. La más destacada es sin duda

"A Little Barefoot Soul", una pieza que arranca sin el líder. Pero su pegadizo sabor gospel acaba dando paso a un entorno de hard bop bluesero. La interpretación en solitario de Timmons del espiritual "Nobody Knows the Trouble I've Seen" es otra joya. La última sesión de 1964 combina a Timmons con el bajista Keter Betts y el batería Tootie Heath y extrae una gama mucho más amplia de material. El primer tema, "Chun-King", fue co-escrito por Betts con Charlie Byrd y cuenta con un extenso solo de bajo. Timmons contribuyó con dos composiciones, la de influencias gospel "Getting' It Togetha'" (con la llamada y respuesta interpretada por el pianista en solitario) y el alegre, pavoneante y muy extrañamente titulado blues "Walking Death". Completan la cita algunas obras muy familiares, como la bossa nova " "O Grande Amour" y los estándares "I Could Have Danced All Night" y "Someone to Watch Over Me". Los fans de Timmons se alegrarán con el regreso de esta música descatalogada desde hace tiempo.
https://www.allmusic.com/album/the-prestige-trio-sessions-mw0000022769

Bobby Timmons Trio • Born To Be Blue!

Throughout his career, Bobby Timmons was typecast as a soulful and blues-oriented pianist due to his hits ("Moanin '," "This Here" and "Dis Dat"). But as he shows on this 1963 trio date (with either Sam Jones or Ron Carter on bass and drummer Connie Kay), Timmons was actually a well-rounded player when inspired. The repertoire on his CD ranges from bop to spirituals, from three diverse originals to "Born to Be Blue." This is excellent music but unfortunately Timmons would not grow much musically after this period. His CD is worth picking up. ~ Scott Yanow, AMG

Bobby Timmons seems to be one of those jazz pianists that people seem to miss checking out. I have heard listened to him for years, but have only recently bought any of his recordings as a leader. "Born To Be Blue" is yet another release that has flown under the radar, but not checked out by jazz fans for whatever reason. Timmons is joined either by Ron Carter or Sam Jones on bass and Connie Kay on drums. This is cookin' little album worth owning. I think this album cover is one of the coolest I've ever seen too! How could you not love Bobby Timmons? Great jazz piano trio. Highly recommended. ~ J. Rich

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Throughout his career, Bobby Timmons was typecast as a soulful and blues-oriented pianist due to his hits ("Moanin '," "This Here" and "Dis Dat"). But as he shows on this 1963 trio date (with either Sam Jones or Ron Carter on bass and drummer Connie Kay), Timmons was actually a well-rounded player when inspired. The repertoire on his CD ranges from bop to spirituals, from three diverse originals to "Born to Be Blue." This is excellent music but unfortunately Timmons would not grow much musically after this period. His CD is worth picking up. ~ Scott Yanow, AMG

Bobby Timmons seem be one of those jazz pianists that people seem to miss checking out. I have heard listened to him for years, but have only recently bought any of his recordings as a leader. "Born To Be Blue" is yet another release that has flown under the radar, but not checked out by jazz fans for whatever reason. Timmons is joined either by Ron Carter or Sam Jones on bass and Connie Kay on drums. This is cookin' little album worth owning. I think this album cover is one of the coolest I've ever seen too! How could you not love Bobby Timmons? Great jazz piano trio. Highly recommended. ~ J. Rich

Bobby Timmons • This Here Is Bobby Timmons + Soul Time

Biography by Scott Yanow
Bobby Timmons became so famous for the gospel and funky blues clichés in his solos and compositions that his skills as a Bud Powell-inspired bebop player have been long forgotten. After emerging from the Philadelphia jazz scene, Timmons worked with Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt, and the Maynard Ferguson Big Band. He was partly responsible for the commercial success of both Art Blakey's Jazz Messengers and Cannonball Adderley's Quintet. For Blakey (who he was with during 1958-1959), Timmons wrote the classic "Moanin'" and, after joining Adderley in 1959, his song "This Here" (followed later by "Dat Dere") became a big hit; it is little wonder that Adderley was distressed when, in 1960, Timmons decided to return to the Jazz Messengers. "Dat Dere" particularly caught on when Oscar Brown, Jr. wrote and recorded lyrics that colorfully depicted his curious son. Timmons, who was already recording as a leader for Riverside, soon formed his own trio but was never able to gain the commercial success that his former bosses enjoyed. Stereotyped as a funky pianist (although an influence on many players including Les McCann, Ramsey Lewis, and much later on Benny Green), Timmons' career gradually declined. He continued working until his death at age 38 from cirrhosis of the liver.
https://www.allmusic.com/artist/bobby-timmons-mn0000765435/biography

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Biografía de Scott Yanow
Bobby Timmons se hizo tan famoso por el gospel y los clichés del blues funky en sus solos y composiciones que sus habilidades como bebopista inspirado en Bud Powell han sido olvidadas hace tiempo. Después de salir de la escena del jazz de Filadelfia, Timmons trabajó con Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt y la Maynard Ferguson Big Band. Fue en parte responsable del éxito comercial de Art Blakey's Jazz Messengers y Cannonball Adderley's Quintet. Para Blakey (con quien estuvo durante 1958-1959), Timmons escribió el clásico "Moanin'" y, después de unirse a Adderley en 1959, su canción "This Here" (seguida más tarde por "Dat Dere") se convirtió en un gran éxito; no es de extrañar que Adderley se angustiara cuando, en 1960, Timmons decidió volver a los Jazz Messengers. "Dat Dere" fue particularmente popular cuando Oscar Brown, Jr. escribió y grabó letras que representaban coloridamente a su curioso hijo. Timmons, que ya estaba grabando como líder de Riverside, pronto formó su propio trío, pero nunca fue capaz de obtener el éxito comercial que sus antiguos jefes disfrutaban. Estereotipado como un pianista funky (aunque influye en muchos músicos como Les McCann, Ramsey Lewis, y mucho más tarde Benny Green), la carrera de Timmons fue decayendo gradualmente. Continuó trabajando hasta su muerte a los 38 años por cirrosis hepática.
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Johnny Lytle • Nice And Easy The Souldful Vibes Of Johnny Lytle

 

 

Bobby Timmons Trio ‎• Easy Does It

Review by Scott Yanow

Pianist Bobby Timmons, who became famous for his funky originals and soulful playing, mostly sticks to more bop-oriented jazz on this trio set with bassist Sam Jones and drummer Jimmy Cobb. He provides three originals (none of which really caught on) and is in excellent form on five standards, with highlights including "Old Devil Moon," "I Thought About You," and "Groovin' High." The Riverside CD reissue shows that Timmons was a bit more versatile than his stereotype; in any case, the music is excellent.

Biography by Scott Yanow

Bobby Timmons became so famous for the gospel and funky blues clichés in his solos and compositions that his skills as a Bud Powell-inspired bebop player have been long forgotten. After emerging from the Philadelphia jazz scene, Timmons worked with Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt, and the Maynard Ferguson Big Band. He was partly responsible for the commercial success of both Art Blakey's Jazz Messengers and Cannonball Adderley's Quintet. For Blakey (who he was with during 1958-1959), Timmons wrote the classic "Moanin'" and, after joining Adderley in 1959, his song "This Here" (followed later by "Dat Dere") became a big hit; it is little wonder that Adderley was distressed when, in 1960, Timmons decided to return to the Jazz Messengers. "Dat Dere" particularly caught on when Oscar Brown, Jr. wrote and recorded lyrics that colorfully depicted his curious son. Timmons, who was already recording as a leader for Riverside, soon formed his own trio but was never able to gain the commercial success that his former bosses enjoyed. Stereotyped as a funky pianist (although an influence on many players including Les McCann, Ramsey Lewis, and much later on Benny Green), Timmons' career gradually declined. He continued working until his death at age 38 from cirrhosis of the liver.

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Reseña de Scott Yanow

El pianista Bobby Timmons, que se hizo famoso por sus originales funky y su toque conmovedor, en su mayoría se apega al jazz más orientado al bop en este trío con el bajista Sam Jones y el baterista Jimmy Cobb. Ofrece tres originales (ninguno de los cuales ha sido realmente popular) y está en excelente forma en cinco estándares, con destaques como "Old Devil Moon", "I Thought About You" y "Groovin' High". La reedición del CD de Riverside muestra que Timmons era un poco más versátil que su estereotipo; en cualquier caso, la música es excelente.

Biografía de Scott Yanow

Bobby Timmons se hizo tan famoso por el gospel y los clichés del blues funky en sus solos y composiciones que sus habilidades como bebopista inspirado en Bud Powell han sido olvidadas hace tiempo. Después de salir de la escena del jazz de Filadelfia, Timmons trabajó con Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt y la Maynard Ferguson Big Band. Fue en parte responsable del éxito comercial de Art Blakey's Jazz Messengers y Cannonball Adderley's Quintet. Para Blakey (con quien estuvo durante 1958-1959), Timmons escribió el clásico "Moanin'" y, después de unirse a Adderley en 1959, su canción "This Here" (seguida más tarde por "Dat Dere") se convirtió en un gran éxito; no es de extrañar que Adderley se angustiara cuando, en 1960, Timmons decidió volver a los Jazz Messengers. "Dat Dere" fue particularmente popular cuando Oscar Brown, Jr. escribió y grabó letras que representaban coloridamente a su curioso hijo. Timmons, que ya estaba grabando como líder de Riverside, pronto formó su propio trío, pero nunca fue capaz de obtener el éxito comercial que sus antiguos jefes disfrutaban. Estereotipado como un pianista funky (aunque influye en muchos músicos como Les McCann, Ramsey Lewis, y mucho más tarde Benny Green), la carrera de Timmons fue decayendo gradualmente. Continuó trabajando hasta su muerte a los 38 años por cirrosis hepática.

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Bobby Timmons • Little Barefoot Soul

Bobby Timmons came out of Philadelphia at age 19, with a funky gospel tinged piano style, flavored with blues and hard bop. He would, in a recording career that would only span a short time frame, contribute to some of the best recordings on the legendary Blue Note sessions of the ’50s, and be a member of two of the premier bands of that time, Art Blakey and the Jazz Messengers, and the Cannonball Adderley Quintet.

Robert Henry Timmons was born in Philadelphia in 1935, raised by his grandfather who was a minister in a church. The young Timmons began formal piano lessons at age six, and was the organist at his grandfathers’ church. This early formative period would certainly be a factor in his piano approach. He was be able to innovate and improvise on his gospel foundations and brought them into jazz.

He had the lyricism of a Bud Powell in his solos, (who didn’t in the '50’s) combined with a very dominant left hand which was reminiscent of the stride and boogie players, but it was his sense of that down home chording and timing that really identified him. His musical resume for the period between 1956 and 1969 is very impressive. He was with Kenny Dorham and the Jazz Prophets in 1956, which also included Kenny Burrell on guitar. In the years ’56 through ’57 he was with Chet Baker.

The year 1957 would be a very productive and busy one as he worked and recorded with Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan, and Curtis Fuller. In the same year and into ’58 was in Maynard Fergusons’ band, and also did session dates with Art Pepper and Kenny Burrell. He took over the piano chair in Art Blakey and the Jazz Messengers in 1958 at the age of 23.

It was in period, that he wrote the classic “Moanin”, that would be a defining tune for that band, and one of his signature tunes throughout his career. He jumped over to the Cannonball Adderley Quintet in ’59 where he then wrote two big hits for them in “Dis Here” and “Dat Dere”. He stayed with Addelry into ’60 then rejoined the Messengers. He stayed with the Messengers into ’61 then he began a solo career and worked with a trio format for a lot of his own recordings which continued up to 1969.

Also in ’60 he did a lot of work with Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan, and Johnny Griffin. His output was amazing for the time, as it seems in looking at the chronological order of dates, he must have been constantly in the studio, this not counting the live dates on the road. His work is available on the Blue Note, Prestige, and Riverside labels, and many others as reissues and compilations. Quite an achievement by any standard!

During the mid 60’s he would continue as leader of his own band and recording trios, and produced an extensive body of work in that period alone. He was able to find work in the smaller venues and clubs into the early ‘70’s where he was still in demand. His piano style would go on to influence Les McCann and Ramsey Lewis, and certainly a lot of the players in the ‘70’s with what would later be called funky or soul fused variations.

Bobby Timmons died of liver ailments in New York in 1974, at the age of 38. Though many would be led to believe that he was just another tragic figure in the annals of jazz, I don’t adhere to that line of thought, and measure and admire the man for his sheer volume of work, his participation and contribution with two of the best ensembles, and his influence, to whatever degree in jazz piano.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/bobby-timmons/

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Bobby Timmons salió de Filadelfia a los 19 años, con un estilo de piano teñido de gospel funky, aromatizado con blues y hard bop. Él, en una carrera discográfica que solo abarcaría un corto período de tiempo, contribuiría a algunas de las mejores grabaciones en las legendarias sesiones de Blue Note de los años 50, y sería miembro de dos de las principales bandas de esa época, Art Blakey y Jazz Messengers, y el Quinteto Cannonball Adderley.

Robert Henry Timmons nació en Filadelfia en 1935, criado por su abuelo que era ministro en una iglesia. El joven Timmons comenzó a recibir lecciones formales de piano a los seis años y era organista en la iglesia de sus abuelos. Este período formativo temprano ciertamente sería un factor en su enfoque pianístico. Fue capaz de innovar e improvisar sobre sus cimientos góspel y los llevó al jazz.

Tenía el lirismo de un Bud Powell en sus solos, (que no lo hizo en los años 50) combinado con una mano izquierda muy dominante que recordaba a los músicos de stride y boogie, pero fue su sentido de los acordes y el ritmo de down home lo que realmente lo identificó.él. Su currículum musical para el período comprendido entre 1956 y 1969 es muy impresionante. Estuvo con Kenny Dorham and the Jazz Prophets en 1956, que también incluía a Kenny Burrell a la guitarra. Entre los años 56 y 57 estuvo con Chet Baker.

El año 1957 sería muy productivo y ocupado, ya que trabajó y grabó con Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan y Curtis Fuller. En el mismo año y hasta el 58 estuvo en la banda de Maynard Fergusons, y también hizo sesiones con Art Pepper y Kenny Burrell. Asumió la cátedra de piano en Art Blakey and the Jazz Messengers en 1958 a la edad de 23 años.

Fue en ese momento cuando escribió el clásico "Moanin", que sería una melodía definitoria para esa banda, y una de sus melodías distintivas a lo largo de su carrera. Saltó al quinteto Cannonball Adderley en el 59, donde luego escribió dos grandes éxitos para ellos en "Dis Here" y "Dat Dere". Se quedó con Addelry hasta el 60 y luego se reincorporó a los Mensajeros. Se quedó con The Messengers hasta el 61, luego comenzó una carrera en solitario y trabajó con un formato de trío para muchas de sus propias grabaciones que continuaron hasta 1969.

También en el 60 trabajó mucho con Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan y Johnny Griffin. Su producción fue asombrosa para la época, ya que parece que al mirar el orden cronológico de las fechas, debe haber estado constantemente en el estudio, sin contar las fechas en vivo en la carretera. Su trabajo está disponible en los sellos Blue Note, Prestige y Riverside, y muchos otros como reediciones y compilaciones. ¡Todo un logro desde cualquier punto de vista!

A mediados de los 60 continuaría como líder de su propia banda y grabando tríos, y produjo un extenso trabajo solo en ese período. Pudo encontrar trabajo en locales y clubes más pequeños a principios de los 70, donde todavía tenía demanda. Su estilo de piano influiría en Les McCann y Ramsey Lewis, y ciertamente en muchos de los músicos de los 70 con lo que más tarde se llamaría variaciones fusionadas funky o soul.

Bobby Timmons murió de dolencias hepáticas en Nueva York en 1974, a la edad de 38 años. Aunque a muchos se les haría creer que era solo otra figura trágica en los anales del jazz, no me adhiero a esa línea de pensamiento, y mido y admiro al hombre por su gran volumen de trabajo, su participación y contribución con dos de los mejores conjuntos, y su influencia, en cualquier grado en piano de jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/bobby-timmons/

VA • Autour De Minuit - Piano Bar

 

Ahmad Jamal, Bobby Timmons, Claude Bolling, McCoy Tyner, Oscar Peterson, Sonny Clark, The Three Sounds,
 

 

Art Blakey & The Jazz Messengers • The Big Beat

 

Review
by Christopher Fielder
Perhaps the best known and most loved of Art Blakey's works, The Big Beat is a testament to the creative progress of one of the best jazz drummers of all time. Now over 40 years old, The Big Beat is as thunderous as ever. Here, Blakey combines his rhythm with tenor saxophonist Wayne Shorter's brilliant composing to make what could only be termed a "structurally raw" album. Each track rips through bebop as quickly as Blakey ripped through drum heads. "Dat Dere" and "Lester Left Town" stand out as part of the true canons for hot jazz. Two alternate versions of "It's Only a Paper Moon" round out the album, both brimming with the fluid integrity of the song and the drive only Blakey could provide. As one of the few drummers to step out and lead, not just play backup, Blakey created a true jazz treasure in The Big Beat.
https://www.allmusic.com/album/the-big-beat-mw0000191549

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Reseña
por Christopher Fielder
Quizá la más conocida y querida de las obras de Art Blakey, The Big Beat es un testimonio del progreso creativo de uno de los mejores bateristas de jazz de todos los tiempos. Con más de 40 años, The Big Beat es tan atronador como siempre. Aquí, Blakey combina su ritmo con la brillante composición del saxofonista tenor Wayne Shorter para hacer lo que sólo podría denominarse un álbum "estructuralmente crudo". Cada tema desgarra el bebop con la misma rapidez con la que Blakey desgarraba los parches de la batería. "Dat Dere" y "Lester Left Town" destacan como parte de los verdaderos cánones del hot jazz. Dos versiones alternativas de "It's Only a Paper Moon" completan el álbum, ambas rebosantes de la fluida integridad de la canción y del empuje que sólo Blakey podía proporcionar. Blakey, uno de los pocos baterías que no se limitó a hacer de acompañante, sino que se puso al frente, creó un verdadero tesoro del jazz con The Big Beat.
https://www.allmusic.com/album/the-big-beat-mw0000191549


artblakey.com ...

Art Blakey & The Jazz Messengers • The Freedom Rider

 

Review
by Scott Yanow
The final recording by this edition of The Jazz Messengers (featuring trumpeter Lee Morgan, tenor saxophonist Wayne Shorter, pianist Bobby Timmons, bassist Jymie Merritt and drummer/leader Art Blakey) finds the group consolidating their year-and-a-half of experience into yet another exciting document. Blakey's unaccompanied drum feature on "The Freedom Rider" is full of drama while the rest of the program (two compositions apiece by Morgan and Shorter) makes this last chapter for this particular band quite memorable.
https://www.allmusic.com/album/the-freedom-rider-mw0000597050

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Reseña
por Scott Yanow
La grabación final de esta edición de The Jazz Messengers (con el trompetista Lee Morgan, el saxofonista tenor Wayne Shorter, el pianista Bobby Timmons, el bajista Jymie Merritt y el batería y líder Art Blakey) encuentra al grupo consolidando su año y medio de experiencia en otro documento emocionante. La parte de batería sin acompañamiento de Blakey en "The Freedom Rider" está llena de dramatismo, mientras que el resto del programa (dos composiciones cada uno de Morgan y Shorter) hace que este último capítulo de esta banda en particular sea bastante memorable.
https://www.allmusic.com/album/the-freedom-rider-mw0000597050


artblakey.com ...

Art Blakey & The Jazz Messengers • Like Someone In Love

 

Review
by Scott Yanow
Taken from the same sessions that resulted in A Night in Tunisia, this fine CD features the 1960 version of The Jazz Messengers starring trumpeter Lee Morgan, tenor saxophonist Wayne Shorter and pianist Bobby Timmons. The title cut is the most impressive performance, but this excellent program of high-quality hard bop also allows listeners to hear three obscure Wayne Shorter compositions and Lee Morgan's forgotten "Johnny's Blue."
https://www.allmusic.com/album/like-someone-in-love-mw0000199211

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Reseña
por Scott Yanow
Extraído de las mismas sesiones que dieron lugar a A Night in Tunisia, este excelente CD presenta la versión de 1960 de The Jazz Messengers protagonizada por el trompetista Lee Morgan, el saxofonista tenor Wayne Shorter y el pianista Bobby Timmons. El corte del título es la interpretación más impresionante, pero este excelente programa de hard bop de alta calidad también permite a los oyentes escuchar tres oscuras composiciones de Wayne Shorter y la olvidada "Johnny's Blue" de Lee Morgan.
https://www.allmusic.com/album/like-someone-in-love-mw0000199211

Maynard Ferguson • Boy With Lots Of Brass

 

Walter "Maynard" Ferguson was a Canadian-born jazz trumpet player and bandleader. He came to prominence playing in Stan Kenton's orchestra, before forming his own band in 1957. He was noted for being able to play accurately in a remarkably high register, and for his bands, which served as stepping stones for up-and-coming talent.

Early life and education
Ferguson was born in Verdun, Quebec (now part of Montreal). Encouraged by his mother and father (both musicians), Maynard was playing piano and violin by the age of four. At nine years old, he heard a cornet for the first time in his local church and asked his parents to purchase him one. At age 13, Ferguson first soloed as a child prodigy with the Canadian Broadcasting Corporation Orchestra and was heard frequently on the CBC, notably featured on a Serenade for Trumpet in Jazz written for him by Morris Davis. Ferguson won a scholarship to the French Conservatory of Music where he studied from 1943 through 1948 with Bernard Baker.

Ferguson dropped out of Montreal High School at age 15 to more actively pursue a music career, performing in dance bands led by Stan Wood, Roland David, and Johnny Holmes. While trumpet was his primary instrument, Ferguson also performed on other brass and reed instruments. Ferguson later took over the dance band formed by his brother Percy, playing dates in the Montreal area and serving as an opening act for touring bands from the United States. During this period, Ferguson came to the attention of numerous American band leaders and began receiving offers to come to the United States.

Ferguson moved to the United States in 1949 and initially played with the bands of Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey, and Charlie Barnet. The Barnet band was notable for a trumpet section that also included Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell, and Rolf Erickson. Ferguson was featured on a notoriously flamboyant Barnet recording of Jerome Kern's All The Things You Are that enraged Kern's widow and was subsequently withdrawn from sale. When Barnet temporarily retired in 1949 and disbanded his orchestra, Ferguson was free to accept an offer to join Stan Kenton's newly formed Innovations Orchestra.

Kenton and Hollywood
Stan Kenton had a longstanding offer to Ferguson but had temporarily disbanded when Ferguson moved to the United States. Kenton's bands were notable for their bombastic brass sections and Ferguson was a natural fit. In 1950, Kenton formed the Innovations Orchestra, a 40-piece jazz concert orchestra with strings, and with the folding of the Barnet band, Ferguson was available for the first rehearsal on January 1, 1950. While the Innovations Orchestra was not commercially successful, it made a number of remarkable recordings, including Maynard Ferguson, one of a series of pieces named after featured soloists.

When Kenton returned to a more practical 19-piece jazz band, Ferguson continued with him. Contrary to the natural assumption, Ferguson was not Kenton's lead trumpet player, but played the fifth chair with numerous solo features. Notable recordings from this period that feature Ferguson include Invention for Guitar and Trumpet, What's New and The Hot Canary.

In 1953, Ferguson left Kenton to become a first-call session player for Paramount Pictures. Ferguson appeared on 46 soundtracks including The Ten Commandments. Ferguson still recorded jazz during this period, but his Paramount contract prevented him from playing jazz clubs. While he enjoyed the regular paycheck, Ferguson was very unhappy with the lack of live performance opportunities and left Paramount in 1956.

The Birdland Dream Band
In 1956, Ferguson was tapped to lead the Birdland Dream Band, a 14-piece big band formed by Morris Levy as an "All-star" lineup to play at Levy's Birdland jazz club in New York City. While the name "Birdland Dream Band" was short-lived and is represented by only two albums, this band became the core of Ferguson's performing band for the next nine years. The band included, at various times, such players as Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry, and Don Menza. Arrangers included Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman, and Marty Paich.

As big bands declined in popularity and economic viability in the 1960s, Ferguson's band performed more infrequently. Ferguson began to feel musically stifled and sensed a resistance to change among American jazz audiences. According to a Down Beat interview, he was quoted as saying that if the band did not play Maria or Ole, the fans went home disappointed. Ferguson began performing with a sextet before finally officially disbanding his big band in 1967.

India and England
Following the path taken by many important jazz artists in the 1960s, Ferguson left the United States in 1968. Needing a period of spiritual exploration, Ferguson initially moved with his family to India and taught at the Krishnamurtl-based Rhishi Valley School near Madras. In 1969, he relocated to Manchester, England, manufacturing personally designed trumpets and mouthpieces and performing with a variety of ensembles in Europe.

In 1969 Ferguson signed with CBS Records in England and formed a big band with British musicians that performed in the newly popular jazz/rock fusion style. The band's repertoire included original compositions as well a pop and rock songs rearranged into a big band format with electronic amplification. This British band's output is represented by the four MF Horn albums that included very popular arrangements of the pop songs MacArthur Park and Hey Jude.

Return to the U.S.
Ferguson's new band made its North American debut in 1971. With a revived career, Ferguson relocated to New York in 1973 and gradually replaced his sidemen with American performers while reducing the band size to 12 (four trumpets, two trombones, three saxophones and three rhythm plus Maynard). The quintessential recording of this period is the album Live at Jimmys, recorded in 1973 in New York. Ferguson latched on to the burgeoning jazz education movement by recruiting talented musicians from colleges with jazz programs (notably Berklee College of Music, North Texas State University and the University of Miami) and targeting young audiences with performances and master classes in high schools. This practical and strategic move helped him develop a strong following that would sustain him for the remainder of his career.

In 1976, Ferguson began working with producer Bob James on a series of commercially successful albums that were complex studio productions featuring large groups of session musicians, including strings, vocalists and star guest soloists. The first of these albums was Primal Scream, featuring Chick Corea, Mark Colby, and Steve Gadd. The second, Conquistidor in 1977, resulted in a top-10 pop single, Gonna Fly Now (from the movie Rocky), a rare accomplishment for a jazz musician in the 1970s. Aside from an exciting Jay Chattaway arrangement and dense Bob James production, the single was also helped by the fact that it was released prior to the official soundtrack album of the hit movie. Ferguson maintained a hectic touring schedule during this period, with well-attended concerts that featured concert lighting and heavy amplification.

Ferguson continued with this musical model for the remainder of the 1970s, receiving considerable acclaim from audiences but often tepid response from jazz purists who decried his commercialism and questioned his taste. Ferguson reportedly also began to experience great frustration with Columbia over being unable to use his working band on recording projects and having difficulty including even a single jazz number on some albums. Ferguson's contract with Columbia Records expired after the 1982 release of the Hollywood album, produced by Stanley Clarke.

Ferguson recorded three big band albums with smaller labels in the mid '80s before forming a more economical fusion septet, High Voltage, in 1986. This ensemble, which featured multi-reed player Dennis DiBlasio as the only other horn player, recorded two albums and received mixed reviews. The format was ultimately unsatisfying to Ferguson, who had grown up in big bands and developed a performing style most appropriate to that structure.

Big Bop Nouveau
In 1988, Ferguson returned both to a large band format and to mainstream jazz with the formation of Big Bop Nouveau, a nine-piece band featuring three trumpets, one trombone, two reeds and a three-piece rhythm section. The band's repertoire included original jazz compositions and modern arrangements of jazz standards, with occasional pieces from his 70s book and the Birdland Dream Band. This format proved to be successful with audiences and critics and Ferguson toured nine months a year with Big Bop Nouveau for the remainder of his life. This band recorded extensively, including albums backing vocalists Dianne Shurr and Michael Feinstein.

Although in later years Ferguson did lose some of the range and phenominal accuracy of his youth, he remained an exciting performer into his late 70s. Just days after completing a weeklong run at New York's Blue Note and recording a studio album in New Jersey, Ferguson developed an abdominal infection that resulted in kidney and liver failure. Ferguson died on the evening of August 23, 2006 at the Community Memorial Hospital in Ventura, California.

Influence
Maynard Ferguson was one of a handful of virtuoso musician/bandleaders to survive the end of the big band era and the rise of rock and roll. He demonstrated a remarkable ability to adapt to the musical trends that evolved from the 1940's through the 2000's. Ferguson's albums show an evolution from big band swing, bebop, cool jazz, Latin, jazz/rock, fusion with classical and operatic influences.

While not the first trumpeter to play in the extreme upper register, Ferguson had a unique ability to play high notes with full, rich tone, power, and musicality. While regarded by some as showboating, Ferguson's phrasing and vibrato have been extremely influential on generations of trumpet players. With interviewers Ferguson shared that he was able to command the upper registers of the trumpet not so much with his 'lip', but more with the breath control he had discovered as a youngster playing the instrument while growing up in Montreal. Ferguson attributed the longevity of his demanding bravura trumpet technique through his later years to the spiritual and yoga studies he pursued while in India.

While Ferguson's range was his most obvious attribute, his personal charisma was also a significant factor in his success. Through his devotion to music education in America, Ferguson was able to impart the spirit of his jazz playing and technique to scores of amateur and professional trumpeters during the many Master Classes held throughout his long career.

Ferguson popularized and enhanced two unique instruments - a trumpet with both traditional valves (played with the left hand rather than the right) and a trombone-style slide called the 'Firebird' as well as a trombone with both a slide and valves called 'Superbone.' Ferguson regularly incorporated Indian instruments and influences in albums and concerts.

Personal Life
While Ferguson's life had its ups and downs, Ferguson was fortunate to have evaded the destructive behaviors that bedeviled so many other artists of his generation. In the mid 1970s, Ferguson resettled to Ojai, California, where he lived to the end of his life. Ferguson's first marriage was to singer / actress Kay Brown in 1951. Maynard second marriage to Flo Ferguson lasted until her death on February 27, 2005. Ferguson had four daughters: Kim, Lisa, Corby, and Wilder. Kim Ferguson is married to Maynard's former road manager, Jim Exon. Wilder Ferguson is married to pianist (and former Big Bop Nouveau member) Christian Jacob. At the time of his death, Ferguson had a granddaugher, Erica.

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Walter "Maynard" Ferguson fue un trompetista de jazz y director de orquesta nacido en Canadá. Saltó a la fama tocando en la orquesta de Stan Kenton, antes de formar su propia banda en 1957. Se destacó por ser capaz de tocar con precisión en un registro notablemente alto y por sus bandas, que sirvieron como trampolines para el talento emergente.

Vida temprana y educación
Ferguson nació en Verdún, Quebec(ahora parte de Montreal). Animado por su madre y su padre (ambos músicos), Maynard tocaba el piano y el violín a los cuatro años. A los nueve años, escuchó una corneta por primera vez en su iglesia local y les pidió a sus padres que le compraran una. A los 13 años, Ferguson tocó por primera vez en solitario como un niño prodigio con la orquesta de la Canadian Broadcasting Corporation y se le escuchó con frecuencia en la CBC, destacando en una Serenata para Trompeta en Jazz escrita para él por Morris Davis. Ferguson ganó una beca para el Conservatorio Francés de Música, donde estudió de 1943 a 1948 con Bernard Baker.

Ferguson abandonó la Escuela secundaria de Montreal a los 15 años para seguir más activamente una carrera musical, actuando en bandas de baile dirigidas por Stan Wood, Roland David y Johnny Holmes. Si bien la trompeta era su instrumento principal, Ferguson también tocaba otros instrumentos de metal y lengüeta. Ferguson luego se hizo cargo de la banda de baile formada por su hermano Percy, tocando en el área de Montreal y sirviendo como telonero de bandas de gira de los Estados Unidos. Durante este período, Ferguson llamó la atención de numerosos líderes de bandas estadounidenses y comenzó a recibir ofertas para venir a los Estados Unidos.

Ferguson se mudó a los Estados Unidos en 1949 e inicialmente tocó con las bandas de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey y Charlie Barnet. La Barnet Band se destacó por una sección de trompeta que también incluía a Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell y Rolf Erickson. Ferguson apareció en una grabación notoriamente extravagante de Barnet de All The Things You Are de Jerome Kern que enfureció a la viuda de Kern y posteriormente fue retirada de la venta. Cuando Barnet se retiró temporalmente en 1949 y disolvió su orquesta, Ferguson fue libre de aceptar una oferta para unirse a la recién formada Orquesta Innovations de Stan Kenton.

Kenton y Hollywood
Stan Kenton tenía una oferta de larga data a Ferguson, pero se había disuelto temporalmente cuando Ferguson se mudó a los Estados Unidos. Las bandas de Kenton se destacaban por sus secciones de metales grandilocuentes y Ferguson encajaba perfectamente. En 1950, Kenton formó la Innovations Orchestra, una orquesta de conciertos de jazz de 40 músicos con cuerdas, y con la disolución de Barnet band, Ferguson estuvo disponible para el primer ensayo el 1 de enero de 1950. Si bien la Innovations Orchestra no tuvo éxito comercial, realizó una serie de grabaciones notables, incluida Maynard Ferguson, una de una serie de piezas que llevan el nombre de solistas destacados.

Cuando Kenton regresó a una banda de jazz de 19 integrantes más práctica, Ferguson continuó con él. Contrariamente a la suposición natural, Ferguson no era el trompetista principal de Kenton, sino que tocaba la quinta silla con numerosas funciones solistas. Grabaciones notables de este período que presentan a Ferguson incluyen Invention for Guitar and Trumpet, What's New y The Hot Canary.

En 1953, Ferguson dejó Kenton para convertirse en un jugador de sesión de primera llamada para Paramount Pictures. Ferguson apareció en 46 bandas sonoras, incluidos Los Diez Mandamientos. Ferguson siguió grabando jazz durante este período, pero su contrato con Paramount le impidió tocar en clubes de jazz. Si bien disfrutaba del sueldo regular, Ferguson estaba muy descontento con la falta de oportunidades de presentaciones en vivo y dejó Paramount en 1956.

La Banda de los Sueños de Birdland
En 1956, Ferguson fue elegido para dirigir Birdland Dream Band, una big band de 14 integrantes formada por Morris Levy como formación "All-star" para tocar en el club de jazz Birdland de Levy en la ciudad de Nueva York. Si bien el nombre "Birdland Dream Band" duró poco y está representado por solo dos álbumes, esta banda se convirtió en el núcleo de la banda de Ferguson durante los siguientes nueve años. La banda incluyó, en varias ocasiones, a músicos como Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry y Don Menza. Los arreglistas incluyeron a Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman y Marty Paich.

A medida que las grandes bandas disminuyeron en popularidad y viabilidad económica en la década de 1960, la banda de Ferguson actuó con menos frecuencia. Ferguson comenzó a sentirse sofocado musicalmente y sintió una resistencia al cambio entre el público estadounidense de jazz. Según una entrevista de Down Beat, fue citado diciendo que si la banda no tocaba con Maria u Ole, los fanáticos se iban a casa decepcionados. Ferguson comenzó a actuar con un sexteto antes de finalmente disolver oficialmente su big band en 1967.

India e Inglaterra
Siguiendo el camino tomado por muchos artistas de jazz importantes en la década de 1960, Ferguson abandonó los Estados Unidos en 1968. Necesitando un período de exploración espiritual, Ferguson inicialmente se mudó con su familia a la India y enseñó en la Escuela Rhishi Valley School, con sede en Krishnamurtl, cerca de Madrás. En 1969, se mudó a Manchester, Inglaterra, fabricando trompetas y boquillas diseñadas personalmente y actuando con una variedad de conjuntos en Europa.

En 1969 Ferguson firmó con CBS Records en Inglaterra y formó una big band con músicos británicos que actuaron en el nuevo estilo popular de fusión de jazz / rock. El repertorio de la banda incluía composiciones originales, así como canciones de pop y rock reorganizadas en un formato de big band con amplificación electrónica. La producción de esta banda británica está representada por los cuatro álbumes de MF Horn que incluyeron arreglos muy populares de las canciones pop MacArthur Park y Hey Jude.

Regreso a los EE. UU.
La nueva banda de Ferguson hizo su debut en Norteamérica en 1971. Con una carrera revivida, Ferguson se mudó a Nueva York en 1973 y gradualmente reemplazó a sus acompañantes con artistas estadounidenses mientras reducía el tamaño de la banda a 12 (cuatro trompetas, dos trombones,tres saxofones y tres ritmos más Maynard). La grabación por excelencia de este período es el álbum Live at Jimmys, grabado en 1973 en Nueva York. Ferguson se aferró al floreciente movimiento educativo del jazz reclutando músicos talentosos de universidades con programas de jazz (en particular, Berklee College of Music, North Texas State University y University of Miami) y dirigiéndose al público joven con actuaciones y clases magistrales en escuelas secundarias. Este movimiento práctico y estratégico lo ayudó a desarrollar un gran número de seguidores que lo mantendrían durante el resto de su carrera.

En 1976, Ferguson comenzó a trabajar con el productor Bob James en una serie de álbumes de éxito comercial que fueron producciones de estudio complejas con grandes grupos de músicos de sesión, incluidos cuerdas, vocalistas y solistas invitados estrella. El primero de estos álbumes fue Primal Scream, con Chick Corea, Mark Colby y Steve Gadd. El segundo, Conquistador en 1977, resultó en un sencillo pop entre los 10 primeros, Gonna Fly Now (de la película Rocky), un logro poco común para un músico de jazz en la década de 1970. Aparte de un emocionante arreglo de Jay Chattaway y una densa producción de Bob James, el sencillo también fue ayudado por el hecho de que fue lanzado antes del álbum oficial de la banda sonora de la exitosa película. Ferguson mantuvo un agitado calendario de giras durante este período, con conciertos muy concurridos que presentaban iluminación de conciertos y una gran amplificación.

Ferguson continuó con este modelo musical durante el resto de la década de 1970, recibiendo elogios considerables del público, pero a menudo una tibia respuesta de los puristas del jazz que criticaron su comercialismo y cuestionaron su gusto. Según los informes, Ferguson también comenzó a experimentar una gran frustración con Columbia por no poder usar su banda de trabajo en proyectos de grabación y tener dificultades para incluir incluso un solo número de jazz en algunos álbumes. El contrato de Ferguson con Columbia Records expiró después del lanzamiento en 1982 del álbum Hollywood, producido por Stanley Clarke.

Ferguson grabó tres álbumes de big band con sellos más pequeños a mediados de los 80 antes de formar un septeto de fusión más económico, High Voltage, en 1986. Este conjunto, que presentaba al músico de lengüetas múltiples Dennis DiBlasio como el único otro trompetista, grabó dos álbumes y recibió críticas mixtas. El formato finalmente fue insatisfactorio para Ferguson, quien había crecido en grandes bandas y había desarrollado un estilo de interpretación más apropiado para esa estructura.

Big Bop Nuevo
En 1988, Ferguson regresó tanto a un formato de banda grande como al jazz convencional con la formación de Big Bop Nouveau, una banda de nueve integrantes con tres trompetas, un trombón, dos lengüetas y una sección rítmica de tres piezas. El repertorio de la banda incluía composiciones originales de jazz y arreglos modernos de estándares de jazz, con piezas ocasionales de su libro de los 70 y Birdland Dream Band. Este formato resultó ser un éxito entre el público y la crítica y Ferguson realizó una gira nueve meses al año con Big Bop Nouveau durante el resto de su vida. Esta banda grabó extensamente, incluidos álbumes con los coristas Dianne Shurr y Michael Feinstein.

Aunque en años posteriores Ferguson perdió parte del alcance y la precisión fenomenal de su juventud, siguió siendo un intérprete emocionante hasta finales de los 70. Pocos días después de completar una carrera de una semana en Blue Note de Nueva York y grabar un álbum de estudio en Nueva Jersey, Ferguson desarrolló una infección abdominal que resultó en insuficiencia renal y hepática. Ferguson murió la noche del 23 de agosto de 2006 en el Community Memorial Hospital de Ventura, California.

Influencia
Maynard Ferguson fue uno de los pocos músicos/directores de orquesta virtuosos que sobrevivieron al final de la era de las big band y al auge del rock and roll. Demostró una notable habilidad para adaptarse a las tendencias musicales que evolucionaron desde la década de 1940 hasta la década de 2000. Los álbumes de Ferguson muestran una evolución del swing de big band, bebop, cool jazz, latín, jazz/rock, fusión con influencias clásicas y operísticas.

Aunque no fue el primer trompetista en tocar en el registro superior extremo, Ferguson tenía una habilidad única para tocar notas altas con un tono completo y rico, potencia y musicalidad. Aunque algunos lo consideran un espectáculo, el fraseo y el vibrato de Ferguson han sido extremadamente influyentes en generaciones de trompetistas. Con los entrevistadores, Ferguson compartió que podía dominar los registros superiores de la trompeta no tanto con su 'labio', sino más con el control de la respiración que había descubierto cuando era joven tocando el instrumento mientras crecía en Montreal. Ferguson atribuyó la longevidad de su exigente técnica de trompeta bravura durante sus últimos años a los estudios espirituales y de yoga que realizó mientras estaba en la India. Si bien el rango de Ferguson era su atributo más obvio, su carisma personal también fue un factor significativo en su éxito. A través de su devoción por la educación musical en Estados Unidos, Ferguson pudo impartir el espíritu de su interpretación y técnica de jazz a decenas de trompetistas aficionados y profesionales durante las numerosas Clases Magistrales impartidas a lo largo de su larga carrera. Ferguson popularizó y mejoró dos instrumentos únicos: una trompeta con válvulas tradicionales (tocadas con la mano izquierda en lugar de la derecha) y un tobogán estilo trombón llamado 'Firebird', así como un trombón con tobogán y válvulas llamado 'Superbone. Ferguson incorporó regularmente instrumentos e influencias indias en álbumes y conciertos . Vida Personal Si bien la vida de Ferguson tuvo sus altibajos, Ferguson tuvo la suerte de haber evadido los comportamientos destructivos que atormentaban a tantos otros artistas de su generación. A mediados de la década de 1970, Ferguson se reasentó en Ojai, California, donde vivió hasta el final de su vida. El primer matrimonio de Ferguson fue con la cantante y actriz Kay Brown en 1951. El segundo matrimonio de Maynard con Flo Ferguson duró hasta su muerte el 27 de febrero de 2005. Ferguson tuvo cuatro hijas: Kim, Lisa, Corby y Wilder. Kim Ferguson está casada con el ex road manager de Maynard, Jim Exon. Wilder Ferguson está casado con el pianista (y exmiembro de Big Bop Nouveau) Christian Jacob. En el momento de su muerte, Ferguson tenía una nieta, Erica.

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